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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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La trayectoria de Juan Antonio Bardem (1922-2002) abarcó más de 50 años, en los cuales trabajó principalmente en cine (con éxitos internacionales como ''Muerte de un ciclista'' o ''Calle Mayor'', en los festivales de Cannes y Venecia, o la primera nominación a los premios Oscar para España, con ''La venganza''), pero también en televisión (con sus miniseries sobre Lorca y Picasso) y en teatro (fue el responsable del estreno en España de ''La casa de Bernarda Alba'').A lo largo de ese tiempo también escribió críticas de cine, artículos para prensa, conferencias y ensayos breves que fueron publicados en su momento y no habían sido recopilados hasta hoy. Otros permanecieron inéditos. Además escribió diarios personales en los que apuntaba el día a día de sus rodajes y las vicisitudes del medio cinematográfico y de su vida privada. Se trata de 37 volúmenes, escritos en inglés, y nunca difundidos.Conmemorando el centenario de su nacimiento, este libro recupera una selección de escritos que dan cuenta de la diversidad de actividades llevadas adelante por Bardem, sus reflexiones sobre el medio y sobre su propia obra, y principalmente, el compromiso con su ideología política. Más allá de mostrarnos al Bardem menos conocido, sus textos dan cuenta también del modo en que la sociedad española y su cinematografía se han ido transformando en la segunda mitad del siglo XX.
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Desde hace décadas los guionistas han examinado la estructura de sus guiones pensando en las cosas que pueden sucederle al protagonista, olvidando que lo que realmente debe preocupar a un narrador es lo que le sucede al espectador. La obsesión por destripar estructuras y actos, rastrear motivos y significados o mirar solo en el mundo audiovisual, ha logrado que la escritura de guión se haya convertido en un proceso aburrido, fatigoso y previsible, más propio de analistas y críticos que de creadores. Daniel Tubau, de acuerdo con los aires de renovación propiciados por los creadores o showrunners de las nuevas series de televisión, propone airear el cuarto mal ventilado de la escritura de guión y dejar que entre el aire fresco del gran arte narrativo. Frente a los trucos fáciles, las estructuras férreas y las fórmulas al uso, con una mezcla equilibrada de humor, ingenio y rigor, Tubau recuerda la riqueza de recursos que tiene a su disposición cualquier guionista. El espectador es el protagonista es a la vez un manual y un antimanual. Su autor no se limita a examinar los errores difundidos por los gurús del guión, sino que también ofrece herramientas, como el método empático, para hacer frente a los desafíos narrativos. Un libro perspicaz en el diagnóstico, innovador en el aspecto teórico y muy estimulante en lo práctico que hará recuperar el placer de escribir no solo al guionista profesional sino a cualquier narrador inteligente. Daniel Tubau es también autor de Las paradojas del guionista y El guión del siglo 21, ambos publicados por Alba Editorial entre otros muchos libros de ensayo y ficción.
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El documental es una modalidad privilegiada del cine, capaz de abordar ese elusivo objeto del deseo llamado realidad, lo que la ha convertido en la faceta del séptimo arte más comprometida con la escala social y política del desarrollo humano. A partir de su trayectoria excepcional como realizador documental y docente, Nicolás Prividera logra transmitir su experiencia de forma amena y con un lenguaje accesible para todo público.Desde las primeras capturas de los hermanos Lumière hasta los contemporáneos como Wim Wenders o Werner Herzog, Prividera reconstruye el camino irregular del desarrollo del cine documental que supone su ambigua y estrecha relación con la realidad y la ficción. Y aborda de forma integral cada una de las facetas del documental desde una perspectiva latinoamericana: las bases teóricas que permiten repensar su condición, la recapitulación de su evolución a través de los formatos, un análisis de las películas más icónicas, un completo manual sobre la praxis, desde el guion hasta la realización, una nueva reflexión sobre los grandes interrogantes que han movilizado a la disciplina., ¿cuál es la salida?
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Al abrir este libro se inicia una travesía fascinante por el mundo de los objetos que nos acompañan, objetos que son testigos de acontecimientos, objetos infraleves y contraobjetos, objetos heredados, encontrados azarosamente, perdidos o desaparecidos, objetos que circulan entre lo individual y colectivo, a lo largo de generaciones múltiples, entre la vida, la muerte, las memorias. Shaday Larios, una de las investigadoras mejor acreditadas en este campo, explora el tránsito velado de los objetos hacia su cualidad de «documentos», que evidencian tiempos situados y singularizan vidas. Y lo hace a través de lo poético, la práctica, la experiencia pedagógica tras años de investigación. Teatro de objetos documentales (TOD) es un apasionado ensayo, además de un manual abundante en testimonios, que ha sabido nutrirse de la antropología, la filosofía, la literatura, la crítica cultural, la historia del arte y las artes visuales, para imaginar y documentar el lenguaje oculto de los objetos que nos conviven.
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El cine y la arquitectura comparten una historia de encuentros. Ya desde sus inicios, el séptimo arte ha necesitado de la arquitectura, del marco construido, como telón de fondo de las acciones desarrolladas en la pantalla. El cine, por su parte, ha permitido establecer una mirada diferente sobre el territorio que los hombres habitamos, una mirada subjetiva, intencionada y distante. El presente diccionario aborda la posibilidad de diseccionar intencionadamente el campo de coincidencias visuales y operativas entre el trabajo del cineasta y del arquitecto a partir de un posible conjunto de términos comunes. La propia enunciación de los mismos, en absoluto entendidos como entidades cerradas, habla de la posibilidad de innumerables relaciones cruzadas, algunas de ellas contenidas en sus páginas, otras por descubrir. Cada una de las voces del diccionario se puede leer como un pequeño ensayo en sí mismo. Desde este punto de vista, su redacción obedece tanto al intento de desarrollar aquellos aspectos que los autores consideran más cercanos a sus propias sensibilidades e inquietudes como, a su vez, a la intención de que se postule como una guía para orientar posibles futuras investigaciones a partir de cualquiera de las entradas que constituyen su índice. Escrito a cuatro manos por dos arquitectos, la que se despliega es, obviamente, la mirada del arquitecto.
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El presente volumen, dividido en jornadas, como si fuera un viaje o una obra de nuestro teatro clásico, ofrece un recorrido preciso y actualizado por las artes escénicas españolas del siglo XVI, con sus peculiarísimos contextos de creación y producción, sus ricas encrucijadas entre tradiciones, sus búsquedas de nuevos públicos y sus apasionantes herencias, legados y proyecciones en la actualidad. Desde Bartolomé de Torres Naharro hasta Cervantes, pasando por el gran Lope de Rueda y, sobre todo, por el ingente y anónimo elenco que desde sus inicios sostiene las artes vivas, el lector accederá a una historia que pretende abordar el fenómeno escénico de este periodo en su magnífica complejidad, además de un estudio de su recepción reciente que permite comprender el modo en el que hoy lo interpretamos.
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Entre los más felices recuerdos que las retinas de nuestra memoria guardan de la gran pantalla, muchos pertenecen al género musical. La alegría que sentimos viendo a Gene Kelly y su sonrisa infinita saltando entre esos charcos bajo una copiosa lluvia, la viva emoción que nos invade al contemplar el baile de Cyd Charisse y Fred Astaire en aquel Hyde Park nocturno con los rascacielos al fondo en The Band Wagon, el eléctrico y sensual garaje de West Side Story o el multitudinario baile de los conductores retenidos en la autovía al inicio de La La Land, son a la par, fuentes de placer y belleza. El género musical es, en muchos sentidos, la quintaesencia del cine. Este libro ofrece un recorrido distendido y, a veces, irreverente, por la historia del género, plagado de anécdotas curiosas, datos insospechados y descubrimientos sorprendentes, acompañados de numerosas y hermosas fotografías de los films.
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En 2013, Sanchidrián revolucionó las redes sociales con su página de Facebook Sinopsis de cine. Hoy, su particular estilo y su personalísimo sentido del humor se han convertido no solo en virales en las redes sociales sino que ya forman parte de la propia vida diaria. En esta secuela, presenta 120 nuevas sinopsis de películas históricas del cine, como El club de la lucha, Robocop, Resident Evil o Moonraker. Sus críticas simpáticas, con su particular sentido del humor y un modo muy peculiar de resumir las películas han conquistado a miles de lectores.
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¿Hubo platillos volantes nazis? ¿Los astrólogos de Hitler escogían los días en los que debían llevarse a cabo los ataques a los aliados? ¿El Vaticano intentó exorcizar a Hitler, a quien muchos consideraron un poseso? Estas y otras inquietantes preguntas trata de resolverlas el autor de la exitosa trilogía Vamos a morir todos!, con sus mordaces comentarios, y una exhaustiva documentación. Temas inquietantes y perturbadores convertidos en una apasionante lectura, con muchas referencias al cine — a veces con películas sorprendentes — que nos atrapa hasta la última página. El lector viajará desde lo más recóndito del Tíbet hasta la gélida Antártida, donde los Estados Unidos enviaron una misteriosa expedición militar, una vez acabada la guerra.
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Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine del género de la historia del cine, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.
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¿Quiénes somos después de David Cronenberg? Tras más de cinco décadas desbordando los límites del cine fantástico, y tras el impacto de films como La mosca, Crash, Inseparables, Videodrome, Cromosoma 3, Crímenes del futuro..., ¿dónde nos ha dejado el cine de David Cronenberg? ¿Hasta dónde nos ha llevado el perfeccionamiento y desarrollo de su paradigma de la nueva carne, que ha fascinado a los pensadores de nuestro tiempo -y de sus imágenes- casi tanto como a los amantes del cine? ¿Cómo pensar la nueva sexualidad que se desprende de su estética? ¿Cómo afrontar el deseo en un cuerpo que se hunde y se entrevera con la máquina y la tecnología? ¿Sobrevive Dios a David Cronenberg? En busca de los límites más extremos del cineasta canadiense, exploramos sus orígenes más arcaicos, profundas reminiscencias que conectan su cine con las imágenes radicales del accionismo vienés, de la performance, el body art, la transformación y la performatividad del cuerpo, el imaginario cyber, imágenes-shock con las que vislumbrar la llegada de la nueva carne, y que aún hoy la reconfiguran. Pero también nos preguntamos por el legado de sus perversiones, sus transgresiones culturales, el desenlace de sus alcances y sus inercias contemporáneas: el sentido -casi final- de una filmografía única. Este volumen cuenta con los textos de análisis y pensamiento de autores de múltiples disciplinas: ensayo fílmico, análisis textual, reflexiones desde el psicoanálisis o la filosofía, y textos de autores especializados en cine fantástico y de terror con objeto de llevarnos a los límites de David Cronenberg.
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La deliciosa suma de dos pasiones: el cine y los mapas¿Qué sucede cuando se une la pasión por las películas con la pasión por la cartografía? El resultado es este libro, premiado en The Frankfurter Buchmesse Film Awards donde se han creado ilustraciones convertidas en maquetas a escala de grandes obras cinematográficas. Espectadores y fans ya han recorrido antes cada centímetro de estos viajes en la pantalla, atravesando bosques y selvas y sobrevolando planetas y estaciones espaciales. Y ahora, a través de estos mapas, pueden revisitar sus películas favoritas desde una nueva perspectiva y de una forma original y desconocida. Además, cada mapa viene salpicado de algunos de los mensajes subliminales de las películas, como el cubo de Troy (Los Goonies) o la bala de heno que bloquea la carretera (Wet Hot American Summer). Todo esto acompañado de explicaciones para comprender mejor por qué nos encantan estas películas y por qué tienen tanta repercusión.
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En un caluroso fin de semana de julio de 1987, con la ciudad de Madrid desierta, Miguel, un veterano articulista, temido y respetado, se cita en un café con Ángela, una joven estudiante de primer curso de Periodismo. Obligados a convivir en una jornada muy particular, ambos tratarán de sobrevivir al roce del deseo. Como dos trenes, sus personalidades chocan frontalmente, en la España de 1987, un país que terminaba de cerrar el capítulo negro del franquismo y se instalaba plácidamente en la democracia. Quizá demasiado plácidamente, mientras los valores y las jerarquías tradicionales aún disfrutaban de un poder sólido. Guión de la película. En un caluroso fin de semana de julio de 1987, con la ciudad de Madrid desierta, Miguel, un veterano articulista, temido y respetado, se cita en un café con Ángela, una joven estudiante de primer curso de Periodismo. Obligados a convivir en una jornada muy particular, ambos tratarán de sobrevivir al roce del deseo. Como dos trenes, sus personalidades chocan frontalmente, en la España de 1987, un país que terminaba de cerrar el capítulo negro del franquismo y se instalaba plácidamente en la democracia. Quizá demasiado plácidamente, mientras los valores y las jerarquías tradicionales aún disfrutaban de un poder sólido. Anagrama presenta el guión de Madrid 1987, la última película del escritor y realizador David Trueba, definida por la crítica norteamericana tras su paso por el festival de cine de Sundance como un cruce entre el cine intimista y la literatura de Philip Roth, otra magnífica obra literaria de Trueba.
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Las mujeres que constituyen la materia de este libro fueron lasestrellas femeninas más importantes de las cinematografías española,italiana y alemana, durante los años de la Segunda Guerra Mundial(1939-1945), en los que el nuevo régimen totalitario en España coexistecon el nazismo alemán y el fascismo italiano. En las tres dictaduras, lacensura ejerció un severo control no solo sobre los contenidospolíticos, sino también sobre el erotismo y la sexualidad. Las stars femeninas de los fascismos trabajaron en connivencia, más o menosexplícita, con la ideología de los Estados en los que desarrollaron sufilmografía, pero su cuerpo habló (desde las imágenes) ofreciendomensajes a menudo contradictorios con la moral imperante.Este libro propone un estudio de la gestualidad de dichos cuerpos, y seinterroga sobre la tensión subyacente entre feminidad servil y feminidadliberada, entre sexualidad negada y afirmación erótica. A lo largo desus páginas, se desgrana con minuciosidad la relación entre actuación eimaginario erótico en las filmografías de Imperio Argentina, EstrellitaCastro, Ana Mariscal, Conchita Montenegro, Conchita Montes, MercedesVecino y Amparo Rivelles para la cinematografía española Clara Calamai,Luisa Ferida, Anna Magnani, Isa Miranda, Assia Noris y Alida Valli en elcontexto italiano, y Zarah Leander, Marika Rökk y Kristina Söderbaumpara el caso alemán.
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APRENDE LOS SECRETOS QUE SE ESCONDEN TRAS LA CREACIÓN DEL ÉPICO VIDEOJUEGO DEL MUNDO MÁGICO: HOGWARTS LEGACY. El arte y la creación de Hogwarts Legacy es un viaje por la creación del videojuego de rol inmersivo de mundo abierto ambientado en el mundo que nos presentaron los libros y las películas de Harry Potter. Ve más allá del juego a través de entrevistas exclusivas al equipo de desarrollo, bocetos asombrosos, renders e ilustraciones mientras te sumerges en la creación de esta aproximación única a este mundo tan querido por muchos. ARTE CONCEPTUAL ORIGINAL: Incluye muchas piezas de hermoso arte conceptual inéditas que se usaron para construir convincentes escenarios del mundo mágico como Hogwarts, Hogsmeade, Gringotts y muchos otros. ENTREVISTAS EN EXCLUSIVA: Lee los comentarios del equipo de desarrollo sobre el proceso de creación de este excitante nuevo capítulo en la historia del Mundo Mágico. PERSONAJES, LUGARES Y MAGIA: Estudia a fondo los cautivadores personajes, detallados entornos y el asombroso sistema para la magia con el que se ha dado vida a Hogwarts Legacy. MIRA DETRÁS DEL JUEGO: Descubre un montón de divertidas anécdotas y datos sobre el proceso de creación del videojuego, desde la creación de escenarios al diseño de la jugabilidad. Sé testigo del trabajo y talento que requiere una experiencia de juego tan inmersiva. EL COMPLEMENTO PERFECTO PARA EL VIDEOJUEGO: Este hermoso volumen es ideal para los gamers coleccionistas y para los fans del Mundo Mágico.
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Generoa osatzen duten filmak natura eta kultura, indarkeria eta legea edo gizabanakoa eta komunitatea bezalako dikotomia unibertsalen inguruan artikulatuko lirateke. Hiltzat jotako adina aldiz berpiztua, liburuki hau joan den mendeko 60ko hamarkadatik gaur egunera arte Estatu Batuetan egindako westernaz arduratzen da. Urte haiek, 60ko hamarkada, Estatu Batuetako herriaren ''errugabetasunaren galeratzat'' jotzearekin batera, westernak ere (ilunabarrekoa, errebisionista edo deitu nahi zaion bezala) mutazio sakonak jasango ditu. Data horretatik aurrera, generoari atxikitako filmak gero eta ilunagoak eta konplexuagoak izango dira, eta zalantzan jarriko dituzte Mendebaldeko Konkistaren Mitoa eratzeko erabilitako tropo eta konbentzio nagusiak: cowboyaren epika maskulinoa, indarkeriaren funtzio zibilizatzailea, mugaren izaera egituratzailea, Bestearen estatusa, emakumea izan edo indiar basatia, beste askoren artean.
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Audrey Hepburn fue -y sigue siendo- una de las estrellas más icónicas que ha dado Hollywood. Sin embargo, la imagen que muchos conservamos de ella se aparta bastante de la realidad. En ''Quinta Avenida, 5:00 AM'', Sam Wasson nos presenta a la mujer de carne y hueso tras el vestidito negro de Givenchy que volvió el mundo del revés en 1961. Esta crónica cultural de la realización y el rodaje de ''Desayuno con diamantes'' nos revela detalles poco conocidos sobre la creación de este clásico del cine y de la obra literaria y las personas reales que lo inspiraron: Truman Capote deseaba desesperadamente que Marilyn Monroe interpretase a la protagonista y reservarse para sí mismo el papel del narrador, el guión de George Axelrod sufrió numerosos cambios debido a la censura, Blake Edwards filmó varios desenlaces, el estudio quiso eliminar ''Moon River'', la propia Audrey se mostró reticente a participar en la película porque le preocupaba que diera al traste con su carrera. De la mano de un pintoresco reparto, entre el que destacan Edwards y Capote, Colette, Edith Head, Mel Ferrer, Hubert de Givenchy, Henry Mancini, Billy Wilder y, por supuesto, Audrey Hepburn, el autor de ''El gran adiós'' nos sumerge en la Norteamérica de los cincuenta, antes de Woodstock, la píldora y el Movimiento de Liberación de la Mujer, cuando una joven no-tan-virginal llamada Holly Golightly sacudió el país, cambiando para siempre la moda, el cine e incluso la sexualidad de los estadounidenses.
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Llevábamos tiempo con la idea de incorporar el teatro a nuestra colección de libros ilustrados y nos parece que un excelente primer libro sería uno que reuniese los mejores carteles que el ilustrador y diseñador Isidro Ferrer ha ido creando para el CDN en los últimos años, comentados por dramaturgos, actores, escenógrafos,etc.: Juan Echanove, Miguel del Arco, Andrés Lima, entre otros muchos.En estos maravillosos carteles, Isidro Ferrer mezcla realidad, fotografía, ilustración y diseño en extraños collages que, dentro de su sencillez, nos proporcionan una potente lectura de la obra. Texturas, tramas, madera,hierro, manchas de color, tipografías y máscaras son los materiales con los que ilustra las obras.
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La Guía FilmAffinity es un recorrido por la historia del cine desde sus inicios. En sus más de 400 páginas se analizan cientos de películas y se muestran cientos de fotogramas. La web FilmAffinity nació en 2002 y, para celebrar la mayoría de edad, sus creadores queríamos ofrecer a nuestros usuarios y lectores algo especial. Y nada mejor ni más útil que esta guía, encargada a varios expertos y editada por dos de las personas que conocemos que más saben y mejor escriben sobre cine. Este volumen, que incluye decenas de fotogramas y carteles de películas, no es solo un resumen de un siglo y cuarto de cinematografía, desde sus inicios hasta la actualidad) sino también un análisis preciso y riguroso de la evolución de este arte. Un libro que es una actualizada historia del cine mundial a un tiempo rigurosa, amena y didáctica.
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Un panorama ampli i lluminós del món de la dansa en tota la seva extraordinària varietat actual.Guillem Alonso • José Manuel Álvarez • Pau Arnal • Héctor Artal • Nur Bloodrose • Laura Carrau • Enric Castan • Maria Duran • Arias Fernández (Joker) • Patri Garcia i Xavier Rota (Ballaveu) • Cesc Gelabert • Anna Güell • Devorah Korek • Kayoko Nakata • Laura Olivella • Susana Pérez Testor • Ariadna Peya • Magda Requena • Kim Solé • David Teixidó • Rick Tjia • Berta Vallribera.«Martha Graham deia que la dansa és el llenguatge ocultde l’ànima. Ens agrada pensar que l’ànima de tot aquell que s’apropa a la dansa s’enriqueix, i aquest és el propòsit del llibre: enriquir i enriquir-se, com en una conversa entre bons amics parlant d’un món apassionant.»
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Tecnologías de la edad es un volumen imprescindible para trascender la concepción dominante del envejecimiento fomentada por los discursos fílmicos hegemónicos, que contribuye a la invisibilización y homogeneización de las personas mayores y a la demonización de la vejez. Los análisis contenidos en estas páginas sostienen que la edad es una intersección universal, pero no unidimensional, y, por tanto, la experiencia del envejecimiento repercute en el ser humano de maneras diferentes, con lo que el cine tiene el poder de implantar otros conceptos sobre la edad que desnaturalicen los hegemónicos. La primera parte de Tecnologías de la edad recoge una serie de textos teóricos fundamentales que forman las líneas más claras de aproximación teórica a las representaciones culturales del envejecimiento. La segunda parte se dedica a desgranar el espectro de las múltiples formas de envejecer según su intersección con diversos discursos cinematográficos y contextos geográficos. La última parte del volumen incluye, a modo de epílogo, entrevistas con algunas de las personas a cargo de la organización de dos festivales cinematográficos sobre la vejez, los cuales contribuyen a la visibilización de la diversidad de la experiencia del envejecimiento y a su celebración. Un estudio necesario para promover una representación más diversa y no edadista de las personas mayores en la sociedad.
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Cada año, el 1 de septiembre, los estudiantes llegan al Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería para estudiar magia, jugar al Quidditch y hacer amigos para toda la vida. Pero antes de que comience el curso, los estudiantes de primer año son clasificados por el Sombrero Seleccionador dentro de una delas cuatro casas: Gryffindor, Hufflepuff, Ravenclaw y Slytherin. ¡Y tú has sido seleccionado para Gryffindor! En estas páginas, aprenderás todo sobre esa casa de Hogwarts tal y como se ve en las películas de Harry Potter, y adquirirás una serie de artefactos, como banderines o pins, para celebrar el prestigio de tu casa. En este libro, explorarás la Sala Común, conocerás al Fantasma de la Casa y se te presentarán a famosos Gryffindor del pasado y del presente. También adquirirás una serie de objetos de la casa, como el horario de clase de Hermione Granger o un emblema de Gryffindor bordado. HARRY POTTER: GRYFFINDOR MAGIC incluye: - Más de una docena de espléndidos artefactos, como un banderín, un emblema bordado y facsímiles de accesorios oficiales, como el horario de clases de Hermione Granger o el pergamino firmado por el Ejército de Dumbledore. - Artículos de papelería con temática de la casa, como un marcapáginasde Gryffindor, notas adhesivas con forma de león, pegatinas de la casa, y un cuaderno y un lápiz de Gryffindor. - Datos y opiniones sobre las películas de Harry Potter, incluidas las reflexiones de Daniel Radcliffe y otros miembros del reparto y el equipo técnico. - Impresionantes fotografías del decorado y arte conceptual.
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En el 90 aniversario del film La momia, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el trasfondo histórico, su relación con el ocultismo, el rodaje, la repercusión, las secuelas...acompañado por un gran despliegue fotográfico.r, conocerse a uno mismo, los estados de la mente, la conciencia y el amor, entre otras muchas cosas.idades Autónomas. Como conclusión, se dan una serie de pautas organizativas, y medidas para alumnado y profesorado para prevenir y tratar este fenómeno.se contienen incomodan a veces, cuestionan siempre. En el fondo y en la forma, en el lenguaje otro que elige el poeta y en su proyección visual. Un libro, en definitiva, que se nos presenta lleno de la honestidad del que sabe que la poesía es la única vía para enfrentar la lucha de lo uno y su contrario interior, de las contradicciones.
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El cine español durante los gobiernos socialistas de las dos últimas décadas del XX se caracteriza, muy en primer lugar, por la fuerte crisis con la caída del número de películas, de espectadores y de salas de cine, lo que conlleva todo un proceso de red
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Jesús Jara nos transmite un concepto novedoso de lo que es un payaso en cuanto a su proyección y trascendencia más allá de los límites de las artes escénicas, y pone a disposición de los formadores, profesores, estudiantes de pedagogía, monitores, animadores, profesionales del teatro y aficionados una herramienta que es, al mismo tiempo, divertida y práctica. En la primera parte, realiza un breve estudio histórico sobre el desarrollo del clown en el teatro, el cine y el circo. En la segunda, nos desvela variados aspectos sobre su filosofía payasa y nos ofrece pautas sobre el uso de la nariz, la mirada, la voz, el vestuario y el maquillaje, así como indicaciones relativas al formador y su trabajo. En la tercera, ofrece una gran cantidad de juegos y ejercicios que ayudan a conocer y desarrollar el clown que cada persona tiene en su interior. Alfredo Mantovani, especialista en teatro en la educación, prologa este manual de técnicas clownescas, afirmando que ir en busca del propio clown nos inducirá siempre a explorarnos y a recuperar nuestro niño interior. Jugar en clave de clown es representarnos a nosotros mismos como lo hacen las niñas y los niños cuando juegan al teatro.
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Imágenes narradas. Cómo hacer visible lo invisible en un guion de cine aborda la escritura de guiones desde una perspectiva nueva. La mayor parte de los guionistas centran toda su energía en lograr que funcione la trama, la estructura y los diálogos y se olvidan de la enorme capacidad expresiva de las imágenes, pese a que esta es la esencia del lenguaje audiovisual. El presente libro anima al guionista a ser consciente de su condición de cineasta, más allá de su papel de contador de historias. Le proporciona herramientas para saber proyectar en papel su ''película soñada'' y que sus lectores sean capaces de ''verla''antes de que llegue a ser rodada.
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Signo e imagen Cátedra
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Autobiografía de Kosice, escultor, teórico y poeta, conocido como uno de los precursores mundiales del arte cinético y lumínico. Historia de su vida y de su trayectoria artística.o, el propósito de este libro es brindar, con ilustraciones de las piezas más significativas, un estudio integral sobre la escultura y cubrir un vacío en el terreno de la bibliografía sobre las artes plásticas. Las conferencias reunidas en este volumen no pretenden ser un estudio exhaustivo de la escultura, sino más bien, la constatación de una tesis: que la escultura tiene potencialmente una estética propia, que despunta en la prehistoria, asoma en su integridad en algunas ocasiones a lo largo de la historia y recién en la modernidad y a partir de Rodin, se actualiza completa y conscientemente con otras obras.
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Lejos del glamour y el lujo de la alfombra roja de Hollywood, Toni Garcia, un profesional con más de 20 años en el sector, nos muestra cómo son de verdad en las distancias cortas algunos de los actores y directores que han marcado un antes y un después en la historia del cine.Algunos de los sospechosos habituales en este libro son: David Lynch, Helen Mirren, Ian McKellen, Anne Hathaway, Steven Soderbergh, George Clooney, Anthony Hopkins, Silvester Stallone, Meryl Streep, Todd Haynes, Emily Blunt, Naomi Watts, Johnny Depp, Idris Elba, Diego Luna & Gael García Bernal, Scarlett Johansson, Gwyneth Paltrow, Robert DeNiro, Jack Nicholson, Margott Robbie, Bill Murray, Philip Seymour Hoffman, Wes Anderson, Spike Jonze, Sigourney Weaver, Tom Hanks, Cate Blanchett, David Simon.
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Partiendo de la idea de que la diferencia existe, pero que la alteridad se construye, la pretensión de este libro es la de ofrecer a formadores y personal docente, a madres, padres y alumnado de los últimos añosde educación secundaria obligatoria, bachillerato y formación profesional básica un manual de apoyo susceptible de ser utilizado en eso que podríamos denominarcomo ''educación en y para la diversidad''. Pocas vías existen tan potentes como las narraciones audiovisuales a la hora de, precisamente, construir y expandir estereotipos y prejuicios sobre aquell@s que no senos parecen. De ahí la necesidad de deconstruir esosrelatos mediante el análisis de 20 películas que ponen en escena cuestiones como la discriminación por razón de raza o nacionalidad, de género u orientación sexual, de origen o religión, de estatus social o edad,de discapacidad física o trastorno mental.
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En el más puro estilo norteamericano, Escribir cine es un libro riguroso, escrito por profesores cualificados y expertos, y a la vez claro, práctico y muy entretenido. Contiene lecciones sobre los elementos fundamentales del oficio de guionista y profundiza en temas tan cruciales como la descripción, la voz, el tono y el tema, realiza también un análisis a fondo de cinco guiones brillantes, La jungla de cristal, Thelma y Louise, Tootsie, Entre copas y Cadena perpetua, y proporciona estrategias para vender el guión y entrar en el mundo del cine. Además, en cada capítulo se proponen ejercicios que paso a paso llevan al alumno desde la idea inicial al texto completo de un guión pulido y realizable.
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Reunimos, para uso y disfrute de fieles y neófitos, las piezas clave —inéditas— de una de las películas más celebradas del cine español: Amanece, que no es poco, de José Luis Cuerda. En estas páginas el lector puede encontrar el jugosísimo proyecto inicial, el guión original (con escenas que no se llegaron a filmar o que no entraron en el montaje final) y las fotografías del rodaje, todo aderezado con un prólogo y un magnífico anecdotario redactado por José Luis Cuerda para la ocasión. La suma de estos elememtos hace que cualquier fan —presente o futuro— de Amanece, que no es poco goce con este libro, un poco más, si cabe, que con la película. * Parece lo de siempre y es lo nunca visto: un joven ingeniero español, profesor de la Universidad de Oklahoma, vuelve a España para disfrutar de su año sabático. Su padre le ha comprado una moto con sidecar para realizar viajes de placer los dos juntos. Padre e hijo llegan a un pueblo de montaña, muy escondido. El pueblo parece vacío, pero no lo está. Lo que ocurre es que todos sus vecinos, menos el negro Ngé Ndomo, han ido a misa. Que todos los habitantes del pueblo vayan a misa todos los días del año es lo habitual. El cura se da tal maña con la liturgia que no hay fiel que quiera perderse el espectáculo. Pero no es esta la única peculiaridad del pueblo. La Guardia Civil, sin ir más lejos, vela por el orden con admirable meticulosidad: los borrachos han de beber su alcohol favorito, de uno en uno y hasta la ebriedad absoluta, los amantes han de gozar en los coitos por igual, los delincuentes deberán confesarse y poner en paz su alma antes de entregarse a las autoridades terrenas… En el pueblo se celebran elecciones generales cada año, y en ellas se eligen, por rigurosa votación, los cargos de alcalde, cura, maestro, puta, marimacho en período de prueba y seis adúlteras.
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Si el propósito de este libro es ofrecer unas pautas que puedan servir de guía a la hora de comentar un film (articuladas en una suerte de manual introductorio, una de cuyas intenciones es poner de manifiesto la grosera falacia según la cual los mecanismos últimos de una obra cinematográfica constituyen un arcano insondable fuera del alcance del espectador no especializado) ello no implica de ningún modo eliminar el placer que la simple visión de una película aporta sino, bien al contrario, acrecentarlo, porque parece evidente que sólo se goza de aquello que se conoce, y sólo se conoce aquello que es posible comprender, es decir: explicar. Se trata, por consiguiente, de proponer un método de aproximación que permita saber cómo está hecho aquello que nos gusta para poder saber por qué nos gusta.
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Peter Brook, director de teatro original y creativo, es uno de los genios artísticos de nuestro tiempo. Este libro nos proporciona una absorvente visión del trabajo de Brook, mostrándonos qué pretende lograr a través del teatro, medio que ofrece, en su opinión, la más vívida metáfora de la vida misma.
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En el 75 aniversario del film El tercer hombre, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el original literario, el director, los actores y sus personajes, el rodaje, la música... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Déjese llevar por los artífices de la historia del celuloide. Esta selección de cine de terror, romántico, negro, comedia, aventura, drama, wéstern y new wave reúne los mejores exponentes del siglo xx en una guía indispensable del mejor cine. La colección está ordenada cronológicamente y se ofrece en un formato muy práctico. Las reseñas de las películas constan de una sinopsis, listados del reparto y el equipo, información técnica, biografías de actores y directores, anécdotas y una lista de premios, además de fotogramas, fotos de producción y el cartel original de cada película. De Metrópolis a Tiempos modernos, pasando por La naranja mecánica y Los olvidados de Buñuel, de los éxitos de taquilla a las obras maestras menos conocidas, disfrutará mucho hojeando este libro que transformará una apacible velada en un viaje cinematográfico inolvidable.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.
