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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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Sam Peckinpah es sin duda uno de los grandes directores del cine y todo un referente del Hollywood de los años setenta. Un grupo de expertos analizan en El universo de Sam Peckinpah todos sus films, sus actores, sus filias, sus fobias… Todas las constantes de su vida y obra.
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Jean-Luc Godard (1930-2022) consagró toda su vida al cine. Primero como espectador y crítico, y después como cineasta, su legado es una de las cumbres del siglo xx. Además de su extensa y heteróclita obra -entre sus más de doscientas películas se encuentran algunos hitos de la historia de las imágenes en movimiento como ''Al final de la escapada'', ''Pierrot el loco'', ''Yo te saludo, María'', ''Histoire(s) du cinéma'' o ''Film Socialisme''-, fue uno de los cineastas que más y mejor ha pensado el cine, faceta que él mismo consideraba tan importante como la propiamente cinematográfica. ''Jean-Luc Godard. Pensar entre imágenes'' recoge, por primera vez, las ideas que el realizador elaboró y reelaboró a lo largo de multitud de entrevistas, conferencias, conversaciones y presentaciones, y lo hace exclusivamente a través de las palabras de Godard, que, tras un proceso de selección y montaje a cargo de Núria Aidelman y Gonzalo de Lucas, conforman una constelación de pasajes en orden cronológico en los que el pensamiento en permanente proceso de elaboración del director se presenta al desnudo y en toda su riqueza, complejidad y extensión. La memoria personal, la nouvelle vague, la dirección de actores, la cámara, el montaje, el papel de la crítica, la función e idiosincrasia del cine, la ficción y el documental, entre otros muchos temas, son aspectos que se van entretejiendo en este volumen imprescindible que es tanto unas memorias, como un ensayo y un libro de estética.
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Conoce todos los vehículos de Star Wars: el despertar de la Fuerza con un grado de detalle sin precedentes. Star Wars. El despertad de la fuerza: Naves y vehículos en detalle presenta doce espectaculares ilustraciones que dan vida al nuevo armamento, a los vehículos y a la tecnología, con textos que explican las particularidades de todos los artefactos novedosos hasta el más mínimo detalle. © & TM 2015 LUCASFILM LTD.
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Una guía revolucionaria sobre el mundo del anime, desde clásicos y títulos de culto hasta joyas poco conocidas El universo del anime es de una riqueza casi inagotable. Sus creaciones -duendes misteriosos, robots colosales, héroes que buscan bolas de dragón o empuñan espadas matadragones- nos transportan tanto a bellas fantasías infantiles como a perversos mundos distópicos. Son tantos los clásicos imprescindibles que para los recién llegados puede resultar incluso abrumador. Este libro es la puerta de entrada al género. En un fascinante recorrido por más de 100 películas y series de televisión, estelibro revela toda la profundidad, diversidad y genialidad del producto cultural más exportado de Japón. Recorre la historia del anime, descubre la trayectoria de los directores más influyentes y entiende las diferencias entre los distintos géneros, así como los motivos narrativos recurrentes y la particular forma de hilar historias de sus creadores principales. Heidi, Akira, Dragon Ball, One Piece, Death Note, Ataque a los titanes: mundos y más mundos que te esperan entre las páginas de este fabuloso libro. Anime: la historia visual es el libro más completo sobre el tema, y emocionará tanto a aficionados recientes como a los otakus más apasionados del anime. Conoce las mejores obras de la animación japonesa: la creación de los títulos, las mentes que hay detrás, la cultura y los temas japoneses y los elementos que las convierten en clásicos. Creado para ser un título revolucionario, este imprescindible libro es la guía definitiva de anime.
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Desde una reflexión sobre la vanidad literaria a la historia de un alférez provisional en la Guerra Civil, desde la forma de andar de John Wayne a la religiosidad infantil en un colegio de jesuitas, desde la observación de las miserias del cuerpo al análisis de las mentiras en las memorias de Elia Kazan, junto a muchos otros caprichos de las obsesiones personales, Egocentrismos cede a la tentación de dar rienda suelta a filias y fobias de lector y cinéfilo, a las exploraciones por el evanescente pasado y al placer del monólogo distendido. Sin la menor pretensión de autoridad en ningún terreno, esta silva de varia lección, en forma de ensayos autobiográficos, aspira a restar algo de tedio y pesadumbre a la barbarie del tiempo. José María Conget (Zaragoza, 1948) es licenciado en Filosofía y Letras. Ha ejercido como profesor o gestor cultural en Glasgow, Lima, Londres, Nueva York, París y varios pueblos y ciudades de España. Actualmente vive en Sevilla. Sus últimas publicaciones han sido las colecciones de cuentos La ciudad desplazada (2010), La mujer que vigila los Vermeer (2013), Confesión general (2017), Juegos de niñas (2019) y La verdad sobre el amor (2023), y las novelas La bella cubana (2015), El mirlo burlón (2018) y Cenas de amigos (2022). Es autor de los siguientes ensayos, entre otros, de carácter autobiográfico: El olor de los tebeos (2004), Pont de l'Alma (2007) y Una cita con Borges (2000 y 2023, segunda edición ampliada). Fue premio de las Letras Aragonesas en 2007 por el conjunto de su obra.
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¿Cómo se llama ese actor que sale en la película aquella? Sí, seguro que tú te acuerdas, que un chico conoce a una chica que está enferma, o quizá el enfermo era él ¿Cómo se titula? Las películas inician conversaciones en las que merece la pena parti
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El libro celebra el 60 aniversario del mítico film, una de las grandes películas de la Historia del Cine. abordan los diferentes aspectos del film con multitud de foto.En el 60 aniversario del film Doctor Zhivago, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, el original literario, el estilo formal, la banda sonora... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Este libro estudia la trayectoria de Dido Pequeño Teatro, compañía no profesional activa entre 1954 y 1965 en la España franquista. Por primera vez, se reconstruye de forma completa y cronológica el conjunto de sus funciones, lo que permite determinar con precisión su repertorio. A partir del análisis de los expedientes de censura conservados en el Archivo General de la Administración, se examinan su relación con el aparato censor y las condiciones en que desarrolló su actividad. El estudio aborda también la recepción crítica de sus montajes, con especial atención al Teatro del Absurdo y a la evolución de su acogida. Se demuestra que Dido fue una de las compañías no profesionales más prolíficas y duraderas de los años cincuenta y sesenta, con un repertorio mayoritariamente extranjero --europeo y estadounidense-sin descuidar a los autores españoles, de los que impulsó estrenos relevantes. La obra contribuye así al conocimiento del teatro alternativo y del papel de los grupos no profesionales en el siglo XX español.
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Tienes en tus manos una guía de viajes única e intransferible, porque en cuanto la leas y te apuntes a cualquiera de los itinerarios que proponemos, la experiencia que vivirás será diferente a la de cualquier otro lector y ya no volverás a ser el mismo. Te proponemos conocer 80 países a través de la serie que mejor los refleja. Podrás conocer: la casi inaccesible Coreadel Norte a la que accederás solo con carnet de seriéfilo alistándote en sus servicios militares, los másherméticos del mundo, una perspectiva única del «paraíso del ISIS» desde los Emiratos Arabes de la que poco se habla, o los Estados Unidos siendo un prófugo chileno convertido en hincha de rugby de los Panthers.Si quieres vivir las experiencias de viaje más insólitas desde tu propia casa, esta es la guía que necesitas.
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Escotes subidos, piernas tapadas, vestidos por bañadores... Durante la dictadura del general Franco, el cine fue probablemente el arte más censurado. Se prohibían películas y se cortaban escenas, pero tan importante como controlar los propios films era hacerlo con la publicidad cinematográfica. Una industria de gran tradición en nuestro país que se vio afectada por el régimen y sobre la que la censura se cebó especialmente. Pero no solo era erotismo lo que los censores habrían de controlar. Grandes estrellas de Hollywood que abrazaron la causa republicana vieron como sus nombres desaparecían de los carteles de cine españoles mientras títulos que pudieran dar lugar a dobles intenciones no deseadas eran cambiados. La censura local, la conocida como ''la censura de la censura'', también jugó un papel importante. Despistes, incoherencias, meteduras de pata... todo esto y mucho más es lo que recoge el presente volumen. Centenares de carteles y fotografías componen un libro en el que podemos ver siempre la imagen previa a la censura y la resultante de la misma. Todo un disfrute para los amantes del cine, para los curiosos, para los coleccionistas de rarezas y para todo aquel que quiera conocer un pedacito, visualmente fascinante, de la historia de España.
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Vuelve Arturo González-Campos con más películas, más historias, más humor, más cosas. Cine con más cosas no es un libro de críticas ni de rankings, tampoco es un manual del buen cinéfilo. Cine con más cosas es una declaración de amor a esas películas que igual no conoces pero que pueden cambiarte la vida. Arturo González-Campos vuelve a abrirte las puertas de su universo cinematográfico, y esta vez lo hace con más películas, más recuerdos y, como no, más humor. No esperes encontrar en estas páginas los títulos que todo el mundo menciona. Aquí te adentrarás en un viaje revelador por películas raras, joyas perdidas o simplemente aquellas que a él le han dejado huella, y descubrirás que el cine es mucho más que los clásicos de siempre. Con una pasión que roza la locura, Arturo se deja llevar por sus emociones y, por supuesto, sus obsesiones. Porque el cine es mucho más que historias proyectadas en una pantalla: es un lenguaje íntimo que habla de lo que sentimos. Y este libro no es más que una excusa para continuar hablando de eso y recordar que, al final, cada película es una pequeña obsesión que, por un momento, nos pertenece. ¡Bienvenido de nuevo a la lista de Arturo! Como ya sabes, no se trata de seguir una fórmula ni un algoritmo. Aquí no hay patrones preestablecidos, solo un cine que se vive y se siente de manera única.
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La animación no es solo un arte, es un lenguaje capaz de crear mundos imposibles y transmitir emociones universales. Dirigido a estudiantes, profesionales en formación y aficionados curiosos por descubrir los secretos detrás de la pantalla, este libro ofrece una inmersión profunda en la historia, las técnicas y los procesos que permiten que los dibujos cobren vida en películas, cortometrajes o series. Con años de experiencia en la industria, incluida su trayectoria en los prestigiosos estudios Disney, Ángela Iturriza combina conocimiento y pasión para mostrar cómo la animación ha evolucionado desde sus primeros experimentos hasta las producciones contemporáneas, explorando tanto sus bases clásicas como las innovaciones tecnológicas que han transformado el medio. A lo largo de sus páginas, el lector encontrará explicaciones detalladas, enriquecidas con numerosas ilustraciones y ejemplos, sobre las fases fundamentales de la animación: la preproducción, donde se conciben ideas, guiones y diseños, la producción, en la que los personajes y escenarios se animan cuadro a cuadro, y la postproducción, donde la imagen y el sonido se combinan para crear la obra final. «Manual de cine de animación» es mucho más que una guía: es una invitación a explorar, experimentar y comprender el arte que ha marcado generaciones y que continúa renovándose con cada nueva historia contada. Con claridad, rigor y un enfoque divulgativo, Ángela Iturriza abre la puerta a un universo creativo donde la imaginación y la técnica se encuentran, inspirando a todos los que sueñan con dar vida a sus ideas y dejar una huella imborrable en el cine animado.
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Como las buenas secuelas, Más Superhéroes en Hollywood continúa justo donde lo dejamos en el primer volumen. Han sido un par de años complicados en los que el cine se ha visto muy afectado por la pandemia, pero en los que también se han probado nuevos formatos de estreno y en los que las plataformas digitales de streaming se han convertido en una pieza clave en esta industria. Y en este contexto, en Más Superhéroes en Hollywood vamos a repasar todos los estrenos de cine de superhéroes desde 2020 y los primeros meses de 2022, llegando incluso hasta The Batman. Pero también habrá espacio para incluir las series de Disney Plus del universo de Marvel Studios, y para echar un vistazo al futuro que se nos viene durante los próximos años. Todo esto y mucho más en estas páginas, así que, bienvenidos a Más Superhéroes en Hollywood.
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Hamar urte bete berri dira Netflix streaming plataforma mundu osoan zabaldu zenetik. Euskal Herrian ere erraz zabaldu zen, eta herritarren parte handi bat bere atzaparretan murgildu da. Nola aldatu dira urteotan ikus-entzunezko edukien kontsumo ohiturak? Zer dago streaming plataforma handien atzean? Nola funtzionatzen dute? Galdera horiei eta beste askori erantzuteko ahalegina egiten du Urtzi Urkizuk, gai hauetan kazetari eskarmentuduna denak. Streaming plataformen inguruan idatzi ohi du autoreak egunero euskarazko prentsan, eta saiakera honetan patxadarako tarte bat hartu du aipatutako galdera horien gainean idazteko. Datu zehatz ugari emanda, eta bere iritzi kritikoa ere plazaratuz. Haren azken mezua honako hau da: ikuslea ez dadila plataformen algoritmoaren mende gelditu, eta ireki dezala leihoa, tentuz begira dezala zer ikusi eta zer ez.
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Pocas veces se ha escrito críticamente sobre el «hecho religioso» en el universo cinematográfico. Por esta razón, y al cabo de tantos años como teórico y crítico fílmico, el autor se ha sentido regalado ante la sugerencia de aproximarse a un hecho no solo religioso sino también histórico, ideológico, cultural y eminentemente popular, como es la relación entre cine y cristianismo. Y todo ello evitando todo pietismo intelectual e insistiendo en un análisis lingüístico y temático de una serie de autores y películas esenciales a lo largo del siglo XX y XXI. De Ford a Von Trier y de Viridiana a Llegaron de noche se verifica un recorrido desde una perspectiva teológica: la Revelación Cristiana nos ha transmitido siempre un Dios Encarnado de naturaleza «audiovisual». No en vano, toda película es una obra dominada por un guion literario hablado y una iconografía móvil.
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En el 60 aniversario del film My Fair Lady, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: la obra original, el musical de Broadway, los actores y sus personajes, el rodaje... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Descubre los secretos del Callejón Diagon... ¡como nunca antes los habías visto!Adéntrate en el bullicioso y encantador Callejón Diagon, el corazón comercial del mundo mágico de Harry Potter, con este libro interactivo repleto de sorpresas. Inspirado en las películas de la saga, este libro te invita a descubrir las tiendas, personajes y secretos que hicieron soñar a generaciones de fans. Acompaña a Harry y Hagrid en su primera visita al callejón, donde se encuentran con tiendas icónicas como Ollivanders, Flourish & Blotts o la tienda de artículos de Quidditch. Gracias a sus lengüetas, palancas y ruedas, cada página cobra vida, transformando el libro en una experiencia mágica llena de movimiento y detalles ocultos. Ideal para lectores jóvenes y adultos nostálgicos, es una joya interactiva que captura la esencia visual del universo creado por J.K. Rowling, desarrollada por el maestro del diseño en papel David Hawcock.
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El villano nos fascina tanto como el héroe, incluso más, en algunos casos. Muchos creadores y autores hancuidado con más mimo al personaje malvado de sus ficciones que al propio héroe, que muchas veces suele serplano y poco interesante. ¿Por qué nos atraen los personajes más malos de la ficción? ¿Mentes perversas ogenios incomprendidos? En el interior de este librohay un repaso por las sesenta y seis personalidades más viles de la historia de la literatura, el cine y los cómics. Manu González ha reunido en este volumen alos malos más malos de la cultura popular, arrojandoluz sobre el origen y representación de todos estosvillanos, descubriéndonos cómo el mal acecha en cualquier esquina y bajo cualquier apariencia.
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Explora los mundos de una galaxia muy muy lejana como no lo habías hecho nunca Con más de 60 intrincadas ilustraciones a todo color y mapas 3D, explora lugares icónicos que dan vida a la saga Star Wars. Esta edición actualizada ha sido completamente revisada e incluye las nuevas entregas de Star Wars junto a los cásicos: Los últimos Jedi, Star Wars: El ascenso de Skywalker, Rogue One: una historia de Star Wars, Han Solo: una historia de Star Wars, Star Wars: The Mandalorian y Star Wars: Andor. Adéntrate en más de 60 inmersivas secciones transversales de lugares icónicos de Star Wars. Compilado y escrito por expertos de Star Wars, este libro muestra fascinantes secretos sobre los mundos y escenarios de las películas y series de televisión. Incluye el castillo de Darth Vader,la ciudad natal de Cassian Andor en Ferrix, las antiguas ruinas Jedi en Ahch-To, la ciudad de Canto Bight y el complejo penitenciario imperial de Narkina 5. El mejor regalo para fans de Star Wars: adéntrate como nunca en los lugares icónicos de una galaxia muy muy lejana: una experiencia única para seguidores de Star Wars de todas las edades. Creado en estrecha colaboración con Lucasfilm, este libro también contiene el mapa oficial de la galaxia de Star Wars, que abarca cientos de planetas desde Ajan Kloss hasta Zygerria. Los lectores pasarán horas estudiando las fascinantes ilustraciones para descubrir nuevos lugares emblemáticos de su saga favorita. © &, ™ 2025 Lucasfilm Ltd.
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“Repasando la notable filmografía de Kubrick es evidente que tiene la característica calidad arquitectónica de todo gran sistema filosófico: tiene algo que decir sobre casi todo. Todas las facetas de la naturaleza humana se revelan en su gran diversidad: la alta cultura y la cultura popular, el amor y el sexo, la historia, la guerra, el crimen, la locura, los viajes espaciales, el condicionamiento social y la tecnología. Y pese a lo diversa que es en su temática, tomada en conjunto la filmografía de Kubrick es muy coherente, por cuanto toma los diferentes aspectos de la realidad y los unifica en una rica y compleja visión filosófica que resulta ser muy afín al existencialismo.” Jerold J. Abrams A lo largo de medio siglo de carrera, Stanley Kubrick produjo algunas de las imágenes cinematográficas más evocadoras e indelebles de la historia del cine. Sus películas abordan una amplia variedad de temas y de preguntas sobre la vida, la conducta y las emociones humanas. Dentro de esta gran variedad temática, Kubrick examina los diferentes aspectos de la realidad y los unifica en una rica visión filosófica similar al existencialismo. Probablemente más que ningún otro concepto filosófico, el existencialismo –la creencia de que la verdad filosófica solo tiene sentido cuando es libremente elegida por el individuo– ha bajado de la torre de marfil de la filosofía para impregnar a la cultura popular en su conjunto. Los ensayos de este volumen examinan los intereses de Kubrick en la moralidad y el destino, y ponen de manifiesto una mentalidad estoica en muchas de sus películas. Varios de los colaboradores de este volumen consideran que la obra de Kubrick se caracteriza por el escepticismo, la ironía y un hedonismo sin trabas. En películas como La naranja mecánica o 2001, una odisea del espacio, Kubrick se enfrenta a la noción del hombre en lucha contra sus propias creaciones científicas y tecnológicas. Tomados en conjunto, los ensayos de La filosofía de Stanley Kubrick constituyen una lúcida mirada a la visión que tenía el gran director de un universo físico y moral en constante transformación, y aportan profundidad y complejidad a la interpretación de la obra de Kubrick. Jerold J. Abrams es profesor adjunto de Filosofía en la Universidad de Creighton, en Omaha, Nebraska. Sus ensayos han aparecido en las revistas Modern Schoolman, Philosophy Today, Human Studies y Transactions of the Charles S. Peirce Society, y en los volúmenes colectivos James Bond and Philosophy (Open Court, en preparación), Woody Allen and Philosophy (Open Court, 2004), Star Wars and Philosophy (Open Court, 2005) y The Philosophy of Film Noir (University Press of Kentucky, 2005).
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¿Cómo se filma un unicornio? Documentales que quizás nunca verán la luz. Un director que se enfrenta a la traición. Un narrador que miente, que reconstruye su memoria a través de las imágenes, intentando atrapar lo que ya no existe. Cómo se filma un unicornio es la historia de un hombre obsesionado con filmar la belleza, mientras su vida se deshace en un equilibrio frágil y su obra queda atrapada entre lo que recuerda, lo que imagina y lo que nunca llegó a ser. Desde la Almería de su infancia hasta el París donde todo se desmorona, pasando por la selva amazónica, Jerez de la Frontera, una isla en Bangladesh, las huellas de Auschwitz y las cicatrices de Guinea, el narrador persigue imágenes que se desvanecen mientras lucha por sostener su vida y su obra. En ese recorrido de veinticinco años se cruzan personajes reales y ficticios: un padre que se derrumba, una compañera que se aleja, un amigo que desaparece, supervivientes del holocausto, marineros de ríos infinitos, inmigrantes, bailaoras, atrapados entre la memoria y la resistencia. Pero también es el testimonio de una batalla: la lucha contra una industria que asfixia el cine de autor, contra una producción cinematográfica marcada por la precariedad y la alienación de la televisión. En el centro de ese combate, la pregunta que lo atraviesa todo: ¿cómo se filma lo que es invisible? Con una prosa que oscila entre el lirismo y la crudeza, entre el impulso narrativo y la mirada crítica, la novela explora la tensión entre lo real y lo verdadero. Es también el retrato íntimo de un hombre aferrado a la belleza para comprender el mundo. Con una estructura que se aproxima al montaje de un documental, Cómo se filma un unicornio es una inmersión en el cine documental como herramienta para representar la realidad. ¿Qué significa encuadrar el mundo? ¿Cómo se construye la memoria? Una novela sobre la dificultad de construir la verdad y la necesidad de seguir intentándolo, aun cuando la memoria se transforme en ficción. Emilio Belmonte es cineasta documental y escritor. Nacido en Almería y afincado en París, ha desarrollado su carrera explorando los límites entre la realidad, el cine y la memoria. Sus documentales abordan tanto cuestiones sociales como culturales y han sido exhibidos en televisión, festivales y cines internacionales. Desde 2015 dirige una trilogía cinematográfica para salas de cine, La Piedra y el Centro, dedicada a las fronteras del flamenco. Es licenciado por la Escuela Nacional de Cine FEMIS y compagina su labor creativa con la enseñanza de cine documental. En Cómo se filma un unicornio, su primera novela, lleva su exploración del cine y la memoria a la literatura
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El propósito del Mimo corporal dramático es el de ahondar en el drama dentro del cuerpo. El Mimo corporal dramático debe aplicar al movimiento físico esos principios y determinaciones de la vida que están en el corazón y en el alma del drama: sosiego, incertidumbre, compromiso, entereza, asombro y dolor.El Mimo corporal dramático, como aseguraba Decroux: Quiere representar lo invisible, emociones, tendencias, dudas y pensamientos. Hacer visible lo invisible.El arte creado por Étienne Decroux se diferencia totalmente de la pantomima tradicional.Impulsó más un arte del movimiento que un arte del silencio, siempre partiendo del trabajo de actrices y actores.En Palabras sobre Mimo, Étienne Decroux con una escritura directa y clarificadora va exponiendo las maneras y la técnica del Mimo corporal dramático más medular.
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La madrugada del 2 de noviembre de 1975, una patrulla de los carabinieri halló el cadáver de Pier Paolo Pasolini en un descampado de Ostia, a las afueras de Roma. El suceso conmocionó a la sociedad de la época, de la que el artista había sido una de sus voces más brillantes y controvertidas. Cincuenta años después de su asesinato, Las siete vidas de Pasolini reivindica su legado para demostrar, si hiciera falta, la complejidad y vigencia de un autor inclasificable.A través de siete ensayos inéditos, firmados por Pablo Caldera, Mario Colleoni, Juan Gallego Benot, Pedro Víllora, Déborah García, Silvia Martín Gutiérrez y Andrés Catalán, este libro propone un recorrido por las múltiples facetas del creador italiano: el cineasta, el novelista, el pintor, el dramaturgo, el amante, el filósofo y el poeta. No se trata de una biografía ni de un estudio académico al uso, sino de una lectura personal y crítica de cada una de esas vidas que habitaron a Pasolini, prologada por el escritor Vicente Monroy.Desde su cine incómodo y transgresor hasta su compromiso político, pasando por su pasión por la belleza que se encuentra en los márgenes, Las siete vidas de Pasolini explora la intensidad y la diversidad de un universo que desbordó los límites del arte y del pensamiento. Es también un espejo del presente: una invitación a releer al artista como una figura radicalmente contemporánea.
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Entre els inicis dels cinema i l’actualitat s’han produït a Barcelona infinitat de pel·lícules que han generat moltes curiositats i anècdotes. Per exemple, sabíeu que Elena Jordi va ser la primera directora de cinema catalana i espanyola? O que un barceloní –Jaime Salvador– va dirigir Buster Keaton? Que el primer català guanyador d’un Òscar va ser Néstor Almendros el 1980? És cert que els títols de les primeres pel·lícules de Rovira Beleta començaven per números com a resposta irònica al tòpic dels catalans que miren sempre l’economia? Que a la coneguda escena de Juanjo Puigcorbé anant en una vespino despullat pel centre de Barcelona a “l’Orgia” de Francesc Bellmunt es van contractar figurants perquè fessin cares de sorpresa? O que l’actual torre del baró que es pot veure a la pel·lícula El 47 no és la torre del baró original? Un llibre en el que podeu descobrir a través de les pel·lícules filmades a Barcelona aspectes desconeguts de la ciutat. • El Barça i la ciutat: “Fata Morgana”, “Dante no es únicamente severo”, “Tu vida en 65’”, “Centenari”... • La Barcelona quinqui: “Los golfos”, “Perros callejeros”, “Los violadores del amanecer”, “Las que empiezan a los quince años”, “Navajeros”, “Colegas”... • La Model i el cinema: “El presidio”, “Modelo 77”, “Barcelona Connection”... • El metro al cinema: “A tiro limpio”, “Estación Rocafort”, “Any de gràcia”, “Lo bueno de llorar”, “La cripta”, “Darkness”... • El Molino i el cinema: “Las alegres chicas de El Molino”, “La vida es magnífica”, “Fanny Pelopaja”, “La Nena”... «Una obra tan documentada com, de vegades sorprenent, que m’ha obert la gana de retrobar-me amb moltes pel·lícules i amb molts indrets de la meva ciutat.» Joaquim Oristrell ''Este libro invita a los lectores a un viaje fascinante y profundamente evocador a través de la historia cinematográfica de Barcelona, revelando capas de la ciudad a menudo invisibles para el observador casual. Es una exploración deliciosa que trasciende la mera filmografía, ofreciendo una lente única a través de la cual apreciar la vibrante cultura y los rincones más recónditos de la capital catalana. La narrativa teje anécdotas y hechos históricos con un tono encantador, casi nostálgico, haciendo que cada página se sienta como un paseo íntimo por el pasado, guiado por un experto local.¿A quién va dirigido 'Barcelona de cine'?Este libro está pensado para los amantes del cine que sienten una conexión especial con Barcelona, o para aquellos que desean descubrir la ciudad desde una perspectiva original y cinematográfica. Es ideal para curiosos que disfrutan desentrañando las historias detrás de las cámaras y los escenarios urbanos, así como para cinéfilos que buscan profundizar en la relación simbiótica entre una metrópolis vibrante y su representación en la gran pantalla. Quienes disfruten de la historia local contada a través de anécdotas, curiosidades y un enfoque cultural encontrarán en Barcelona de cine una lectura sumamente enriquecedora y entretenida, que invita a la reflexión y al descubrimiento.Temas que trataLa obra explora la profunda interconexión entre Barcelona y el séptimo arte, destacando cómo la ciudad ha servido de telón de fondo y, a menudo, de personaje principal en innumerables producciones a lo largo de las décadas. Aborda la evolución del cine catalán y español, desde sus pioneros hasta figuras contemporáneas, revelando curiosidades sobre directores, actores y momentos clave de la industria. También se sumerge en la transformación de espacios emblemáticos de la ciudad, mostrando cómo lugares como La Modelo, el metro o El Molino han sido inmortalizados en celuloide, ofreciendo una visión única de su patrimonio cultural y urbano.La crítica ha elogiado su capacidad para despertar el deseo de revisitar tanto películas icónicas como rincones menos conocidos de la ciudad, invitando a una nueva apreciación de Barcelona.
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Akira y los animes que lo cambiaron todo, de Felipe Múgica, revela todos los secretos detrás del título más emblemático de la animación japonesa. Un filme que transformó por completo la percepción que Occidente tenía del cine de dibujos del lejano país. En estas páginas, se explora la trayectoria de su creador, Katsuhiro Otomo, en su triple faceta de mangaka, director de animación y cineasta de imagen real. También se aborda el manga que dio origen a esta obra maestra, su llegada a Estados Unidos y Europa, y cómo se gestó una película tan ambiciosa como Akira. Además, se analiza su impacto en España, su distribución en diversos formatos a lo largo de los años y se recogen las opiniones de expertos en anime sobre lo que Akira significó para ellos.
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My Son John es una película que no resulta fácil ver como una obra de McCarey. Resulta más oscura que el resto de su cinematografía y los momentos dedicados al humor son más bien escasos y no completamente explícitos. Además, el tema es duro: comienza con unos hijos que se van al frente y termina (perdón) con un tercero, el mayor, que muere en el enfrentamiento más silencioso de la guerra fría. No es el tono ligero de la comedia habitual del director, ni siquiera posee la amabilidad a pesar de constituir un melodrama como Make Way for Tomorrow (Dejada paso el mañana, 1937).Para algunos es una contradicción del director fruto de su (dicen) histeria anticomunista. Otros no dejan de encontrar, a pesar de esto, grandes valores cinematográficos en la película.Estos breves trazos hacen ver que My Son John es una piedra de toque dentro de la filmografía de McCarey. No parece que se pueda seguir sosteniendo la grandeza del realizador si no se sostiene al mismo tiempo la coherencia de este filme. Y eso es lo que hemos pretendido en este Tomo VIII de los Cuadernos. El lector comprobará si lo hemos conseguido.Sólo queremos insistir en que hemos procurado ser fieles a lo que constituye nuestras herramientas de trabajo en el personalismo fílmico. En primer lugar, la obligación de narrar la película con completa sujeción a lo que se nos muestra en la pantalla (con amplios textos filosófico-fílmicos) que aspiran a no dejarse nada. En segundo lugar, la invitación a acudir a textos filosóficos de autores próximos al personalismo que ayuden a profundizar lo que nos ha querido mostrar la película.El título que hemos escogido para este VIII. Cuaderno, ''Dignidad de la persona, de la maternidad, de la familia y de la conciencia frente al totalitarismo en My Son John (Mi hijo John, 1952) de Leo McCarey'' ha pretendido ser un resumen de la tesis que hemos querido sostener. Desde ella, My Son John no es un filme fallido, sino, al contrario, una poderosa exposición de la propuesta personalista en la cultura polarizada de los siglos XX y XXI. (De la presentación).
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¿Puede el cine curarnos? Más de 400.000 personas ya han encontrado en @cinemaexcelsiorr su safe space de cine. ¿Y tú?Víctor Salmerón, creador del más icónico safe space de cine en redes, ha escrito un manual único donde nos receta la película ideal para cada estado de ánimo. Desde combatir la ansiedad hasta sanar un corazón roto, pasando por crisis existenciales, daddy issues, insomnio, FOMO o ganas de pegarnos una buena lloradita, este libro es la guía definitiva para encontrar consuelo, inspiración o simplemente compañía frente a la pantalla. Más de 40 «males» cotidianos tratados con la mejor medicina: el cine. Porque a veces, solo necesitas la película adecuada para sentirte mejor.Una película para cada estado de ánimo. Algunos remedios que incluye este libro:Adicción (Half Nelson)Crisis de los veinte (Frances Ha)Daddy issues (Viaje a Darjeeling)Depresión (Aftersun)FOMO (Antes del atardecer)Ganas de pegarse una lloradita (Marcel, la concha con zapatos)Talasofobia (Ponyo en el acantilado) Wanderlust (Perfect Days) Y muchos más...
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The Rocky Horror Picture Show, musical de culto por antonomasia cuyo legado pasa de generación en generación, no solo revolucionó el cine y el teatro, sino que dejó también una profunda huella en la cultura pop gracias a su espíritu irreverente y a una mirada queer adelantada a su tiempo.El periodista y cronista cultural Popy Blasco se sumerge con toneladas de glitter en el fenómeno Rocky Horror, desentrañando sus múltiples capas con contagiosa pasión en un ensayo que combina análisis cinematográfico, crónica personal y reflexión histórica. A lo largo del libro, nos cuenta el nacimiento de la obra a partir de la imaginación de Richard O’Brien, cómo fue el paso de los escenarios a la gran pantalla y el proceso por el que, después de su inicial fracaso en taquilla, se convirtió en un inesperado éxito en las sesiones de medianoche, instaurando el concepto de audience participation.Además, el autor examina con detalle la banda sonora, marcada por influencias glam y rock y la desbordante estética camp de un filme repleto de guiños al cine de ciencia ficción y terror de serie B (y Z). Explora también el impacto que ha tenido la película en la contracultura en general y en la comunidad LGTBIQ+ en particular, que la ha abrazado como un espacio de rebeldía y expresión de la identidad que tiene mucho de litúrgico. También nos presenta a sus inolvidables personajes —Frank-N-Furter, Brad, Janet, Riff Raff y compañía—, invitándonos a bailar el «Time Warp» por toda la eternidad.
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Denigrado por los cinéfilos más intransigentes, el doblaje ha sido un arte decisivo en la transmisión y popularidad del cine. Cabría decir que todo él es doblaje, porque todo él es una «mesa de trucos, donde cada uno pueda llegar a entretenerse», como propuso Cervantes al frente de sus Novelas ejemplares. No se pretende aquí establecer ningún dogma. El doblaje no siempre es bueno, el subtitulado tampoco. Ambos albergan razones para el elogio (y para el vituperio). La propuesta del libro es muy sencilla: como cualquier intervención en la película afecta de un modo u otro a la versión original, se trata de determinar cuál es la pérdida menor, para que llegue al espectador, con el menor menoscabo posible, la variedad de emociones que pretendían sus autores.
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Las claves y conceptos para entender y apreciar el séptimo arte y sulenguaje. Aprenda lo esencial sobre el origen y desarrollo de laindustria, el lenguaje, teoría y géneros cinematográficos, su relacióncon las otras artes y los personajes y movimientos creativos que hanconquistado al público. Todo lo imprescindible sobre las cinematografíasmás señaladas con especial énfasis en los pioneros y genios del cine deEspaña y de Iberoamérica.
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'La Antropología Teatral en Escena: The Cross Border Project'' es fruto de una investigación desarrollada a lo largo de varios años de experiencia del autor. Concretamente, se centra en la relación entre el Teatro y la Antropología Social y Cultural, ámbitos en los que Carlos A. Moya Rodríguez desarrolla su carrera. En el recorrido teórico a través de ambas disciplinas, resulta indispensable la figura de Eugenio Barba, creador del término Antropología Teatral. El lector podrá conocer las prácticas de los dos grupos objeto de estudio: por una parte, Human Beings, que siguiendo la fórmula de Grotowski, representa un ejemplo de Antropología Teatral en el laboratorio. Por otra, The Cross Border Project, cuyos montajes llevan la Antropología Teatral a escena, entendidos como productos etnográficos. Una tercera parte del libro está dedicada a Maternés: una pieza de Teatro Documental creada por el Cross y, a la vez, un estudio auto etnográfico para el autor. Tanto el Teatro como la Antropología comparten una curiosidad innata por el otro. Resulta interesante, para los amantes del teatro, estudiosos de la Antropología y para el público en general, descubrir que nos movemos en un espacio común, donde nuestras formas de actuar y la representación de las mismas, se retroalimentan constantemente. Mientras se estudian formas de representación, por un lado, se representan estudios etnográficos por otro.
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En el centenario del film El acorazado Potemkin, de Sergei M. Eisenstein, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: los hechos históricos, el montaje y la narrativa, el cine de propaganda soviético... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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En el 60 aniversario del film West Side Story, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: sugestación, el director, los actores, el original deBroadway, la banda sonora... Todo ello acompañado porun gran despliegue fotográfico.
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Recuperamos Lecciones de cine de Laurent Tirard, un clásico en el estudio de la dirección cinematográfica.Todos los grandes cineastas poseen un método secreto para realizar sus películas, pero sus enfoques son muy distintos, por ejemplo: a Martin Scorsese le gusta preparar las tomas de manera muy precisa y con bastante antelación, Lars von Trier se niega a reflexionar sobre un plano hasta que ya lo está rodando, Bernardo Bertolucci intenta soñar con las tomas la noche anterior y Pedro Almodóvar afirma que los cineastas deben abandonar la ilusión de creer que van a poder controlar la totalidad del proceso creativo de su película. Lecciones de cine recoge las conversaciones que el director y guionista francés Laurent Tirard tuvo con veintiuno de los directores más importantes del momento, y nos invita a descubrir qué significa para cada uno de ellos el oficio de cineasta. En esta serie de entrevistas, publicadas originalmente en la revista francesa Studio, los directores exploran tanto su visión del cine como sus técnicas y arrojan luz sobre el proceso, pero también sobre su persona, para ayudarnos a entender qué es lo que hace único a cada cineasta.
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Textos escritos por Hayao Miyazaki, el creador de películas tan inolvidables como El viaje de Chihiro, Mi vecino Totoro, o El viento se levanta, su última producción de 2013, unidos por su personalísima visión de la infancia y la naturaleza. Destacan una extensa entrevista de un bisoño Miyazaki junto al maestro Kurosawa, o el elogio fúnebre ante la muerte, en 2018, de su Íntimo amigo Takahata, creador de míticas series como Heidi o Marco.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.
