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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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¿Cómo se filma un unicornio? Documentales que quizás nunca verán la luz. Un director que se enfrenta a la traición. Un narrador que miente, que reconstruye su memoria a través de las imágenes, intentando atrapar lo que ya no existe. Cómo se filma un unicornio es la historia de un hombre obsesionado con filmar la belleza, mientras su vida se deshace en un equilibrio frágil y su obra queda atrapada entre lo que recuerda, lo que imagina y lo que nunca llegó a ser. Desde la Almería de su infancia hasta el París donde todo se desmorona, pasando por la selva amazónica, Jerez de la Frontera, una isla en Bangladesh, las huellas de Auschwitz y las cicatrices de Guinea, el narrador persigue imágenes que se desvanecen mientras lucha por sostener su vida y su obra. En ese recorrido de veinticinco años se cruzan personajes reales y ficticios: un padre que se derrumba, una compañera que se aleja, un amigo que desaparece, supervivientes del holocausto, marineros de ríos infinitos, inmigrantes, bailaoras, atrapados entre la memoria y la resistencia. Pero también es el testimonio de una batalla: la lucha contra una industria que asfixia el cine de autor, contra una producción cinematográfica marcada por la precariedad y la alienación de la televisión. En el centro de ese combate, la pregunta que lo atraviesa todo: ¿cómo se filma lo que es invisible? Con una prosa que oscila entre el lirismo y la crudeza, entre el impulso narrativo y la mirada crítica, la novela explora la tensión entre lo real y lo verdadero. Es también el retrato íntimo de un hombre aferrado a la belleza para comprender el mundo. Con una estructura que se aproxima al montaje de un documental, Cómo se filma un unicornio es una inmersión en el cine documental como herramienta para representar la realidad. ¿Qué significa encuadrar el mundo? ¿Cómo se construye la memoria? Una novela sobre la dificultad de construir la verdad y la necesidad de seguir intentándolo, aun cuando la memoria se transforme en ficción. Emilio Belmonte es cineasta documental y escritor. Nacido en Almería y afincado en París, ha desarrollado su carrera explorando los límites entre la realidad, el cine y la memoria. Sus documentales abordan tanto cuestiones sociales como culturales y han sido exhibidos en televisión, festivales y cines internacionales. Desde 2015 dirige una trilogía cinematográfica para salas de cine, La Piedra y el Centro, dedicada a las fronteras del flamenco. Es licenciado por la Escuela Nacional de Cine FEMIS y compagina su labor creativa con la enseñanza de cine documental. En Cómo se filma un unicornio, su primera novela, lleva su exploración del cine y la memoria a la literatura
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¿Qué han hecho el cine y las series por nosotras... y qué hemos hecho nosotras con ellas? Este libro es un viaje por los personajes femeninos que nos marcaron, nos sacudieron y nos obligaron a hacernos preguntas incómodas. Un repaso por el drama y la comedia, desde distintas épocas y perspectivas, que interpela a varias generaciones. Porque en la ficción caben todas las experiencias: la rabia de las que se hartan, el deseo de las que se atreven, el miedo heredado, la culpa impuesta y la fuerza que nace en la amistad, la maternidad o la soledad. De Sexo en Nueva York a Fleabag, de Las horas a Una joven prometedora, de Las chicas de oro a Retrato de una mujer en llamas, Pepa Blanes combina análisis feminista, memoria emocional y pasión cinéfila para repensar cómo han sido representadas las mujeres... y cómo han empezado a representarse y reconocerse. Diez capítulos para mirar con otros ojos aquello que creíamos conocer. Este libro no va solo de películas o de series: habla de ti, de nosotras, de todo lo que estamos dispuestas a transformar. Una nueva mirada en la que las mujeres —,madres, hijas, amigas, rebeldes, imperfectas—, se cuentan a sí mismas. Y cuando eso ocurre, el mundo cambia. Y ya no hay vuelta atrás.
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Colaboración con la Academia de las Artes Escénicas de España 13 Visiones de 13 directores de escena desde perspectivas distintas a las tradicionales o más académicas. Pedagogía, Texto, Ópera, Sonido, Iluminación, Escenografía...
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Akira y los animes que lo cambiaron todo, de Felipe Múgica, revela todos los secretos detrás del título más emblemático de la animación japonesa. Un filme que transformó por completo la percepción que Occidente tenía del cine de dibujos del lejano país. En estas páginas, se explora la trayectoria de su creador, Katsuhiro Otomo, en su triple faceta de mangaka, director de animación y cineasta de imagen real. También se aborda el manga que dio origen a esta obra maestra, su llegada a Estados Unidos y Europa, y cómo se gestó una película tan ambiciosa como Akira. Además, se analiza su impacto en España, su distribución en diversos formatos a lo largo de los años y se recogen las opiniones de expertos en anime sobre lo que Akira significó para ellos.
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Así cobró vida el clásico de animación stop-motion más icónico.Adéntrate en los entresijos de Pesadilla antes de Navidad de Tim Burton con esta divertida e interactiva historia visual de una de las películas más queridas de todos los tiempos. Repleta de datos escalofriantes, imágenes inquietantes e inserciones reales, como fotos de producción y storyboards, de la realización de la película. Este libro mágico del cine lleva a los lectores a un viaje a través de la animación stop-motion y les muestra cómo se hace posible que estos increíbles títeres cobren vida en la gran pantalla.
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El propósito del Mimo corporal dramático es el de ahondar en el drama dentro del cuerpo. El Mimo corporal dramático debe aplicar al movimiento físico esos principios y determinaciones de la vida que están en el corazón y en el alma del drama: sosiego, incertidumbre, compromiso, entereza, asombro y dolor.El Mimo corporal dramático, como aseguraba Decroux: Quiere representar lo invisible, emociones, tendencias, dudas y pensamientos. Hacer visible lo invisible.El arte creado por Étienne Decroux se diferencia totalmente de la pantomima tradicional.Impulsó más un arte del movimiento que un arte del silencio, siempre partiendo del trabajo de actrices y actores.En Palabras sobre Mimo, Étienne Decroux con una escritura directa y clarificadora va exponiendo las maneras y la técnica del Mimo corporal dramático más medular.
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Entre els inicis dels cinema i l’actualitat s’han produït a Barcelona infinitat de pel·lícules que han generat moltes curiositats i anècdotes. Per exemple, sabíeu que Elena Jordi va ser la primera directora de cinema catalana i espanyola? O que un barceloní –Jaime Salvador– va dirigir Buster Keaton? Que el primer català guanyador d’un Òscar va ser Néstor Almendros el 1980? És cert que els títols de les primeres pel·lícules de Rovira Beleta començaven per números com a resposta irònica al tòpic dels catalans que miren sempre l’economia? Que a la coneguda escena de Juanjo Puigcorbé anant en una vespino despullat pel centre de Barcelona a “l’Orgia” de Francesc Bellmunt es van contractar figurants perquè fessin cares de sorpresa? O que l’actual torre del baró que es pot veure a la pel·lícula El 47 no és la torre del baró original? Un llibre en el que podeu descobrir a través de les pel·lícules filmades a Barcelona aspectes desconeguts de la ciutat. • El Barça i la ciutat: “Fata Morgana”, “Dante no es únicamente severo”, “Tu vida en 65’”, “Centenari”... • La Barcelona quinqui: “Los golfos”, “Perros callejeros”, “Los violadores del amanecer”, “Las que empiezan a los quince años”, “Navajeros”, “Colegas”... • La Model i el cinema: “El presidio”, “Modelo 77”, “Barcelona Connection”... • El metro al cinema: “A tiro limpio”, “Estación Rocafort”, “Any de gràcia”, “Lo bueno de llorar”, “La cripta”, “Darkness”... • El Molino i el cinema: “Las alegres chicas de El Molino”, “La vida es magnífica”, “Fanny Pelopaja”, “La Nena”... «Una obra tan documentada com, de vegades sorprenent, que m’ha obert la gana de retrobar-me amb moltes pel·lícules i amb molts indrets de la meva ciutat.» Joaquim Oristrell ''Este libro invita a los lectores a un viaje fascinante y profundamente evocador a través de la historia cinematográfica de Barcelona, revelando capas de la ciudad a menudo invisibles para el observador casual. Es una exploración deliciosa que trasciende la mera filmografía, ofreciendo una lente única a través de la cual apreciar la vibrante cultura y los rincones más recónditos de la capital catalana. La narrativa teje anécdotas y hechos históricos con un tono encantador, casi nostálgico, haciendo que cada página se sienta como un paseo íntimo por el pasado, guiado por un experto local.¿A quién va dirigido 'Barcelona de cine'?Este libro está pensado para los amantes del cine que sienten una conexión especial con Barcelona, o para aquellos que desean descubrir la ciudad desde una perspectiva original y cinematográfica. Es ideal para curiosos que disfrutan desentrañando las historias detrás de las cámaras y los escenarios urbanos, así como para cinéfilos que buscan profundizar en la relación simbiótica entre una metrópolis vibrante y su representación en la gran pantalla. Quienes disfruten de la historia local contada a través de anécdotas, curiosidades y un enfoque cultural encontrarán en Barcelona de cine una lectura sumamente enriquecedora y entretenida, que invita a la reflexión y al descubrimiento.Temas que trataLa obra explora la profunda interconexión entre Barcelona y el séptimo arte, destacando cómo la ciudad ha servido de telón de fondo y, a menudo, de personaje principal en innumerables producciones a lo largo de las décadas. Aborda la evolución del cine catalán y español, desde sus pioneros hasta figuras contemporáneas, revelando curiosidades sobre directores, actores y momentos clave de la industria. También se sumerge en la transformación de espacios emblemáticos de la ciudad, mostrando cómo lugares como La Modelo, el metro o El Molino han sido inmortalizados en celuloide, ofreciendo una visión única de su patrimonio cultural y urbano.La crítica ha elogiado su capacidad para despertar el deseo de revisitar tanto películas icónicas como rincones menos conocidos de la ciudad, invitando a una nueva apreciación de Barcelona.
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En el centenario del film La quimera del oro, de Charles Chaplin, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su concepción, preproducción y rodaje, los actores y sus personajes, la música, las diferentes versiones ... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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My Son John es una película que no resulta fácil ver como una obra de McCarey. Resulta más oscura que el resto de su cinematografía y los momentos dedicados al humor son más bien escasos y no completamente explícitos. Además, el tema es duro: comienza con unos hijos que se van al frente y termina (perdón) con un tercero, el mayor, que muere en el enfrentamiento más silencioso de la guerra fría. No es el tono ligero de la comedia habitual del director, ni siquiera posee la amabilidad a pesar de constituir un melodrama como Make Way for Tomorrow (Dejada paso el mañana, 1937).Para algunos es una contradicción del director fruto de su (dicen) histeria anticomunista. Otros no dejan de encontrar, a pesar de esto, grandes valores cinematográficos en la película.Estos breves trazos hacen ver que My Son John es una piedra de toque dentro de la filmografía de McCarey. No parece que se pueda seguir sosteniendo la grandeza del realizador si no se sostiene al mismo tiempo la coherencia de este filme. Y eso es lo que hemos pretendido en este Tomo VIII de los Cuadernos. El lector comprobará si lo hemos conseguido.Sólo queremos insistir en que hemos procurado ser fieles a lo que constituye nuestras herramientas de trabajo en el personalismo fílmico. En primer lugar, la obligación de narrar la película con completa sujeción a lo que se nos muestra en la pantalla (con amplios textos filosófico-fílmicos) que aspiran a no dejarse nada. En segundo lugar, la invitación a acudir a textos filosóficos de autores próximos al personalismo que ayuden a profundizar lo que nos ha querido mostrar la película.El título que hemos escogido para este VIII. Cuaderno, ''Dignidad de la persona, de la maternidad, de la familia y de la conciencia frente al totalitarismo en My Son John (Mi hijo John, 1952) de Leo McCarey'' ha pretendido ser un resumen de la tesis que hemos querido sostener. Desde ella, My Son John no es un filme fallido, sino, al contrario, una poderosa exposición de la propuesta personalista en la cultura polarizada de los siglos XX y XXI. (De la presentación).
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¿Puede el cine curarnos? Más de 400.000 personas ya han encontrado en @cinemaexcelsiorr su safe space de cine. ¿Y tú?Víctor Salmerón, creador del más icónico safe space de cine en redes, ha escrito un manual único donde nos receta la película ideal para cada estado de ánimo. Desde combatir la ansiedad hasta sanar un corazón roto, pasando por crisis existenciales, daddy issues, insomnio, FOMO o ganas de pegarnos una buena lloradita, este libro es la guía definitiva para encontrar consuelo, inspiración o simplemente compañía frente a la pantalla. Más de 40 «males» cotidianos tratados con la mejor medicina: el cine. Porque a veces, solo necesitas la película adecuada para sentirte mejor.Una película para cada estado de ánimo. Algunos remedios que incluye este libro:Adicción (Half Nelson)Crisis de los veinte (Frances Ha)Daddy issues (Viaje a Darjeeling)Depresión (Aftersun)FOMO (Antes del atardecer)Ganas de pegarse una lloradita (Marcel, la concha con zapatos)Talasofobia (Ponyo en el acantilado) Wanderlust (Perfect Days) Y muchos más...
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The Rocky Horror Picture Show, musical de culto por antonomasia cuyo legado pasa de generación en generación, no solo revolucionó el cine y el teatro, sino que dejó también una profunda huella en la cultura pop gracias a su espíritu irreverente y a una mirada queer adelantada a su tiempo.El periodista y cronista cultural Popy Blasco se sumerge con toneladas de glitter en el fenómeno Rocky Horror, desentrañando sus múltiples capas con contagiosa pasión en un ensayo que combina análisis cinematográfico, crónica personal y reflexión histórica. A lo largo del libro, nos cuenta el nacimiento de la obra a partir de la imaginación de Richard O’Brien, cómo fue el paso de los escenarios a la gran pantalla y el proceso por el que, después de su inicial fracaso en taquilla, se convirtió en un inesperado éxito en las sesiones de medianoche, instaurando el concepto de audience participation.Además, el autor examina con detalle la banda sonora, marcada por influencias glam y rock y la desbordante estética camp de un filme repleto de guiños al cine de ciencia ficción y terror de serie B (y Z). Explora también el impacto que ha tenido la película en la contracultura en general y en la comunidad LGTBIQ+ en particular, que la ha abrazado como un espacio de rebeldía y expresión de la identidad que tiene mucho de litúrgico. También nos presenta a sus inolvidables personajes —Frank-N-Furter, Brad, Janet, Riff Raff y compañía—, invitándonos a bailar el «Time Warp» por toda la eternidad.
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Conmemora el 75 aniversario de Quo Vadis, una de las películas míticas de la Historia del Cine. La obra aborda diferentes aspectos del film con innumerables fotografías.En el 75 aniversario del film Quo Vadis, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, la novela original, el director, los actores y sus personajes, su influencia en el cine épico, la banda sonora... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Denigrado por los cinéfilos más intransigentes, el doblaje ha sido un arte decisivo en la transmisión y popularidad del cine. Cabría decir que todo él es doblaje, porque todo él es una «mesa de trucos, donde cada uno pueda llegar a entretenerse», como propuso Cervantes al frente de sus Novelas ejemplares. No se pretende aquí establecer ningún dogma. El doblaje no siempre es bueno, el subtitulado tampoco. Ambos albergan razones para el elogio (y para el vituperio). La propuesta del libro es muy sencilla: como cualquier intervención en la película afecta de un modo u otro a la versión original, se trata de determinar cuál es la pérdida menor, para que llegue al espectador, con el menor menoscabo posible, la variedad de emociones que pretendían sus autores.
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Las claves y conceptos para entender y apreciar el séptimo arte y sulenguaje. Aprenda lo esencial sobre el origen y desarrollo de laindustria, el lenguaje, teoría y géneros cinematográficos, su relacióncon las otras artes y los personajes y movimientos creativos que hanconquistado al público. Todo lo imprescindible sobre las cinematografíasmás señaladas con especial énfasis en los pioneros y genios del cine deEspaña y de Iberoamérica.
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Sabies que a la Rambla s'obrí el primer teatre de la ciutat? Que el 1879 s'instal·là un circ a la plaça de Catalunya? Saps a quin any s'inaugurà el Liceu o el Romea? I com eren els teatres del Paral·lel? Quines sales d'espectacle hi havia al passeig de Gràcia? O, com van sorgir els teatres populars dels barris? A finals del segle XVI aparegué la Casa de les Comèdies, primer recinte teatral de Barcelona. Situada a la Rambla amb el temps esdevindria Teatre Principal, màxim rival del Gran Teatre del Liceu inaugurat el 1847. A partir d’aleshores, el fet teatral prosperà a Barcelona de manera decidida. Emplaçats primerament a l’àrea d’influència de la Rambla, els teatres s’estendrien al passeig de Gràcia i a la plaça de Catalunya. Cap a la fi del segle XIX les arts escèniques arrelaren al Paral·lel, un espai on coincidiren realitats socials ben diverses, mentre el públic burgès trobà refugi als teatres de la Gran Via. Paral·lelament, als barris populars prosperà el teatre d’ateneu, fruit de la devoció escènica dels barcelonins. El propòsit d’aquest llibre és resseguir la Rambla, el passeig de Gràcia, la plaça de Catalunya, el Paral·lel, la Gran Via, els barris..., a la recerca de vestigis i presències teatrals. Un itinerari a través de l’espai i el temps de la nostra ciutat, un recorregut temàtic que ens durà fins a la realitat actual. T’animes a seguir-nos?
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Ochenta años después del fin del nazismo, las imágenes que construyeron su imaginario siguen ayudándonos a entender cómo el poder moldea los cuerpos y las identidades. El nacionalsocialismo convirtió el cuerpo en un elemento central de su proyecto político y social. Durante aquel periodo, la imagen —y muy especialmente el cine— actuó como un instrumento decisivo para moldear identidades individuales y colectivas. En el encuentro entre estética y poder surge la noción de «cuerpo contenido» como clave interpretativa de la simbología nacionalsocialista: un cuerpo disciplinado y ajustado a los principios del régimen.La visión del cuerpo promovida por el nacionalsocialismo alcanzó su expresión más influyente en la obra cinematográfica de Leni Riefenstahl, en particular en sus películas El triunfo de la voluntad y Olimpiada. Sus innovaciones formales y narrativas contribuyeron a consolidar un «realismo idealista» que no solo dio soporte al imaginario nazi, sino que ha seguido proyectándose, de manera sutil pero persistente, en la estética contemporánea.«El cine de Leni Riefenstahl no solo documentó un régimen: creó una estética del cuerpo que contribuyó a convertir la ideología en espectáculo». (Nayra Sanz)
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'La Antropología Teatral en Escena: The Cross Border Project'' es fruto de una investigación desarrollada a lo largo de varios años de experiencia del autor. Concretamente, se centra en la relación entre el Teatro y la Antropología Social y Cultural, ámbitos en los que Carlos A. Moya Rodríguez desarrolla su carrera. En el recorrido teórico a través de ambas disciplinas, resulta indispensable la figura de Eugenio Barba, creador del término Antropología Teatral. El lector podrá conocer las prácticas de los dos grupos objeto de estudio: por una parte, Human Beings, que siguiendo la fórmula de Grotowski, representa un ejemplo de Antropología Teatral en el laboratorio. Por otra, The Cross Border Project, cuyos montajes llevan la Antropología Teatral a escena, entendidos como productos etnográficos. Una tercera parte del libro está dedicada a Maternés: una pieza de Teatro Documental creada por el Cross y, a la vez, un estudio auto etnográfico para el autor. Tanto el Teatro como la Antropología comparten una curiosidad innata por el otro. Resulta interesante, para los amantes del teatro, estudiosos de la Antropología y para el público en general, descubrir que nos movemos en un espacio común, donde nuestras formas de actuar y la representación de las mismas, se retroalimentan constantemente. Mientras se estudian formas de representación, por un lado, se representan estudios etnográficos por otro.
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Recuperamos Lecciones de cine de Laurent Tirard, un clásico en el estudio de la dirección cinematográfica.Todos los grandes cineastas poseen un método secreto para realizar sus películas, pero sus enfoques son muy distintos, por ejemplo: a Martin Scorsese le gusta preparar las tomas de manera muy precisa y con bastante antelación, Lars von Trier se niega a reflexionar sobre un plano hasta que ya lo está rodando, Bernardo Bertolucci intenta soñar con las tomas la noche anterior y Pedro Almodóvar afirma que los cineastas deben abandonar la ilusión de creer que van a poder controlar la totalidad del proceso creativo de su película. Lecciones de cine recoge las conversaciones que el director y guionista francés Laurent Tirard tuvo con veintiuno de los directores más importantes del momento, y nos invita a descubrir qué significa para cada uno de ellos el oficio de cineasta. En esta serie de entrevistas, publicadas originalmente en la revista francesa Studio, los directores exploran tanto su visión del cine como sus técnicas y arrojan luz sobre el proceso, pero también sobre su persona, para ayudarnos a entender qué es lo que hace único a cada cineasta.
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Rocky Balboa es el icono de Filadelfia que se enfrentó al mundo y ganó. El auténtico ''semental italiano'', el luchador con agallas que triunfó como boxeador contra todo pronóstico, y una auténtica leyenda del negocio del cine. Desde que Sylvester Stallone diera rienda suelta al apasionado personaje que daba título a la película en 1976, el fornido boxeador se ha hecho un hueco en la historia como símbolo de la tenacidad y el coraje y como leyenda del éxito cinematográfico.La historia de la película Rocky es igual de apasionante que la del boxeador que la protagoniza. Rodada con un presupuesto muy ajustado, con un Stallone prácticamente desconocido como guionista y protagonista, la película se convirtió de la noche a la mañana en un fenómeno y generó recaudaciones millonarias. Obtuvo tres premios Óscar y convirtió a Stallone en un actor, guionista y director de fama mundial. El fenómeno Rocky dio para una saga de seis películas, incluida Rocky Balboa en 2006. En colaboración con Sylvester Stallone y la MGM, esta edición saca a relucir todas las agallas y la fama de la historia de Rocky. Las numerosas imágenes, incluidas muchas fotografías tomadas durante el rodaje por el prestigioso fotógrafo deportivo Neil Leifer, se acompañan de valioso material procedente de la biblioteca de la Academia y el archivo de la MGM que hablan del nacimiento de un héroe de acción inolvidable y de una obra maestra del cine. Un prólogo de Stallone y extractos de las entrevistas que ha concedido a lo largo de su carrera permiten descubrir los entresijos de la creación del personaje y de la saga, además de ofrecer una imagen privilegiada de la tenacidad, el arrojo y la pasión que caracterizaban a Rocky entre bambalinas y en la pantalla.ROCKY, ROCKY BALBOA, and all related ROCKY Trademarks, Logos and Materials © 1976-2025 Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc. All Rights Reserved.
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Un esencial para profesionales de las artes escénicas y, en general, para todas aquellas personas que se enfrenten al reto de levantar desde cero espectáculos vivos.¿Es la ayudantía de dirección una profesión técnica, artística o creadora? La respuesta, por supuesto, es que requiere trenzar estas tres perspectivas con sumo cuidado, razón por la cual se convierte en una labor tan delicada y tan fundamental para una pieza escénica. Este manual, escrito por seis profesionales con una amplia experiencia como ayudantes de dirección, repasa todas las claves necesarias para desempeñar este oficio. Así, y con la voluntad de ser útil antes, durante y después del montaje, presenta diez capítulos en los que se desgranan tanto la esencia de la ayudantía como las estructuras y los pormenores del trabajo diario, se aporta un «Decálogo del buen ayudante» y se recogen, a través de entrevistas, los testimonios de múltiples figuras destacadas de la profesión. Un libro escrito desde el amor al teatro y con la voluntad de abrir su espacio a todos los amantes de las artes escénicas.
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En el 80 aniversario del film Rebeca, varios autoresde prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, el original literario, el film enla obra de Hitchcock, los actores, la música, el vestuario, las influencias ... Todo ello acompañado porun gran despliegue fotográfico.
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Celebrado como «mago del suspense», maestro del entretenimiento y brillante narrador, Alfred Hitchcock es eso... y mucho más.A lo largo de varias décadas Miguel Marías reflexiona (ya en 1964, el primer texto crítico que escribió lo dedicó a ordenar lo que pensaba acerca de Hitchcock y Marnie) sobre aspectos soslayados con frecuencia, como su faceta romántica, su modo de dirigirse al espectador, su humorismo o, completándolo, su mirada grave y profunda.
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¡Echa un vistazo a la maleta encantada de Newt Scamander, descubre criaturas sorprendentes, pasea por las calles de la ciudad de Nueva York de la década de 1920, y conoce a los fascinantes amigos de Newt! Este álbum mágico te ofrece una aventura interactiva en elmundo de Animales fantásticos y dónde encontrarlos. Lleno de elementos extraíbles, como periódicos, pósters y otras sorpresas, ¡este libro tiene maravillas para todo el mundo!
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EL CAMINO HACIA STAR WARS: EL ASCENSO DE SKYWALKER Esta obra maestra tridimensional creada por el ingeniero del papel Matthew Reinhart muestra las escenas másalucinantes de la saga Star Wars en un nuevo hito dela sofisticación y la interactividad para un libro pop-up. Star Wars: El pop-up definitivo de la galaxia ofrece a los fans de la saga la posibilidad de formarparte de la acción lanzando deslizadores de las nieves contra andadores AT-AT, ayudando al Halcón Milenario a escapar de sus perseguidores de la Primera Ordenen Jakku, y mucho más. Presentado en un formato dinámico de 360 grados que permite ver la acción desde cualquier lado, el libro puede desplegarse por completoformando un diorama de toda la saga. Completo, emocionante y repleto de sorpresas escondidas por descubrir, Star Wars: El pop-up definitivo de la galaxia maravillará a los fans de todas las edades.
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Esta obra continúa y cierra el ciclo iniciado con los otros dos libros de pedagogía teatral de Stanislavski. Los conceptos y argumentaciones expuestos de forma genérica en los volúmenes anteriores se concretan aquí en casos prácticos. Puede decirse q
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En el 90 aniversario del film Drácula, de Tod Browning, varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El original literario, losactores, las influencias, las otras versiones, el erotismo... Todo ello acompañado por un gran desplieguefotográfico
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Este libro es una detalladísima descripción del trabajo conjunto entre director y actores para conseguir que la función sea, como dice su título, Diferente cada noche. La larga experiencia de Mike Alfreds como director de escena –,del National Theatre a la Royal Shakespeare Company, pasando por el Globe−, le permite exponer numerosos ejercicios y técnicasque él mismo ha aplicado en sus montajes, con el objetivo primordial de alcanzar el mayor rigor y precisión en las decisiones que vertebran el proceso creativo. Es un manual eminentemente práctico, en el que elactor es el eje central y se tratan las tres áreas principales de su trabajo: el texto, el personaje y elmundo de la obra. El teatro tiene que ser siempre «unacontecimiento único, abierto permanentemente al cambio».
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El poderós bruixot fosc Gellert Grindelwald va ser capturat a Nova York gràcies a en Newt Scamander. Per., complint la seva amenaça, en Grindelwald s'ha escapat i ha començat a reclutar seguidors, que en la majoria dels casos no saben les seves veritables intencions: criar bruixots de sang pura per controlar tots els éssers no màgics. En un gran esforç per frustrar els malvats plans d'en Grindelwald, l'Albus Dumbledore demana ajuda a en Newt, el seu antic alumne a Hogwarts, que accepta implicar-se altre cop sense ser conscient dels perills que l'esperen. A mesura que la hist.ria avança, l'amor i la lleialtat, fins i tot dels amics més sincers i de la família, es posaran a prova en un Món Màgic cada vegada més dividit.Bèsties fantàstiques: Els crims de Grindelwald és el segon guió d'una sèrie de cinc de J.K. Rowling, autora de la sèrie supervendes de Harry Potter. Ambientada el 1927, pocs mesos més tard de Bèsties fantàstiques i on trobar-les, en aquesta ocasió l'aventura ens durà de Nova York a París, Londres i altra vegada a Hogwarts. Aquesta meravellosa hist.ria de misteri i màgia ens revela un extraordinari nou capítol en la història del Món Màgic.
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En el cine español del franquismo, trabajaron durante décadas diversos creadores queer como directores, guionistas o productores, a pesar de la fuerte restricción de libertades y la existencia de censura. Este libro estudia, desde perspectivas queer, cómo estos creadores, la mayoría homosexuales, utilizaron códigos, tradiciones y referentes de la subcultura homosexual de su contexto histórico. En concreto, analiza cómo desarrollaron constantes creativas compartidas en torno a lo que tradicionalmente se ha pensado como feminidad. Las películas protagonizadas por mujeres les permitieron ubicar al hombre en la posición de objeto de deseo y generar abundantes relatos donde la frustración del deseo o la transgresión de las normas sociales fueron elementos recurrentes. El libro se divide en tres partes: las dos primeras estudian cómo estos creadores trabajaron con particular interés las convenciones del melodrama de mujeres y del cine musical protagonizado por divas cantantes, la tercera evidencia cómo, desde los años sesenta, fueron dejando atrás lo melodramático para recuperar lo camp como tradición subcultural, basada en el exceso, la ironía y el humor autoconsciente.
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En 2019, la plataforma de streaming Disney+ se estrenaba llevando como punta de lanza la primera serie live action de Star Wars de la historia: The Mandalorian. Esta se convertiría rápidamente en todo un éxito para la compañía, que atestiguaba cómo las aventuras de Din Djarin y Grogu no solo colmaban las expectativas de los fans más exigentes, sino que trascendían a la cultura popular, gracias al carisma de dos personajes que contra todo pronóstico alcanzaban el estatus de icono, solo deparado a los grandes clásicos de la franquicia como podrían ser Yoda, R2-D2 y C-3PO, la Princesa Leia o el mismísimo Darth Vader. El éxito de The Mandalorian ha llevado a Lucasfilm a diseñar todo un universo a su alrededor, el mandoverso, el cual, nutrido por una serie de spin-offs, enriquece aún más la trama del Mandaloriano y su adorable hijo adoptivo. Con el anuncio del salto de la serie a la gran pantalla, la historia de estos ya míticos personajes no ha hecho más que comenzar. This Is the Way: La creación de The Mandalorian y su universo es un recorrido por el proceso creativo que se esconde tras uno de los productos de Star Wars más exitosos en los casi 50 años que cumple la saga. En sus páginas el lector se adentrará en el corazón de la apasionante historia que llevó a la elaboración de la serie, al diseño de sus personajes, al desarrollo de la tecnología aplicada para su rodaje, así como al del resto de aspectos técnicos. El análisis de su historia y el impacto que todo ello ha tenido en un público que ha catapultado al pequeño Grogu al estrellato será sin duda parte del camino... This is the way.
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Si estas memorias resultan singulares es porque las escritas por directores de cine escasean en todo el mundo. Pero también son peculiares porque Alfonso Ungría lo es dentro de su oficio. Un autor cuya obra muchos celebran como ''coherente'', quizá porque ha conservado siempre la libertad artística frente a las habituales normas comerciales. Son además un claro testimonio, que el autor relata como protagonista y como testigo, de dos etapas significativas: el franquismo y la larga Transición, mostrando las sucesivas transformaciones del cine español, su financiación, el papel de sus productores y de las ''majors'' USA, las leyes ministeriales, los festivales, TVE, etc. Unos cambios vividos a través de una filmografía construida tras muchas batallas y fracasos. Y es que, a menudo, las peripecias para conseguir hacer un film o salvarlo de recortes o censura son el relato de una aventura, repleta de suspense e incidentes, que nos fascina a todos (seamos cineastas o espectadores).
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A partir de su propia experiencia cinéfila desbordada, Vicente Monroy desarrolla en este ensayo una apasionante historia de los mitos de la cinefilia y de susargumentos fundamentales, de las múltiples formas enque el cine, ese arte joven pero siempre en crisis,ha llegado a enfermar a sus amantes.De Orson Welles aMartin Scorsese, pasando por los Cahiers du Cinéma oSerge Daney, pero también dialogando con la historiade la filosofía y de la literatura, Monroy consigueconstruir en estas páginas una elegante síntesis de las ideas y polémicas más profundas que se han dado sobre el cine y su significado histórico.
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Una superproducción teológico-pornográfica en la que trabajó durante casi una década, Porno-Teo-Kolossal hubiera sido la película con la que pondría fin a su brillante y controversial carrera cinematográfica antes de dedicarse íntegramente a la escritura. Sin embargo, su brutal asesinato en 1975 dejó inconclusa esta oscura alegoría cargada de sadismo e irreverencia. Epifanio, un rey mago napolitano, emprende su camino seguido de un fiel servidor, Nunzio, en la búsqueda de la estrella que señala el lugar donde deberá rendir homenaje al Mesías recién nacido. Como un símbolo de esperanza, los caprichos del cometa lo conducirán por ciudades utópicas y salvajes, tan fantásticas como reconocibles. Estos alter egos satíricos de las grandes metrópolis del norte de Italia y Francia en las que reina la violencia y la degradación sirven a Pasolini para construir una crítica descarnada de la sociedad de consumo y la decadencia cultural de Europa.a de crear una sociedad no jerárquica y de liberar la mente de las influencias controladoras que nos rodean.
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Grandes firmas analizan uno de los géneros cinematográficos más populares: la comedia clásica. Howard Hawks, Frank Capra, Preston Sturges, Gregory La Cava, Mitchell Leisenà todos los grandes de la screwball comedy son homenajeados en ese libro. Cary Grant
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.
