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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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Saló Diana (1977-1978) recupera la experiencia singular e iniciática de una sala de teatro que, durante poco más de un año, marcó un punto de inflexión en la escena cultural de Barcelona. A través del testimonio oral de sus protagonistas y de materiales de archivo, el mítico Saló Diana se revela como una institución antes de la institucionalidad de la producción artística de los años ochenta.
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El viaje íntimo y transformador de Enzo Vogrincic, el protagonista de La sociedad de la nieve. Este no es un libro sobre la fama. Es una historia sobre transformarse, sobre lo que se pierde y se gana al interpretar a otro.Aeropuerto. Un casting. La nieve. Te subís a un avión. O a una historia. O a algo que no elegiste, pero ya empezó. No es un libro sobre una película. Es sobre lo que se queda dentro. Y lo que muere para que algo pueda nacer. La actuación como forma de comprenderse, la entrega por completo a un personaje, y la certeza de que, a veces, lo impensable se vuelve real.
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La publicació dels resultats del VI Seminari d’Humanitats i Cultura Visual de la Universitat Autònoma de Barcelona, centrat en el teatre i les muses.
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A principios de la década de 1960, los veteranos creadores de cómics Stan Lee y Jack Kirby tuvieron la idea de formar un equipo de superhéroes con la esperanza de remontar la caída de ventas de Marvel. Tras 15 años de predominio de las historias románticas, bélicas y de terror, Kirby pensaba que recuperar a los superhéroes era un movimiento inteligente. Lee solo quería “hacer el tipo de historia que me gustaría leer”. Los Cuatro Fantásticos cambiaron para siempre sus carreras, sus vidas y la industria del cómic. Algunos de los momentos más icónicos en la historia de Marvel están aquí, comenzando con Reed Richards, su novia Sue Storm, su mejor amigo Ben Grimm y su hermano pequeño, Johnny Storm, quienes en el número 1 realizan un aterrizaje forzoso con su cohete tras sufrir el impacto de unos rayos cósmicos y descubren que se han transformado en Mr. Fantástico, la Mujer Invisible, la Cosa y Antorcha Humana. Eran personajes emocionalmente complejos, que no siempre estaban seguros de si sus poderes eran una ventaja o una carga. La acción se desarrollaba en Nueva York, no en una ciudad ficticia, y los héroes de Marvel aparecían regularmente en las historias protagonizadas por otros personajes. Las ilustraciones eran dinámicas y el texto coloquial y atractivo. Lee y Kirby eran como los Lennon y McCartney de los cómics. No siempre estaba claro dónde terminaba el talento de uno y comenzaba el del otro, pero su combinación era más valiosa que la suma de sus capacidades por separado. El presente volumen recopila los primeros 20 números, cuya reproducción se ha realizado a partir de ejemplares originales impecablemente conservados, que se abrieron y fotografiaron en estrecha colaboración con Marvel y Certified Guaranty Company. Junto con los cómics, se incluyen un ensayo en profundidad del reconocido escritor de Marvel Mark Waid e ilustraciones originales, fotografías y material singular. Bienvenidos a la era Marvel del cómic. © 2026 MARVEL
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Esta Estética de lo performativo, que presentamos ahora en español con una introducción de Oscar Cornago y que fue publicada en Alemania en 2004, se ocupa de los problemas fundamentales de las realizaciones escénicas del arte de la performance, del teatro experimental y de las que tienen lugar en el ámbito público. La realización escénica como acontecimiento se revela así como fundamental para una nueva comprensión del arte y de su relación con lo público.
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Tiembla, querido. Tiembla hasta petar. Por primera vez, las obscenas reflexiones sobre el porno (gay) del único y verdadero Hereje de la Disidencia Maricona. Bruce LaBruce, ese director de culto y ''pornógrafo a regañadientes'', no es solo una pieza del engranaje del Nuevo Cine Queer, es su maldita columna vertebral. Emergió como un virus en los bajos fondos de Toronto a finales de los 80 con fanzines punk queer y películas en Super 8 que hacían sangrar los ojos de la moral establecida, para luego infectar la escena internacional del cine independiente. Mientras tanto, LaBruce derramaba su tinta corrosiva y disparaba su cámara para revistas como ''Honcho'', ''Inches'', ''Exclaim!'', ''Vice'' y otros reductos de la contracultura que se atrevían a publicarlo. Esta colección vomita sus artículos más viscerales, políticos, incendiarios y despiadadamente ingeniosos sobre la pornografía. El volumen incluye un enfrentamiento verbal entre LaBruce y la bestia sagrada del porno gay Peter Berlin, ensayos políticamente incorrectos, artículos que no piden permiso y tres diarios de rodaje brutalmente honestos para SKIN GANG, THE RASPBERRY REICH y L.A. ZOMBIE. Todo ello acompañado por fotografías que pulverizan los límites, obras de arte y retratos que no podrás borrar de tu retina, entre ellos imágenes de Richard Kern, Raul Hidalgo, Ricardo Gomes, Terry Richardson y otros conspiradores visuales.
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En marzo de 1984, el tándem Hayao Miyazaki e Isao Takahata soñaba con mantener unido al equipo original de su anterior película. Nausicaä del Valle del Viento, la exitosa adaptación cinematográfi ca del manga de Miyazaki había reunido al equipo fundacional del estudio, El castillo en el cielo llegaría para consolidar y ampliar esa alianza. Pero no solo eso: el tercer largometraje de Miyazaki impulsaría la creación formal de Studio Ghibli y trazaría el mapa de su universo, un fi rmamento en el que la imaginación vuela tan alto como sus protagonistas. Biblioteca Ghibli: El castillo en el cielo explora aquel momento clave: desde cómo se formó el equipo, tras el inesperado éxito anterior, hasta el modo en que Ghibli forjó una nueva forma de trabajar, autoral y única. A través de un recorrido que comienza con la concepción cinéfi la de la animación, expuesta en el Museo Ghibli de Mitaka, el libro explora las infl uencias narrativas y visuales de El castillo en el cielo, sus personajes y el singular proceso de producción del estudio. Además, reconstruye el meticuloso camino artesanal que dio origen a una obra icónica. Más que el making of de una película, este es el retrato del despegue, del nacimiento de un estilo que transformó para siempre la animación japonesa. La historia de por qué Ghibli es Ghibli empieza aquí.
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José Luis Garci comenta con su consabida maestría una surtida selección de directores que tradicionalmente no han sido considerados grandes maestros del cine pero que atesoran estupendas películas en su filmografía. Todo ello acompañado por un gran despliegue gráfico.
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Explora la épica saga de Star Wars mediante increíbles vistas en sección. Descubre todo lo que siempre quisiste saber sobre los vehículos y naves de Star Wars con este impresionante libro que incluye más de cien ilustraciones a todo color, detalladas explicaciones e impresionantes secciones transversales que muestran las naves desde todos los ángulos. OBSERVA -El Ala-X de Poe Dameron en acción-El terrible poder del TIE Avanzado x1 de Darth Vader-El rápido y ágil caza estelar Jedi de Obi-Wan Kenobi DESCUBRE-El mecanismo interno del deslizador de Rey-La avanzada tecnología del Ala-U de la Alianza Rebelde-El devastador armamento de la Estrella de la Muerte EXPLORA-El interior del célebre Halcón Milenario-El impresionante diseño del Buitre Nocturno de los Caballeros de Ren-El imponente y temible destructor estelar de la Primera Orden
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¡Revive la mayor aventura de la historia y su inconmensurable impacto en la cultura pop!Reúne a tu comunidad y recorre el extraordinario viaje de la Comarca a Mordor con esta detallada y profunda exploración de la eterna trilogía de El Señor de los Anillos de Peter Jackson. Desde la historia original de Tolkien hasta las experiencias anecdóticas de los actores, pasando por su impacto cultural en el mundo entero, este libro tiene algo para cada fan del Anillo Único. Este impresionante tomo contiene el archivo de historias y cobertura de la comunidad fan del Año del Anillo de Polygon, actualizado y ampliado, perfecto para volver a conectar con tu grupo y revivir esos recuerdos especiales viendo las películas y discutiendo sobre sus teorías con otros compañeros Ringers.
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En aquest llibre hi trobareu un recull visual d’alguns dels millors moments del Trapezi, la Fira del Circ de Catalunya. El seu fotògraf oficial i espectador privilegiat, en Tjerk van der Meulen, ens hi mostra la seva visió personal, plasmant imatges impossibles del que avui dia és un dels esdeveniments circenses nacionals de visita obligada. L’elefant, que és tota una icona de la Fira, es converteix en vint frases d’alguns dels protagonistes que l’han fet possible. No és només un elefant: en són vint. Vint elefants per un Trapezi.
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«Mi vida profesional ha sido una cadena constante de desilusiones, y muchas de las cosas que causan asombro a la mayoría de los hombres no son más que el pan nuestro de cada día en mi negocio. En este libro he plasmado historias de algunas de las extrañas personas y atípicos artistas que he ido reuniendo a lo largo de muchos años de investigación.» Houdini sentía el mayor respeto por los magos e ilusionistas que hacían trucos para entretener y confundir a las multitudes. Revelándonos sus métodos y denunciando a los impostores, pretende «conmemorar ciertas formas de entretenimiento a las que el olvido amenaza con sumir en la oscuridad bajo la envergadura de sus grandes alas». Iban Barrenetxea nos lleva a un teatro de principios del siglo xx para asistir a una mágica velada con el gran Houdini.
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Como para su maestro y amigo Jean Louis Schefer, autor de El hombre ordinario del cine, otro libro, como éste, inclasificable y apasionante, ambos más misteriosos que difíciles, más incisivos que nostálgicos, para Pierre Léon el cine no parece dirigirse a nuestro ser diurno, sino más bien a un segundo cuerpo que nos habita, que de común ignoramos, pero que emerge como imantado por algunas películas que nos conocen mejor que nosotros mismos y con las que mantenemos un diálogo apasionado. A partir de Stevenson, a este otro yo se le nombra en esta Historia natural del cine como «niño-poeta», un niño sin inocencia en el paraíso de un placer secreto alimentado desde la infancia. De cómo lo han tocado las películas, de cómo ha conversado con muchas de ellas a lo largo de los años, escribe aquí Pierre Léon, que airea los lugares comunes del cine y de su imposible historiografía para proponer otra cosa inefable a cambio, un sueño recordado y filtrado por su vida y memorias —entre Moscú y París—, su erudición estética —musical, pictórica, literaria— y su experiencia de cineasta de excepción. Sus recurrentes visitas a esa noche experimental del cine donde la película se presenta en fuga permanente, reiniciando incansablemente la propuesta de mundos tan desconocidos como el nuestro, dejan algunas de las mejores páginas que se hayan escrito sobre Ford, Walsh, Renoir, Eisenstein, Hitchcock, Ozu, Rohmer, Duras o Akerman.«Las películas nos reconocen y nos saludan desde lejos […] No saben a cuáles de estos espectadores volverán a ver un día, pero saben que habrá uno al menos. Y que habrá que darle entonces noticias de sí mismo. Él espera en el umbral de la película, muy cerca de ella, la nariz pegada a la ventana que separa la toma del plano, y que recubre enseguida con el vaho de todos los recuerdos que revolotean en la luz».PIERRE LÉON
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Los Monty Python no han pasado a la historia solo por haber hecho reír a varias generaciones, sino por haber cambiado desde dentro la manera misma de entender la comedia. Bajo la apariencia de sketches inconexos, humor absurdo y provocación constante, lo que estaba en juego era una inteligencia incómoda, capaz de tensar el lenguaje, ridiculizar la autoridad y poner en evidencia las contradicciones de toda una época. Lo que parecía una sucesión de bromas imposibles terminaba revelándose como una forma nueva de mirar el mundo. Este ensayo se adentra en ese territorio para ir más allá del recuerdo y la admiración. A través de sus orígenes, sus influencias y el contexto cultural que los hizo posibles, Ross Goose reconstruye las claves de un fenómeno que no puede entenderse solo desde el entretenimiento. Desde sus raíces académicas hasta la influencia que ejercieron en la comedia posterior, traza un recorrido entre tradición y ruptura, y muestra cómo el disparate puede convertirse en una herramienta crítica. Lejos de la nostalgia, estas páginas invitan a mirar de nuevo aquello que creíamos conocer y recuerdan que, a veces, la única manera de decir algo serio es no tomarse nada demasiado en serio.
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Desde las profundidades del banco Gringotts o el Callejón Diagon hasta los pasillos del castillo Hogwarts o el Ministerio de Magia, el Mundo Mágico de Harry Potter esconde infinidad de secretos, algunos de ellos ocultos a plena vista hasta para los seguidores más fieles de la mitología. ¿Alguna vez te has preguntado cómo funciona realmente el universo mágico, más allá de las novelas y el cine? Adéntrate en las páginas de este volumen para descubrir todos los detalles del universo de ficción más mágico de la historia, desde los artilugios de poder hasta la magia en el Mundo Muggle, pasando por las interioridades de la política o el deporte de la comunidad mágica. Un libro único que hará las delicias de todos los aficionados al mundo de Harry Potter.
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En el 75 aniversario del film Eva al desnudo, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, los actores y sus personajes, su fabuloso guion... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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¡Kineuropa proviene de Kino, cine en alemán, la lengua de Fausto y del expresionismo temprano, Kineuropa como kívnoiç, la palabra para movimiento y danza, del griego como el clasicismo mediterráneo que dio forma y orden a nuestro mundo. Kineuropa como cine y Europa, una crasis y unión de una idea y el espíritu que la generó. Nueve autores de diferentes orígenes, de perspectivas heterogéneas, pero con una visión común, procedentes de seis naciones diferentes, exploran en esta colección un mismo tema: cómo el Séptimo Arte no sólo nació por casualidad en una determinada coordenada geográfica y luego se extendió como un reguero de pólvora por los cinco continentes, sino que representa una expresión característica de un Volksgeist preciso y, al mismo tiempo, un medio privilegiado para que el hombre europeo se defina y comprenda a sí mismo, sus problemas, las preguntas que le son más urgentes, su historia, su ethos. Desde Goethe hasta Richard Wagner y su arte total, verdadera fuente de la que surge la aventura cinematográfica, desde Spengler y Nietzsche hasta la tragedia, y de nuevo desde Refn y Von Trier hasta Melville y la Nouvelle Vague, Fritz Lang, y más allá, hasta el corazón de la fantasmagoría de Méliès, el cine como rayo de la identidad europea brilla aquí en toda su luz y su encanto atemporal, acompañando al lector en un redescubrimiento, incluso antes del de una forma artística, de la Europa eterna, madre bella, patria inmortal.
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No son pocos los cineastas que se han interesado por el universo de la tiza y la pizarra, como tampoco hay docente que se precie que no haya utilizado las películas en su aula con fines didácticos. Directores y directoras se han acercado a las clases para hablar de sus recuerdos de infancia, de las dificultades de la integración, del acoso escolar, de la violencia en las aulas, de su importancia para el progreso de los pueblos, de las complejas relaciones entre padres e hijos, de la implantación de metodologías motivadoras frente al anquilosamiento de educadores aferrados a los dogmas, del profesorado que marca a sus pupilos para siempre, de un microcosmos que es, a su manera, representación de eso que hemos dado en llamar sociedad.Ya que las películas se han ocupado del hecho educativo en su más de un siglo de historia, es justo que la educación devuelva el favor y se preocupe de ellas más allá de su utilización en el aula como entretenimiento o como textos ilustrativos con los que acompañar las explicaciones. Es tan amplia la nómina de filmes que no hay materia para la que no exista un abanico de referentes. ¡Cuántas películas en las que se narran hechos de interés para la asignatura de Historia! ¡Cuántas sobre matemáticos! ¡Qué sinfín de películas basadas en textos literarios o protagonizadas por escritores o escritoras! ¡Qué de atletas y narraciones sobre el mundo del deporte! ¡Cuántos biopics sobre pintores, músicos y artistas en general! ¡Qué cantidad sobre investigaciones y avances científicos!Entre las películas incluidas en este libro hay títulos como ''El club de los poetas muertos'', ''Hoy empieza todo'' o ''Rebelión en las aulas'', clásicos representantes de las estrechas relaciones entre cine y escuela, junto con otros que tal vez resulten desconocidos. Fernando Molero Campos, docente y crítico de cine, demuestra que, acompañados del poder hipnótico de las imágenes en movimiento, habremos enriquecido nuestra tarea y contribuido a que nuestro alumnado ame un poco más todo lo relacionado con la educación y, de paso, también las películas como modo de expresión, saber y entretenimiento.
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Más de 200 secretos del mágico mundo de Studio Ghibli.Ghiblipedia se adentra en el fascinante universo del estudio de animación más influyente del mundo a través de más de 200 entradas breves repletas de curiosidades, anécdotas y claves creativas. Organizado en siete capítulos temáticos y acompañado por más de 150 imágenes —entre fotografías, ilustraciones y fotogramas—, este libro ofrece un recorrido visual y narrativo imprescindible por la obra de Studio Ghibli.
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Cien son las premisas que encontramos en este libro, y cada una de ellas es una afirmación sobre los poderes o características que tiene el amor, justificada a travésde la cultura. Partiendo de 100 películas y de otras tantas obras literarias de refer
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Cicely Berry nos relata y trasmite las investigaciones que ha realizado en torno a la voz durante los últimos 50 años con actores, directores y dramaturgos. Una generosa labor que ofrece al lector la ocasión de sentirse partícipe de una experiencia única. Pocos libros trazan una reflexión tan compleja como asequible sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo. Sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento. Si algo caracteriza los libros de esta autora no es tanto su carga teórica sino su praxis, los ejercicios que comparte minuciosamente con lectores y alumnos. Quien nos interpela en este libro es la voz obstinadamente joven de una mujer de 80 años que nos habla del juego y de la vida, empecinada además en romper con las convenciones del idioma y batallar así contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral.CICELY BERRY (1926-) ha sido directora vocal de la Royal Shakespeare Company (RSC) y asesora de todas sus producciones teatrales. Estudió Arte Dramático en la Central School of Speech and Drama. Ha trabajado con actores de renombre internacional como Peter Finch, Sean Connery, Ann Bancroft, Richard Chamberlain, Derek Jacobi y Jeremy Irons y directores como Peter Brook, Trevor Nunn, Bernardo Bertolucci, Augusto Boal o Sam Mendes. También está muy involucrada en la educación internacional, ha impartido clases particulares a profesores de enseñanzas medias y políticos, y ha enseñado en prisiones. Es profesora honoraria de la Universidad de Monfort de Leicester y Doctora Honoris Causa por la Academia Nacional de las Artes de Cinematografía y Teatro de Bulgaria y de Literatura por la Universidad de Birmingham de Inglaterra.VICENTE FUENTES es Doctor por la Universidad de Alcalá y Catedrático de la RESAD. En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios teatrales Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La Voz Humana u Objetiva. Completa su formación en Stratford con Cicely Berry. Es asesor de Verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Director del Laboratorio del la CNTC para la formación de jóvenes actores y miembro fundador del Roy Hart International.
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Es Beltenebros, una de las mejores realizaciones, si no la mejor, de Pilar Miró. Conjuga el cine de género (film noir) con el filme político, ambientado en las zonas sombrías del régimen franquista, en el que no salen indemnes ni sus tenores ni sus opositores, y una historia de amor cargada de fuerte erotismo. Partiendo de la novela original de Muñoz Molina, este magnífico trabajo de Antonio Santamarina, deshilvana con gran precisión los ejes que configuran el conjunto de la película, a saber los mecanismos del film noir (atmósfera fantasmagórica, personajes desengañados y desalentados frente a un mundo complejo y opresivo, iluminación en claroscuro, ambientes sórdidos, etc). El estudio, además, nos revela y explica la raigambre borgeana de la película, estructurada en forma de laberinto, con saltos constantes en el tiempo, juegos de espejos y uno de los temas esenciales de Borges, la dualidad, encarnada en la paradoja del traidor que es simultáneamente el héroe. Por último, Santamarina nos ofrece variados comentarios sobre la elaboración del proyecto, incluyendo el reparto del filme, su rodaje y la manera en que el destacado director de fotografía consiguió plasmar los colores en cabal claroscuro, esencial en cualquier noir que se precie. En suma, un libro que nos permite entender una compleja película, en el que el autor, gran conocedor del género, coteja la realidad histórica con la ficción, en provecho de ésta.
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Este libro revela la experiencia del dramaturgo Calonge con su compañía La Zaranda. En el teatro las palabras no se detienen, las frases más que en el papel quedan en la tensión del aire. El autor quiere ir másallá de los diálogos dramáticos de sus actores/personajes, para encontrarlos sin el refugio actoral, arrumbados en la memoria y, a modo de responso prosaico, despedirlos.
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Un viaje cinematográfico a la Antigüedad El péplum —ese cine de túnicas y sandalias, poblado de héroes bíblicos, emperadores romanos, dioses griegos y reinas egipcias— sigue vivo en la memoria de generaciones de espectadores. Aunque ya no domine las carteleras, continúa fascinando por su mezcla de espectáculo, épica y plasticidad visual. En Historia informal del cine bíblico y grecorromano , Carlos Ezquerra recorre con mirada curiosa y sin solemnidad un género que fue capaz de llenar cines de barrio y seducir a críticos de prestigio. Desde Los diez mandamientos de DeMille hasta Gladiator , pasando por joyas olvidadas, fracasos colosales y rarezas por redescubrir, el libro ofrece una guía amena para revisitar —o descubrir por primera vez— una filmografía que hizo soñar al público con mundos antiguos y grandiosos. Un repaso temático, lleno de anécdotas y contexto, que reivindica las virtudes de un cine tan popular como influyente, y que invita a volver a mirar a Homero, Moisés, Cleopatra o Espartaco… esta vez desde la pantalla.
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José Luis Garci ha seleccionado sus 19 obras maestras del cine del siglo XXI y ha encargado a varios especialistas de prestigio queden su visión de ellas. Se ha encargado también de la iconografía del libro.
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¿Cómo reflejan los problemas de salud mental las películas y series actuales? ¿Qué narrativas sobre trastornos construyen los videojuegos? ¿Qué imaginario rodea hoy al sufrimiento psíquico? ¿Siguen presentes prejuicios, estigmas y estereotipos histriónicos o irreales? A través del cine, las series y los videojuegos, el trauma, la ansiedad, la depresión, la psicosis, las adicciones, la neurodivergencia aparecen en relatos que influyen en nuestra manera de mirar a quienes conviven con estas realidades. Narrativas de la salud mental en cine, series y videojuegos: entre la ficción y la realidad examina ese territorio con una mirada crítica y accesible, atenta a la fuerza emocional de las obras y a las ideas que transmiten sobre la mente, el diagnóstico, el estigma y la recuperación.Alfonso Freire-Sánchez analiza cómo las pantallas han desplazado muchas de estas experiencias desde la figura del personaje peligroso o marginal hacia protagonistas complejos, vulnerables y contradictorios, sin perder de vista las distorsiones que persisten cuando la ficción dramatiza, simplifica o embellece el malestar. Entre la investigación y la divulgación, este ensayo tiende puentes entre la filosofía, los game studies y la cinematografía para comprender cómo las ficciones acompañan los cambios sociales y participan en la forma en que aprendemos a nombrar, interpretar y compartir aquello que durante demasiado tiempo permaneció invisible.
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Susana es una mediocre influencer que vive alejada de su familia. La muerte de su despreciable padre la obliga a volver a una casa en la que María, su madre, y Ana, su hermana, tienen un plan absurdo para que vuelva a quererlas. Un plan que incluye venganza y croquetas. Un plan que sale mal y que terminará por revelar los secretos de una familia absolutamente disfuncional, así como la verdadera naturaleza de Susana. La belleza de matar bien a papá nació mezclando a Thomas de Quincey y Martin McDonagh y al ir escribiendo fueron apareciendo Poe y Almodóvar. Comedia, absurdo y traumas familiares. Ojalá consiga arrancar varias carcajadas, unas cuantas sonrisas y una conclusión: que toda familia tiene su fantasma.
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Billy Wilder ocupa un lugar de honor en el imaginario y la educación sentimental de los aficionados al cine de todo el mundo. Su talento y fantástica versatilidad le permitieron espantar cualquier etiqueta y aportar obras clave en géneros muy diversos: el cine negro (Perdición), la comedia (Con faldas y a lo loco), el drama (El crepúsculo de los dioses), el cine bélico (Berlín Occidente), el romántico (Sabrina), el de intriga (La vida privada de Sherlock Holmes), el de juicios (Testigo de cargo), el de periodistas (Primera plana) o esa clase de películas que carecen de género porque son como la vida (El apartamento).
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Sortilegio. La palabra fusionada con la acción es unsortilegio. Revivir a Stanislavsky y a Shakespeare para atacar las tradiciones de la palabra es un sortilegio. Este libro trata de la palabra no dicha y del cuerpo que se atreve a decirla. Este libro trata de losespacios en blanco entre las palabras y no de los significados que tienen en una mesa de análisis. Este libro trata de que un actor y un director comprendan que para entender, primero hay que hacer. No entenderpara poder hacer. Este libro trata del tamaño de lamesa de análisis del texto. Su medida es la del lugardonde se ensaya. Por un extraño sortilegio de tiempos y formas, Stanislavsky y Shakespeare coinciden conel autor. Han vuelto a descubrir el valor del conocimiento cuando lo aporta el actor y no queda enclaustrada entre la prisión de un lenguaje que debe atreversea dar un paso al costado. El libro de la técnica interpretativa que evita que un actor diga: Eso nunca loharía mi personaje. El libro de la técnica interpretativa que comprende la tarea de imaginar como un desafío del cual se ocupa el cuerpo. La Astucia del Cuerpo. Dejemos que hable.
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El cuerpo sonoro estudia el baile flamenco contemporáneo a partir del concepto que le da título: la capacidad del cuerpo danzante de producir sonido de manera autónoma, funcionando simultáneamente como instrumento musical y espacio de resonancia. Corinne Frayssinet Savy centra su investigación en tres bailaores y coreógrafos —Israel Galván, Rocío Molina y Andrés Marín— a quienes sigue mediante entrevistas y observación a lo largo de más de una década. La autora construye una genealogía del concepto que arranca en el etnomusicólogo André Schaeffner y en los experimentos escénicos de Vicente Escudero en los años veinte y treinta del siglo XX, mostrando que las propuestas actuales se inscriben en una historia larga del flamenco en diálogo con las vanguardias europeas. El marco teórico articula fenomenología, organología, musicología y teoría de la danza, y emplea las nociones de corporalidad y corporeidad para dar cuenta de las dimensiones biológica y existencial del cuerpo en movimiento. Cada uno de los tres bailaores recibe un tratamiento específico: en Galván se analizan las percusiones corporales y la deconstrucción del compás, en Molina, la improvisación y la escucha autoafectiva, en Marín, la poética del dúo y las texturas sonoras. El libro concluye con un examen del «baile sonoro» —suelo, objetos, calzado, pie descalzo— y propone, mediante la noción de heterotopía, el espacio sonoro como un lugar alternativo dentro de las artes escénicas contemporáneas.
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Esta es la historia del «otro cine», el de los márgenes que apasiona a las minorías cinéfilas, el de los actores y realizadores malditos, que Javier Memba ordenada cronológicamente troduciéndonos en sus vidas y obras. Una crónica del lado oscuro del cine.Hay un cine al margen de Hollywood y sus preciadas estatuillas, ajeno a la cartelera al uso y, en general, al canon de su tiempo. Sin embargo, sumarginalidad es toda una cantera de «películas de medianoche», cintas de culto para minorías cinéfilas más o menos amplias. En Malditos, heterodoxos y alucinados, JavierMemba ordena algunos de sus realizadores y de sus intérpretes cronológicamente, desde los albores del medio, cuando la que estaba llamada a ser la manifestación cultural más importante del siglo XX recién nacía, hasta el cine surgido en torno a la sedición juvenil, que el rock trajo a las sociedades occidentales mediada la centuria pasada. Y alcanzando el malditismo de las últimas décadas del siglo pasado.Lo que aguardaba a Judy Garland al final del camino de baldosas amarillas, el carnaval de las tinieblas del que surgieron las fisonomías bizarras de Tod Browning, los electroshocks que apaciguaron los delirios de Frances Farmer o Gene Tierney o la estupefacción bajo la que Dennis Hopper concibió sus mejores películas. Estos, y otros más, son algunos de los hechos desarrollados en estas amenas e instructivas páginas. En ellas se reúne una selección de los artículos que Javier Memba viene publicando en Zenda Libros. Una colección de piezas que unidas componen una crónica sin igual del lado oscuro del cine. La otra Historia.
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H. P. Lovecraft nos ofrece en este ensayo uno de los análisis más contundentes y abarcadores que se hayan escrito nunca sobre la literatura de terror, lo siniestro, el miedo, sus mitos, su evolución y sus creadores.Un estudio concienzudo y erudito en el que el gran genio de lo protervo teje una oscura tela de araña con la que, didáctica y amenamente, transita los atroces senderos del espanto literario, desde los primeros pasos en los que lo sobrenatural cobra forma, pasando por el inigualable Poe, y concluyendo con sus más terroríficos contemporáneos.El maestro del miedo cósmico consuma un difícil ejercicio de síntesis y reúne en estas páginas siglos de la tradición oscura. Un libro que nos conduce a través de lóbregas e intrincadas galerías desde el miedo gótico y sus abigarrados ambientes hasta las extensiones sin nombre del más puro horror sobrenatural.
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Un impresionante libro sobre la concepción y diseño del mundo de la Tierra Media en El Señor de los Anillos: La guerra de los RohirrimEscrito y recopilado por Daniel Falconer, artista conceptual en Weta Workshop, el estudio galardonado por la Academia de Cine de EEUU, este libro indispensable registra los impresionantes concepción y diseño del mundo de la Tierra Media en El Señor de los Anillos: La guerra de los Rohirrim de Kenji Kamiyama. Con más de 1.000 bocetos, dibujos, estudios de personaje y diseños de paisaje nunca antes vistos, este hermoso volumen a todo color traza el viaje de las ideas, desde los conceptos iniciales y a través de los diseños bellamente terminados hasta las escenas de la propia película. A este abundante arte se suman los comentarios fascinantes y esclarecedores de los artistas y los realizadores, incluyendo al director Kenji Kamiyama, la productora Philippa Boyens y los escritores y productores, y todos ellos revelan la historia completa sobre la película. Dotado de un sinfín de hechos fascinantes e imaginería única, El arte de El Señor de los Anillos: La guerra de los Rohirrim es la guía definitiva al interior de esta innovadora aportación a la saga de películas de El Señor de los Anillos.
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Con este libro, los autores, Javier Ramos y Ángel Caldito, nos muestran el importante papel que tuvo Madrid en el desarrollo del subgénero cinematográfico conocido como spaghetti-western. Asociado generalmente aAlmería, poca gente sabe que más de 200 westerns se rodaron, total o parcialmente, en la Comunidad de Madrid. De hecho, Madrid puede considerarse el lugar donde se desató el boom de este popular género cinematográfico gracias al rodaje, en Hoyo de Manzanares, del filme Por un puñado de dólares (Sergio Leone, 1964). La Pedriza, Colmenar Viejo, Hoyo de Manzanares, Ciempozuelos, Titulcia, Algete... fueron escenarios habituales por donde cabalgaron vaqueros, indios, soldados obandidos mexicanos. En Madrid, existieron tres grandes poblados del Oeste, varios poblados temporales, cuatro fuertes y decenas de ranchos y cabañas. Hoy en día, apenas quedan restos de estos lugares y casi nadie se acuerda de que existieron. El objetivo del libroes recordar estos lugares y que los aficionados al género puedan visitarlos. También se rinde un pequeñohomenaje a todos los madrileños, artistas, técnicos yempresas cuyos nombres aparecen en los títulos de crédito de muchos spaghetti-western. El libro incluye cerca de 400 fotografías a color y un prólogo de JoséLuis Galicia, decorador cinematográfico y uno de losconstructores del poblado del Oeste de Hoyo de Manzanares.
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Los textos que aquí se reúnen e intervienen (se recortan, encabalgan y montan, se ponen en perspectiva como ocurre con la materia fílmica) son los de un cinéfilo madrileño a principios del siglo XXI, una coyuntura de importantes transformaciones en la creación, distribución y exhibición del cine que, sin embargo, convive con los irrenunciables de esa actividad apasionada: ir a ver películas y discutirlas con los amigos, sentir la necesidad de escribir en un arrebato sobre aquello que no nos podemos quitar de la cabeza, canalizar, en definitiva, un entusiasmo que se quiere contagioso desde el momento en que el cine se asume en diálogo íntimo con el resto de las artes y en estrecha relación con la vida. Que ese cinéfilo sea Jonás Trueba le otorga a estas prosas elocuentes y cercanas, ajenas a la profesión crítica o teórica, un suplemento de interés, como si los generosos retazos de su escritura pudieran leerse también como una suerte de novela de formación en la que el futuro autor de La virgen de agosto o Volveréis compusiera y proyectara un inconsciente autorretrato creativo, al traducir en palabras su inclinación fervorosa por cineastas como François Truffaut, Éric Rohmer, Abbas Kiarostami, Woody Allen o el «viejo tocayo» Jonas Mekas. Maestros en los que el joven espectador no sólo aprende a admirar modelos estéticos y éticos, sino también encuentra la invitación a proponer mundos y a querer habitarlos, a filmar la vida y aprender a vivirla. «No tengo miedo de olvidar. Para Azcona lo que se olvidaba no era importante, aunque no sé si es cierto del todo. Por eso, aunque apunto menos que antes, sigo apuntando. Yasujiro Ozu solo apuntaba el número de botellas de sake que tomaba cada día. He leído en algún sitio que Churchill decía que el éxito consiste en ir de error en error sin perder el entusiasmo. Deseo no perder el entusiasmo. Deseo que el deseo siga trabajando, como el viento, que sigue soplando donde quiere».
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«¿Tú sabes qué hacer con la Pausa?», pregunta Pedro P. (Will More), pero ¿qué es la Pausa? ¿En qué consiste estar «colgado en plena pausa, arrebatado»? El film Arrebato (1980), la obra maestra de Iván Zulueta, nos interroga en lo más íntimo, lo que nos detiene frente a las imágenes, nos suspende, nos sustrae de toda conciencia para dejarnos «en plena fuga». Una película con teoría propia que más de 45 años después de su rodaje sigue revelando algo de nuestra propia relación con el cine, con la infancia, con nuestras tentaciones y debilidades autodestructivas, y todo mediante un enigmático e irreductible elemento central nacido de los abismos de Zulueta: el arrebato.Pero ¿hasta dónde alcanza la potencia intelectual y cinematográfica del fenómeno? ¿Qué se juega en esa Pausa que alcanza el mecanismo más intenso y adictivo del cine? ¿Qué es lo que contiene y opera latente bajo sus imágenes que ha hecho de Arrebato un film de culto? En definitiva, ¿qué secreto viaje propone Zulueta del que no podemos, ni siquiera él, volver indemnes?De Arrebato a Zulueta reúne los textos de experimentados analistas y escritores de cine, pensadores de distintas áreas y disciplinas, profesionales del cine y de la psicología, para desplegar, inteligibilizar y desentrañar, o todo lo contrario, los núcleos resistentes de este film inolvidable en cuyos hallazgos se cifra la experiencia más deseada de la auténtica cinefilia.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.
