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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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El western producido en Hollywood a lo largo de las tres décadas comprendidas entre 1962 y 1992 constituye un bloque apasionante y muy peculiar en la historia del cine estadounidense. Sendas películas relevantes entrañan su proemio y epílogo respectivos: Duelo en la Alta Sierra (Sam Peckinpah, 1962) y Sin perdón (Clint Eastwood, 1992). La primera tiende un puente entre el clasicismo moribundo y su reinterpretación crepuscular, de forma inconsciente, y la última encierra, de modo consciente, la despedida al género de uno de los cineastas emblemáticos de estos decenios (en su triple función de actor, director y productor).
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A medio camino entre el arte y la vida, Jean-Luc Godard convirtió a Anna Karina en su musa y su amante Billy Wilder y Marilyn Monroe sobrevivieron con éxito relativo a dos rodajes fatídicos juntos y Grace Kelly abandonó a Hitchcock para ser princesa
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En el 60 aniversario del film Con faldas y a lo loco, varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los logros técnicos, los personajes, la música, la estética, las influencias, los simbolismos... Todo ello acompa
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Chinatown es uno de los filmes más memorables de la que posiblemente sea la década más memorable del cine estadounidense. Incluido de manera habitual en las listas de las mejores películas de la historia, su exquisita mezcla de clasicismo y modernidad, nostalgia y desencanto, belleza y sordidez, le han garantizado un lugar especial en el corazón de numerosos cinéfilos, pero hasta ahora nadie había contado al detalle la increíble historia real que rodeó tanto la preparación como el rodaje de este auténtico hito de Hollywood. Tomando la realización de Chinatown como punto de partida, Sam Wasson va mucho más allá del simple «cómo se hizo» para explorar y contextualizar el filme como un punto de inflexión en la cultura general, retratando el glorioso periodo que lo alumbró y entretejiendo de paso las vidas de cuatro individuos sumamente imperfectos (Jack Nicholson, Roman Polanski, Robert Evans y Robert Towne) y el modo en que llegaron a coincidir una sola vez para crear una obra de arte casi perfecta.
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Este libro va dirigido a cualquier persona interesada en la educación teatral. A la vez, va dirigido a todos aquellos interesados en una docencia especialmente lúdica que refuerza la creatividad, las dinámicas de grupo y la personalidad de cada alumn
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La fábrica de sueños de Hollywood atraviesa una pesadilla de restricciones. La cultura woke y sus políticas de identidad parecen enloquecer, estableciendo nuevas reglas que muchos ven como una lamentable pérdida de libertad. Las consignas se introducen en guiones y películas que pugnan por obtener un Oscar, y también en televisión, hasta constituir una verdadera revolución en el modo de mostrar sus contenidos.El galardonado crítico de cine Christian Toto analiza dónde se equivocó Hollywood, cómo se ha llevado a cabo ese proceso en la industria del cine y qué rayos de esperanza alberga el futuro.
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En el 60 aniversario del film Los pájaros, de Alfred Hitchcock, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: La novela original, el director, los actores, la simbología, los efectos especiales, la influencia... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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El cine de Eloy de la Iglesia, el director maldito del cine español, revisado en un ensayo colectivo que repasa también las claves del género quinqui.Eloy de la Iglesia. El placer oculto del cine español nos aproxima a la trayectoria, vibrante y compleja, de uno de los directores más importantes de la Transición, responsable de títulos tan populares como El techo de cristal, La semana del asesino, El diputado, El pico o La estanquera de Vallecas. Mirado con desdén por la crítica de la época, que no le perdonó su ambición comercial, y reivindicado por las nuevas generaciones, la figura de Eloy de la Iglesia es fundamental para acercarnos a una de las etapas más convulsas de nuestra historia reciente.Este ensayo colectivo, coordinado por Carlos Barea, profundiza en los distintos aspectos que confluyen en las películas del cineasta vasco, donde la voluntad de provocación y el erotismo más crudo conviven con la intención de mostrar de manera realista los vaivenes políticos y las transformaciones sociales. Por su extensa filmografía desfilaron las estrellas del momento (Carmen Sevilla, Amparo Muñoz, Simón Andreu, Vicente Parra o José Sacristán, entre otros) y nuevos talentos sin experiencia ante la cámara (como José Luis Manzano, su actor fetiche).Homosexual y comunista, Eloy de la Iglesia contribuyó decisivamente a retratar las luces y, sobre todo, las sombras de un país que despertaba a la democracia pero que daba la espalda a una parte de la población. Entre los marginados se hallaban los denominados quinquis, que dieron nombre al exitoso subgénero cinematográfico, o los integrantes del colectivo LGTB, a quienes dotó de una voz hasta entonces silenciada.
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Ingmar Bergman no concibió los escritos que se recogen bajo el título de Cuaderno de trabajo como una obra destinada a su publicación, sino como un diario íntimo de su actividad creadora en el que iba perfilando el modo en el que se desarrollaría el argumento de sus obras cinematográficas. «El valor de los cuadernos de trabajo no radica tanto en el emblemático nombre de Bergman, en que es el gran cineasta quien escribe acerca de sus películas, sino al contrario, creo yo, lo que ocurre en este libro ocurre por debajo del nombre, fuera de su alcance, y por tanto representa y muestra los procesos creativos per se: ¿Qué es crear? ¿Qué se precisa para crear? ¿Cómo abrir campo para una obra, cómo mantenerlo abierto, cómo ampliarlo? ¿En qué pensar, qué buscar?» (del prólogo de Karl Ove Knausgård).
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In this book, the author examines the role of the human voice in Ancient Greek music, theatre, and culture, combining Philology, Archaeomusicology, and Anatomy. He traces the evolution from Pythagoras to Aristoxenus’ empirical approach, emphasizing perception and experience in musical knowledge. The study explores ancient anatomical views on phonation and breathing (Hippocrates, Aristotle, Galen), the vibratory cycle of vocal cords, and concepts such as tonal height, tessitura, and vocal registers. It analyses distinctions between spoken and sung voice, intervallic and continuous movement, and the cultural significance of mousik? in education, ritual, and social cohesion. Key topics include Greek musical systems (tetrachords, scales, notation), the intermediate vocal style parakatalog? —a precursor to Renaissance recitative— and the technical challenges faced by singers and actors in ancient Greek drama. The book reviews ancient treatises (Aristoxenus, Nicomachus, Ptolemy, Aristides Quintilianus), surviving musical fragments, and the evolution of performance from Homeric aoidoi to professional soloists and choruses. It also addresses ancient Greek vocal training, health, and aesthetics, highlighting the preferred types of voices and the technical demands that shaped their repertoire. Ultimately, it reconstructs a possible ancient Greek vocal technique and its aesthetic, technical, and cultural foundations, showing its lasting influence on the history of music and theatre.
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Al final del primer episodio, el poderoso mago oscuro Gellert Grindelwald es capturado con la ayuda de Newt Scamander. Sin embargo, Grindelwald logra escapar y cumple con su amenaza de alistar nuevos seguidores, ocultándoles sus verdaderas intenciones: conseguir que los magos de sangre pura dominen a los muggles. En un esfuerzo por frustrar los planes de Grindelwald, Albus Dumbledore le pide ayuda a Newt, su ex alumno de Hogwarts, y éste acepta sin imaginar los peligros que le esperan. Así pues, cuando el amor y la lealtad son puestos a prueba, incluso entre amigos y familiares, el mundo mágico se muestra cada vez más dividido.
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En 1982, Conan, el icónico antihéroe literario de Robert E. Howard, se abrió paso a espadazo limpio desde la página impresa hasta la gran pantalla tras un accidentado periplo de décadas. Con su potente combinación de épicas panorámicas y sangrientas batallas, Conan el Bárbaro entusiasmó a los espectadores de todo el mundo e hizo despegar la carrera cinematográfica de Arnold Schwarzenegger. Cuarenta años después de su estreno, este clásico de culto es objeto de celebración en Conan el Bárbaro: La historia oficial de la película, un lujoso volumen en el que se relata la historia completa de cómo se hizo el filme. Entrevistas nuevas con el reparto y el equipo artístico y técnico, ade- más de numerosas fotografías del rodaje, detrás de las cámaras y en los escenarios naturales, así como una cobertura visual completa de los ambiciosos sets construidos y todo el arte conceptual creado por el equipo de producción nos proporcionan una mirada privilegiada y fascinante del desarrollo de uno de los largometrajes fantásticos más venerados de los años 80.
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Tenemos en nuestras manos El teatro joven de 13 a 16 años, un completo recurso que concluye una trilogía pedagógica teatral, justificada y experimentada con un enfoque totalmente educativo y humanista. Como continuación de los dos textos anteriores: El juego dramático de 5 a 9 años y La dramática creativa de 9 a 13 años, escritos conjuntamente con la profesora Rosario Navarro y publicados en esta misma colección, Alfredo Mantovani completa su «sistema de teatro evolutivo por etapas» y corona su larga trayectoria como profesor de teatro con un libro lleno de sugerencias, estructuras y elementos probados para llevar a cabo prácticas artísticas con jóvenes. Entre sus numerosas aportaciones, merecen destacarse los pasos para conseguir una creación colectiva o la adaptación y puesta en escena de una obra teatral, como son una recreación del clásico Fuenteovejuna y una obra inédita titulada Adolescentes. De este modo, el autor cierra un trabajo innovador, fruto de su afán por delimitar un campo específico que necesitaba un marco referencial teórico, con la novedad de considerar a los adolescentes «buscadores de su identidad», que necesitan ser tratados como «comunicadores» más que como actores o actrices.Sin duda, una obra útil para docentes, profesores de teatro, animadores o monitores, que podrán multiplicar con eficacia las actividades dramáticas en institutos, colegios, escuelas de teatro, clubs de tiempo libre, asociaciones juveniles, centros culturales y allí donde exista un grupo de jóvenes con ganas de expresarse.
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En 1937 Daniel Fuchs llega a Hollywood para trabajar en la adaptación de uno de sus relatos cortos. Su contrato de trece semanas seconvierte en residencia permanente y marca el comienzo de su gran historia de amor con el cine. Esta obra reúne, por p
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Durante el nuevo siglo nuestro país ha experimentadoprofundos cambios que han dado lugar a significativosgiros políticos. La sociedad se ha polarizado, la brecha entre ricos y pobres sigue creciendo, el precariado se ha instalado como nueva clase social y las mujeres han salido a la calle a reclamar sus legítimos derechos. Cientos de migrantes mueren cada año en nuestras costas mientras sufrimos cómo irrumpe la extremaderecha rememorando tiempos que creíamos superados.El cine español ha tratado estos asuntos y muchos otros con un inteligente sentido de la actualidad. Vivimos, evolucionamos y creamos. Artistas y cineastas hansabido plasmar las inquietudes sociales de nuestra era en películas que además de entretenernos invitan ala reflexión. Las 101 películas que recoge este libro ofrecen una radiografía fidedigna del presente a modo de videoforum. Hay calidad, sentido crítico y talento en cada una de ellas. Una compilación que ha reunido, con humildad y esmero, obras cuyo mensaje incentivan el debate público y que perduran en nuestra memoria colectiva. De alguna manera, entre todas ellas, escriben el guion de una película excepcional: la quenos explica a nosotros mismos.
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Ampliamente considerado desde el momento de su publicación como uno de los mejores estudios jamás escritos sobre el cine y la cultura del horror, ''Monster Show'' indaga de manera provocadora y reflexiva en la obsesión de nuestra sociedad con lo macabro. Esta edición conmemorativa del 30 aniversario incluye un nuevo prólogo escrito para la ocasión por David J. Skal y decenas de ilustraciones adicionales. Iluminando el lado oscuro de la historia reciente de Estados Unidos, ''Monster Show'' rastrea los sorprendentes vínculos entre los entretenimientos terroríficos y las grandes crisis sociales de nuestro tiempo, así como la función del horror como contrapartida del surrealismo, el expresionismo y otros movimientos artísticos del siglo XX en el campo de la cultura popular. Armado con una penetrante capacidad de análisis y un sinfín de anécdotas, David J. Skal explora diversos ámbitos de la expresión cultural: de la pintura, la fotografía y los cómics a la televisión, el teatro y la música. Centrándose en última instancia en el cine, Skal examina los modos en que el arte popular predominante durante estos últimos cien años ha reflejado los traumas de dos guerras mundiales y una Gran Depresión, las visiones de desmesura atómica, invasión y control mental engendradas por la Guerra Fría, la moda de los efectos especiales capaces de distorsionar el cuerpo que se desarrolló en paralelo con la obsesión por la cirugía plástica, y el vínculo entre la epidemia del SIDA y una renovada fascinación por el vampirismo, entre muchos otros temas.
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Conoce al detalle las guerras míticas del universo Star Wars Adéntrate en una galaxia devastada por la guerra y conoce pormenorizadamente las batallas épicas que definen las películas de Star Wars. Este ambicioso libro ilustrado sigue rigurosamente la cronología histórica del universo Star Wars y presenta los principales conflictos galácticos como si de una enciclopedia visual de historia militar se tratara: cada batalla aparece representada con imágenes sorprendentes, mapas inéditos y un análisis detallado de tácticas, comandantes destacados, guerreros legendarios y momentos clave para entender su impacto en la historia de la galaxia.
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En Lluc, la Laia, en Marc i la Maria s'embarquen en una aventura que canviarà les seves vides. Ens portaran a explorar el món i les seves complexitats. De la mà dels seus mentors, escriuran un diari de vivències personals narrades en primera persona. Volen ajudar-nos a cercar respostes i solucions als reptes de la societat d'avui, per construir-la dia a dia, amb justícia, equitat i sostenibilitat, des d'una mirada atenta a l'altra. Si et deixes interpel·lar, aquest llibre interactiu farà que tu siguis el protagonista. Junts descobrirem els valors essencials de les diferents cultures que ens uneixen i ens comprometen en la millora de l'entorn i el creixement personal a través del cinema. Les autores, docents i apassionades del setè art, faciliten un ample ventall de pel·lícules i recursos cinematogràfics per dinamitzar equips de treball en l'àmbit de l'educació en valors i el respecte per les cultures.
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En este ensayo lúcido y provocador, Noël Burch desmonta el modernismo elitista y muestra cómo se protegió, promovió y consolidó una forma de arte de élite que se presenta como revolucionaria, pero funciona en realidad como instrumento de segregación social. Desde el ideal del ''arte por el arte'' en el siglo XIX hasta el cine de autor, la música culta y las artes visuales del siglo XX, el libro rastrea cómo la complejidad formal, el hermetismo y el desprecio por la cultura popular (a menudo asociada con lo femenino y desvalorizada), se convirtieron en marcas de prestigio.Este libro representa la culminación del largo camino de reflexión sobre el discurso fílmico de Burch. Desde su madurez teórica e intelectual, el autor presenta una definitiva impugnación de la sensibilidad elitista que impregna muchos de los estudios dedicados al cinematógrafo en nuestro días, donde una casi siempre acrítica desmemoria termina por abocar a una banal repetición de lo mismo. Poniendo el acento en los elementos que siempre han marcado las relaciones entre cinefilia, política y masculinidad, Noël Burch reivindica (véanse, por ejemplo, sin ir más lejos, sus textos sobre cineastas como Howard Hawks o King Vidor, aquí incluidos) no solo la revisión de ''tradición onerosa'' que subyace en la crítica cinematográfica actual, sino también la necesidad de buscar una alternativa a esa ideología que sostiene la autonomía de la obra de arte. En su lugar, Burch propone otra aproximación que permita articular de un modo coherente en lo formal y en lo social (esto es, en términos políticos y éticos) los elementos estéticos y no estéticos.
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Desde hace décadas los guionistas han examinado la estructura de sus guiones pensando en las cosas que pueden sucederle al protagonista, olvidando que lo que realmente debe preocupar a un narrador es lo que le sucede al espectador. La obsesión por destripar estructuras y actos, rastrear motivos y significados o mirar solo en el mundo audiovisual, ha logrado que la escritura de guión se haya convertido en un proceso aburrido, fatigoso y previsible, más propio de analistas y críticos que de creadores. Daniel Tubau, de acuerdo con los aires de renovación propiciados por los creadores o showrunners de las nuevas series de televisión, propone airear el cuarto mal ventilado de la escritura de guión y dejar que entre el aire fresco del gran arte narrativo. Frente a los trucos fáciles, las estructuras férreas y las fórmulas al uso, con una mezcla equilibrada de humor, ingenio y rigor, Tubau recuerda la riqueza de recursos que tiene a su disposición cualquier guionista. El espectador es el protagonista es a la vez un manual y un antimanual. Su autor no se limita a examinar los errores difundidos por los gurús del guión, sino que también ofrece herramientas, como el método empático, para hacer frente a los desafíos narrativos. Un libro perspicaz en el diagnóstico, innovador en el aspecto teórico y muy estimulante en lo práctico que hará recuperar el placer de escribir no solo al guionista profesional sino a cualquier narrador inteligente. Daniel Tubau es también autor de Las paradojas del guionista y El guión del siglo 21, ambos publicados por Alba Editorial entre otros muchos libros de ensayo y ficción.
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El documental es una modalidad privilegiada del cine, capaz de abordar ese elusivo objeto del deseo llamado realidad, lo que la ha convertido en la faceta del séptimo arte más comprometida con la escala social y política del desarrollo humano. A partir de su trayectoria excepcional como realizador documental y docente, Nicolás Prividera logra transmitir su experiencia de forma amena y con un lenguaje accesible para todo público.Desde las primeras capturas de los hermanos Lumière hasta los contemporáneos como Wim Wenders o Werner Herzog, Prividera reconstruye el camino irregular del desarrollo del cine documental que supone su ambigua y estrecha relación con la realidad y la ficción. Y aborda de forma integral cada una de las facetas del documental desde una perspectiva latinoamericana: las bases teóricas que permiten repensar su condición, la recapitulación de su evolución a través de los formatos, un análisis de las películas más icónicas, un completo manual sobre la praxis, desde el guion hasta la realización, una nueva reflexión sobre los grandes interrogantes que han movilizado a la disciplina., ¿cuál es la salida?
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Al abrir este libro se inicia una travesía fascinante por el mundo de los objetos que nos acompañan, objetos que son testigos de acontecimientos, objetos infraleves y contraobjetos, objetos heredados, encontrados azarosamente, perdidos o desaparecidos, objetos que circulan entre lo individual y colectivo, a lo largo de generaciones múltiples, entre la vida, la muerte, las memorias. Shaday Larios, una de las investigadoras mejor acreditadas en este campo, explora el tránsito velado de los objetos hacia su cualidad de «documentos», que evidencian tiempos situados y singularizan vidas. Y lo hace a través de lo poético, la práctica, la experiencia pedagógica tras años de investigación. Teatro de objetos documentales (TOD) es un apasionado ensayo, además de un manual abundante en testimonios, que ha sabido nutrirse de la antropología, la filosofía, la literatura, la crítica cultural, la historia del arte y las artes visuales, para imaginar y documentar el lenguaje oculto de los objetos que nos conviven.
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Un protagonista que es eterno, un hombre que viaja por el tiempo y el espacio descubriendo los lugares más bellos y también los más oscuros del universo. Nada escapa a su fantástica TARDIS y a la imaginación de sus guionistas.Eso y sus actores, villanos, sus fantásticas aventuras, su destornillador sónico y todo lo que sucedió desde 1963 hasta ahora ha hecho de ella un hito de la televisión.William Hartnell solo fue el primer Doctor, después vinieron muchos hasta la entrada de Tom Baker que por años fue el más conocido. En 2005 la serie volvió a vivir, pero hay mucho por contar antes de ese momento.Adéntrate en una historia que empezó en los sesenta y parece no tener fin.
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El presente volumen, dividido en jornadas, como si fuera un viaje o una obra de nuestro teatro clásico, ofrece un recorrido preciso y actualizado por las artes escénicas españolas del siglo XVI, con sus peculiarísimos contextos de creación y producción, sus ricas encrucijadas entre tradiciones, sus búsquedas de nuevos públicos y sus apasionantes herencias, legados y proyecciones en la actualidad. Desde Bartolomé de Torres Naharro hasta Cervantes, pasando por el gran Lope de Rueda y, sobre todo, por el ingente y anónimo elenco que desde sus inicios sostiene las artes vivas, el lector accederá a una historia que pretende abordar el fenómeno escénico de este periodo en su magnífica complejidad, además de un estudio de su recepción reciente que permite comprender el modo en el que hoy lo interpretamos.
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Entre los más felices recuerdos que las retinas de nuestra memoria guardan de la gran pantalla, muchos pertenecen al género musical. La alegría que sentimos viendo a Gene Kelly y su sonrisa infinita saltando entre esos charcos bajo una copiosa lluvia, la viva emoción que nos invade al contemplar el baile de Cyd Charisse y Fred Astaire en aquel Hyde Park nocturno con los rascacielos al fondo en The Band Wagon, el eléctrico y sensual garaje de West Side Story o el multitudinario baile de los conductores retenidos en la autovía al inicio de La La Land, son a la par, fuentes de placer y belleza. El género musical es, en muchos sentidos, la quintaesencia del cine. Este libro ofrece un recorrido distendido y, a veces, irreverente, por la historia del género, plagado de anécdotas curiosas, datos insospechados y descubrimientos sorprendentes, acompañados de numerosas y hermosas fotografías de los films.
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En 2013, Sanchidrián revolucionó las redes sociales con su página de Facebook Sinopsis de cine. Hoy, su particular estilo y su personalísimo sentido del humor se han convertido no solo en virales en las redes sociales sino que ya forman parte de la propia vida diaria. En esta secuela, presenta 120 nuevas sinopsis de películas históricas del cine, como El club de la lucha, Robocop, Resident Evil o Moonraker. Sus críticas simpáticas, con su particular sentido del humor y un modo muy peculiar de resumir las películas han conquistado a miles de lectores.
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¿Hubo platillos volantes nazis? ¿Los astrólogos de Hitler escogían los días en los que debían llevarse a cabo los ataques a los aliados? ¿El Vaticano intentó exorcizar a Hitler, a quien muchos consideraron un poseso? Estas y otras inquietantes preguntas trata de resolverlas el autor de la exitosa trilogía Vamos a morir todos!, con sus mordaces comentarios, y una exhaustiva documentación. Temas inquietantes y perturbadores convertidos en una apasionante lectura, con muchas referencias al cine — a veces con películas sorprendentes — que nos atrapa hasta la última página. El lector viajará desde lo más recóndito del Tíbet hasta la gélida Antártida, donde los Estados Unidos enviaron una misteriosa expedición militar, una vez acabada la guerra.
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Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine del género de la historia del cine, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.
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¿Quiénes somos después de David Cronenberg? Tras más de cinco décadas desbordando los límites del cine fantástico, y tras el impacto de films como La mosca, Crash, Inseparables, Videodrome, Cromosoma 3, Crímenes del futuro..., ¿dónde nos ha dejado el cine de David Cronenberg? ¿Hasta dónde nos ha llevado el perfeccionamiento y desarrollo de su paradigma de la nueva carne, que ha fascinado a los pensadores de nuestro tiempo -y de sus imágenes- casi tanto como a los amantes del cine? ¿Cómo pensar la nueva sexualidad que se desprende de su estética? ¿Cómo afrontar el deseo en un cuerpo que se hunde y se entrevera con la máquina y la tecnología? ¿Sobrevive Dios a David Cronenberg? En busca de los límites más extremos del cineasta canadiense, exploramos sus orígenes más arcaicos, profundas reminiscencias que conectan su cine con las imágenes radicales del accionismo vienés, de la performance, el body art, la transformación y la performatividad del cuerpo, el imaginario cyber, imágenes-shock con las que vislumbrar la llegada de la nueva carne, y que aún hoy la reconfiguran. Pero también nos preguntamos por el legado de sus perversiones, sus transgresiones culturales, el desenlace de sus alcances y sus inercias contemporáneas: el sentido -casi final- de una filmografía única. Este volumen cuenta con los textos de análisis y pensamiento de autores de múltiples disciplinas: ensayo fílmico, análisis textual, reflexiones desde el psicoanálisis o la filosofía, y textos de autores especializados en cine fantástico y de terror con objeto de llevarnos a los límites de David Cronenberg.
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La deliciosa suma de dos pasiones: el cine y los mapas¿Qué sucede cuando se une la pasión por las películas con la pasión por la cartografía? El resultado es este libro, premiado en The Frankfurter Buchmesse Film Awards donde se han creado ilustraciones convertidas en maquetas a escala de grandes obras cinematográficas. Espectadores y fans ya han recorrido antes cada centímetro de estos viajes en la pantalla, atravesando bosques y selvas y sobrevolando planetas y estaciones espaciales. Y ahora, a través de estos mapas, pueden revisitar sus películas favoritas desde una nueva perspectiva y de una forma original y desconocida. Además, cada mapa viene salpicado de algunos de los mensajes subliminales de las películas, como el cubo de Troy (Los Goonies) o la bala de heno que bloquea la carretera (Wet Hot American Summer). Todo esto acompañado de explicaciones para comprender mejor por qué nos encantan estas películas y por qué tienen tanta repercusión.
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Artesano personal y autor maldito al unísono, Hugo Fregonese supone el mejor cineasta argentino de la historia, así como el más cosmopolita que recuerda el Séptimo Arte, dado que trabajó para productores de nada menos que seis países (Estados Unidos, Italia, Inglaterra, Alemania, España y la propia Argentina), mediante unos rodajes que tuvieron lugar no solo en estas naciones sino además en China, México, India, Yugoslavia, Egipto, Francia, Líbano, Malta… Procedió así a lo largo de los tres decenios que comprende su copiosa filmografía, enmarcada entre los años 40 y los 70 del siglo xx, en cuyo seno resaltan sus formidables aportaciones al Western y el Thriller. El premiado historiador y novelista Carlos Aguilar desglosa tan excepcional caso mediante un ensayo vibrante que hermana la crónica histórico-biográfica con la valoración cinéfila, describiendo asimismo los diferentes contextos industriales y profesionales de las naciones donde se desenvolvió Fregonese. Hugo Fregonese. Cine por doquier constituye el primer libro aparecido sobre tan singular cineasta-aventurero, e incluye cerca de doscientas imágenes de gran diversidad (fotos familiares y de rodaje, carteles españoles y extranjeros, fotogramas de películas, etc), tanto en color como en blanco y negro, por lo común inéditas hasta la fecha. Una aportación extraordinaria en la bibliografía cinematográfica mundial.
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Ese cuerpo que baila parece ignorar lo demás, parece desconocer todo lo que le rodea. Es como si se escuchara a sí mismo y nada másque a sí mismo como si no viera nada y sus ojos sólo fueran unas piedras brillantes, esas joyas desconocidas de las que ha
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Un viaje alucinante a las profundidades de El Hoyo, un éxito mundial sin precedentes en el cine fantástico.El Hoyo arrasó en Netflix llegando a ser la película más vista de la plataforma en todo el mundo, poco después de declararse una pandemia global.Con un presupuesto muy modesto y un equipo mayoritariamente local, Galder Gaztelu-Urrutia dirigió un enigmático thriller distópico de ciencia ficción que se convirtió en fenómeno viral.Ahora, Juan Dopico Massobrio, community manager de El Hoyo, hace un recorrido por las distintas fases de producción del proyecto y nos descubre, a partir de las entrevistas realizadas a los miembros del equipo durante el confinamiento, cómo esta película independiente pudo convertirse en número uno mundial.Cuidadísima edición para los amantes del género y fans de la película que se quedaron con ganas de adentrarse más en las entrañas de El Hoyo.
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Daniel Romaní emprèn un nou viatge per tot el territori català per explicar-nos en aquest llibre els principals escenaris de Catalunya on s'han rodat pel·lícules i sèries de totes les èpoques, tant de producció catalana com d'altres països. Girona (Joc de trons), Manresa (Plácido), Tossa (Pandora y el holandés errante), Terrassa (La teranyina), Vilafranca del Penedès (Habitacions tancades), Cervera (Vidra privada) i, per descomptat, Barcelona, són alguns dels nombrosos llocs que visita, molts dels quals han quedat associats per sempre a obres de la pantalla.L'autor del llibre dona veu als participants dels rodatges (actors, directors, extres...) i fa especial èmfasi als elements de patrimoni cultural -i en alguns casos també natural- que val la pena visitar de cada indret. Nombroses imatges d'aquests espais culturals i naturals, del mateix film i del rodatge complementen uns textos plens de curiositats que conviden a veure -o a tornar a veure- totes les pel·lícules.
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Lo que Stanislavsky intuía a partir de la observación de sus actores a principios del siglo 20, ahora, la neurociencia viene a explicarlo desde un punto de vista científico. Como dijo Peter Brook «la neurociencia ha empezado a comprender lo que el teatro ha sabido desde siempre».A partir de esta idea Javi Luna ha centrado su trabajo e investigación de los últimos años. Al estudio de los grandes maestros de la interpretación ha unido el estudio de algunos de los nombres que más importancia están cobrando en el mundo de la neurociencia (Antonio Damásio, Giacomo Rizzolatti, Ignacio Morgado, Nazareth Castellanos o Mariano Sigma). Pero siempre desde un punto de vista práctico y experimental, usando sus clases como laboratorio donde «testar» cada una de las conexiones que intuía entre estos dos mundos. Un viaje fascinante, que le ha llevado a entender el porqué de muchas de esas cosas que los actores y los directores hacemos o decimos, sin saber muy bien el por qué. El resultado es un estudio muy práctico y lleno de ejemplos concretos. Cuestiones como la memoria, las neuronas espejo, las emociones y los sentimientos, el proceso de identificación personaje/actor/espectador, la creatividad, la imaginación y la intuición, explicados y dirigidos al servicio del arte actoral. Todo con el fin de dotar al interprete de unas herramientas concretas, que le den seguridad y confianza. En nuestro cerebro está la base de nuestro comportamiento (de nuestras emociones y sentimientos), entendamos cómo funciona, y tal vez podamos comportarnos (emocionarnos y sentir) como lo haría nuestro personaje.
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Aquest és alhora un assaig sobre la creació artística i un estudi sobre els principis tècnics, ètics i estètics de la direcció d'escena. Amb vocació divulgativa, l'autor proposa respostes a les preguntes que es fa qui vol ser director o directora teatral: què cal fer i saber? És un art o un ofici? Es pot parlar d'uns fonaments sòlids de l'art de l'escenificació? Pouant en la seva experiència com a artista de l'escena i com a pedagog, Ramon Simó ens ofereix un viatge que, partint d'una reflexió crítica sobre el concepte d'escenificació, fonamenta històricament i amb l'aportació de diverses teories i tècniques teatrals, literàries o científiques, una manera de fer, uns procediments, una metodologia, sense cap voluntat de convertir-la en un manual de validesa universal.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.
