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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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Decir que el cine no es ya lo que fue, entregándonos al recuerdo nostálgico de sus épocas doradas, puede distraernos de lo que continúa siendo: un medio artístico singular que mantiene su vitalidad en un mundo que se ha llenado de pantallas. En nuestros d
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Miguel Ángel encarnado por Charlton Heston, Kirk Douglas con las facciones atormentadas de Van Gogh, José Ferrer como Toulouse-Lautrec... Este libro recoge casi novecientos filmes o series de televisión y más de mil personajes relacionados con la imagen del artista en el medio audiovisual. Aborda el encuentro entre el cine y las artes plásticas desde diferentes ángulos: el artista como creador (desde quienes pintan o esculpen hasta los que falsifican), sus orígenes, a menudo precoces, y la consagración como genio en edad madura o anciana, su compleja personalidad (maldito, rebelde, bohemio, transgresor, marginado, triunfador...), su entorno (la familia, sus modelos, los mecenas), la sociedad (el público y la crítica). Y concluye con una extensa filmografía donde concurren no solo biopics, sino también filmes de ficción que desde la comedia, el drama, la ciencia ficción o el thriller han brindado al espectador una extensa galería de personajes memorables. Hasta la fecha y en castellano, si bien existían trabajos dispersos sobre arquitectos o pintores, no se había publicado una obra que analizase de forma íntegra la figura del artista, abarcando distintas épocas y enfoques (personajes biográficos y personajes de ficción) y todo tipo de creadores (pintores, escultores, dibujantes o arquitectos, incluso copistas y restauradores). José Manuel Estrada aporta así un título de enorme interés para un lector especializado (expertos en arte o en cine) pero también para un público general y masivo.
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Chantal Akerman desgrana els records dels darrers anys amb la mirada posada en la seva mare, estira el fil de vida que les va unir, broda els detalls d’una quotidianitat no sempre amable, i en fa un retrat íntim, de vegades cru, però sempre sincer. El seu relat viu en el llenguatge, en el muntatge de les seqüències: els viatges, les estades a Brussel·les, París, Mèxic o Nova York, el vincle amb la malaltia (i la vida a tocar de la bogeria), el fet creatiu, l’homosexualitat, el judaisme... I amb aquest testimoni autobiogràfic, torna a parlar de la reclusió, del que significa confrontar-se amb l’altre, del desig recurrent d’un altre lloc possible i del vertigen de la follia, sempre presents en el seu cinema. El llibre reprodueix fotografies familiars i fotogrames de les seves pel·lícules.
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Una pequeña joya de la literatura dramática actual, (casi) un monólogo en el que no es difícil reconocer rasgos y gestos de los poderosos de nuestro tiempo. La Política ensaya para el retrato oficial que será el símbolo de su mandato. Aunque ha sido elegida democráticamente, preferiría ser una monarca con poder absoluto otorgado directamente por la mano de Dios. Sueña con la impunidad de sus acciones y con ser venerada incondicionalmente. Pero el pueblo se agolpa ante las puertas de su casa. Le piden explicaciones sobre la guerra, sobre los muertos de la costa, sobre la economía. Ella no está dispuesta a rendir cuentas, no cree que deba hacerlo, pero debe contener a la masa que amenaza su poder. La Política de Patricia Benedicto es un texto teatral que se lee como una novela, un relato que desvela las contradicciones de los líderes y que revela cómo el sueño del poder produce monstruos.
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El cine, qué gran invento! ¿Te has preguntado alguna vez cómo nació, qué esconde este mundo increíble y cómo se ha transformado conel paso de los años? Si buscas respuestas, las encontrarás sin duda en este libro y, junto a ellas, algo completament
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En el presente texto, publicado en 1810 en el Berliner Abendblätter, Kleist narra su encuentro con un célebre artista que confiesa ver en el teatro de marionetas una forma de arte superior incluso a la danza humana. Los ingrávidos títeres de los espectáculos populares se convierten así no sólo en símbolo de la gracia, sino también de otro estadio de la existencia libre del peso de la conciencia que lastra al ser humano. El presente volumen incluye además otros textos breves relacionados con el teatro, la pintura, el pensamiento y la música en los que Kleist pone de manifiesto la fragilidad del espíritu ante las fuerzas inconscientes que subyacen a la voluntad humana. Asimismo, Víctor Molina ofrece una enriquecedora lectura de «Sobre el teatro de marionetas», texto de culto para varias generaciones de artistas escénicos, poetas y pensadores.
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Esta obra sobre el kwenya, la lengua de los elfos inventada por J.R.R. Tolkien, incluye todos los elementos imprescindibles de una buena gramática: los sonidos y la pronunciación, el artículo, el nombre kwenya, el adjetivo, numerales, el verbo kwenya, los pronombres, los adverbios, preposiciones y posposiciones, conjunciones, interjecciones, sintaxis y formación de palabras.
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El libro que acompaña a la nueva película de Pedro Almodóvar, una historia sobre la estrecha relación entre realidad y ficción, entre la inspiración y la vida. Un regalo para cinéfilos. Amarga Navidad nos muestra dos historias en alternancia. La primera empieza en diciembre de 2004, durante el largo puente de la Constitución, y está protagonizada por Elsa, una directora de publicidad, así como por su novio, Bonifacio, y por sus amigas Patricia y Natalia. La segunda transcurre en 2026 y su protagonista es Raúl, un guionista y director que está inmerso en la escritura de un guion: pronto descubriremos que se trata de la historia de Elsa. Ella es, de algún modo, el alter ego de Raúl, quien recurre a la autoficción como solución a una larga temporada de sequía creativa. Mira dentro de sí, y no puede evitar mirar también a las personas que componen su universo más íntimo, que son su compañero y su ayudante. Esta edición contiene, además del guion de la película, un anexo con comentarios sobre su proceso creativo y el rodaje, firmado por el propio Almodóvar, asimismo, está profusamente ilustrada a todo color con fotogramas del film, imágenes del rodaje y fragmentos del storyboard, y se cierra con un precioso y personal texto, a modo de epílogo, de Gustavo Martín Garzo. Amarga Navidad es un libro que sirve de perfecto acompañante del largometraje y atraerá a todos los amantes del cine y la cultura.La crítica ha dicho: «Una de las películas más hondas y trascendentes del cineasta. Todo sucede en voz baja. Pero todo pesa. La historia de una mujer atravesada por una pérdida que no logra metabolizar se convierte en una reflexión universal sobre cómo seguimos adelante cuando lo que amábamos ya no existe».Alberto Pinteño, Harper's Bazaar
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Este volumen completo y definitivo explica, en un ágil formato de entrevista con los miembros del equipo, los entresijos de la construcción del guión, la producción y el rodaje de la película Aliens. Pese a que la película fue un éxito, no tuvo un camino fácil. Gracias al impulso propiciado por la visión singular del director James Cameron y la guía de la productora Gale Ann Hurd, junto con sus escenas de acción implacables y personajes inolvidables, Aliens se consolidó como un clásico indiscutible del cine de los ochenta. Cuenta la historia completa de cómo Cameron y Hurd, junto con un elenco y un equipo inmensamente talentosos, llevaron a la heroína Ellen Ripley de regreso a la pantalla grande, subiendo la apuesta con respecto al film inicial al presentar un ejército completo de extraterrestres para que se enfrentaran a ella.
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¿Alguna vez quisiste alojarte en la casa subterránea en la que un joven granjero vivió de niño o deambular por el barrio de esclavos donde creció un adolescente abducido por el lado oscuro? Set Wars. Viaje a los escenarios de una galaxia no tan lejana te permitirá revivir en directo las aventuras protagonizadas por los Skywalker, Han Solo y compañía, explorando los mundos de Tatooine, Hoth o Naboo.
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El primer ensayo escrito en profundidad sobre Pere Portabella: cineasta referencial de la modernidad cinematográfica y una figura absolutamente imprescindible para comprender el origen y el desarrollo de las producciones cinematográficas independientes, experimentales y clandestinas en España a partir de los años sesenta. Pere Portabella, nacido en Barcelona en 1929, es uno de los directores más relevantes de la historia del cine español, recientemente recuperado para el público tras las importantes retrospectivas de su obra organizadas por los museos MoMA, MACBA y el Centre Pompidou de París, y con el reestreno en salas comerciales de buena parte de sus películas. Éstas son un referente central a la hora de analizar la impregnación de las rupturas estéticas e ideológicas de los llamados Nuevos Cines europeos en el ámbito de la cinematografía española. Además, los filmes de este cineasta plantean —de forma casi excepcional en nuestro país— una vinculación estrecha y enriquecedora entre la producción fílmica y las nuevas propuestas formales de la vanguardia artística. Son, además, uno de los cuestionamientos más lúcidos y constantes de los límites convencionales entre el género documental y la ficción que se han llevado a cabo dentro de nuestras fronteras. Rubén Hernández recorre en profundidad la obra de Portabella, proponiéndonos una lectura de la relación entre las películas de este cineasta y las políticas de la narración en el cine. ¿Qué es, en realidad, el llamado «cine político»? ¿Qué factores determinan, en uno u otro sentido, los valores políticos de una película? ¿Cuál es la relación entre arte y política que tiene lugar en una obra de vanguardia, como es el cine de Portabella? ¿Pueden ser la forma, el lenguaje y la técnica de una película un espacio de producción de contenidos políticos con independencia del argumento de un filme? El autor de este libro se enfrenta a estas preguntas y así nos presenta, finalmente, una reflexión sobre el vínculo entre lo estético y lo político que tiene lugar en el ámbito del cine. Así, este ensayo sobre el cine de Portabella se convierte, además, en un ensayo sobre la obra de Epstein y Buñuel, de Eisenstein y de Marinetti, de Godard y Debord, de Pasolini y de Rocha, de Aristóteles y Deleuze, ¡incluso de la crítica política vehiculada por Los Soprano! Finalmente, pensar la dimensión política de las películas de Portabella es pensar el contexto histórico, filosófico y cinematográfico que hace de ellas un referente imprescindible en las políticas contemporáneas de la narración fílmica.
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Estos guiones cinematográficos reflejan al Pasolini más desconocido.La fértil imaginación de Pasolini se tradujo, al lado de sus películas, en muchos proyectos cinematográficos no filmados. Esta edición reúne los tres que dejó prácticamente dispuestos para su realización antes de ser asesinado.Estructurados como viajes por áreas geográficas y socioculturales muy diversas, su ritmo ágil permite «ver» las películas que el director tenía en la cabeza, al tiempo que brinda una lectura placentera. Como en toda la obra de Pasolini, estos guiones confieren al lector un papel activo a la hora de dar cuerpo a las escenas y lo interpelan para realizar su propia interpretación de los problemas de fondo. Sin presuponer un orden de lectura determinado, es el viaje lo importante, lo que permite comprender.«Pasolini mira a los ojos, sin pestañear, la miseria y la crueldad..., pero también ensalza lo bueno que hay en cada persona». Martin Scorsese
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Organizados en orden cronológico, los escritos recogidos en La herencia del cine —primera antología dedicada a la labor crítica de Viota, y que incluye un extenso texto inédito a modo de cierre— muestran, con unahonestidad intelectual y biográfica poco habituales,un recorrido que arranca con el final del trabajo como director y guionista para recoger el pensamiento de un hombre de cine en su más amplio sentido. Viota funde en una sola la mirada apasionada y minuciosa delcineasta-vampiro con la mirada lógica y deductiva del analista-criptólogo
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Los medios de comunicación, con Internet a la cabeza, han ido ampliando su área de influencia y homogeneizando de manera drástica los relatos a través de los que dotamos de sentido al mundo, más allá de la esfera estrictamente mediática. Este fenómeno de contagio se extiende a territorios diversos, desde lo privado y lo íntimo a lo político, lo cultural o lo artístico, en forma de cuasi monopolio discursivo. Del ''Big Brother'' al ''Big Data'', este libro podría definirse como un análisis del inconsciente mediático y sus efectos políticos en una sociedad articulada cada vez más en torno a la lógica del ''entertainment''.
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Sabies que a la Rambla s'obrí el primer teatre de la ciutat? Que el 1879 s'instal·là un circ a la plaça de Catalunya? Saps a quin any s'inaugurà el Liceu o el Romea? I com eren els teatres del Paral·lel? Quines sales d'espectacle hi havia al passeig de Gràcia? O, com van sorgir els teatres populars dels barris? A finals del segle XVI aparegué la Casa de les Comèdies, primer recinte teatral de Barcelona. Situada a la Rambla amb el temps esdevindria Teatre Principal, màxim rival del Gran Teatre del Liceu inaugurat el 1847. A partir d’aleshores, el fet teatral prosperà a Barcelona de manera decidida. Emplaçats primerament a l’àrea d’influència de la Rambla, els teatres s’estendrien al passeig de Gràcia i a la plaça de Catalunya. Cap a la fi del segle XIX les arts escèniques arrelaren al Paral·lel, un espai on coincidiren realitats socials ben diverses, mentre el públic burgès trobà refugi als teatres de la Gran Via. Paral·lelament, als barris populars prosperà el teatre d’ateneu, fruit de la devoció escènica dels barcelonins. El propòsit d’aquest llibre és resseguir la Rambla, el passeig de Gràcia, la plaça de Catalunya, el Paral·lel, la Gran Via, els barris..., a la recerca de vestigis i presències teatrals. Un itinerari a través de l’espai i el temps de la nostra ciutat, un recorregut temàtic que ens durà fins a la realitat actual. T’animes a seguir-nos?
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Ochenta años después del fin del nazismo, las imágenes que construyeron su imaginario siguen ayudándonos a entender cómo el poder moldea los cuerpos y las identidades. El nacionalsocialismo convirtió el cuerpo en un elemento central de su proyecto político y social. Durante aquel periodo, la imagen —y muy especialmente el cine— actuó como un instrumento decisivo para moldear identidades individuales y colectivas. En el encuentro entre estética y poder surge la noción de «cuerpo contenido» como clave interpretativa de la simbología nacionalsocialista: un cuerpo disciplinado y ajustado a los principios del régimen.La visión del cuerpo promovida por el nacionalsocialismo alcanzó su expresión más influyente en la obra cinematográfica de Leni Riefenstahl, en particular en sus películas El triunfo de la voluntad y Olimpiada. Sus innovaciones formales y narrativas contribuyeron a consolidar un «realismo idealista» que no solo dio soporte al imaginario nazi, sino que ha seguido proyectándose, de manera sutil pero persistente, en la estética contemporánea.«El cine de Leni Riefenstahl no solo documentó un régimen: creó una estética del cuerpo que contribuyó a convertir la ideología en espectáculo». (Nayra Sanz)
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Un libro imprescindible que toda compañía teatral ya sea amateur o profesional, debería tener en su biblioteca antes de iniciar un nuevo proyecto. Por que en él se pueden encontrar todos los elementos necesarios- tanto técnicos como artísticos- para poner en marcha un espectáculo. Como plantear un calendario de ensayos, la iluminación, el papel del escenográfo, como manejar el ego de los actores…Como escoger el texto apropiado La composición del equipo artístico. ¿Qué profesionales debe haber en el equipo técnico? Trabajar a partir de la improvisación.
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En la constelación de estrellas que figuran en este libro están algunos de los actores más populares de nuestro cine. Manuel Gutiérrez Aragón los retrata a la vez que se retrata a él mismo a lo largo de unas reflexiones sobre qué es la representación y la vida de cine. Desde la realidad hasta la imaginación y la fantasía, el director de algunas de las películas de las que se habla en este libro convoca a sus personajes para construir un magnífico relato. Relato no exento de crítica, pero, en cualquier caso, lleno de pasión por los actores, «esos seres imprevisibles e imprescindibles». «El primer conocimiento de una película es un acontecimiento carnal, la cara y el cuerpo del actor o la actriz, vistos ya en otras películas, en otras historias, convertidos poco a poco en amigos. A veces con amistad más íntima que los de la vida real.» Esta carnalidad se reivindica en el libro frente a la mera consideración del cine como lenguaje, según se puede apreciar en las reflexiones sobre el desnudo en el arte, especialmente «el desnudo femenino, tantas veces retratado y tantas veces bajo sospecha». «No hay desnudo inocente, porque no hay filmación inocente.» Ángela Molina, Clara Lago, Fernando Fernán Gómez, José Coronado, Ana Belén, Óscar Jaenada, Eduardo Noriega, Alfredo Landa... Éstos son algunos de los intérpretes que pasan por las páginas de A los actores, libro destinado a servir de referencia sobre la belleza y el mito del cine, que publicamos el mismo año en que Manuel Gutiérrez Aragón ha sido elegido miembro de la Real Academia Española.
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Hace treinta años se estrenó Instinto básico de Paul Verhoeven, película que levantó una fuerte polémica entre la comunidad LGTBIQ+ por la vinculación entre psicopatía y sexualidades no normativas. Catherine Tramell, el personaje que lanzó al estrellato a Sharon Stone, es una de las protagonistas de Ausencia y exceso. Lesbianas y bisexuales asesinas en el cine de Hollywood, un ensayo en el que Francina Ribes Pericàs aborda la paradoja entre la invisibilidad de la homosexualidad femenina en el cine mainstream y la espectacular presencia de escenas lésbicas en el cine comercial contemporáneo.Las protagonistas de títulos tan populares como Mujer blanca soltera busca…, Lazos ardientes, Juegos salvajes, Criaturas celestiales o Monster son, por lo general, mujeres fuertes que exhiben una sexualidad ambigua a la vez que ejercen la violencia y el asesinato. Se impone así el arquetipo de la lesbiana o bisexual asesina, que cristaliza durante el auge del neo-noir en el Hollywood de los ochenta y noventa y que es encarnado por feminidades excesivas, herederas de la femme fatale clásica y cercanas a la figura de la vampira lesbiana.En su libro, la autora indaga en la semilla de este arquetipo desde los orígenes del cine y analiza también cómo ha trascendido el género en el que se definió para adquirir nuevas connotaciones, preguntándose cuál es el significado de este personaje recurrente que nace marcado por la misoginia y la homofobia, pero que esconde un inequívoco potencial subversivo.
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Què ens diuen, les imatges televisives? Quins discursos hi ha al darrere dels formats audiovisuals d'entreteniment? Un format audiovisual és un conjunt de regles capaces de generar una repetició narrativa. Però quins discursos hi ha darrere aquests formats? Com dialoguen amb altres llenguatges visuals? La imatge incessant planteja un recorregut a través de gèneres tan diversos com els concursos, els programes de vocació divulgativa, la telerealitat, els films i les sèries documentals, els talk shows o els continguts de les xarxes socials per tal d'entendre els debats i les friccions que caracteritzen les societats contemporànies.A partir d'aquesta anatomia dels formats audiovisuals s'exploren qüestions transcendentals com la comprensió del jo i de l'altre, les tensions comunitàries en situacions extremes, les desigualtats de gènere, les noves formes de treball en la cultura de la fama, el mite de la llibertat d'elecció o les paradoxes de la difusió cultural. En aquesta indagació es comprova que els formats viatgen d'un país a un altre, d'un mitjà a un altre, establint ponts per on circulen els imaginaris de la cultura popular. Contra la idea que els formats audiovisuals són volàtils i no val la pena tornar-los a mirar, aquest llibre proposa l'exercici contrari: pensar en la imatge incessant per saber què ens diu de nosaltres mateixos.A cavall entre la mirada analítica i la vocació divulgativa, Jordi Balló i Mercè Oliva presenten un escenari que barreja una alta consciència filosòfica amb tot de referències que provenen de la cultura pop més espontània i desimbolta, i afronten totes aquestes preguntes amb rigor ètic i una ferma precisió sociològica.
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La dramatización no solo es una técnica de interés educativo para el currículum escolar en el área de la educación artística, sino también en campos tan diversos como las áreas de lengua, educación física o la enseñanza de lenguas extranjeras. Continuando con el esquema establecido en el anterior libro, de los mismos autores, El juego dramático de 5 a 9 años, en la presente obra se ofrecen claves didácticas para la introducción de la dramática creativa en las edades comprendidas entre 9 y 13 años. Este libro constituye una guía fundamental para introducir el teatro en el aula de manera fácil y divertida tanto para el profesor como sus alumnos, siendo de interés para profesionales de la educación o del teatro interesados en la pedagogía teatral.
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Pese a estar catalogada como una película de ciencia-ficción, Blade Runner ?obra maestra que se ha convertido merecidamente en un icono cultural de nuestro tiempo? tiene poco que ver con las utopías futuristas propias del género. al contrario, plantea problemas eternos ?la vida y la muerte, el fatídico discurrir del tiempo, la rebelión contra nuestro infausto destino, la extrañeza ante el otro?? protagonizados por hombres que habitan en el caos deshumanizado de las grandes metrópolis. es decir, por hombres como nosotros mismos. Sin embargo, cuando fue estrenada en 1982, la crítica especializada la tachó de efectista y pretenciosa. Los mandarines culturales no supieron ver que, bajo el colorista artificio de los efectos especiales y el sofisticado ropaje del diseño, se ocultaba una de las mayores reflexiones sobre la condición humana que se hayan hecho nunca en el cine. En este ensayo se analizan las diferentes versiones de Blade Runner y se abordan, con un estilo ágil y gran rigor analítico, las reflexiones antropológicas y morales que propone la película. ¿Qué era lo que Deckard no sabía?
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En el 75 aniversario del film Los tres mosqueteros, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el original literario, los actores y sus personajes, el rodaje, las otras versiones... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Cuando le preguntaron a Jean-Luc Godard por qué sus Histoire(s) du cinéma tenían cuatro capítulos divididos en dos partes en lugar de ocho, respondió: ``Porque cuatro paredes tiene una casa``. Los autores del diálogo que conforma Conversaciones sobre cine. Del hogar a la intemperie se preguntan por qué John Ford expulsó a su héroe desde la puerta que Griffith dejó abierta a su regreso, por qué Nicholas Ray afirmó que no se podía volver a casa y Abbas Kiarostami se afanó en buscar la del amigo, por qué Pedro Costa...
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Historia del cine negro que apuesta por la línea más pura y genuina del género: la inspirada en la mejor literatura negra del pasado, Chandler, Hammett, Cain, Irish , o del presente, Dennis Lehane, Michael Connelly, etc. Es decir, la que favorece la dimensión crítica y poética que fundamentó el género en su mejor época.Y es que existe una creciente tendencia a englobar bajo la denominación noir todo el cine policíaco, desde el murder mistery tipo Agatha Christie a las cintas de gangsters o los thrillers de pura acción. Lo cual, para el autor del libro, es desnaturalizar en cierta medida las constantes de origen literario que hicieron grande a este género de tan peculiar y bella especificidad.La presente obra intenta rastrear lo más genuino cine negro (norteamericano, pero también europeo) mediante un recorrido en el tiempo que abarca, desde esas piezas maestras de mediados del siglo pasado que son El halcón maltés, Laura, Perdición o Sed de mal, hasta las no muy abundantes pero también espléndidas cintas que sigue por suerte produciendo el siglo XXI como pueden ser Puro vicio (Thomas Anderson) o Perdida (David Fincher).
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Un libro para entender a los famosos y sus escándalos con humor e ironía.Este libro, entre el sarcasmo y la crítica, disecciona los comportamientos de las estrellas para explicar cómo funciona la fama. El autor analiza los episodios más mediáticos del momento, como el embarazo de Ana Obregón, los orígenes de la familia Beckham o las excentricidades de Kanye West. ¿Es la humildad de Rafael Nadal una estrategia? ¿Taylor Swift cambia de personalidad para vender sus álbumes? Preguntas que tienen respuesta cuando entendemos que la fama es la consecuencia de un consumo: el espectador es quien concede y arrebata la popularidad.
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Durante los últimos años, el terror ha ido ganando terreno para ser algo común dentro de lo mainstream. Sialgo ha ayudado a ello ha sido la televisión, ese medio de comunicación ideado para entretener a las masas que ha conseguido llevar el horror a primera líneade batalla. Las series de género no son patrimonio exclusivo de la actualidad, pero algunas de las que hoyen día triunfan como lo hacían las de antaño, llegana alcanzar un estatus de fenómeno de culto que muevea la audiencia a una escala internacional. Dando ellugar que se merece a esas series de terror que tantohan aportado al género, por las páginas de Terror enserie circularán demogorgons, caracoles gigantes, elmisterio de Laura Palmer, las posesiones del Exorcista, invasiones extraterrestres, mansiones encantadas,asesinos en serie, universos paralelos y leyendas urbanas que cobran vida. Nombres clave como los de David Lynch, Alfred Hitchcock, Guillermo del Toro, StevenSpielberg, Lars Von Trier o Alfonso Cuarón, serán quienes formen parte de la retahíla de autores que handejado claro que el terror no es solo algo exclusivodel cine, ya que la pequeña pantalla nos ha dado grandes regalos que aquí recopilamos.
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Un viaje en el tiempo para todos aquellos que disfrutaron con grandes y trepidantes aventuras, cuando la imaginación de Hollywood era más rica y sorprendente. Rambo, Terminator, John McClane, Riggs y Murtaugh,… Todos los conocemos. Hemos crecido con ellos y con sus películas, capaces de marcar a toda una generación. A través de una lectura amena y directa, con temas como la elección del reparto, cuestiones técnicas, recepción de crítica y público, escenas y secuencias destacables, curiosidades y diversas vicisitudes ocurridas durante el rodaje, El cine de acción que ya no se hace. 50 Películas que marcaron una época ofrece una selección de los cincuenta filmes sobre el género que más han influido en el cine comercial de finales del siglo XX.
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En el 60 aniversario del film El apartamento, variosautores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los actores, la yuxtaposición comedia/drama, la cultura empresarial,... Todoello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Esta obra es un diálogo entre el cine y los libros, en un momento en que ambos corren el riesgo de desaparecer. O no. La mirada de Marta Fernández hace un recorrido por los grandes mitos cinematográficos y sus protagonistas, enlazándolo con los escritores que han creado un canon literario. Un relato que fascinará a cinéfilos y a lectores por igual.
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En un mundo saturado de neoliberalismo, ¿qué lugar puede ocupar el teatro? ¿Qué actitud debe asumir el actor ante un texto y cómo debe traducirlo al escenario? Estas son algunas de las preguntas que han ocupado a Jorge Eines durante más de 50 años de experiencia en la escena teatral, el presente libro es un intento de darles respuesta. Frente a las corrientes del teatro clásico, que desde siempre han rendido un culto especial a la palabra, al texto como elemento que rige toda la puesta en escena, Eines propone el cuerpo como vertebrador esencial de todo proceso teatral. Si bien el origen de la obra está en la palabra, es el cuerpo, y no la mente del actor, quien debe interpretarla y volverla carne. Para lograrlo, es esencial desarrollar un proceso técnico cuidado que permita al actor trabajar el texto en el ensayo, espacio que, para Jorge, es de absoluta importancia, pues permite llegar a nuevas formas. Así, no se trata de copiar la vida ni de reproducir meramente la palabra, sino de permitirle una libertad interpretativa al cuerpo para que este descubra aquello que no existía antes del ensayo. Ensayar, por su parte, es escapar al lenguaje para volver a él, asumir la acción misma como producción de vida. La generación sin muerte es un legado, la síntesis del pensamiento de toda una vida, y nos ofrece claves para repensar el teatro y su relación con nuestro tiempo presente.
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Todos -actores y personajes así como las personas en general- tenemos una persona pública con la que nos presentamos ante los demás, una necesidad insatisfecha encubierta bajo esa máscara y cometemos un error trágico cuando reaccionamos ante un choque entre lo queremos que se piense de nosotros y lo que realmente somos. Sobre estos tres elementos clave Susan Batson ha desarrollado un proceso de técnica actoral que han seguido estrellas de la talla de Nicole Kidman, Tom Cruise, Bradley Cooper o Juliette Binoche. En Verdad, un clásico desde su publicación en 2007, expone didácticamente ante un círculo de alumnos imaginarios (pero en los que no cuesta reconocer actitudes y personalidades frecuentes en el mundo de la interpretación), los múltiples recursos que un actor o actriz debe explorar y aprovechar «para que un personaje esté vivo». Lleno de ejemplos sacados de la historia del cine (como el ejercicio de personalización que salvó a Laurence Olivier en el rodaje de Cumbres Borrascosas, donde todo el mundo le era hostil, hasta las creativas improvisaciones de Tatum O'Neal en Luna de papel o de Brad Pitt en Ocean's Eleven), ofrece claves para la interpretación de un texto y propone también un gran número de ejercicios que apelan tanto a la vida interior y a la memoria sensorial como a la imaginación. Con prólogo de Nicole Kidman y un capítulo escrito por Juliette Binoche.
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Muchas son las casas en las que nada más llegar te encuentras un felpudo, un cuadro o cualquier otro objeto de decoración en los que aparece la conocida expresión “Hogar, dulce hogar”. El origen de esta famosa locución se la debemos a la canción Home! Sweet Home!, cuya letra y melodía fueron compuestas, respectivamente, por John Howard Payne y Henry Rowley Bishop en el año 1823 para formar parte de la ópera Clari, or the Maid of Milan (Clari o la doncella de Milán). La canción, particularmente su estribillo, se hizo inmensamente popular en los Estados Unidos durante los años en los que duró la Guerra de Secesión (1861-1865), era cantada por ambos bandos y, curiosamente, la melancolía y la añoranza del hogar que suscitaba hizo que llegara a estar prohibida entre los miembros del Ejército de la Unión porque empezó a provocar un buen número de deserciones de soldados. Además, la famosa expresión no quedó solo en el ámbito musical, sino que Hogar, dulce hogar (Home, Sweet Home) fue también el nombre de un mediometraje mudo norteamericano del año 1914 dirigido por D. W. Griffith e igualmente el título para España de Room for One More (Norman Taurog, 1952), película protagonizada por Cary Grant y por su entonces mujer Betsy Drake, en la que interpretaban a Poppy y Anna Rose, quienes, con sus tres hijos, formaban una típica familia norteamericana que, a instancia de ella y con la aquiescencia de él, iban ampliando los componentes de su hogar familiar, adoptando dos niños con problemas y dando refugio a perros y gatos sin techo, en una meliflua y superficial comedia que defendía la importancia de la cohesión familiar para sobreponerse a las dificultades.
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Artesano personal y autor maldito al unísono, Hugo Fregonese supone el mejor cineasta argentino de la historia, así como el más cosmopolita que recuerda el Séptimo Arte, dado que trabajó para productores de nada menos que seis países (Estados Unidos, Italia, Inglaterra, Alemania, España y la propia Argentina), mediante unos rodajes que tuvieron lugar no solo en estas naciones sino además en China, México, India, Yugoslavia, Egipto, Francia, Líbano, Malta… Procedió así a lo largo de los tres decenios que comprende su copiosa filmografía, enmarcada entre los años 40 y los 70 del siglo xx, en cuyo seno resaltan sus formidables aportaciones al Western y el Thriller. El premiado historiador y novelista Carlos Aguilar desglosa tan excepcional caso mediante un ensayo vibrante que hermana la crónica histórico-biográfica con la valoración cinéfila, describiendo asimismo los diferentes contextos industriales y profesionales de las naciones donde se desenvolvió Fregonese. Hugo Fregonese. Cine por doquier constituye el primer libro aparecido sobre tan singular cineasta-aventurero, e incluye cerca de doscientas imágenes de gran diversidad (fotos familiares y de rodaje, carteles españoles y extranjeros, fotogramas de películas, etc), tanto en color como en blanco y negro, por lo común inéditas hasta la fecha. Una aportación extraordinaria en la bibliografía cinematográfica mundial.
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James Cameron entrevista personalmente a seis figuras predominantes del cine de ciencia ficción: Guillermo del Toro, George Lucas, Christopher Nolan, Arnold Schwarzenegger, Ridley Scott y Steven Spielberg, quienes reflexionan sobre temas clave del genero, desde la vida extraterrestre a los viajes en el tiempo. Incluye una detallada entrevista al propio Cameron, ensayos de expertos en el ámbito de la ciencia ficción y arte conceptual único e inedito del archivo personal de Cameron, carteles de películas icónicas, series de TV y libros.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.
