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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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En este volumen Jorge Dubatti despliega el concepto de territorialidad como clave radicante para la comprensión de los fenómenos teatrales. Tesoro cultural dela humanidad, el teatro es cuerpo y convivio, y puedeser analizado como un espesor de mapas territoriales,en tensiones de interterritorialidad, supraterritorialidad e intraterritorialidad, así como en procesosdeterritorialización, desterritorialización y reterritorialización. A través de disciplinas de innovación–,Filosofía del Teatro, Teatro Comparado, Geografía Teatral, Cartografía, Filosofía de la Praxis Teatral–,, Dubatti habla de teatro-matriz y teatroliminal, territorialidad geográfica y corporal, tipología de mapas teatrales, y estudia la presencia territorial en poéticas, reescrituras, teorías y en ladestotalización de los teatros nacionales. Con prólogos de Jorge Eines y Mauricio Kartun.
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Monstruos gigantes del cine japonés recoge la rica fauna que puebla el kaijû eiga, todos y cada uno de las criaturas que anduvieron junto a Godzilla, Gamera, Rodan, Mothra y demás titanes. Dientes lacerantes, dragones tricéfalos, cuernos afilados o corazas impenetrables ?sin olvidar rayos de energía de cualquier color posible?, se podían ver en las bestias que plagaban estas producciones. La influencia de este cine ha sido inmensurable, y así ha sido su impacto en los sueños y pesadillas de millones de espectadores y de amantes del género fantástico a lo largo de varias generaciones. Esta guía recorre todos los kaijû, de la A a la Z, que rugen a pleno pulmón y pisotean ciudades sin parangón, en una galería explosiva de color y destrucción.
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The long-awaited first work of non-fiction from the author of the #1 New York Times bestselling Once Upon a Time in Hollywood: a deliriously entertaining, wickedly intelligent cinema book as unique and creative as anything by Quentin Tarantino.A unique cocktail of personal memoir, cultural criticism and Hollywood history by the one and only Quentin Tarantino.The long-awaited first work of nonfiction from the author of the number one New York Times bestselling Once Upon a Time in Hollywood: a deliriously entertaining, wickedly intelligent cinema book as unique and creative as anything by Quentin Tarantino.In addition to being among the most celebrated of contemporary filmmakers, Quentin Tarantino is possibly the most joyously infectious movie lover alive. For years he has touted in interviews his eventual turn to writing books about films.Now, with CINEMA SPECULATION, the time has come, and the results are everything his passionate fans - and all movie lovers - could have hoped for.Organized around key American films from the 1970s, all of which he first saw as a young moviegoer at the time, this book is as intellectually rigorous and insightful as it is rollicking and entertaining.At once film criticism, film theory, a feat of reporting, and wonderful personal history, it is all written in the singular voice recognizable immediately as QT's and with the rare perspective about cinema possible only from one of the greatest practitioners of the artform ever.
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UN RECORRIDO POR LOS DESTINOS DE FICCIÓN MÁS FASCINANTES DE LAS LEYENDAS, LA LITERATURA Y EL CINE.Las artes y la cultura popular han creado desde siempre territorios y lugares ficticios que podrían existir en nuestro mundo. De Gotham a Macondo, de la Atlántida a la ínsula de Barataria del Quijote, de la isla del tesoro a la isla dePerdidos, de Syldavia a Twin Peaks.¿Qué tienen en común estos territorios? Todos ellos son imaginarios, pero se deslizan por las rendijas de nuestra realidad para hacer que la ficción sea plausible. En esta entretenida y práctica guía descubrirás todas estas «geoficciones» que conforman nuestro mundo y que también hablan de nosotros mismos y de nuestra historia.Sumérgete en los más apasionantes destinos de la ficción en este viaje repleto de anécdotas y de historias divertidas que nunca habrías llegado a imaginar.
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En esta obra, Stanislavski aplica su profundo conocimiento de los mecanismos teatrales a responder a la pregunta fundamental que todo actor se plantea: ¿cómo hacer para que mi interpretación resulte creíble?, ¿cómo mantener la atención del espectador sobre lo que ocurre en escena y hacerle creer en la ficción de la obra?
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Un amenísimo recorrido por las mejores películas, directores, actores, rodajes, guionistas, etc. de la historia del Cine a través de los curiosos «gazapos» que han protagonizado: desde fallos como el reloj en la muñeca de un centurión romano a errores
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El número 42 aparece obsesivamente a lo largo de todo el metraje de El resplandor (1980), la terrorífica película de Stanley Kubrick basada en la novela de Stephen King, y 42 son las ocasiones en que Simon Roy asegura haber visto el filme. Simon Roy no puede quitarse El resplandor de la cabeza. ¿Por qué nos fascinan ciertas cosas hasta el punto de consagrar buena parte de nuestra vida al estudio sistemático de un hecho concreto? Esta es la pregunta que se hizo Roy, un humilde profesor de literatura en un instituto de Quebec, durante los días en que duró una huelga estudiantil que le obligó a estar varias jornadas sin trabajar. El desarrollo de la respuesta llegó en forma de libro: él también iba a consagrar sus días a profundizar en su propia obsesión, empezaría a estudiar a fondo el filme de Kubrick. El resplandor sigue siendo para muchos de nosotros un misterio sin resolver. Sus imágenes resultan todavía vívidas, por momentos escalofriantes, y muchos estudiosos han teorizado sobre la singular composición y estructura de la película y su simbología oculta, no sólo en todo lo que atañe al número 42, sino al diseño de laberintos dentro y fuera del hotel, las referencias a genocidios y holocaustos, y la constante presencia de mensajes subliminales que se esconden en muchos momentos clave de la trama. Es, además, una obra que trata sobre cuestiones como la naturaleza del mal, la locura y la familia. A Roy, la investigación también le sirve para conectar su propia vida con esta película. Si ha llegado a atraparle hasta la obsesión no es únicamente por su poder de atracción, sino por cómo la ficción de Kubrick/King ha ido ocupando espacios insospechados en su propia biografía: el descubrimiento por azar de la película con sólo seis años o el suicidio de la madre del autor, que –en un paralelismo terrorífico– tuvo un padre psicópata no demasiado alejado del Jack Torrance que encarnaba Jack Nicholson, o la misteriosa desaparición de su tía, de la que nunca nadie volvió a saber nada. Mi vida en rojo Kubrick es una exploración sistemática de los rincones más perturbadores de El resplandor, la búsqueda de respuestas –desde las ópticas ocultista, freudiana, histórica y cultural– donde sólo parece haber enigmas.
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En el 60 aniversario del film Psicosis, varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, el original literario, el filmen la obra de Hitchcock, los actores, la música, lostítulos de crédito, las influencias ... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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En este libro sobre montaje y narrativa cinematográfica encontrarás un montón de consejos y secretos sobre la industria audiovisual.
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Este libro contiene algunas de las películas que tuvieron una banda sonora trascendental para el desarrollo de sus tramas, y que sin ellas hubieran quedado peor explicadas o incluso serían incomprensibles.En cada uno de los filmes escogidos en este libro, la música aporta algo de relevancia, en lo dramatúrgico o en lo narrativo, y gracias a ella las películas son lo que son. Sin una banda sonora adecuada, el taxista obsesionado de Taxi Driver o el atormentado Arthur Fleck de Joker quedarían considerablemente vacíos de contenido.Para ayudarte, cada película comentada viene acompañada de su código QR que permite escuchar la música de la que se habla o revivir la escena explicativa. Todo con el propósito de que te puedas sumergir en cada una de las películas escogidas y las descubras o redescubras desde una perspectiva más completa, más profunda y también mucho más hermosa.
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La Pajarita de Papel
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En septiembre de 2008 la cadena estadounidense FX estrena Sons of Anarchy, una serie sobre un club de moteros outlaw con sede en laficticia ciudad californiana de Charming. En esta, Kurt Sutter propone una versión actualizada de Hamlet, donde Jackson J
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NUEVA EDICIÓN DEL AGOTADÍSIMO Y BUSCADÍSIMO LIBRO! NUEVO DISEÑO! NUEVA PORTADA! Érase una vez un señor conbarba y camisa a cuadros, que quería hacer una película del espacio, como las que veía de niño. Un día, su sueño se hizo realidad cuando otro hombre creyó enél. De esta forma se estrenó en la primavera de 1977Star Wars, que aquí llamaron: La Guerra de las Galaxias. Pero antes de cerrar el trato, el hombre de la barba pactó con la compañía cinematográfica que se quedaría (aunque no demasiado convencido) con un pequeñoporcentaje de la venta de entradas y todo el derechoa explotar todo tipo de productos del fi lm. Esta fueen ese momento una idea revolucionaria, que rompió todos los esquemas en el mundo del cine. De esta manera el hombre, ahora gordo y con la barba blanca, se convertiría en uno de los más ricos del mundo y su película una de las más famosas de la historia. Poco a poco la mercadotecnia y las mercaderías de Star Wars, se han ido haciendo un hueco en la cultura popular y llegando a las casas de todos los fans y no tan fans de cualquier edad. Esta obra cuenta, como esta película, cautivó al mundo entero, desbordando un mar de productos que se han convertido en objetos de culto, nosolo para los fans de La Guerra de las Galaxias, sinotambién para los más nostálgicos de nuestro país.
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LIBRO EN PREVENTA.La práctica de esta artista argentina se sustenta en procesos de investigación que exploran las cualidades afectivas y la dimensión política de la comunicación a través del cuerpo, la voz y el lenguaje. Partiendo de nociones performativas y prácticas colaborativas interdisciplinares, el trabajo de Azpilicueta va evolucionando y abriendo otras posibilidades expresivas afines a lo teatral, lo instalativo y lo escultórico. Sus proyectos conllevan una relectura historiográfica para interpretar la historia al margen de un pensamiento de tipo lineal y heteronormativo. En ellos se produce una resignificación de las imágenes en torno a un universo de referencias de distintos ámbitos de conocimiento, periodos y hechos ficticios o históricos, en los que intervienen personajes y objetos de estética decolonial, drag, fantástica, quimérica o surrealista. Partiendo de anotaciones de tipo mnemónico, reconfigura historias irreales que a su vez operan como cuestionamiento de situaciones de índole social, de género o de identidad. En coedición con la Fundación María José Jove. VIII Premio Internacional de Arte Marta-García Fajardo 2021 convocado por la Fundación María José Jove.enero de 2023.
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Muy pocos profesores de interpretación han logrado desarrollar un método detallado que forme actores verdaderamente creativos: Sanford Meisner, fallecido en 1997, fue uno de ellos. Discípulo y mano derecha de Meisner, William Esper nos sumerge en el aula
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En el cine, el tiempo pierde la condición de dimensión que le atribuimos y un segundo de buenas emocionesnos rescata de lo más ruin del fango de los infinitosdías, una sensación que sirve para justificar que eso de intentar seguir viviendo merece mucho la pena. Los artículos que se recogen en este Para huir no sonanálisis cerebrales ni tienen la forma de crítica cinematográfica. Se trata, más bien, de agitar algún árbol para intentar que caiga alguna fruta, y estas frutas tienen más que ver con el mundo emocional. En realidad, las películas que se toman como referencia, bien sean clásicos o cine contemporáneo, Westerns o cintas de superhéroes, sirven de excusa para empezar a indagar en temas en buena medida universales: la sensibilidad, la soledad, la resiliencia, el miedo, el nomadismo, la rebelión. El autor ha intentado que abarcaran sentimientos que a todos nos han afectado en algúnmomento, y he intentado que las obras de referenciafueran bastante conocidas, incluso populares. No se trata tanto de afirmar ideas, conclusiones, como de sugerir que no es tan sencillo tener una idea formada sobre la condición humana y cada una de las ramas de la condición humana. Pero, eso sí, los fundamentos quenos llevan a conocerla se pueden descubrir en casi cualquier obra de cine, muchas veces a través de preguntas que ni siquiera los creadores -guionistas, productores, directores- se habían planteado.
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Recrear momentos de la historia es una de esas quimeras hacia las que la gran pantalla nos sirve de puente, y uno de los momentos que el cine ha visitado con mayor frecuencia ha sido la edad media, período mítico por excelencia en el que se basa buena parte de las leyendas y los referentes de nuestra sociedad actual. El medievo queda al mismo tiempo lo bastante lejos como para poder crear mundos exóticos y arcanos que nos seduzcan, y lo bastante cerca como para que nos podamos sentir identificados con él. Así, a través de intermediarios, como la literatura, desde Shakespeare hasta Walter Scott, o la pintura de historia del siglo XIX, el séptimo arte ha contribuido de forma decisiva a crear nuestro cliché de la edad media. Un mundo de oscuridad, misterio, magia y barbarie tan romántico que, aunque quizá nunca ha existido, ha habido que inventarlo.
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Este volumen reúne dos textos autobiográficos de Mijaíl Chéjov que cubren su etapa rusa y europea, antes de que se instalara en Estados Unidos. El camino del actor (1928) rememora su infancia y el descubrimiento de su pasión por el teatro. Vida y encu
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Cuando las primeras pantallas mostraron la mirada cinematográfica de los pioneros del séptimo arte, la ópera llevaba ya tres siglos de andadura. Es posible queel arte de masas en que se convirtió el cine desplazara el centro de interés de un público que, antes de1896, tenía en la ópera uno de sus divertimentos másexponenciales. Pero aun así, el cine contó con argumentos, cantantes o clichés operísticos, modelo que llega hasta nuestros días. El '' biopic '' , la ambientación musical de época o, claro está, la ópera filmada, marcan algunos de los puntos de convergencia de esas dos «obras de arte total» (por decirlo en términoswagnerianos) fusionadas en una sola. Pero este librose propone reflexionar acerca de las relaciones entre la ópera y las pantallas no cinematográficas: la televisión, el vídeo, el DVD, el BluRay, las transmisiones en directo en salas de cine, en los ordenadores domésticos o en las redes sociales que se consumen a diario. Estos son algunos de los soportes o medios quesustentan la vigencia y el consumo de la ópera, másde cuatrocientos años después de su surgimiento a finales de la era renacentista.
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Una película independiente sobre unos famosos asesinatos comienza su rodaje en la sierra de Madrid. Por ella desfilará un extenso elenco de divertidos personajes, a cuál más incompetente que el anterior, dejandoa su paso planos muy mal rodados y lecciones para toda la vida. En este libro encontrarás multitud de consejos y conceptos técnicos y artísticos de todos los departamentos que conforman un rodaje de cine desde unpunto de vista cercano, sincero y práctico. Como lector no tienes por qué saber mucho de cine para sentirla angustia de los protagonistas, pero este Manual de cine indie es más que un desternillante relato sobre los entresijos de una filmación. Es un inspirador viaje lleno de sorpresas y enseñanzas técnicas que invita a devorar sus páginas, el retrato de una forma dehacer cine en España que resultará muy familiar tanto para quienes estén empezando como para los que tengan ya el beneficio de la experiencia. Que, a veces, reírse de los demás es muy sano. Y hasta instructivo.Esta es la divertida y fascinante historia de un rodaje en el que todo lo que podría haberse hecho mal sehizo mal. AUTOR Ezequiel Romero (Jerez de la Frontera, 1987) es un director de fotografía con infinidad deproyectos audiovisuales a sus espaldas. La mayoría de ellos son tan pequeños que es difícil acordarse deellos, otorgándole un puesto privilegiado en primeralínea de la retaguardia cinematográfica. Miembro de esa primera generación audiovisual que ha tenido que lidiar con la llamada democratización del cine , Ezequiel se ha curtido en todo tipo de proyectos independientes en España y por todo el mundo, siendo parte tanto de la primera hornada de webseries en nuestro paíscomo de proyectos en el corazón de África, por todaEuropa o en el loco cine de Bollywood, en el que asegura no haber tenido que ponerse a bailar todavía. Suestilo cinematográfico nace de un espíritu aventureroy trotamundos, con la pasión puesta en la resoluciónde problemas con ingenio y con pocos medios, algo indispensable en el audiovisual actual. A día de hoy trabaja en un amplio rango de proyectos y géneros en cine y publicidad en España y Reino Unido (donde vive,quejándose siempre del tiempo). Sigue poniendo en práctica las distintas facetas de su experiencia tanto en fotografía como en efectos visuales, edición, guióne incluso interpretación. Ahora, además, ha escritoeste libro. Para más información: www.ezequielromero.com
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Descubra todo lo que siempre quiso saber de la película que cambió el cine. Esta impresionante perspectiva entre bambalinas de 2001: Una odisea en el espacio ayuda a conocer mejor a los actores principales, diseñadores de producción y expertos en efectos especiales que, junto a la prodigiosa mente de Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke, revolucionaron el género de ciencia-ficción y el arte del cine.Disponible hasta el momento como parte de la exitosa edición de coleccionista de varios volúmenes, esta completa recopilación gráfica incluye fotografías tomadas delante ydetrás de las cámaras, bocetos, diseños de decoradosy material publicitario de los archivos de Kubrick. Este asombroso material visual desvela los meticulososmétodos de dirección de Kubrick, además de los misterios y el magnetismo de una película enorme en su alcance y compleja en su interés humano.Escrita ydocumentada durante varios años por Piers Bizony, periodista especializado en tecnología, efectos especiales y espacio exterior, esta completa recopilación esuna gran muestra de amor y un homenaje a una obra maestra de la cultura del siglo xx.
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Exposición magistral de cómo son las cosas en el mundo del cine, presentadas con multitud de anécdotas. Ofrece a la vez las memorias de un magnífico director y una guía sobre el arte, la técnica y el negocio de la realización.
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Andréi Tarkovski es uno de los grandes cineastas y teóricos de todos los tiempos, y todavía hoy es uno de los directores más influyentes del cine de autor contemporáneo. Uno de sus ensayos, Esculpir en el tiempo, se convirtió en su día en un libro fundamental para la reflexión fílmica, reeditado desde hace décadas de forma ininterrumpida. Sin embargo, Tarkovski dejó escrito a su muerte otro libro de gran importancia, no publicado hasta la fecha en castellano, y que constituye el complemento imprescindible de aquél y su testamento vital y artístico: Atrapad la vida es un volumen con un enfoque directo, personal y apasionado, en el que el cineasta rememora sus rodajes, recuerda éxitos y fracasos, desvela secretos y obsesiones, defiende con ahínco la visión del cine que construyó a lo largo de toda una vida y critica con fiereza tanto la censura del estado soviético como aquella otra, más sutil, de la sociedad de consumo. En este libro Tarkovski habla con rabia, pero también con esperanza, y se dirige tanto a los amantes del cine en general como a aquellos que quieren saber cómo se hace, desde dentro y sobre el terreno, una película, pero una película entendida como una obra de arte: cómo se perfila la idea fundamental del filme (y cómo se defiende esta idea ante todo tipo de situaciones y presiones), cómo se escribe un guion (y sobre todo cómo no se escribe), cómo se aborda el montaje (y cómo se desmonta lo aprendido sobre esta técnica en las escuelas de cine), cómo se planifica la dirección actoral (y cómo se tratan las vicisitudes cotidianas con los actores), etc. Y todo ello desde una doble premisa: al hacer una película no hay que tener miedo de pisotear ningún esquema, ninguna norma, pero tampoco se puede olvidar que una película es un acto creativo y espiritual de primera magnitud: se trata de atrapar la vida.
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Las tres colecciones de artículos sobre cine de Guillermo Cabrera Infante en un estuche que se disfruta como una función. Director de la cinemateca de Cuba y crítico de cine en su juventud, guionista de Hollywood en su madurez, Guillermo Cabrera Infante fue un apasionado cinéfilo toda su vida.El presente estuche reúne sus tres colecciones de ensayos sobre el tema: Un oficio del siglo xx, Arcadia todas las noches y Cine o sardina. En ellas brillan su espíritu lúdico y la fina ironía, que nos ayudan a comprender el sentido, el contexto y la factura del séptimo arte. De texto en texto y de mirada en mirada, Cabrera Infante repasa la obra de Orson Welles, Alfred Hitchcock, Howard Hawks, John Huston o Vincente Minnelli, así como una plétora de películas clásicas y modernas. Si el cine es el protagonista indiscutible, el crítico-escritor no deja de darle la réplica. Del diálogo entre la pantalla y la palabra surgen textos que no solo aportan una valiosa información, sino que se disfrutan como verdaderas funciones.Sobre el autor y la obra:«Para los que estudiábamos cine, Un oficio del siglo XX era un libro de cabecera.»Fernando Trueba «Ha convertido la crítica cinematográfica en un género literario gracias a su riqueza verbal y a su imaginación.»Mario Vargas Llosa«Cabrera Infante es casi una enciclopedia del cine hollywoodense.»Jacobo Machover, Revista de Libros
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Este libro es fruto de la admiración y el amor por el cine y la figura de Andréi Tarkovski (1932-1986). Solo después emerge la parte profesional o académica. El grupo de autores que firman los capítulos del libro representan un grupo heterogéneo: algunos vivieron o trabajaron con Tarkovski, otros se dedicaron a su obra como críticos, académicos o cinéfilos. También hay aportaciones de dos jóvenes investigadores que añaden al análisis de la obra de Tarkovski una mirada pura y entusiasta, no por ello menos válida a la hora de invitarnos a indagar por el universo tarkovskiano.La idea es hacer un libro que integra el conjunto de estas diferentes miradas, transversales y complementarias sobre la obra de Tarkovski, siendo sus coordinadoras Tamara Djermanovic y Olena Velykodna, invitándonos a descubrir los enigmas de la vida y al obra de Tarkovski sin olvidarse de las referencias a la tradición rusa y a la cultura universal.
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En la madrugada del Viernes Santo de 1662, dos hombres a caballo traspasan la puerta de Santo Domingo y se adentran en las callejuelas que bajan a la cuesta de San Vicente. Son Águila Roja, el héroe de la Villa, y su fiel mano derecha, Saturno García, los protagonistas de la serie de televisión de más éxito en España, y juntos deberán afrontar una difícil misión.Estos carismáticos personajes acompañarán al lector en su paseo por el Madrid de Felipe IV y le mostrarán cómo era la vida en la época en la que se ambienta la serie. Gonzalo, Águila Roja, es un personaje atípico en su época, con ideas avanzadas, con una visión del mundo más europea que Sátur quien, por el contrario, tiene opiniones españolas muy arraigadas y clásicas sobre la historia y las costumbres de nuestro país.Y ahora, curioso lector, si estás interesado en la España de Felipe IV, Águila Roja y Saturno, te dejamos en su compañía en medio de aquel Madrid de la segunda mitad del siglo XVII, que, parafraseando al prestigioso historiador Joseph Pérez, se podría decir que «no fue mucho peor ni mucho mejor que las restantes capitales europeas».
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El testimonio íntimo de Juan Cobos sobre Orson Welles: una amistad nacida en España y una vida dedicada a comprender y honrar al genio del cine.Orson Welles y Juan Cobos se conocieron en Madrid el 6 de mayo de 1964, día en que Welles cumplía 49 años, a raíz de la entrevista que el singular genio americano les concedió a Miguel Rubio, José Antonio Pruneda y a Juan Cobos para la revista Film Ideal. Este histórico encuentro tuvo lugar en la casa que Welles había alquilado en Puerta de Hierro.A finales de agosto de ese mismo año, Cobos estaba trabajando de ayudante personal de Welles en la película Campanadas a medianoche (Chimes at Midnight), filmada en España entre octubre de 1964 y abril de 1965. A partir de entonces, la figura de Welles le acompañó para siempre: invirtió gran parte de su vida investigando, escribiendo, entrevistando, organizando cursos, participando en coloquios y coleccionando todo cuanto se publicaba al respecto, además de escribir el libro Orson Welles: España como obsesión, editado conjuntamente por la Filmoteca Española y la de Valencia. Pocas personas han dedicado tanto tiempo y esfuerzo a lo largo de su vida para honrar la memoria de Orson Welles como su hija Beatrice y Juan Cobos.La gente que estuvo al lado de Welles en sus debuts como director (teatro, radio y cine) se asombraba siempre de la extrema facilidad con que inmediatamente se hacía con el medio. Por añadidura, no solo lo dominaba, sino que se permitía innovar en su seno, en todos los aspectos y niveles, con particular brillantez y soltura.Este libro entraña una deuda pendiente que contrajo mi padre. Un último libro sobre Orson Welles, el genio de Wisconsin, que comenzara a escribir para la editorial madrileña Cátedra en 1993 y del que habló durante mucho tiempo, a lo largo de una dedicación de años de trabajo y estudio.Mientras que a Orson Welles solían preguntarle «¿Cuándo va usted a terminar Don Quijote?», a Juan Cobos le sondeaban «¿Cuándo va a publicar ese libro definitivo sobre Orson Welles del que tanto habla?».Este volumen aporta, así, el último y definitivo tributo de Juan Cobos a su querido y admirado amigo Orson Welles, al cual me he sumado para dejar testimonio. El fruto tardío de la historia de una estrecha amistad entre dos hombres que se admiraban, respetaban y apreciaban mutuamente: Orson Welles y Juan Cobos.— David Cobos
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.
