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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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Cicely Berry nos relata y trasmite las investigaciones que ha realizado en torno a la voz durante los últimos 50 años con actores, directores y dramaturgos. Una generosa labor que ofrece al lector la ocasión de sentirse partícipe de una experiencia única. Pocos libros trazan una reflexión tan compleja como asequible sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo. Sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento. Si algo caracteriza los libros de esta autora no es tanto su carga teórica sino su praxis, los ejercicios que comparte minuciosamente con lectores y alumnos. Quien nos interpela en este libro es la voz obstinadamente joven de una mujer de 80 años que nos habla del juego y de la vida, empecinada además en romper con las convenciones del idioma y batallar así contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral.CICELY BERRY (1926-) ha sido directora vocal de la Royal Shakespeare Company (RSC) y asesora de todas sus producciones teatrales. Estudió Arte Dramático en la Central School of Speech and Drama. Ha trabajado con actores de renombre internacional como Peter Finch, Sean Connery, Ann Bancroft, Richard Chamberlain, Derek Jacobi y Jeremy Irons y directores como Peter Brook, Trevor Nunn, Bernardo Bertolucci, Augusto Boal o Sam Mendes. También está muy involucrada en la educación internacional, ha impartido clases particulares a profesores de enseñanzas medias y políticos, y ha enseñado en prisiones. Es profesora honoraria de la Universidad de Monfort de Leicester y Doctora Honoris Causa por la Academia Nacional de las Artes de Cinematografía y Teatro de Bulgaria y de Literatura por la Universidad de Birmingham de Inglaterra.VICENTE FUENTES es Doctor por la Universidad de Alcalá y Catedrático de la RESAD. En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios teatrales Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La Voz Humana u Objetiva. Completa su formación en Stratford con Cicely Berry. Es asesor de Verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Director del Laboratorio del la CNTC para la formación de jóvenes actores y miembro fundador del Roy Hart International.
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Susana es una mediocre influencer que vive alejada de su familia. La muerte de su despreciable padre la obliga a volver a una casa en la que María, su madre, y Ana, su hermana, tienen un plan absurdo para que vuelva a quererlas. Un plan que incluye venganza y croquetas. Un plan que sale mal y que terminará por revelar los secretos de una familia absolutamente disfuncional, así como la verdadera naturaleza de Susana. La belleza de matar bien a papá nació mezclando a Thomas de Quincey y Martin McDonagh y al ir escribiendo fueron apareciendo Poe y Almodóvar. Comedia, absurdo y traumas familiares. Ojalá consiga arrancar varias carcajadas, unas cuantas sonrisas y una conclusión: que toda familia tiene su fantasma.
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Olvídate de pasar horas interminables intentando dar con la película que necesitas: esta recopilación de grandes films te ayudará a encontrar la más adecuada según tu estado de ánimo. En la vida te pueden pasar muchas cosas. A veces, no hace falta ni una semana ni un mes. En solo 24 horas, tu vida puede dar un vuelco: un mensaje inesperado, una despedida que no veías venir, una buena noticia que te cambia el ánimo, una resaca existencial (o de las otras). En resumen: la vida es una montaña rusa de emociones. Este libro es una guía para esas ocasiones. Una recopilación de películas pensada para acompañarte justo cuando más lo necesitas. No importa si estás enamorado y sientes mariposas en el estómago, o si tienes ganas de matar al inútil de tu jefe, o si la vida simplemente te pesa y necesitas reír, echarte una lloradita o sencillamente sentirte comprendido. Porque la vida está llena de momentos, algunos buenos y otros no tanto. Pero hay una cosa segura: siempre vas a tener una peli que te acompañe en el camino.
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Una bella, emotiva y comprometida reivindicación de la oscuridad como un espacio de libertad, resistencia, conocimiento y transgresión. En nuestra cultura, tendemos a relacionar la oscuridad con el mal, el miedo, la ignorancia y la barbarie, pero en ocasiones puede ser un refugio acogedor. Sucede con las salas de cine, santuarios en los que se forjan mitos, deseos e ideales, templos del placer en cuya noche artificial podemos liberar nuestras emociones reprimidas y buscar respuestas que rara vez encontramos en la luz del día. En nuestro presente de pantallas múltiples, este libro reivindica - sin nostalgia ni resignación- los cines en los que los espectadores comparten esperanzas y angustias, sueños y pesadillas. La oscuridad de estas salas es iluminadora.
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En el 50 aniversario del film Barry Lyndon, de Stanley Kubrick , el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, el original literario, el estilo formal, la banda sonora... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Versión original Notorius
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Para la autora de este libro, un cineasta es un cazador de mariposas que intenta dar con la mariposa justa, justo la que estaba buscando, la que le intrigó, le robó el corazón, le hizo sentir… Es esa imagen que encuentra toda su belleza, como la mariposa, en el vuelo, siendo volátil, inatrapable, inexplicable, un misterio imposible de fijar.En busca de esa ‘imagen - mariposa’, la autora nos dice que escribir cine es trabajar en tres capas que se pertenecen y dialogan entre sí: la de lo concreto (la superficie que vemos, la tierra que pisamos, la materia con la que trabajamos), la de lo general (no siempre se ve, pero sabemos que está) y la de lo universal (al fondo, en la profundidad, sosteniéndolo todo).De estas tres capas nacen la escritura creativa (la que alumbra la obra) y la escritura social (la que nos permite comunicarla y hacernos entender ). Este libro se adentra en sus secretos y recovecos para arrojar luz sobre ambos procesos y proponer vías provechosas que nos ayudan a recorrerlos.
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«Tot procedeix d’algun lloc, tot i que aquest no és sinònim o promesa de cap origen ni de cap segell d’autenticitat.»Com a ballarina, coreògrafa i antropòloga del cos, Núria Guiu ha encetat un nou paradigma en la creació coreogràfica local. La seva obra, fruit de la recerca-creació des del camp de l’antropologia, posa el focus en el moviment, la imatge, el poder i la performativitat en un context de món globalitzat, impactat per les xarxes socials i la digitalització de la vida.''POV'' és una rica, profunda i sòlida exposició dels fonaments conceptuals, reflexions, experiències, metodologies i processos de treball d’aquesta creadora de referència, que va rebre el Premi Nacional de Cultura el 2022 en la modalitat de Dansa. Escrit íntegrament en primera persona en un llenguatge directe i punyent, el text ens permet copsar el món interior i els referents conceptuals i crítics que articulen el discurs artístic d’aquesta creadora
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El «detrás de las cámaras» del fenómeno de televisión mundial de HBO, Juego de Tronos. Este guion gráfico oficial de William Simpson comparte con los fans el brillante trabajo que hay detrás del montaje de cada episodio de esta galardonada serie. Uncompendio definitivo que presenta, con un aspecto único, las escenas fundamentales y el arte conceptual de uno de los proyectos de televisión visualmente másdinámicos, que cuenta con un rico desarrollo y un arte único. Esta cuidada edición de coleccionista se presenta en un estuche de lujo. Juego de Tronos es la serie más vista del momento. Una superproducción de HBO que cuenta con millones de espectadores y seguidores en todo el mundo. . Esteguion gráfico oficial incluye los bocetos originalesque se han utilizado para la serie. . Este libro es perfecto para una serie que destaca por su dinamismo visual y por la calidad estética de su imagen. . Juego de Tronos ha estrenado su última temporada con un récord de audiencia de 17,4 millones de espectadores.
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Jean-Luc Godard (1930-2022) consagró toda su vida al cine. Primero como espectador y crítico, y después como cineasta, su legado es una de las cumbres del siglo xx. Además de su extensa y heteróclita obra -entre sus más de doscientas películas se encuentran algunos hitos de la historia de las imágenes en movimiento como ''Al final de la escapada'', ''Pierrot el loco'', ''Yo te saludo, María'', ''Histoire(s) du cinéma'' o ''Film Socialisme''-, fue uno de los cineastas que más y mejor ha pensado el cine, faceta que él mismo consideraba tan importante como la propiamente cinematográfica. ''Jean-Luc Godard. Pensar entre imágenes'' recoge, por primera vez, las ideas que el realizador elaboró y reelaboró a lo largo de multitud de entrevistas, conferencias, conversaciones y presentaciones, y lo hace exclusivamente a través de las palabras de Godard, que, tras un proceso de selección y montaje a cargo de Núria Aidelman y Gonzalo de Lucas, conforman una constelación de pasajes en orden cronológico en los que el pensamiento en permanente proceso de elaboración del director se presenta al desnudo y en toda su riqueza, complejidad y extensión. La memoria personal, la nouvelle vague, la dirección de actores, la cámara, el montaje, el papel de la crítica, la función e idiosincrasia del cine, la ficción y el documental, entre otros muchos temas, son aspectos que se van entretejiendo en este volumen imprescindible que es tanto unas memorias, como un ensayo y un libro de estética.
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Permanencia de lo efímero es una obra colectiva que viene a rellenar un vacío en nuestra literatura sobre cine y audiovisual: el que hace décadas llevan rellenando teóricos y creadores alrededor de internet, de los materiales que se generan, comparten y consumen en el mundo virtual y las películas que se crean a partir de ellos. En paralelo y como complemento al Foco que ha comisariado Miquel Martí Freixas para el Festival Internacional de Cine Documental de Navarra, Punto de Vista, este libro prolonga las inquietudes de estas nuevas voces, reflexionando sobre cómo el cine se ha ido reapropiando de la explosión de contenidos subidos a la red y cuáles son algunas de las nuevas posibilidades estéticas y narrativas que se han abierto en este ámbito. Así, en el océano inagotable pero frágil de las nuevas imágenes, en el pozo sin fondo de webs, redes sociales, aplicaciones o canales heterogéneos como Youtube, cada cineasta encuentra un lugar de enunciación y representación, estético y político, a partir de nuevas estrategias formales: capturas de pantalla de ordenador, descarga directa de vídeos, filmación con una cámara digital o analógica de la propia pantalla del portátil... Artistas y pensadoras como Gala Hernández López, Dominic Gagnon, Dennis Vetter, Claudia Negro, Kevin B. Lee o Inés Calero, entre otras y otros, nos ayudan desde estas páginas a ir desbrozando y considerando este nuevo paradigma cinematográfico.
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Conoce todos los vehículos de Star Wars: el despertar de la Fuerza con un grado de detalle sin precedentes. Star Wars. El despertad de la fuerza: Naves y vehículos en detalle presenta doce espectaculares ilustraciones que dan vida al nuevo armamento, a los vehículos y a la tecnología, con textos que explican las particularidades de todos los artefactos novedosos hasta el más mínimo detalle. © & TM 2015 LUCASFILM LTD.
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En el 50 aniversario del film La matanza de Texas, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: Los hechos reales, la novela original. los actores y sus personajes, el rodaje... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Este libro estudia la trayectoria de Dido Pequeño Teatro, compañía no profesional activa entre 1954 y 1965 en la España franquista. Por primera vez, se reconstruye de forma completa y cronológica el conjunto de sus funciones, lo que permite determinar con precisión su repertorio. A partir del análisis de los expedientes de censura conservados en el Archivo General de la Administración, se examinan su relación con el aparato censor y las condiciones en que desarrolló su actividad. El estudio aborda también la recepción crítica de sus montajes, con especial atención al Teatro del Absurdo y a la evolución de su acogida. Se demuestra que Dido fue una de las compañías no profesionales más prolíficas y duraderas de los años cincuenta y sesenta, con un repertorio mayoritariamente extranjero --europeo y estadounidense-sin descuidar a los autores españoles, de los que impulsó estrenos relevantes. La obra contribuye así al conocimiento del teatro alternativo y del papel de los grupos no profesionales en el siglo XX español.
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Del boceto de un ratón llamado Mickey Mouse al imperio global del streaming, Walt Disney se ha convertido en uno de los actores clave de la transformación del cine en el siglo XXI.Este libro analiza cómo The Walt Disney Company ha reformulado sus estrategias de distribución y explotación cinematográfica tras la irrupción de las plataformas de streaming y el impacto de la pandemia de la Covid-19. A través de un estudio de caso riguroso y actualizado, la obra examina cómo el entorno digital ha alterado el modelo clásico de las majors de Hollywood, situando a Disney+ en el centro de un nuevo ecosistema mediático donde conviven salas de cine, plataformas digitales y franquicias globales.Basado en una triangulación metodológica que combina análisis cuantitativos, enfoques cualitativos y una exhaustiva revisión documental, el libro explora la evolución de las ventanas de exhibición, las nuevas fórmulas de estreno y la redefinición del éxito cinematográfico en un mercado marcado por la fragmentación de audiencias y la competencia por la atención. En especial, se examina cómo Disney ha adaptado su modelo de negocio para equilibrar su presencia en las salas de cine con la expansión de sus plataformas Disney+ y Hulu.Más allá del análisis empresarial, esta obra ofrece una mirada crítica sobre los retos éticos, económicos y culturales que plantea el nuevo modelo audiovisual: la concentración de poder, la opacidad de los datos, el futuro de las salas y la tensión entre innovación tecnológica y valor cultural. Un estudio imprescindible para comprender cómo el cine ha entrado en la era del cine de la convergencia, donde lo digital y lo cinematográfico ya no se excluyen, sino que se redefinen mutuamente.
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Apasionante recorrido por lo más destacable del cine español: desde las primeras joyas del cine mudo hasta las películas más recientes de Amenábar o Almodóvar, rodadas con los últimos avances tecnológicos.
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«Todo procede de algún lugar, aunque este no sea sinónimo o promesa de ningún origen ni de ningún sello de autenticidad.» Como bailarina, coreógrafa y antropóloga del cuerpo, Núria Guiu ha iniciado un nuevo paradigma en la creación coreográfica local. Su obra, fruto de la investigación-creación desde el campo de la antropología, pone el foco en el movimiento, la imagen, el poder y la performatividad en un contexto de mundo globalizado, impactado por las redes sociales y la digitalización de la vida. ''POV'' es una rica, profunda y sólida exposición de los fundamentos conceptuales, reflexiones, experiencias, metodologías y procesos de trabajo de esta creadora de referencia, que recibió el Premio Nacional de Cultura en 2022 en la modalidad de Danza. Escrito íntegramente en primera persona en un lenguaje directo y desgarrador, el texto nos permite captar el mundo interior y los referentes conceptuales y críticos que articulan el discurso artístico de esta creadora.
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Este libro recoge alrededor de doscientos textos y artículos por el historiador del cine Diego Moldes publicados en el primer cuarto del siglo XXI, desde el año 2000 hasta la primavera de 2025. Contiene análisis detallados sobre películas de cineastas de los que Moldes es un experto, como Hitchcock, Polanski o Jodorowsky, o que ha estudiado en profundidad, caso de clásicos como Ford, Lang, Orson Welles, Bergman, Fellini o Sam Peckinpah, de directores modernos como Clint Eastwood, Víctor Erice, Woody Allen, Spielberg, Terrence Malick o Scorsese o de películas contemporáneas de nuestro siglo, dirigidas por Christopher Nolan, Denis Villeneuve, Guillermo del Toro o los hermanos Coen. Este magno ensayo puede leerse como una enciclopedia a modo de canon de nuestro tiempo, propuesto por Moldes a los lectores más cinéfilos y a estudiantes de cine y del mundo audiovisual. Una parte significativa del volumen lo dedica a la, siempre compleja, relación entre la literatura y el cine, es decir, las adaptaciones.«Diego Moldes ocupa un lugar específico como ensayista cultural: alguien que mira más allá de las películas para ver sus relaciones con novelas, obras de teatro o crónicas históricas, y para ver el mundo pensado que subyace a las ficciones de la sala oscura. De ahí que en esta antología de escritos muy plurales uno quede sorprendido por la certera mirada que el autor muestra tanto en textos pequeños o coyunturales como en artículos más pensados, a veces esbozos de auténticos ensayos».José Luis Sánchez Noriega, del prólogo.
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Manual de cineEl pequeño manual del guionista es una guía esencial para todo aspirante a escritor de cine. Con un enfoque claro y práctico, Louveau desentraña los secretos del arte de escribir guiones, combinando teoría y ejercicios que permiten aplicar de inmediato lo aprendido. El libro acompaña al lector en cada etapa del proceso creativo: desde la construcción de personajes profundos y complejos que impulsan la trama, hasta la organización de la historia mediante herramientas estructurales que aseguran un flujo coherente y emocionante. Ofrece además técnicas avanzadas para perfeccionar diálogos, crear giros narrativos impactantes y desarrollar historias que conecten con la audiencia. Con un estilo accesible y motivador, este manual invita a comprender que la escritura es un arte que se perfecciona con la práctica y la perseverancia.Una obra indispensable para quienes desean transformar sus ideas en guiones sólidos y emocionalmente resonantes, un compañero confiable en el camino hacia la creación cinematográfica.
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Els fonaments de la interpretació va dirigit a les persones que volen iniciar-se en la interpretació actoral, sigui en escoles o per lliure, i a professors de la matèria. El mètode d’interpretació que es descriu en aquest llibre i la seva didàctica van ser desenvolupats i sintetitzats a l’Escola Superior d’Art Dramàtic Ernst Busch de Berlín a partir dels conceptes de Bertholt Brecht, Konstantín Stanislavski i Keith Johnstone.El llibre aporta un bon nombre d’exercicis pràctics de gran eficàcia, ja que, al llarg de dècades d’ensenyament, s’han anat depurant, consolidant i adaptant a les necessitats dels estudiants actuals.«Tenim la convicció que la intuïció creativa de la interpretació només es pot desenvolupar sobre la base del coneixement, és a dir, si hi ha l’estructura. […] Aquest llibre ofereix una descripció i un catàleg d’exercicis que intenten aportar claredat i estructura al treball dels fonaments.»
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De la introducción: «Aunque siempre lo seguí muy de cerca, jamás llegué a imaginar que el Certamen de Teatro “Dramaturgo José Moreno Arenas” pudiera proporcionarme tantas satisfacciones como lo ha hecho. Lo he repetido una y otra vez, y hasta la saciedad: desde fuera se veía distinto, no sé, quizás fuese por la ausencia de responsabilidades directas. Me lo he preguntado de continuo. Pero una vez dentro –hace ya cuatro años–, la complicidad me ha llevado tan lejos que hoy veo el teatro como algo muy cercano. Lo recuerdo, en sus orígenes, vagamente, como algo distante, como una actividad cultural más de tantas como se celebraban en el Centro Sociocultural Fernando de los Ríos. De hecho, era una actividad más. Pero no nos engañemos: ¡Qué actividad! ¡Una actividad que ha disparado el “Albolote Cultural” hasta cotas impensables!: ¡Albolote, marca teatral en Andalucía, en España, en América! ¡Albolote, por fin, marca teatral en el mundo!».
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El intento de este libro es el historiar la comedia española del siglo XVII. El punto de arranque es estrictamente la comedia de Lope, que continúa con el desarrolo posterior de la fórmula lopiana, hasta su agotamiento con la muerte de Calderón, y la obra de algunos siginificados dramaturgos posclderonianos en los últimos años del siglo XVII.
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Afirmaba Leonardo da Vinci: «Ninguna materia puede ser inteligible sin luz y sombra / Sombra y luz proceden de la luz». La luz no nace de las reglas sino que estas derivan de la luz. Cada tiempo tiene luz e intensidades: es imagen teatral. La imagen es evolutiva en su composición, parte de metáforas agregadas a la palabra y a la acción. Es luminotecnia. Reivindicar el uso de la luminoplastia, en la figura de Rafael Martínez Romarate (1886-1954), es la base de este libro. Innovador del claroscuro y de la composición de espacios, de la sombra proyectada y/o sombra difusa, Romarate incorporó el haz asimétrico transformando la imagen plástica. Resultado: una escenificación distinta y un nuevo lenguaje lumínico. La luz y su dramaturgia. Este es un libro que describe su obra, sus diseños de iluminación, qué fuentes utilizó (pictóricas, literarias, fotográficas, cinematográficas) y qué técnica incorporó al teatro de posguerra. Un relato fascinante de creación.
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En este ensayo sorprendente, Fabrice Hadjadj mira a Tom Cruise más allá del cine. El héroe de Misión: imposible siempre está corriendo. Pero ¿qué busca? ¿De qué huye? Cruise encarna nuestra búsqueda de vocación en un mundo que solo ofrece papeles y funciones. Cuando un actor se convierte en símbolo de una generación, inevitablemente refleja algo de su época. Por eso, al hablar de Tom, hablamos también de toda la humanidad. En la saga de Misión: imposible se repite una escena clave: el protagonista recibe un mensaje, acepta el riesgo y actúa antes de que sea demasiado tarde. Hadjadj propone leer este motivo como una metáfora de nuestra propia existencia. Tal vez nosotros también fuimos enviados. Tal vez nuestra vida también tiene un propósito. La verdadera pregunta es si aún estamos dispuestos a escuchar la llamada, que se autodestruye rápido, y si quien nos envió realmente existe, y si es benévolo o malévolo. Entre filosofía, teología y cultura popular, este libro nos invita a despertar y a recordar una idea que creíamos perdida: vivir puede ser todavía una aventura y ninguna misión es tan imposible como parece.
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Formas, tipos y estilos son los conceptos más habituales a la hora de estudiar la historia de la arquitectura, pero esta también puede abordarse desde la energía, el clima, los recursos materiales y la experiencia corporal. Tal es el propósito de esta '' Historiamedioambiental de la arquitectura '' (la primera ensu género), que presenta edificios, ciudades y territorios a través de su relación con los cuatro elementos de la tradición clásica: el fuego, la tierra, el agua y el aire. Por sus páginas desfilan tanto ejemplos populares (la casa en torno al fuego, los palafitostropicales, los hórreos o la casa patio) como modelos cultos (la '' domus '' romana, el monasterio cisterciense o el palacio islámico), acompañados por la historia, paralela pero no menos importante, de las técnicas (chimenea, calefacción centralizada, aire acondicionado), las infraestructuras (acueductos, canales, cloacas) y las ideologías (higienismo, helioterapia, naturopatía) que han moldeado nuestras ciudades y nuestra idea del confort y la salud. El resultado es un relato apasionante donde arquitectura, ciencia, filosofía, medicina y antropología se entreveran de unamanera inédita y fructífera.
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«En la incertidumbre, y hasta en el pánico, el arte es lo único que tiene la función de reflejar lo que está pasando para aclarárnoslo y, si es posible, ayudarnos a salir adelante.» En 2020, recluida en un estudio en Londres en plena pandemia de covid, Anne Bogart quiso partir de las terribles circunstancias del momento -confinamiento, distancia social, dependencia de los medios digitales- para reflexionar sobre nuestra época y el papel en ella de las artes escénicas. El resultado es este libro en el que defiende la idea de resonancia, el fenómeno -no solo artístico- de crear relación y comunicación y de encontrar una respuesta que no sea simple reacción -a menudo un impulso defensivo y hostil- sino una fusión de lógica y emoción que nos permita elegir. Barajando conceptos, además de la teoría teatral, de la psicología, la neurociencia, la música y la filosofía tanto clásica como oriental, ahonda en el sentido de la presencia, de la receptividad, de la paradoja, del entusiasmo y de la contención. El arte de la resonancia incluye asimismo ilustrativos elementos autobiográficos, desde sus tiempos de estudiante y los comienzos de su carrera «por la puerta de atrás» hasta sus experiencias en la sala de ensayos y con otros directores de teatro, además de retazos de su vida personal y hasta de las enseñanzas de cuarenta años de práctica del taichí. Su propuesta no solo está orientada al mundo del arte y del teatro sino que tiene una amplia dimensión social, en su búsqueda de una conciencia activa de civismo y comunidad. En colaboración con el Teatro de la Abadía
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Tienes en tus manos una guía de viajes única e intransferible, porque en cuanto la leas y te apuntes a cualquiera de los itinerarios que proponemos, la experiencia que vivirás será diferente a la de cualquier otro lector y ya no volverás a ser el mismo. Te proponemos conocer 80 países a través de la serie que mejor los refleja. Podrás conocer: la casi inaccesible Coreadel Norte a la que accederás solo con carnet de seriéfilo alistándote en sus servicios militares, los másherméticos del mundo, una perspectiva única del «paraíso del ISIS» desde los Emiratos Arabes de la que poco se habla, o los Estados Unidos siendo un prófugo chileno convertido en hincha de rugby de los Panthers.Si quieres vivir las experiencias de viaje más insólitas desde tu propia casa, esta es la guía que necesitas.
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Por primera vez, se publica en bilingüe un libro que ahonda en la obra de Frans van de Staak, un «cineasta de cineastas», un eslabón perdido en la historia del cine.En el cruce entre el cine narrativo, la poesía experimental, el teatro de vanguardia, las artes plásticas, la música de improvisación y la losofía del lenguaje, Frans van de Staak (Ámsterdam, 19432001) ocupa un lugar único en la historia del cine.Desde los textos de Baruch Spinoza, Hubert Poot y Wallace Stevens a las frases hechas del lenguaje ordinario, las películas de van de Staak aíslan y reinterpretan la sensualidad de los signos de la vida moderna, de la in exión de una voz a la manera de anudarse los cordones de un zapato. A partir de sus propios escritos, entrevistas y materiales preparatorios de sus proyectos, este libro invita a recorrer el fulgurante conjunto de su filmografía, que testimonia una originalidad radical en su concepción de las posibilidades del cine.
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“El pensar de manera “dramatúrgica” es una forma de conocimiento con los mismos derechos que el pensar filosófico o el político”.En este libro, Dürrenmatt ofrece una serie de reflexiones sobre el arte del teatro. Cuestiona el sentido del teatro argumentando que en nuestra época la única forma posible es la comedia y no la tragedia, a la que ya no tenemos derecho.Tampoco el escenario es un campo de batalla para fines teóricos, ideológicos o didácticos. “Describo seres humanos”, nos señala, “no marionetas, una trama no es una alegoría, fabrico un mundo, no una moraleja”. Señala además que el teatro contemporáneo tiene dos caras: por un lado, es un museo, por otro, un laboratorio.Si es verdad, como Dürrenmatt cree, que el mundo en el que vivimos ya no es uno solo, que únicamente se pueden insinuar y poner en escena fragmentos de él, entonces habrá que admitir que ya no existe un estilo, sino diversos estilos, y que el teatro contemporáneo solo puede ser experimentación.El lenguaje de la libertad es el de la ironía, y esto lleva a Dürrenmatt a ensalzar lo burlesco, “una de las grandes posibilidades de la concreción”, y la sátira, “un arte que es preciso esencialmente porque exagera”.“Escribo conociendo lo absurdo de este mundo pero sin desesperar”, dijo refiriéndose a sus comedias satíricas y poco moralistas en las que, a menudo, se mezcla lo cruel con lo grotesco.
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Dirigido tanto a amateurs como a profesionales. El conocimiento se puede adquirir a través de la memorización de conceptos y fórmulas. Sin embargo, la sabiduría es algo más profundo: es poner ese conocimiento en juego y pasarlo por el tapiz de la experiencia. En definitiva, no podemos aprender sin equivocarnos, la escritura de guion es una actividad eminentemente práctica. Los conceptos, si no se fijan en negro sobre blanco, irremediablemente se perderán... “como lágrimas en la lluvia”. La escritura de un guion cinematográfico es un todo orgánico, interdependiente e interrelacionado. Y ese es, inevitablemente, un proceso de aprendizaje. Este manual pretende ser sobre todo didáctico, pero puede servir de guía para autores que busquen nuevos procesos que les ayuden a desatascar la terrible sequía narrativa que nos acecha a todos. Siguiendo sus pasos quizás encuentren estadios de su guion que no conocían y que les sirvan de puente con el trabajo que lleven desarrollado. Los ejercicios que al final de cada capítulo han incluido los autores (extraídos de su experiencia durante años dando clases de escritura de guion) pueden ser muy útiles a formadores que buscan recursos didácticos para complementar la formación que imparten. Por último, este libro está también dirigido a cualquier amante del séptimo arte. Ampliará sus conocimientos sobre el lenguaje cinematográfico, haciendo su experiencia cinéfila más disfrutable. Múltiples anécdotas nos acercarán al lado más humano del proceso cinematográfico. Un libro, pues, destinado a convertirse en referencia ineludible en una materia tan compleja como apasionante.
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El arco iris del deseo glosa las diferentes técnicas que el gran pedagogo teatral brasileño ha desarrollado a lo largo de su dilatada carrera en la que se ha centrado en utilizar el teatro como instrumento de liberación personal que además es capaz de operar cambios profundos en la vida de los individuos.
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En una galaxia marcada por el conflicto ?donde los separatistas buscan dividir la República, los Rebeldes alimentan la esperanzabajo un Imperio opresor y la Resistencia trata de contener la influencia de un ascendente poder militar? son los individuos
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La animación no es solo un arte, es un lenguaje capaz de crear mundos imposibles y transmitir emociones universales. Dirigido a estudiantes, profesionales en formación y aficionados curiosos por descubrir los secretos detrás de la pantalla, este libro ofrece una inmersión profunda en la historia, las técnicas y los procesos que permiten que los dibujos cobren vida en películas, cortometrajes o series. Con años de experiencia en la industria, incluida su trayectoria en los prestigiosos estudios Disney, Ángela Iturriza combina conocimiento y pasión para mostrar cómo la animación ha evolucionado desde sus primeros experimentos hasta las producciones contemporáneas, explorando tanto sus bases clásicas como las innovaciones tecnológicas que han transformado el medio. A lo largo de sus páginas, el lector encontrará explicaciones detalladas, enriquecidas con numerosas ilustraciones y ejemplos, sobre las fases fundamentales de la animación: la preproducción, donde se conciben ideas, guiones y diseños, la producción, en la que los personajes y escenarios se animan cuadro a cuadro, y la postproducción, donde la imagen y el sonido se combinan para crear la obra final. «Manual de cine de animación» es mucho más que una guía: es una invitación a explorar, experimentar y comprender el arte que ha marcado generaciones y que continúa renovándose con cada nueva historia contada. Con claridad, rigor y un enfoque divulgativo, Ángela Iturriza abre la puerta a un universo creativo donde la imaginación y la técnica se encuentran, inspirando a todos los que sueñan con dar vida a sus ideas y dejar una huella imborrable en el cine animado.
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Miguel Ángel encarnado por Charlton Heston, Kirk Douglas con las facciones atormentadas de Van Gogh, José Ferrer como Toulouse-Lautrec... Este libro recoge casi novecientos filmes o series de televisión y más de mil personajes relacionados con la imagen del artista en el medio audiovisual. Aborda el encuentro entre el cine y las artes plásticas desde diferentes ángulos: el artista como creador (desde quienes pintan o esculpen hasta los que falsifican), sus orígenes, a menudo precoces, y la consagración como genio en edad madura o anciana, su compleja personalidad (maldito, rebelde, bohemio, transgresor, marginado, triunfador...), su entorno (la familia, sus modelos, los mecenas), la sociedad (el público y la crítica). Y concluye con una extensa filmografía donde concurren no solo biopics, sino también filmes de ficción que desde la comedia, el drama, la ciencia ficción o el thriller han brindado al espectador una extensa galería de personajes memorables. Hasta la fecha y en castellano, si bien existían trabajos dispersos sobre arquitectos o pintores, no se había publicado una obra que analizase de forma íntegra la figura del artista, abarcando distintas épocas y enfoques (personajes biográficos y personajes de ficción) y todo tipo de creadores (pintores, escultores, dibujantes o arquitectos, incluso copistas y restauradores). José Manuel Estrada aporta así un título de enorme interés para un lector especializado (expertos en arte o en cine) pero también para un público general y masivo.
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Presupuestos exorbitantes imposibles de cumplir, rencillas entre directores y actores, estudios que no cumplen con lo pactado son entre otras, algunas de las causas de que ciertas películas no hayan llegado nunca a la pantalla grande. Quizás encuentren ot
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.
