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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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En el libro se analizan los procesos en que se divide la creación de una serie. Desde cómo surge y se vende la primera idea, hasta cómo se termina de producir el último capítulo. Un recorrido teórico que no solo nos muestra cómo se trabaja la escaleta, e
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Este libro revela la experiencia del dramaturgo Calonge con su compañía La Zaranda. En el teatro las palabras no se detienen, las frases más que en el papel quedan en la tensión del aire. El autor quiere ir másallá de los diálogos dramáticos de sus actores/personajes, para encontrarlos sin el refugio actoral, arrumbados en la memoria y, a modo de responso prosaico, despedirlos.
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Qué es el Séptimo Arte. Cuál es su historia. Cómo se hace una película.Quiénes son los que la hacen. Cómo se ha de ver y analizar un film.Escrita por José María Caparrós Lera con intención divulgativa, estasencilla Guía del espectador de cine compendia todo lo que hay quesaber sobre la «fábrica de sueños» y que el espectador curioso se habráplanteado sin duda más de una vez. Una selección de 250 títulos claves yun glosario básico de términos relacionados con el cine aportan asimismouna dimensión ilustrativa que puede resultar sumamente útil tanto alautodidacta como al profesor. Del mismo autor en Alianza Editorial: 100 películas sobre Historia Contemporánea y 100 documentales paraexplicar Historia .
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'Zombi'' (Dawn of the Dead, 1978) se hizo célebre por sus alegóricas imágenes de muertos vivientes deambulando por un centro comercial. El paralelismo estaba claro: nosotros éramos los zombis que frecuentábamos los espacios compuestos por concatenaciones de tiendas como cuerpos sin voluntad, únicamente guiados por el dinero y el consumo. Fuimos moldeados como zombis hace mucho, cuando pusieron el dinero a pie de calle para que fuéramos de cajero en cajero a consumir aunque no necesitáramos nada. Ahora solo tenemos que enseñar el móvil. El truco está en hacerlo cada vez más fácil. En este espléndido libro, Ramón Monedero descifra las numerosas concomitancias entre uno de los géneros cinematográficos con más adeptos y la realidad que nos circunda. El autor revisa los títulos clásicos junto a los menos conocidos, y extrae de ellos un sinfín de claves que sorprenderán al lector y que revelan un mundo zombi tan inquietante como plausible. Desde Marruecos a Yemen pasando por Egipto, desde Islandia a Hong Kong, pasando por toda Europa, la crisis suscitada por el colapso de Lehman Brothers conllevó que el pueblo se enfrentara contra el sistema, en muchos casos de forma violenta. De hecho, la imagen de «las fuerzas del orden» reduciendo a los manifestantes recordaba mucho una película de George A. Romero. Y no es casualidad. El cine de zombis, en general, siempre se ha estructurado en torno a esa defensa contra la masa de muertos vivientes. Lo civilizado frente a lo monstruoso... ¿O es al revés?
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La verdadera historia de los supervivientes de los Andes, protagonistas de La sociedad de la nieve, la nueva y aclamada película de J. A. Bayona. ¡Viven! El triunfo del espíritu humano relata esta escalofriante peripecia y la de los familiares de sus protagonistas, que nunca dejaron de buscarlos. En 1972, partió de Montevideo, con destino a Santiago de Chile, un avión Fairchild Hiller FH-227 de las fuerzas aéreas uruguayas en el que viajaba el equipo de rugby Old Christians y sus acompañantes. Sin embargo, les aguardaba un destino muy distinto del que habían proyectado. Las infernales condiciones climatológicas determinaron la catástrofe y el aparato se estrelló con los Andes. Solo dieciséis de los cuarenta y cinco pasajeros que viajaban en el avión sobrevivieron al accidente y a los casi tres meses de indescriptibles rigores que sufrieron a consecuencia del hambre, el frío y el dolor. Sin otras provisiones, se vieron obligados a enfrentarse al horror de alimentarse con la carne de sus compañeros muertos, en un acto desesperado por conservar la vida.
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Lo que Stanislavsky intuía a partir de la observación de sus actores a principios del siglo 20, ahora, la neurociencia viene a explicarlo desde un punto de vista científico. Como dijo Peter Brook «la neurociencia ha empezado a comprender lo que el teatro ha sabido desde siempre».A partir de esta idea Javi Luna ha centrado su trabajo e investigación de los últimos años. Al estudio de los grandes maestros de la interpretación ha unido el estudio de algunos de los nombres que más importancia están cobrando en el mundo de la neurociencia (Antonio Damásio, Giacomo Rizzolatti, Ignacio Morgado, Nazareth Castellanos o Mariano Sigma). Pero siempre desde un punto de vista práctico y experimental, usando sus clases como laboratorio donde «testar» cada una de las conexiones que intuía entre estos dos mundos. Un viaje fascinante, que le ha llevado a entender el porqué de muchas de esas cosas que los actores y los directores hacemos o decimos, sin saber muy bien el por qué. El resultado es un estudio muy práctico y lleno de ejemplos concretos. Cuestiones como la memoria, las neuronas espejo, las emociones y los sentimientos, el proceso de identificación personaje/actor/espectador, la creatividad, la imaginación y la intuición, explicados y dirigidos al servicio del arte actoral. Todo con el fin de dotar al interprete de unas herramientas concretas, que le den seguridad y confianza. En nuestro cerebro está la base de nuestro comportamiento (de nuestras emociones y sentimientos), entendamos cómo funciona, y tal vez podamos comportarnos (emocionarnos y sentir) como lo haría nuestro personaje.
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El flamenco no fue un espectáculo, ni nació para serun espectáculo: era la forma de expresión de un pueblo más bien inarticulado, eran los poemas que decíana gritos de llanto unos analfabetos que no podían expresarse de otra manera, eran los lamentos de amor deun tosco primitivo que apenas sabe hablar pero que alrecibir la herida se expresa de ese modo. ¿Quién podría pensar que ese lamento íntimo, que ese llanto musical, que ese abrirse las carnes para enseñar el corazón, pudiera ser un día taquillero? , afirmaba EdgarNeville en su '' Flamenco y cante jondo '' (1963).Ignoramos si Neville incluía la pantalla en su reflexión, pero la relación entre el cine y el flamenco comienza desde las primeras películas del período mudo,y ha ido creciendo a partir del sonoro bajo múltiples perspectivas, desde las apariciones más o menos puntuales de artistas (cantaores, bailaores, tocaores, etc.) al relieve dramático de la propia música, tantoen películas de ficción como documentales. El presente volumen verifica el ingente trabajo de no pocos años previo a la fase de escritura, compuesto de visionados, audiciones, lecturas, consultas, entrevistas, viajes, búsquedas diversas, paciente confrontación de datos... Brota de una intensa pasión de los autores por el flamenco, por el cine..., y por el flamenco en el cine. Esta pasión ha creado y determinado el libro,cuya naturaleza aúna la obra de consulta con el ensayo, al abrigo de esta música de peculiar belleza y especial dignidad. Se incorporan además cientos de ilustraciones, por lo común inéditas y de gran diversidad (fotos y carteles de películas, retratos de músicosy cineastas, actuaciones y portadas, etc.).
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La trayectoria de Juan Antonio Bardem (1922-2002) abarcó más de 50 años, en los cuales trabajó principalmente en cine (con éxitos internacionales como ''Muerte de un ciclista'' o ''Calle Mayor'', en los festivales de Cannes y Venecia, o la primera nominación a los premios Oscar para España, con ''La venganza''), pero también en televisión (con sus miniseries sobre Lorca y Picasso) y en teatro (fue el responsable del estreno en España de ''La casa de Bernarda Alba'').A lo largo de ese tiempo también escribió críticas de cine, artículos para prensa, conferencias y ensayos breves que fueron publicados en su momento y no habían sido recopilados hasta hoy. Otros permanecieron inéditos. Además escribió diarios personales en los que apuntaba el día a día de sus rodajes y las vicisitudes del medio cinematográfico y de su vida privada. Se trata de 37 volúmenes, escritos en inglés, y nunca difundidos.Conmemorando el centenario de su nacimiento, este libro recupera una selección de escritos que dan cuenta de la diversidad de actividades llevadas adelante por Bardem, sus reflexiones sobre el medio y sobre su propia obra, y principalmente, el compromiso con su ideología política. Más allá de mostrarnos al Bardem menos conocido, sus textos dan cuenta también del modo en que la sociedad española y su cinematografía se han ido transformando en la segunda mitad del siglo XX.
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PEDRO COSTA es uno de los directores de cine actuales mejor considerados por los cinéfilos y por la crítica académica. Este libro ensaya una lectura orgánica de su obra desplegando las repercusiones de la escena inicial de su primer largometraje, La sangre (1990), de filme en filme hasta llegar al último, Vitalina Varela (2019). También se reflexiona, como consecuencia de lo anterior, sobre las implicaciones de la voz y el canto en su trabajo reciente, poniendo énfasis en la exposición Canción de Pedro Costa, programada en Barcelona por La Virreina Centre de la Imatge.JAVIER CODESAL es artista visual, cineasta y poeta. Sus últimos largometrajes han sido Evangelio mayor (2021), Testimonio de Frederman (2019), Evangelio en Granada [Meta] (2019) y Calavera resumida (2020). Sus libros más recientes son Retrato y otro (2021), Textos de obra (2020) y El ogro (2019). Ha sido comisario de la exposición Canción de Pedro Costa.
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Un original ensayo sobre la justicia y el acto de hacer justicia, sobre la verdad y el fraude, el mal y la restitución del daño y sobre la proporcionalidad del castigo.Un juicio tiene algo de puesta en escena. Incluso cabría decir que la disposición de la sala recuerda a un teatro, con un estrado a modo de escenario y un espacio con filas de asientos reservado para el público, que asistirá a un combate dialéctico entre dos relatos antagónicos.Tanto es así que la teatralidad de los juicios ha sido recuperada en numerosas ocasiones en el ámbito de la representación teatral y cinematográfica. Al tiempo que fiscales y abogados se entrenan reproduciendo casos pasados o ficticios.En este singular ensayo, con la sensibilidad intelectual que le caracteriza, José A. Sánchez indaga, desde diferentes ángulos, en la función política de la representación a partir de juicios históricos y de obras de diferentes cineastas y creadores escénicos, desde la antigua Atenas hasta la actualidad.Y nos propone una reflexión acerca de la vigencia de conceptos como «mal» y «verdad», así como la manera en que se va transformando la relación entre creadores y públicos en el contexto de la cultura del espectáculo efímero.
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CONOCE LAS MAGNÍFICAS CRIATURAS Y ANIMALES FANTÁSTICOS DEL MUNDO MÁGICODE J.K. ROWLING. Aves del trueno y escarbatos, hipogrifos y elfosdomésticos, el Mundo Mágico de J.K. Rowling está repleto de criaturasmágicas de todo tipo. ¿Pero Cómo cobra vida en la gran pantalla unbowtruckle? ¿Un occamy es una serpiente o un pájaro? ¿Y cuál es laverdad sobre la caca de mooncalf? Estas páginas, en las que se inlcuyenfichas detalladas sobre cada criatura, arte espectacular e interesanteinformación sobre la filmación de Animales fantásticos y dóndeencontrarlos y las ocho películas de Harry Potter, revelan todo lo queun fan de la saga querría saber sobre la creación de estas criaturas.Lleno de materiales adicionales como pop-ups, pestañas, pósters y más,este libro ofrece a jóvenes lectores un pase a la increíble trastiendadel mundo mágico.
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En 1975 se reunieron en un solo libro los principales artículos publicados por André Bazin en la prensa especializada, con el respaldo de Jeanine Bazin y François Truffaut. Este último llegó a decir que, ''más que un crítico, Bazin era un escritor de cine, que se preocupaba más de escribir los films que de juzgarlos''.Las numerosas ediciones de este libro señalan a su autor como indispensable entre cinéfilos y estudiantes, teórico del realismo e inspirador de grandes del cine como Luchino Visconti, Jean Cocteau, Robert Bresson, Marcel Carné, Luis Buñuel, Orson Welles y Federico Fellini.
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David Cronenberg siempre quiso ser escritor. Su deseo de escribir, aplazado en varios momentos de su vida por diversos motivos, regresaba una y otra vez. Su necesidad de narrar(se) a través de la palabra escrita, su admiración por los novelistas de ciencia ficción, la devoción por Nabokov, Kafka y Burroughs.
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Este libro se propone abordar cómo se ha representadola emigración española en el cine, cómo ha ido variando su imagen a lo largo del tiempo, cómo lo percibióla censura o bajo que intereses se incluyó o se omitió. A partir del estudio de miles de largometrajes ycortometrajes, de ficción y no ficción, propuestas comerciales y films amateurs o militantes de todo tipo,indagaremos en un tema clave de nuestra historia contemporánea desde una perspectiva sociológica, antropológica y política. ¿Cómo imaginó el cine español a los emigrantes que se desplazaban hacia Europa? ¿Coincide con la imagen proyectada por las cinematografías de los países de destino?
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Shoah és un documental d’una durada de més de nou hores que narra les vivències de testimonis, víctimes i victimaris que van presenciar l’Holocaust. Lanzmann va dir que, en la pantalla, els subtítols del documental eren inessencials, però que si es reunien en un llibre, passaven a l’ordre de l’essencial. Diversos pensadors, des d’Arendt fins a Adorno o Horkheimer, han pensat sobre els règims totalitaris. Però s’ha acostumat a desplegar-ne un discurs filosòfic, racional i reflexiu. En canvi, Shoah, s’hi aproxima a partir de la figura del testimoni, que explica, revela i desoculta una veritat d’ordre íntim i particular, una veritat que va tenir lloc en un temps i un espai concrets. La paraula, davant de l’horror, es converteix en impotent.
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Mujeres de cine es el homenaje de una actriz, Ruth Gabriel, y de una ilustradora, Fraules, a las actrices que con su trabajo y su arte dejaron su impronta en la historia del cine español. También es un itinerario que se detiene en los hitos que fueron estas 30 mujeres que conquistaron al público español y de todo el mundo. 30 actrices que siempre fueron y serán un referente para las actrices españolas.
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«Ya se ha estrenado El séptimo sello y estoy ocupado
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Ten cuidado al abrir este libro, sangre mana de sus páginas. Nosferatu, Drácula, Cuentos inmorales, Besos de vampiro, El ansia, Drácula, un muerto muy contento y feliz,Buffy, cazavampiros, Los viajeros de la noche, Crepúsculo
más de cien series y pelí
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Durante los años setenta, ochenta y noventa del siglo XX, e incluso en la primera década del xxi, el escritor, realizador y productor Augusto M. Torres dialoga con destacados cineastas mundiales. En ''21 cineastas españoles (entrevistas)'' reúne una variada selección con directores, guionistas, productores, actores y técnicos para construir un peculiar, original y coherente dibujo del cine español de la segunda mitad del siglo XX. Desde el olvidado de la más dura posguerra y el interesante de los años de la Transición hasta el nacido de la política cinematográfica de los socialistas. Una visión alejada de lo tradicional, lo habitual, lo siempre considerado políticamente correcto, que suele aparecer reflejado en las historias del cine. Un conjunto de entrevistas donde diversos profesionales hablan de su vida, sus películas y su relación con un medio tan específico como el cinematográfico. Realizadas en momentos especiales de las respectivas carreras, están prologadas por originales retratos y trayectorias de cada uno, además de una sucesión de consideraciones sobre las relaciones del entrevistador con el entrevistado y de estos con un cine tan específico como es el español durante esas décadas.
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EL TERCER VOLUMEN DE LA NUEVA COLECCIÓNDE LIBROS ILUSTRADOS SOBRE LAS PELÍCULAS DEHARRY POTTERDesde el diario de Tom Riddle y la copa de Helga Hufflepuff a laVarita de Saúco, los Horrocruxes y las Reliquias de la Muerte soncruciales en las películas de Harry Potter.Lleno de preciosas ilustraciones y fotografías de los rodajes, estetomo proporciona a los fans toda la información sobre el desarrollode estos y otros artefactos mágicos.
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Ejemplar número 297 de la revista Versión Original.La revista de cine Versión Original comenzó su andadura en 1993 siendo en la actualidad la revista cultural más longeva de Extremadura.Una publicación mensual donde todos los trabajadores desarrollan su labor de forma desinteresada, con el doble objetivo de la difusión cultural y la ayuda humanitaria.Versión Original es la única revista de cine en España que tiene como uno de sus objetivos ofrecer la posibilidad de publicar los primeros textos, y que es una publicación singular que fomenta el cine, la lectura y escritura entre los ciudadanos: un modelo de participación cultural como no hay otro en España.
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Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini, Roberto Rossellini, Michelangelo Antonioni, Paolo Sorrentino, Luchino Visconti, Marco Bellocchio, Giuseppe Tornatore, Ettore Scola, Nanni Moretti.Entre los escombros de la Segunda Guerra Mundial, Italia dio a luz uno de los períodos más importantes e influyentes de la historia del séptimo arte. La profunda crisis de las sociedades occidentales encontró en la obra de una nueva generación de cineastas una forma de expresión emancipada de los esquemas tradicionales de trama, personaje y conflicto característicos de las producciones de los grandes estudios. Un cine sofisticado y comprometido que encontró en el valor poético de la imagen y el sonido el medio privilegiado para posicionarse frente a un mundo en transformación.Mediante el análisis de los recursos narrativos y cinematográficos utilizados en grandes hitos del cine italiano como La dolce vita, Viaje en Italia o La muerte en Venecia, y la vida y obra de sus grandes cineastas, Gustavo Provitina construye un ensayo sobre los matices con que el arte supo devolverle al mundo su soledad, su frivolidad y su individualismo: los devenires trágicos y cómicos de la vida moderna.
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Grandes firmas analizan uno de los géneros cinematográficos más populares: la comedia clásica. Howard Hawks, Frank Capra, Preston Sturges, Gregory La Cava, Mitchell Leisenà todos los grandes de la screwball comedy son homenajeados en ese libro. Cary Grant
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Entre las décadas de los años veinte y cincuenta de la pasada centuria, las películas, que comenzaron siendo curiosidades de gabinete en ferias, lograron convertirse en el mayor espectáculo del mundo. Los protagonistas de aquellos shows de celuloide que encandilaban al público desde la gran pantalla, pronto fueron erigidos como reyes dominantes del imaginario colectivo del siglo XX. Pero aquel panteón cada vez más poblado de rutilantes deidades, albergaba asimismo siniestros y decadentes bastidores, plagados de sombras sin fin: espectros, maldiciones, muertes extrañas, crímenes sin resolver, adicciones, magia sexual, satanismo... Hechos misteriosos, sucesos estremecedores y, en ocasiones, atroces ocurrían entre el lujo y la fatalidad, entre el oropel y la decadencia. Crueles destinos inexorables, tanto de numerosas estrellas, como de aspirantes a serlo.
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Si estas memorias resultan singulares es porque las escritas por directores de cine escasean en todo el mundo. Pero también son peculiares porque Alfonso Ungría lo es dentro de su oficio. Un autor cuya obra muchos celebran como ''coherente'', quizá porque ha conservado siempre la libertad artística frente a las habituales normas comerciales. Son además un claro testimonio, que el autor relata como protagonista y como testigo, de dos etapas significativas: el franquismo y la larga Transición, mostrando las sucesivas transformaciones del cine español, su financiación, el papel de sus productores y de las ''majors'' USA, las leyes ministeriales, los festivales, TVE, etc. Unos cambios vividos a través de una filmografía construida tras muchas batallas y fracasos. Y es que, a menudo, las peripecias para conseguir hacer un film o salvarlo de recortes o censura son el relato de una aventura, repleta de suspense e incidentes, que nos fascina a todos (seamos cineastas o espectadores).
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El monstruo del monóculo es un homenaje al cine negro y sus protagonistas (Fritz Lang, Ida Lupino, Gene Tierney, Lana Turner, Humphrey Bogart, Otto Preminger, Dashiell Hammett, Vera Caspary...), y también a las mujeres que, en esos años, experimentaron un enorme cambio social que resultaría ser, en realidad, un gran engaño. El monstruo del monóculo, inspirado en una serie de objetos que el destino puso en manos de su autora, viaja entre el ensayo, la ficción y el guion cinematográfico.
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Uno de los profesores de cine con más prestigio en Estados Unidos ofrece el curso definitivo de la A a la Z sobre las complejidades del cine. A petición de sus alumnos, el autor condensa en pocas líneas y de modo gráfico sus mejores clases, que han inspirado a numerosas generaciones de grandes cineastas y escritores de Hollywood. Examina los patrones que convierten las películas en populares y memorables, y logra un libro útil tanto para quienes hacen películas como para los que solo pretenden entenderlas mejor. Es ya un clásico en la literatura sobre cine.
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«Hay que hacer camino ignorando todo lo que sabemos, para tener -al menos- la oportunidad de conocernos un poco más. El cuerpo no es sólo un medio ni un instrumento: es el objetivo.» Ante la incertidumbre y el miedo a lo desconocido, Andrés Corchero propone la modestia: aceptar que no sabemos hacia dónde debemos ir y confiar. Así aparece la intuición y nos indica el camino para seguir adelante. Este bailarín, coreógrafo y docente, que ha dejado una impronta imborrable en la cultura coreográfica de nuestro país, tuvo que marcharse a Japón para encontrar a sus maestros, Min Tanaka y Kazuo Ohno, con quienes aprendió a bailar arraigado en el cielo tanto como en la tierra y se hizo consciente de la constante mutabilidad del paisaje y de la vida incluso más allá de la muerte.
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El mètode Albert Serra segons Jaume C. Pons Alorda. «Caos. Descontrol. Desorganització. No planificació. No forçar. Improvisar i enregistrar aquesta lassitud. El punt bàsic de viure en la crisi constant, el desordre absolut. Qualsevol cosa pot passar en qualsevol moment, per tant cal estar atent sempre. No hi ha talls. No hi ha principi ni final. Des del primer dia es filma tot. Els no-actors haurien d’estar caracteritzats i a punt sempre. No són actors, són titelles. No hi ha interpretació sinó creació. Una personificació. I obeeixen la crueltat de la dictadura de l’art fins a les màximes conseqüències. Tals són les ordres del gran magnànim Serra. I això és perquè l’art exigeix sacrificis.» És a l’Albert Serra que hem d’agrair l’encert d’encarregar a Jaume C. Pons Alorda aquest magnífic writing of de la pel·lícula Història de la meva mort, guardonada amb el Lleopard d’Or al Festival de Locarno i reconeguda com una de les millors pel·lícules de l’any per The New Yorker, que també destaca la interpretació de Vicenç Altaió en el paper de Giacomo Casanova.
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DESCUBRE LAS CRIATURAS DEL MUNDO MÁGICO DE J.K. ROWLING EN IMPRESIONANTES ESCENAS EN 3D Revisita el mundo mágico de Harry Potter mediante cuatro intrincados dioramas con múltiples capas que capturan momentos inolvidables de las películas.
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The Sandman, la exitosa serie de Fantasía de Netflix que adapta el cómic de Neil Gaiman, es un Mito moderno. Pero ¿qué es en realidad un Mito?Siguiendo los pasos del Periplo del Héroe analizado por Joseph Campbell, el autor propone el Mito de la Caída como clave de lectura para entender estas Primeras Historias, rastreando en Platón y los Neoplatónicos el descubrimiento y formulación de las mismas.Tras ello ofrece un detallado comentario del cómic original The Sandman, desvelando su hondo significado y el simbolismo espiritual que como mito encierra, así como sus raíces en los Misterios Órficos, señalando también las referencias al Universo DC Comics (Vertigo) que lo vio nacer.
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El presente libro describe un método de trabajo que los autores hemos ido creando, desde hace casi veinte años, a través de la experiencia con cientos de grupos psicoeducativos y psicoterapéuticos con niños, niñas, adolescentes y familias. La característica innovadora del enfoque nos lleva a hacer especial hincapié en su validación científica.
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En el 60 aniversario del film El apartamento, variosautores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los actores, la yuxtaposición comedia/drama, la cultura empresarial,... Todoello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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El cinema de Pere Portabella és indissociable de l'art i de la política. Són disciplines que es conjuguen i retroalimenten des d'una actitud comuna: impugnar les normes, les socials però també les estètiques. Aquest és justament el títol d'un volum que reuneix desenes de textos escrits per l'autor durant seixanta anys, des dels seus inicis com a productor fins a l'actualitat. Inclouen articles en diaris i revistes, presentacions dels seus films, pròlegs de llibres i catàlegs d'exposicions, conferències, així com algunes de les seves intervencions com a senador o diputat durant les primeres legislatures de la democràcia. Igual que el cineasta s'ha preocupat per preservar la seva obra per garantir-ne la difusión pública, ara és l'hora dels seus escrits. En l'edició prologada i anotada per Esteve Riambau, els textos s'articulen en tres grans blocs: l'oposició al franquisme, els primers anys de la democràcia i el retorn al cinema a partir de Pont de Varsòvia, sense oblidar una especial atenció vers el paper de la cultura a Europa. Sense mai separar l'art i la política del cinema, sorgeixen sinergies i confrontacions que ofereixen un retrat molt fidedigne del pensament de Portabella, a la vegada sustentat sobre interaccions amb personatges tan il·lustres com Luis Buñuel, Josep Tarradellas, Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan Miró o Carles Santos.
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Tras cuatro décadas de carrera como actor, Nicolas Cage ha construido una filmografía tan espectacular como extravagante en la que conviven obras maestras coninfrapelículas demenciales, los mejores directores conlos más atroces y personajes llenos de matices concaricaturas chaladas. Su mítica intensidad ha dado lugara todo tipo de leyendas y anécdotas. ¿Es ciertoquesecomió una cucaracha rodando una escena? ¿Se arrancódientes para sentir mejor el dolor? ¿Tiene su propiométodo interpretativo basado en conceptos chamánicos?Todas estas preguntas y muchas más son respondidasen'Las 100 primeras películas de Nicolas Cage',un libro único para celebrar a un actor irrepetible.
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Este título reúne una selección de textos teóricos escritos por la dramaturga, directora de escena e intérprete Angélica Liddell, acerca del sacrificio y lo poético. Conferencias, ensayos y una entrevista inédita con la creadora conforman un volumen imprescindible para aproximarse al pensamiento de Angélica Liddell. El volumen se completa con un prólogo escrito por Christilla Vasserot, traductora y especialista en el teatro de Angélica Liddell.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.