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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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A finales de la década de los sesenta, el terror era un género encallado en el pasado, confinado a los autocines y las salas de serie Z y despreciado por la crítica. “Shock Value” cuenta la sorprendente his-toria de cómo una mezcla de instinto comercial y pasión personal alumbró una nueva y ambiciosa forma de arte. Directores como Wes Craven, Roman Polanski, John Carpenter y Brian de Palma revolu¬cionaron el género en los años setenta, explorando sus miedos más profundos para derribar tabúes e imprimir en las películas de terror un realismo descarnado, un estilo combativo y una arista política. Zinoman cuenta cómo estos rompedores cineastas dieron a luz clásicos del cine como ‘La noche de los muertos vivientes’, ‘La semilla del diablo’, ‘Carrie’, ‘La matanza de Texas’ y ‘La noche de Halloween’, creando un modelo de cine de terror que luego ha sido imitado hasta la extenuación, alcanzando en raras ocasiones su originalidad. ‘Shock value’ cuenta la sorprendente historia de la génesis de estas pelí¬culas, que hoy en día siguen siendo incomprendidas incluso por algunos de sus fans más incondiciona¬les. Sus directores fueron jóvenes voluntariosos y a menudo obsesivos que en muchos casos trabajaron fuera de los confines de Hollywood y con presupuestos mínimos, y cuyo éxito dependió tanto del conflicto creativo como de sus visiones personales.
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Si en 1964 Por un puñado de dólares había reinterpretado el Western, al año siguiente La muerte tenía un precio sofisticó y perfeccionó tan asombroso enfoque innovador, reuniendo los principales responsables del éxito anterior: Sergio Leone (director y coguionista), Ennio Morricone (músico), Carlo Simi (escenógrafo y figurinista) y Clint Eastwood y Gian Maria Volonté (protagonistas). Entreverando la identidad americana del género con rasgos del cine japonés y múltiples epítetos característicamente mediterráneos, dentro de un hipnótico trazado visual donde resalta la extraordinaria química entre los actores, Leone niqueló una personalísima obra maestra, de éxito grandioso en los cinco continentes. A partir de entonces el Western ya no sería lo mismo: La muerte tenía un precio, coproducción italo-hispano-alemana, introduce un punto de inflexión en la historia del género, pero también en el decurso del cine europeo, e incluso del Séptimo Arte. Carlos Aguilar, uno de los historiadores cinematográficos más prestigiosos y premiados de España.
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¿Es la obra de Lynch deudora directa de la de Alfred Hitchcock? ¿Por qué dos directores tan peculiares y, en apariencia, tan diferentes -aunque quizá en el fondo no tanto-, formados en contextos tan diversos, se interesan por los mismos temas? Son algunas de las cuestiones que pretende despejar este esclarecedor ensayo de Almudena López Molina, ahondando en las perspectivas que comparten ''Vértigo'' y ''Mulholland Drive'', dos títulos que definen de manera ejemplar el estilo y aliento artístico de sus creadores. Por otro lado, es interesante también examinar en profundidad la filmografía de Lynch -especialmente en obras como ''Carretera perdida'' (''Lost Highway'') o ''Twin Peaks''para determinar cómo las referencias a los rasgos de Hitchcock son una constante en su trayectoria y, al mismo tiempo, cómo se distancia del icónico cineasta británico, forjando una propuesta personal indiscutible. Considerando ambas obras como paradigmáticas de su tiempo, esta reflexión sobre las diversas maneras de abordar temas similares permitirá señalar, en cada caso, los rasgos esenciales de dos películas fascinantes que marcaron un punto de inflexión en la historia del cine.
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Tanto España como el mundo han sufrido un profundo cambio con motivo de dos crisis recientes: la económica de 2008 y la sanitaria provocada por la COVID-19.Ambos colapsos económicos, políticos y sociales no han impedido que el cine español haya seguido creando historias, siendo los trabajos más pequeños, en lo referente a presupuestos, los que más han conectado con la realidad de un país que se encontraba perdido ante la dura situación que estaba viviendo. Varias de estas películas, que pueden ser catalogadas como cine independiente, en los márgenes o low cost, lograron salir a la luz gracias, entre otras cosas, a la democratización tecnológica que empezaba a hacerse más patente en esos días.Las cortinas son invencibles busca hablar tanto de esa época convulsa y llena de transformaciones como de un cine español que operaba fuera del radar más mediático. El libro incluye una serie de entrevistas donde varios cineastas hablan sobre algunas de las películas que realizaron entre los años 2010 y 2020.
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Juegos para actores y no actores es un libro valioso para todas las personas interesadas en la aplicación de técnicas teatrales en todas las actividades humanísticas: psicología y psicoterapia, arte y educación, trabajo social y político.
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UNA ENTRADA VIP AL RODAJE DE LAS MEJORES PELÍCULAS DE TERROR DE TODOS LOS TIEMPOS ¿Qué define a un gran monstruo del cine? El oscarizado artista y maquillador Howard Berger y el veterano periodista Marshall Julius se embarcan en el mayor safari cinematográfico imaginable para indagar en los fantasmas, las bestias, los demonios y las criaturas más emblemáticas de Hollywood. Creando monstruos, un bestiario de las criaturas más fascinantes del cine de terror, reúne los relatos en primera persona de sus creadores y enseña cientos de fotografías, muchas de ellas inéditas hasta ahora. Las historias de los artistas, actores, escritores, directores y magos de los efectos especiales que dieron vida a esos personajes convierten este libro en un pase exclusivo a los rodajes más espectaculares, no solo de clásicos de culto como Halloween o Aullidos, de títulos galardonados en todo el mundo como La mosca o iconos de la cultura pop como Gremlins, Alien, Star Wars y Eduardo Manostijeras, sino también de series que han marcado a generaciones, como The Walking Dead y Stranger Things. Esta recopilación definitiva de los monstruos emblemáticos del cine de terror hará que los fans del género vuelvan a gritar, aullar o saltar de su asiento como la primera vez.
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Saló Diana (1977-1978) recupera la experiencia singular e iniciática de una sala de teatro que, durante poco más de un año, marcó un punto de inflexión en la escena cultural de Barcelona. A través del testimonio oral de sus protagonistas y de materiales de archivo, el mítico Saló Diana se revela como una institución antes de la institucionalidad de la producción artística de los años ochenta.
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Nicholas Ray, cineasta sincero, arriesgado y profundamente humano. Miguel Marías recorre sus mejores películas y reivindica su legado como autor esencial.Aclamado en Cahiers du Cinéma como «El cineasta bienamado» por los jóvenes Godard, Truffaut, Rivette y Rohmer, venerado por los cinéfilos, Nicholas Ray supuso por su sinceridad y sensibilidad un guía para quienes iban a hacer un cine personal y nuevo.Sus películas han acompañado a Miguel Marías toda su vida. Y Marías, desde artículos tempranos hasta unas últimas notas redactadas en el presente, con textos antológicos como El ruido y la furia o Nicholas Ray, la antorcha, ha reivindicado su ejemplo y su legado, un cine vivo, arriesgado y palpitante.
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Ingmar Bergman es un autor cuya filmografía ha sido analizada y diseccionada hasta el hartazgo. No obstante, la prevalencia de aspectos visuales, estructurales o estilísticos en los trabajos realizados ha copado el mundo editorial, sin que la verdadera esencia de Bergman haya sido desvelada. Porque, aunque era director, también fue guionista y, pese a que él mismo renegase de su talento como escritor, su mayor afán era el de ser considerado un intelectual de primer orden como August Strindberg. Ingmar Bergman. El cine de las cicatrices opera a la inversa que la totalidad de la bibliografía que gira en torno al director sueco, analizando los diálogos de sus películas respecto a las temáticas que le obsesionaban como persona: la religión, los actores, la violencia, la sexualidad, la trascendencia, la muerte, la enfermedad mental y la familia. Cada una de sus cicatrices fue trasladada a su filmografía de manera ineluctable, lo que resultó en un corpus cinematográfico extraordinariamente rico y susceptible de ser analizado desde la propia biografía y devenir del director. Tras la lectura de este volumen, se entenderá que las filias y fobias de Bergman marcaron su carrera como autor cinematográfico, siendo fácil rastrear su personalidad en cada título, lo que revela una obra completamente íntima y fascinante.
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En marzo de 1984, el tándem Hayao Miyazaki e Isao Takahata soñaba con mantener unido al equipo original de su anterior película. Nausicaä del Valle del Viento, la exitosa adaptación cinematográfi ca del manga de Miyazaki había reunido al equipo fundacional del estudio, El castillo en el cielo llegaría para consolidar y ampliar esa alianza. Pero no solo eso: el tercer largometraje de Miyazaki impulsaría la creación formal de Studio Ghibli y trazaría el mapa de su universo, un fi rmamento en el que la imaginación vuela tan alto como sus protagonistas. Biblioteca Ghibli: El castillo en el cielo explora aquel momento clave: desde cómo se formó el equipo, tras el inesperado éxito anterior, hasta el modo en que Ghibli forjó una nueva forma de trabajar, autoral y única. A través de un recorrido que comienza con la concepción cinéfi la de la animación, expuesta en el Museo Ghibli de Mitaka, el libro explora las infl uencias narrativas y visuales de El castillo en el cielo, sus personajes y el singular proceso de producción del estudio. Además, reconstruye el meticuloso camino artesanal que dio origen a una obra icónica. Más que el making of de una película, este es el retrato del despegue, del nacimiento de un estilo que transformó para siempre la animación japonesa. La historia de por qué Ghibli es Ghibli empieza aquí.
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José Luis Garci comenta con su consabida maestría una surtida selección de directores que tradicionalmente no han sido considerados grandes maestros del cine pero que atesoran estupendas películas en su filmografía. Todo ello acompañado por un gran despliegue gráfico.
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¿Es Tim Burton el eterno adolescente que consiguió hacerse un hueco en Hollywood o un artista total que ha creado todo un niverso propio? Con más de veinte películas en su larga trayectoria de treinta años, como Eduardo Manostijeras, Big Fish, rankenweenie o Sweeny Todd, este director de culto no deja a nadie indiferente: amor u odio, fascinación o decepción le han acompañado con cada uno de sus estrenos. En el libro que tienes en tus manos se recorre todo su potencial creativo: no sólo las claves de su cine sino las de su arte, bocetos o pinturas. El imaginario fantástico de Tim Burton es una obra indispensable para los admiradores del director, pero también para aquellos que quieran llegar a conocerle de una manera diferente y completa y dejarse sorprender por su riqueza artística y su imaginario fantástico. Abre estas páginas y viaja por sus mundos: reales o imaginarios, el hades y lo terrenal, lo bello y lo siniestro. Creaciones fantásticas llenas de espirales, colores, héroes carismáticos, bosques encantados, animales, sombras y ruinas.
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Desde las profundidades del banco Gringotts o el Callejón Diagon hasta los pasillos del castillo Hogwarts o el Ministerio de Magia, el Mundo Mágico de Harry Potter esconde infinidad de secretos, algunos de ellos ocultos a plena vista hasta para los seguidores más fieles de la mitología. ¿Alguna vez te has preguntado cómo funciona realmente el universo mágico, más allá de las novelas y el cine? Adéntrate en las páginas de este volumen para descubrir todos los detalles del universo de ficción más mágico de la historia, desde los artilugios de poder hasta la magia en el Mundo Muggle, pasando por las interioridades de la política o el deporte de la comunidad mágica. Un libro único que hará las delicias de todos los aficionados al mundo de Harry Potter.
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¡Kineuropa proviene de Kino, cine en alemán, la lengua de Fausto y del expresionismo temprano, Kineuropa como kívnoiç, la palabra para movimiento y danza, del griego como el clasicismo mediterráneo que dio forma y orden a nuestro mundo. Kineuropa como cine y Europa, una crasis y unión de una idea y el espíritu que la generó. Nueve autores de diferentes orígenes, de perspectivas heterogéneas, pero con una visión común, procedentes de seis naciones diferentes, exploran en esta colección un mismo tema: cómo el Séptimo Arte no sólo nació por casualidad en una determinada coordenada geográfica y luego se extendió como un reguero de pólvora por los cinco continentes, sino que representa una expresión característica de un Volksgeist preciso y, al mismo tiempo, un medio privilegiado para que el hombre europeo se defina y comprenda a sí mismo, sus problemas, las preguntas que le son más urgentes, su historia, su ethos. Desde Goethe hasta Richard Wagner y su arte total, verdadera fuente de la que surge la aventura cinematográfica, desde Spengler y Nietzsche hasta la tragedia, y de nuevo desde Refn y Von Trier hasta Melville y la Nouvelle Vague, Fritz Lang, y más allá, hasta el corazón de la fantasmagoría de Méliès, el cine como rayo de la identidad europea brilla aquí en toda su luz y su encanto atemporal, acompañando al lector en un redescubrimiento, incluso antes del de una forma artística, de la Europa eterna, madre bella, patria inmortal.
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El mundo mágico de Pandora regresa a las pantallas de cine en diciembre de 2025 y esa magia se muestra ampliamente en este diccionario visual bellamente ilustrado. Con gran cantidad de nuevos personajes, de flora y fauna, de información importante sobre la forma de vida, las pertenencias y el entorno, este es un libro totalmente imprescindible tanto para los incondicionales como para los nuevos fans.
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Cien son las premisas que encontramos en este libro, y cada una de ellas es una afirmación sobre los poderes o características que tiene el amor, justificada a travésde la cultura. Partiendo de 100 películas y de otras tantas obras literarias de refer
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En este libro, Jan Doat nos descubre un método para la educación del lenguaje corporal que ofrece, sin duda, una ayuda práctica a los alumnos y alumnas de arte dramáticoSi se compara una obra de teatro con una sinfonía, se puede decir que el actor es, a la vez, el instrumentista y el instrumento, instrumentista, porque traduce, con su inteligencia, su sensibilidad y su sentido artístico un texto escrito, así como el músico traduce su partitura, instrumento, porque solo puede exteriorizarse con la voz, la mímica, los movimientos del cuerpo.La actuación sutil y emotiva de un personaje exige de los actores y actrices una fluidez expresiva que debe ser desarrollada.
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Olvídate de pasar horas interminables intentando dar con la película que necesitas: esta recopilación de grandes films te ayudará a encontrar la más adecuada según tu estado de ánimo. En la vida te pueden pasar muchas cosas. A veces, no hace falta ni una semana ni un mes. En solo 24 horas, tu vida puede dar un vuelco: un mensaje inesperado, una despedida que no veías venir, una buena noticia que te cambia el ánimo, una resaca existencial (o de las otras). En resumen: la vida es una montaña rusa de emociones. Este libro es una guía para esas ocasiones. Una recopilación de películas pensada para acompañarte justo cuando más lo necesitas. No importa si estás enamorado y sientes mariposas en el estómago, o si tienes ganas de matar al inútil de tu jefe, o si la vida simplemente te pesa y necesitas reír, echarte una lloradita o sencillamente sentirte comprendido. Porque la vida está llena de momentos, algunos buenos y otros no tanto. Pero hay una cosa segura: siempre vas a tener una peli que te acompañe en el camino.
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«Os invito a que entréis en estos relatos, que constituyen algunos de los textos notables que han dado lugar a indiscutibles obras maestras del cine». Juan Antonio Molina Foix Este volumen reúne cinco relatos de algunos de los escritores más destacados de la literatura universal que fueron adaptados a la gran pantalla. Cada relato va acompañado de una breve introducción sobre el texto y su correspondiente adaptación fílmica para explicar algunos elementos y datos curiosos que destacan en cada formato. Entre las cinco narraciones que incluye esta antología está «Testigo de cargo», un ingenioso drama judicial de Agatha Christie que combina intriga, suspense y un desenlace inesperado, fue llevado a la pantalla por Billy Wilder, con su sello característico de ironía y sentido del humor. Recoge también la angustiosa novela Los pájaros, de Daphne du Maurier, donde emplea las técnicas tradicionales del género de terror, fue trasladada al cine por Alfred Hitchcock en una versión bastante libre del texto original, con imágenes muy bien conseguidas, y un montaje y movimientos de cámara que impactan al espectador. Completan la recopilación «El hombre que mató a Liberty Valance», de Dorothy M. Johnson, adaptada al cine por John Ford, La sumisa de Fiódor Dostoievski, llevada a la gran pantalla por Robert Bresson bajo el título Une femme douce, y «Los muertos» de James Joyce, trasladado a película por John Houston con el título Dublineses.
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Con este libro, los autores, Javier Ramos y Ángel Caldito, nos muestran el importante papel que tuvo Madrid en el desarrollo del subgénero cinematográfico conocido como spaghetti-western. Asociado generalmente aAlmería, poca gente sabe que más de 200 westerns se rodaron, total o parcialmente, en la Comunidad de Madrid. De hecho, Madrid puede considerarse el lugar donde se desató el boom de este popular género cinematográfico gracias al rodaje, en Hoyo de Manzanares, del filme Por un puñado de dólares (Sergio Leone, 1964). La Pedriza, Colmenar Viejo, Hoyo de Manzanares, Ciempozuelos, Titulcia, Algete... fueron escenarios habituales por donde cabalgaron vaqueros, indios, soldados obandidos mexicanos. En Madrid, existieron tres grandes poblados del Oeste, varios poblados temporales, cuatro fuertes y decenas de ranchos y cabañas. Hoy en día, apenas quedan restos de estos lugares y casi nadie se acuerda de que existieron. El objetivo del libroes recordar estos lugares y que los aficionados al género puedan visitarlos. También se rinde un pequeñohomenaje a todos los madrileños, artistas, técnicos yempresas cuyos nombres aparecen en los títulos de crédito de muchos spaghetti-western. El libro incluye cerca de 400 fotografías a color y un prólogo de JoséLuis Galicia, decorador cinematográfico y uno de losconstructores del poblado del Oeste de Hoyo de Manzanares.
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Jean-Luc Godard (1930-2022) consagró toda su vida al cine. Primero como espectador y crítico, y después como cineasta, su legado es una de las cumbres del siglo xx. Además de su extensa y heteróclita obra -entre sus más de doscientas películas se encuentran algunos hitos de la historia de las imágenes en movimiento como ''Al final de la escapada'', ''Pierrot el loco'', ''Yo te saludo, María'', ''Histoire(s) du cinéma'' o ''Film Socialisme''-, fue uno de los cineastas que más y mejor ha pensado el cine, faceta que él mismo consideraba tan importante como la propiamente cinematográfica. ''Jean-Luc Godard. Pensar entre imágenes'' recoge, por primera vez, las ideas que el realizador elaboró y reelaboró a lo largo de multitud de entrevistas, conferencias, conversaciones y presentaciones, y lo hace exclusivamente a través de las palabras de Godard, que, tras un proceso de selección y montaje a cargo de Núria Aidelman y Gonzalo de Lucas, conforman una constelación de pasajes en orden cronológico en los que el pensamiento en permanente proceso de elaboración del director se presenta al desnudo y en toda su riqueza, complejidad y extensión. La memoria personal, la nouvelle vague, la dirección de actores, la cámara, el montaje, el papel de la crítica, la función e idiosincrasia del cine, la ficción y el documental, entre otros muchos temas, son aspectos que se van entretejiendo en este volumen imprescindible que es tanto unas memorias, como un ensayo y un libro de estética.
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Conoce todos los vehículos de Star Wars: el despertar de la Fuerza con un grado de detalle sin precedentes. Star Wars. El despertad de la fuerza: Naves y vehículos en detalle presenta doce espectaculares ilustraciones que dan vida al nuevo armamento, a los vehículos y a la tecnología, con textos que explican las particularidades de todos los artefactos novedosos hasta el más mínimo detalle. © & TM 2015 LUCASFILM LTD.
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Una guía revolucionaria sobre el mundo del anime, desde clásicos y títulos de culto hasta joyas poco conocidas El universo del anime es de una riqueza casi inagotable. Sus creaciones -duendes misteriosos, robots colosales, héroes que buscan bolas de dragón o empuñan espadas matadragones- nos transportan tanto a bellas fantasías infantiles como a perversos mundos distópicos. Son tantos los clásicos imprescindibles que para los recién llegados puede resultar incluso abrumador. Este libro es la puerta de entrada al género. En un fascinante recorrido por más de 100 películas y series de televisión, estelibro revela toda la profundidad, diversidad y genialidad del producto cultural más exportado de Japón. Recorre la historia del anime, descubre la trayectoria de los directores más influyentes y entiende las diferencias entre los distintos géneros, así como los motivos narrativos recurrentes y la particular forma de hilar historias de sus creadores principales. Heidi, Akira, Dragon Ball, One Piece, Death Note, Ataque a los titanes: mundos y más mundos que te esperan entre las páginas de este fabuloso libro. Anime: la historia visual es el libro más completo sobre el tema, y emocionará tanto a aficionados recientes como a los otakus más apasionados del anime. Conoce las mejores obras de la animación japonesa: la creación de los títulos, las mentes que hay detrás, la cultura y los temas japoneses y los elementos que las convierten en clásicos. Creado para ser un título revolucionario, este imprescindible libro es la guía definitiva de anime.
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Desde una reflexión sobre la vanidad literaria a la historia de un alférez provisional en la Guerra Civil, desde la forma de andar de John Wayne a la religiosidad infantil en un colegio de jesuitas, desde la observación de las miserias del cuerpo al análisis de las mentiras en las memorias de Elia Kazan, junto a muchos otros caprichos de las obsesiones personales, Egocentrismos cede a la tentación de dar rienda suelta a filias y fobias de lector y cinéfilo, a las exploraciones por el evanescente pasado y al placer del monólogo distendido. Sin la menor pretensión de autoridad en ningún terreno, esta silva de varia lección, en forma de ensayos autobiográficos, aspira a restar algo de tedio y pesadumbre a la barbarie del tiempo. José María Conget (Zaragoza, 1948) es licenciado en Filosofía y Letras. Ha ejercido como profesor o gestor cultural en Glasgow, Lima, Londres, Nueva York, París y varios pueblos y ciudades de España. Actualmente vive en Sevilla. Sus últimas publicaciones han sido las colecciones de cuentos La ciudad desplazada (2010), La mujer que vigila los Vermeer (2013), Confesión general (2017), Juegos de niñas (2019) y La verdad sobre el amor (2023), y las novelas La bella cubana (2015), El mirlo burlón (2018) y Cenas de amigos (2022). Es autor de los siguientes ensayos, entre otros, de carácter autobiográfico: El olor de los tebeos (2004), Pont de l'Alma (2007) y Una cita con Borges (2000 y 2023, segunda edición ampliada). Fue premio de las Letras Aragonesas en 2007 por el conjunto de su obra.
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¿Cómo se llama ese actor que sale en la película aquella? Sí, seguro que tú te acuerdas, que un chico conoce a una chica que está enferma, o quizá el enfermo era él ¿Cómo se titula? Las películas inician conversaciones en las que merece la pena parti
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El libro celebra el 60 aniversario del mítico film, una de las grandes películas de la Historia del Cine. abordan los diferentes aspectos del film con multitud de foto.En el 60 aniversario del film Doctor Zhivago, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, el original literario, el estilo formal, la banda sonora... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Este libro estudia la trayectoria de Dido Pequeño Teatro, compañía no profesional activa entre 1954 y 1965 en la España franquista. Por primera vez, se reconstruye de forma completa y cronológica el conjunto de sus funciones, lo que permite determinar con precisión su repertorio. A partir del análisis de los expedientes de censura conservados en el Archivo General de la Administración, se examinan su relación con el aparato censor y las condiciones en que desarrolló su actividad. El estudio aborda también la recepción crítica de sus montajes, con especial atención al Teatro del Absurdo y a la evolución de su acogida. Se demuestra que Dido fue una de las compañías no profesionales más prolíficas y duraderas de los años cincuenta y sesenta, con un repertorio mayoritariamente extranjero --europeo y estadounidense-sin descuidar a los autores españoles, de los que impulsó estrenos relevantes. La obra contribuye así al conocimiento del teatro alternativo y del papel de los grupos no profesionales en el siglo XX español.
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Tienes en tus manos una guía de viajes única e intransferible, porque en cuanto la leas y te apuntes a cualquiera de los itinerarios que proponemos, la experiencia que vivirás será diferente a la de cualquier otro lector y ya no volverás a ser el mismo. Te proponemos conocer 80 países a través de la serie que mejor los refleja. Podrás conocer: la casi inaccesible Coreadel Norte a la que accederás solo con carnet de seriéfilo alistándote en sus servicios militares, los másherméticos del mundo, una perspectiva única del «paraíso del ISIS» desde los Emiratos Arabes de la que poco se habla, o los Estados Unidos siendo un prófugo chileno convertido en hincha de rugby de los Panthers.Si quieres vivir las experiencias de viaje más insólitas desde tu propia casa, esta es la guía que necesitas.
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Vuelve Arturo González-Campos con más películas, más historias, más humor, más cosas. Cine con más cosas no es un libro de críticas ni de rankings, tampoco es un manual del buen cinéfilo. Cine con más cosas es una declaración de amor a esas películas que igual no conoces pero que pueden cambiarte la vida. Arturo González-Campos vuelve a abrirte las puertas de su universo cinematográfico, y esta vez lo hace con más películas, más recuerdos y, como no, más humor. No esperes encontrar en estas páginas los títulos que todo el mundo menciona. Aquí te adentrarás en un viaje revelador por películas raras, joyas perdidas o simplemente aquellas que a él le han dejado huella, y descubrirás que el cine es mucho más que los clásicos de siempre. Con una pasión que roza la locura, Arturo se deja llevar por sus emociones y, por supuesto, sus obsesiones. Porque el cine es mucho más que historias proyectadas en una pantalla: es un lenguaje íntimo que habla de lo que sentimos. Y este libro no es más que una excusa para continuar hablando de eso y recordar que, al final, cada película es una pequeña obsesión que, por un momento, nos pertenece. ¡Bienvenido de nuevo a la lista de Arturo! Como ya sabes, no se trata de seguir una fórmula ni un algoritmo. Aquí no hay patrones preestablecidos, solo un cine que se vive y se siente de manera única.
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La animación no es solo un arte, es un lenguaje capaz de crear mundos imposibles y transmitir emociones universales. Dirigido a estudiantes, profesionales en formación y aficionados curiosos por descubrir los secretos detrás de la pantalla, este libro ofrece una inmersión profunda en la historia, las técnicas y los procesos que permiten que los dibujos cobren vida en películas, cortometrajes o series. Con años de experiencia en la industria, incluida su trayectoria en los prestigiosos estudios Disney, Ángela Iturriza combina conocimiento y pasión para mostrar cómo la animación ha evolucionado desde sus primeros experimentos hasta las producciones contemporáneas, explorando tanto sus bases clásicas como las innovaciones tecnológicas que han transformado el medio. A lo largo de sus páginas, el lector encontrará explicaciones detalladas, enriquecidas con numerosas ilustraciones y ejemplos, sobre las fases fundamentales de la animación: la preproducción, donde se conciben ideas, guiones y diseños, la producción, en la que los personajes y escenarios se animan cuadro a cuadro, y la postproducción, donde la imagen y el sonido se combinan para crear la obra final. «Manual de cine de animación» es mucho más que una guía: es una invitación a explorar, experimentar y comprender el arte que ha marcado generaciones y que continúa renovándose con cada nueva historia contada. Con claridad, rigor y un enfoque divulgativo, Ángela Iturriza abre la puerta a un universo creativo donde la imaginación y la técnica se encuentran, inspirando a todos los que sueñan con dar vida a sus ideas y dejar una huella imborrable en el cine animado.
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Como las buenas secuelas, Más Superhéroes en Hollywood continúa justo donde lo dejamos en el primer volumen. Han sido un par de años complicados en los que el cine se ha visto muy afectado por la pandemia, pero en los que también se han probado nuevos formatos de estreno y en los que las plataformas digitales de streaming se han convertido en una pieza clave en esta industria. Y en este contexto, en Más Superhéroes en Hollywood vamos a repasar todos los estrenos de cine de superhéroes desde 2020 y los primeros meses de 2022, llegando incluso hasta The Batman. Pero también habrá espacio para incluir las series de Disney Plus del universo de Marvel Studios, y para echar un vistazo al futuro que se nos viene durante los próximos años. Todo esto y mucho más en estas páginas, así que, bienvenidos a Más Superhéroes en Hollywood.
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Explora los mundos de una galaxia muy muy lejana como no lo habías hecho nunca Con más de 60 intrincadas ilustraciones a todo color y mapas 3D, explora lugares icónicos que dan vida a la saga Star Wars. Esta edición actualizada ha sido completamente revisada e incluye las nuevas entregas de Star Wars junto a los cásicos: Los últimos Jedi, Star Wars: El ascenso de Skywalker, Rogue One: una historia de Star Wars, Han Solo: una historia de Star Wars, Star Wars: The Mandalorian y Star Wars: Andor. Adéntrate en más de 60 inmersivas secciones transversales de lugares icónicos de Star Wars. Compilado y escrito por expertos de Star Wars, este libro muestra fascinantes secretos sobre los mundos y escenarios de las películas y series de televisión. Incluye el castillo de Darth Vader,la ciudad natal de Cassian Andor en Ferrix, las antiguas ruinas Jedi en Ahch-To, la ciudad de Canto Bight y el complejo penitenciario imperial de Narkina 5. El mejor regalo para fans de Star Wars: adéntrate como nunca en los lugares icónicos de una galaxia muy muy lejana: una experiencia única para seguidores de Star Wars de todas las edades. Creado en estrecha colaboración con Lucasfilm, este libro también contiene el mapa oficial de la galaxia de Star Wars, que abarca cientos de planetas desde Ajan Kloss hasta Zygerria. Los lectores pasarán horas estudiando las fascinantes ilustraciones para descubrir nuevos lugares emblemáticos de su saga favorita. © &, ™ 2025 Lucasfilm Ltd.
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“Repasando la notable filmografía de Kubrick es evidente que tiene la característica calidad arquitectónica de todo gran sistema filosófico: tiene algo que decir sobre casi todo. Todas las facetas de la naturaleza humana se revelan en su gran diversidad: la alta cultura y la cultura popular, el amor y el sexo, la historia, la guerra, el crimen, la locura, los viajes espaciales, el condicionamiento social y la tecnología. Y pese a lo diversa que es en su temática, tomada en conjunto la filmografía de Kubrick es muy coherente, por cuanto toma los diferentes aspectos de la realidad y los unifica en una rica y compleja visión filosófica que resulta ser muy afín al existencialismo.” Jerold J. Abrams A lo largo de medio siglo de carrera, Stanley Kubrick produjo algunas de las imágenes cinematográficas más evocadoras e indelebles de la historia del cine. Sus películas abordan una amplia variedad de temas y de preguntas sobre la vida, la conducta y las emociones humanas. Dentro de esta gran variedad temática, Kubrick examina los diferentes aspectos de la realidad y los unifica en una rica visión filosófica similar al existencialismo. Probablemente más que ningún otro concepto filosófico, el existencialismo –la creencia de que la verdad filosófica solo tiene sentido cuando es libremente elegida por el individuo– ha bajado de la torre de marfil de la filosofía para impregnar a la cultura popular en su conjunto. Los ensayos de este volumen examinan los intereses de Kubrick en la moralidad y el destino, y ponen de manifiesto una mentalidad estoica en muchas de sus películas. Varios de los colaboradores de este volumen consideran que la obra de Kubrick se caracteriza por el escepticismo, la ironía y un hedonismo sin trabas. En películas como La naranja mecánica o 2001, una odisea del espacio, Kubrick se enfrenta a la noción del hombre en lucha contra sus propias creaciones científicas y tecnológicas. Tomados en conjunto, los ensayos de La filosofía de Stanley Kubrick constituyen una lúcida mirada a la visión que tenía el gran director de un universo físico y moral en constante transformación, y aportan profundidad y complejidad a la interpretación de la obra de Kubrick. Jerold J. Abrams es profesor adjunto de Filosofía en la Universidad de Creighton, en Omaha, Nebraska. Sus ensayos han aparecido en las revistas Modern Schoolman, Philosophy Today, Human Studies y Transactions of the Charles S. Peirce Society, y en los volúmenes colectivos James Bond and Philosophy (Open Court, en preparación), Woody Allen and Philosophy (Open Court, 2004), Star Wars and Philosophy (Open Court, 2005) y The Philosophy of Film Noir (University Press of Kentucky, 2005).
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Hamar urte bete berri dira Netflix streaming plataforma mundu osoan zabaldu zenetik. Euskal Herrian ere erraz zabaldu zen, eta herritarren parte handi bat bere atzaparretan murgildu da. Nola aldatu dira urteotan ikus-entzunezko edukien kontsumo ohiturak? Zer dago streaming plataforma handien atzean? Nola funtzionatzen dute? Galdera horiei eta beste askori erantzuteko ahalegina egiten du Urtzi Urkizuk, gai hauetan kazetari eskarmentuduna denak. Streaming plataformen inguruan idatzi ohi du autoreak egunero euskarazko prentsan, eta saiakera honetan patxadarako tarte bat hartu du aipatutako galdera horien gainean idazteko. Datu zehatz ugari emanda, eta bere iritzi kritikoa ere plazaratuz. Haren azken mezua honako hau da: ikuslea ez dadila plataformen algoritmoaren mende gelditu, eta ireki dezala leihoa, tentuz begira dezala zer ikusi eta zer ez.
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Pocas veces se ha escrito críticamente sobre el «hecho religioso» en el universo cinematográfico. Por esta razón, y al cabo de tantos años como teórico y crítico fílmico, el autor se ha sentido regalado ante la sugerencia de aproximarse a un hecho no solo religioso sino también histórico, ideológico, cultural y eminentemente popular, como es la relación entre cine y cristianismo. Y todo ello evitando todo pietismo intelectual e insistiendo en un análisis lingüístico y temático de una serie de autores y películas esenciales a lo largo del siglo XX y XXI. De Ford a Von Trier y de Viridiana a Llegaron de noche se verifica un recorrido desde una perspectiva teológica: la Revelación Cristiana nos ha transmitido siempre un Dios Encarnado de naturaleza «audiovisual». No en vano, toda película es una obra dominada por un guion literario hablado y una iconografía móvil.
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El villano nos fascina tanto como el héroe, incluso más, en algunos casos. Muchos creadores y autores hancuidado con más mimo al personaje malvado de sus ficciones que al propio héroe, que muchas veces suele serplano y poco interesante. ¿Por qué nos atraen los personajes más malos de la ficción? ¿Mentes perversas ogenios incomprendidos? En el interior de este librohay un repaso por las sesenta y seis personalidades más viles de la historia de la literatura, el cine y los cómics. Manu González ha reunido en este volumen alos malos más malos de la cultura popular, arrojandoluz sobre el origen y representación de todos estosvillanos, descubriéndonos cómo el mal acecha en cualquier esquina y bajo cualquier apariencia.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.
