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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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Partiendo de la idea de que la diferencia existe, pero que la alteridad se construye, la pretensión de este libro es la de ofrecer a formadores y personal docente, a madres, padres y alumnado de los últimos añosde educación secundaria obligatoria, bachillerato y formación profesional básica un manual de apoyo susceptible de ser utilizado en eso que podríamos denominarcomo ''educación en y para la diversidad''. Pocas vías existen tan potentes como las narraciones audiovisuales a la hora de, precisamente, construir y expandir estereotipos y prejuicios sobre aquell@s que no senos parecen. De ahí la necesidad de deconstruir esosrelatos mediante el análisis de 20 películas que ponen en escena cuestiones como la discriminación por razón de raza o nacionalidad, de género u orientación sexual, de origen o religión, de estatus social o edad,de discapacidad física o trastorno mental.
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¡Prepárate para explorar el legendario mundo del vaquero estadounidense! Este libro profundiza en la evolución del vaquero, desde un trabajador ranchero hasta convertirse en una figura folclórica icónica que cautivó a la nación. Recorre la historia del Viejo Oeste, desde los primeros exploradores hasta el surgimiento de los ranchos de Texas y la vibrante economía de las Grandes Llanuras. Conoce a personajes más grandes que la vida, como forajidos, hombres de la ley y vaqueros, y descubre cómo el legado del vaquero perdura en la cultura moderna, influyendo en el cine, el arte, la literatura, la música y la moda en América y el mundo.
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Los tres días del cóndor, ''Todos los hombres del presidente'', ''Network''... Cincuenta años después del estreno de estas películas, el mundo ha cambiado bastante. Y lo ha hecho, en buena medida, tal como estas obras profetizaron. El poder en las sombras, ese que permanece inalterable más allá de mandatarios y directores ejecutivos, es hoy más peligroso que nunca, gracias a convertir en cómplice silencioso a parte de la ciudadanía con su apatía sumisa.En los días de los vídeos generados por IA, el auge de las ultraderechas, las ''fake news'' o el negacionismo científico, este libro viene a rescatar una docena de películas que denunciaron el temor de la población frente a los abusos del poder, la impunidad corporativa y la manipulación mediática. Una frustración generacional que les llevó a gritar aquello de “¡Estoy más que harto y no pienso seguir soportándolo!”.“Uno de los méritos de este excelente libro de Márquez Sánchez es iluminar nuestro presente con un pasado no tan distante. Y, lamentablemente, cabe decir que nuestro presente no queda demasiado bien parado”, Ignacio PeyróJavier Márquez Sánchez (Sevilla, 1978) es periodista y escritor. Ha sido subdirector de las revistas Cambio16, Esquire, Forbes y actualmente de Tapas, y es colaborador habitual de medios como Efe Eme, Historia y Vida, La aventura de la Historia o Cadena SER.
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El libro perfecto para los verdaderos fanáticos de la serie: curiosidades, tests, tips de moda de los protagonistas, los mejores momentos... ¡Y tiene más de dieciocho páginas (por las dos caras)!En 1994 se emitió el primer capítulo de Friends. La serie, equilibrio perfecto entre comicidad y emotividad, conquistó a los telespectadores de inmediato y a lo largo de diez temporadas. No era difícil identificarse con algunas cosas. Todos nos hemos sentido como Ross cuando perdió los papeles porque le robaron un bocadillo en el trabajo, o como Rachel cuando el precario sueldo de camarera apenas le daba para pagar el alquiler. Y, hablando de Ross y Rachel, podemos dividir a todas las personas del mundo en dos grupos según si creen que Ross y Rachel estaban «tomándose un descanso» o no. Con test de personalidad, consejos de moda, tácticas para ligar, curiosidades, los mejores episodios, las frases más graciosas y mucho más, I'll be there for you es un pequeño tesoro para aquellos que echan de menos a sus colegas favoritos, pues leer este libro es como estar en el sofá del Central Perk con Phoebe, Joey, Chandler, Monica, Ross y Rachel.
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Esta publicación reúne por primera vez, con carácter retrospectivo, la producción sobre papel de Jordi Teixidor. Las obras seleccionadas, realizadas entre 1963 y 2022, en su mayoría inéditas y algunas de ellas reunidas en series, son muestra de la evolución de uno de los mayores exponentes de la abstracción en España. Entre ellas se incluyen dibujos académicos tempranos de mediados de los años sesenta y composiciones geométricas de finales de esa década, pinturas monocromas y de bandas de color amarillo, blanco y rosa de los setenta, su producción, más colorida y ligada al gesto, de los años ochenta, y aquella que da cuenta de su progresivo abandono del color y la rotunda presencia del negro como protagonista de su pintura, desarrollada a lo largo de la década de los noventa. Por último, el recorrido gradual visible en estas páginas alcanza la depuración formal en las bandas, dinteles, cruces, cuadrados y rectángulos propios de sus obras recientes. La exposición y este catálogo recogen, además de diverso material documental, una selección de los cuadernos de apuntes y bocetos de Jordi Teixidor, realizados desde 1989 hasta hoy y que constituyen una especie de «taller portátil» que refleja el proceso de trabajo del artista. Con textos de María Toledo Gutiérrez, Manuel Fontán del Junco y Miguel Álvarez-Fernández, Jordi Teixidor. El papel de la pintura es el retrato de un artista que ha explorado la abstracción, con rigor y determinación, desde hace casi seis décadas.
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LA GUÍA OFICIAL DE LA ACLAMADA SERIE DE MGM TELEVISIÓN cuento de la criada, la serie ganadora de ocho Premios Emmy producida por MGM Televisión y basada en la exitosa novela de Margaret Atwood, ha sido alabada por la crítica y bien recibida en todo el mundo. La presente obra detalla de forma exhaustiva el proceso realizado para llevar esta historia a la pantalla, a través de cuarenta y cinco entrevistas exclusivas con actores y miembros del equipo, fotografías del rodaje, arte conceptual, diseños de vestuario, storyboards y mucho más. Adéntrate en el mundo distópico de la serie. Las entrevistas con los actores y creadores de El cuento de la criada aportan una mirada exclusiva a los personajes, lugares y temas de la serie y sus paralelismos con la situación política del mundo real. Gracias a imágenes impactantes y comentarios interesantes, El proceso de creación de El cuento de la criada es la crónica definitiva de la realización de una de las series más reconocidas por la crítica.
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Prepárate para disfrutar de un banquete épico, en un viaje cinematográfico compuesto de doce películas que cambiarán tu relación con la comida para siempre. Un libro para cinéfilos y para personas que desean cuidarse y vivir en plenitud, un texto personal y autobiográfico donde el autor nos comparte sus pasiones en la gran pantalla y todo su conocimiento nutricional. De forma original e innovadora, el autor relaciona cada filme con un tema vinculado a la alimentación consciente y saludable. Además, nos brinda pautas y consejos prácticos para aplicar en nuestra vida diaria y, como toque especial, incluye un menú «de película» inspirado en cada obra, ideal para disfrutar en buena compañía.
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¡UN PRECIOSO Y DETALLADO PASEO PORHOGWARTS, TAL Y COMO SE VE EN LAS PELÍCULASDE HARRY POTTER!Explora las distintas salas del Colegio Hogwarts de Magia y Hechiceríaen este precioso libro con ilustraciones llenas de detalles.Los fans de las películas de Harry Potter se embarcarán enun viaje por sus localizaciones favoritas, desde el despacho deDumbledore hasta la Sala de los Menesteres, entre otros. En susdibujos inmersivos del castillo de Hogwarts y sus alrededoresdescubrirás escenas inolvidables, magos y brujas icónicos, artefactosencantados y mucho más. A lo largo del camino conocerásdatos fascinantes sobre la magia del cine que dio vida en lagran pantalla a Harry Potter.
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Ghibli desde las entrañas. Su historia a través de sus dos míticos protagonistas: Miyazaki y Takahata.Toshio Suzuki se ha dedicado a Studio Ghibli durante unos treinta años, produciendo clásicos animados de renombre mundial. Al principio de su carrera conoció a los dos directores Hayao Miyazaki e Isao Takahata y se ganó su confianza. Trabajando con estos dos directores inimitables, experimentó las alegrías y las tristezas del cine, y hoy continúa guiando al estudio. Basado en una naturaleza inquisitiva innata y los recursos acumulados de treinta años, Suzuki ha contado en este libro la historia no solo de Miyazaki y Takahata, sino también de las otras figuras que trabajan en Studio Ghibli o en conexión con él. Es una historia fascinante, contada con una perspicacia penetrante y un humor conmovedor. En esta segunda edición. Manu Robles, rotulista de cómics, diseñador gráfico y ensayista, nos explica en su prólogo la influencia que ha tenido Ghibli en el mundo del cine.
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El autor insiste en su teoría de que los verdaderos «géneros cinematográficos» no son los clásicos, sino una serie de diez situaciones que se repiten en las mejores películas y en la importancia de la estructura que todo buen guión debe tener. Y lo h
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Pedro Almodóvar ha filmado la mayoría de sus películas en Madrid o, mejor dicho, en los muchos Madrid que hay en Madrid. En todos sus trabajos, la ciudad envuelve a los protagonistas. Este libro ofrece al lector una serie de itinerarios físicos y conceptuales que no sólo permitirán conocer el Madrid que, desde edificios emblemáticos hasta modestos barrios de la periferia, protagoniza sus películas, sino descubrir el modo en que la ciudad se ha convertido en eje vertebral de una cinematografía que no se puede entender sin su presencia. Edición actualizada que incluye Dolor y gloria.
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Durante los años setenta se produjeron toda una serie de cambios políticos, económicos, sociales y culturales que tuvieron su punto de inflexión en el final de la dictadura franquista. La Tercera Vía es el espejo donde pueden leerse muchas de estas transiciones. Impulsada por el productor José Luis Dibildos, se trató de una tendencia cinematográfica que apostó por comedias a medio camino entre el cine comercial y el cine de autor que incluyeran una leve perspectiva crítica. Siendo Ágata Films la productora que utilizó esta etiqueta para sus trabajos, hay que resaltar el papel de directores como Roberto Bodegas (Españolas en París, 1971, Vida conyugal sana, 1974, Los nuevos españoles, 1974) o Antonio Drove (Tocata y fuga de Lolita, 1974, Mi mujer es muy decente dentro de lo que cabe, 1975) y de actores como José Sacristán o María Luisa San José. Fuera de este círculo otros cineastas como José Luis Garci, José Luis García Sánchez, Jaime de Armiñán o Manuel Summers desarrollaron películas semejantes, aunque ninguno de ellos las calificó como Tercera Vía. Una visión de la realidad española desde el Séptimo Arte que combinó calidad y comercialidad, y que supo anticipar el consenso político que reclamaba el país tras la muerte de Franco.
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Entre las décadas de los años veinte y cincuenta de la pasada centuria, las películas, que comenzaron siendo curiosidades de gabinete en ferias, lograron convertirse en el mayor espectáculo del mundo. Los protagonistas de aquellos shows de celuloide que encandilaban al público desde la gran pantalla, pronto fueron erigidos como reyes dominantes del imaginario colectivo del siglo XX. Pero aquel panteón cada vez más poblado de rutilantes deidades, albergaba asimismo siniestros y decadentes bastidores, plagados de sombras sin fin: espectros, maldiciones, muertes extrañas, crímenes sin resolver, adicciones, magia sexual, satanismo... Hechos misteriosos, sucesos estremecedores y, en ocasiones, atroces ocurrían entre el lujo y la fatalidad, entre el oropel y la decadencia. Crueles destinos inexorables, tanto de numerosas estrellas, como de aspirantes a serlo.
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En el 60 aniversario del film West Side Story, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: sugestación, el director, los actores, el original deBroadway, la banda sonora... Todo ello acompañado porun gran despliegue fotográfico.
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En el 60 aniversario del film El apartamento, variosautores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los actores, la yuxtaposición comedia/drama, la cultura empresarial,... Todoello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Billy Wilder, reportero reúne una selección de más de cincuenta artículos que Wilder (entonces conocido como ''Billie'') publicó durante aquellos años en revistas y periódicos. Desde el relato humorístico de sus experiencias como compañero de baile contratado en un elegante hotel de Berlín y sus artículos sobre el panorama cinematográfico internacional, hasta sus agudos perfiles de escritores, artistas y políticos, la selección nos ofrece nuevos conocimientos sobre la mente creativa de uno de los cineastas más valorados de la historia del cine. Estos escritos de Wilder, una mezcla embriagadora de ensayos culturales, entrevistas y reseñas, contienen el mismo ingenio e inteligencia que los guiones que escribió (14 nominaciones como guionista) para Hollywood, mientras que también arrojan luz sobre los rincones oscuros de Viena y Berlín de entreguerras, por el que aparecen Charles Chaplin. Cornelius Vanderbilt, Adolphe Menjou, Erich von Stroheim, el príncipe de Gales, y otras figuras universales. Uno de los libros del año (Tom Stoppard, Times Literary Suplement) Una revelación (Marc Weingarten, Washington Post) Una deliciosa compilación (Tobias Grey, Financial Times) Una animada antología (Jonathan Coe, Spectator) Este libro incluye los reportajes más significativos de los inicios de Wilder (Gavin Plumley, Literary Rewiew) Billy Wilder, reportero es una lectura maravillosa, se lee como si fuera un buen wiskhy de malta literario (David Marx, Book Reviews) Una antología que tanto puede interesar al público académico como al público en general (Nora Gortcheva. EuropeNow)
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Pese a estar catalogada como una película de ciencia-ficción, Blade Runner ?obra maestra que se ha convertido merecidamente en un icono cultural de nuestro tiempo? tiene poco que ver con las utopías futuristas propias del género. al contrario, plantea problemas eternos ?la vida y la muerte, el fatídico discurrir del tiempo, la rebelión contra nuestro infausto destino, la extrañeza ante el otro?? protagonizados por hombres que habitan en el caos deshumanizado de las grandes metrópolis. es decir, por hombres como nosotros mismos. Sin embargo, cuando fue estrenada en 1982, la crítica especializada la tachó de efectista y pretenciosa. Los mandarines culturales no supieron ver que, bajo el colorista artificio de los efectos especiales y el sofisticado ropaje del diseño, se ocultaba una de las mayores reflexiones sobre la condición humana que se hayan hecho nunca en el cine. En este ensayo se analizan las diferentes versiones de Blade Runner y se abordan, con un estilo ágil y gran rigor analítico, las reflexiones antropológicas y morales que propone la película. ¿Qué era lo que Deckard no sabía?
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Howard Hawks consideró siempre Scarface, the Shame of a Nation (1932) su mejor película. De acuerdo con el gran director estadounidense, Luis Alberto de Cuenca rinde homenaje al film por excelencia del cine de gángsters, obra maestra de todo un subgéner
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Presentamos un fascinante catálogo de exposición del Espacio Fundación Telefónica en Madrid.La selección profundiza en los temas recurrentes del universo artístico de Jaume Plensa, como la identidad, la fragilidad de la condición humana, lo efímero, la espiritualidad, el silencio, la comunicación y el lenguaje.Jaume Plensa es conocido por sus esculturas monumentales en espacios públicos y por su uso innovador de materiales. Es reconocido como una de las voces más importantes del panorama artístico actual.La exposición abarca más de 30 años de la carrera de Plensa, desde principios de los años noventa hasta la actualidad, explorando desde diferentes perspectivas la profunda reflexión sobre la condición humana que atraviesa toda su obra. Desde expresiones abstractas y conceptuales en sus primeras creaciones, hasta representaciones más recientes de carácter figurativo y sensual.Plensa elige materiales distintivos e innovadores como el hierro, el vidrio, el acero inoxidable, el alabastro y la resina. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones internacionales y se expone en museos y espacios públicos de todo el mundo, incluyendo el Nasher Sculpture Center en Dallas, el Rockefeller Center en Nueva York, el University of Michigan Museum of Art, el Yorkshire Sculpture Park en Reino Unido, la Crown Fountain en el Millennium Park de Chicago y Water's Soul en Newport, EE. UU., entre otros. Ha recibido numerosos galardones, entre ellos la Medalla de Caballero de las Artes y las Letras y el prestigioso Premio Velázquez de las Artes.
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The Sandman, la exitosa serie de Fantasía de Netflix que adapta el cómic de Neil Gaiman, es un Mito moderno. Pero ¿qué es en realidad un Mito?Siguiendo los pasos del Periplo del Héroe analizado por Joseph Campbell, el autor propone el Mito de la Caída como clave de lectura para entender estas Primeras Historias, rastreando en Platón y los Neoplatónicos el descubrimiento y formulación de las mismas.Tras ello ofrece un detallado comentario del cómic original The Sandman, desvelando su hondo significado y el simbolismo espiritual que como mito encierra, así como sus raíces en los Misterios Órficos, señalando también las referencias al Universo DC Comics (Vertigo) que lo vio nacer.
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Desde la irrupción del rock and roll, a mediados de los años cincuenta, el cine siempre estuvo ahí. De la seminal Semilla de maldad a las películas de Elvis Presley o The Beatles, pasando por la experimentación de títulos canónicos como Easy rider. No tardaron en proliferar los biopics, las óperas rock o los musicales rock (Nashville, American graffiti, Hair) y las aproximaciones de directores emblemáticos como Robert Altman, George Lucas o Milos Forman. Ahora, la ya no tan pequeña pantalla también recurre a los relatos rock. En esta obra, Xavier Valiño selecciona cien películas y series esenciales de ficción sobre rock. Unas cuantas bien conocidas y otras a descubrir, entendiendo el concepto en su más amplio sentido: pop, soul, punk, jazz, heavy metal, country, hip hop, blues, folk, reggae, bluegrass… Y aunque la presencia anglosajona es mayoritaria e ineludible, se incluyen cintas de otras latitudes. Algunas merecen la pena por su banda sonora, otras por su argumento o por su lenguaje cinematográfico, e incluso las hay que lo reúnen todo. En todas ellas se conjugan de forma conmovedora la pasión musical y la pulsión cinematográfica. Si le añadimos que también permiten viajar sin moverse de una butaca, entonces suman tres razones inapelables. Imposible mejorar la apuesta.
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Aun siendo conscientes de que el cine negro es un género que bebe del expresionismo alemán y que, por consiguiente, se fundamenta en un estilo eminentemente visual, los coordinadores de GRANDES TEMAS DEL CINE NEGRO estamos convencidos de que el noir cuenta con un abanico temático lo suficientemente jugoso como para dedicarle este ensayo. Con dicho propósito, pues, GRANDES TEMAS DEL CINE NEGRO ha puesto todo su empeño en analizar con detenimiento y profundidad tanto los temas universales que hacen referencia a la condición humana (la violencia, la corrupción, la figura de la femme fatale, la del detective privado ) como otros relativos al contexto histórico que vio nacer a este género en los EUA (la Gran Depresión, la Guerra Fría, el desencanto hacia el Sueño Americano ). Lo hemos hecho, eso sí, con amplitud de miras, concediendo mayor atención al noir de los 40 y los 50, pero sin olvidarnos en absoluto del cine de gangsters de los 30, del thriller, del polar francés, del poliziesco italiano, del noir japonés, del cine policíaco de los 60 y 70, del cine de mafiosos, del cine de espionaje, del noir hibridado en otros géneros y, obviamente, del neo-noir. Allá donde haya un callejón oscuro, allá donde se respire fatalidad, allá donde se cometa un crimen , allá estará GRANDES TEMAS DEL CINE NEGRO. Los autores (por orden alfabético): Amat Ferris, Sintu, Aranda Vasco, Andrés, Bustillo Ramírez, Marcos, Campillo Bueno, Pere, Canal i Artigas, Jordi, Casals Campmany, Quim, Chantal Ibán, Codina, Toni, Collazos Montero, Rubén, Esbilla, Adrián, Jiménez i Prunera, Xavi, Juanmartí, Jordi, Laborda Barceló, Juan, Lens, Jesús, López Gómez, Héctor, López Poy, Manuel, Mallafré, Miquel, Marías, Fernando, Márquez Sánchez, Javier, Martín Escribà, Àlex, Morell, Dani, Nasarre, Lluís, Soldevila, Frederic, Valencia, Javier J., Villar Duque, Guillermo.
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«Me he estado preparando para esta película toda mi vida», afirmaba Andrei Tarkovski. Stalker es, de hecho, un espléndido fruto de madurez artística, que reúne los más profundos anhelos del ser humano, junto a una honda reflexión sobre los medios que usa el arte para estimular nuestro interés y cumplir su misión. Considerada obra maestra dentro del breve legado de Tarkovski, Stalker se caracteriza por su sencillez de medios, la originalidad y coherencia de sus planteamientos formales, y el compromiso del equipo de rodaje para trabajar en condiciones extraordinariamente adversas.Al conocimiento de lo esencial se accede por un camino sembrado de peligros y trampas, donde la línea recta no existe, la naturaleza es cambiante y el regreso incierto. Eso parece decirnos el director ruso: a partir de sus principios poéticos, este libro acompaña la interpretación que se hace del camino en Stalker, indaga en la metáfora y en la sugerencia, en el uso de la temporalidad y en los mecanismo para implicar al espectador.
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Ten cuidado al abrir este libro, sangre mana de sus páginas. Nosferatu, Drácula, Cuentos inmorales, Besos de vampiro, El ansia, Drácula, un muerto muy contento y feliz,Buffy, cazavampiros, Los viajeros de la noche, Crepúsculo
más de cien series y pelí
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El primer ensayo escrito en profundidad sobre Pere Portabella: cineasta referencial de la modernidad cinematográfica y una figura absolutamente imprescindible para comprender el origen y el desarrollo de las producciones cinematográficas independientes, experimentales y clandestinas en España a partir de los años sesenta. Pere Portabella, nacido en Barcelona en 1929, es uno de los directores más relevantes de la historia del cine español, recientemente recuperado para el público tras las importantes retrospectivas de su obra organizadas por los museos MoMA, MACBA y el Centre Pompidou de París, y con el reestreno en salas comerciales de buena parte de sus películas. Éstas son un referente central a la hora de analizar la impregnación de las rupturas estéticas e ideológicas de los llamados Nuevos Cines europeos en el ámbito de la cinematografía española. Además, los filmes de este cineasta plantean —de forma casi excepcional en nuestro país— una vinculación estrecha y enriquecedora entre la producción fílmica y las nuevas propuestas formales de la vanguardia artística. Son, además, uno de los cuestionamientos más lúcidos y constantes de los límites convencionales entre el género documental y la ficción que se han llevado a cabo dentro de nuestras fronteras. Rubén Hernández recorre en profundidad la obra de Portabella, proponiéndonos una lectura de la relación entre las películas de este cineasta y las políticas de la narración en el cine. ¿Qué es, en realidad, el llamado «cine político»? ¿Qué factores determinan, en uno u otro sentido, los valores políticos de una película? ¿Cuál es la relación entre arte y política que tiene lugar en una obra de vanguardia, como es el cine de Portabella? ¿Pueden ser la forma, el lenguaje y la técnica de una película un espacio de producción de contenidos políticos con independencia del argumento de un filme? El autor de este libro se enfrenta a estas preguntas y así nos presenta, finalmente, una reflexión sobre el vínculo entre lo estético y lo político que tiene lugar en el ámbito del cine. Así, este ensayo sobre el cine de Portabella se convierte, además, en un ensayo sobre la obra de Epstein y Buñuel, de Eisenstein y de Marinetti, de Godard y Debord, de Pasolini y de Rocha, de Aristóteles y Deleuze, ¡incluso de la crítica política vehiculada por Los Soprano! Finalmente, pensar la dimensión política de las películas de Portabella es pensar el contexto histórico, filosófico y cinematográfico que hace de ellas un referente imprescindible en las políticas contemporáneas de la narración fílmica.
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Animado por el mismo espíritu que Stanislavski, Vajtángov, Michael Chejov, o Meierhold, su propia experiencia como actor y director lleva a Lecoq a reformularprincipios, investigar procesos y revelar nuevos aspectos de la relación dinámica del actor, el cuerpo y el espacio.
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EL CUARTO VOLUMEN SOBRE LA CREACIÓN DE LAS PELÍCULAS DE HARRY POTTERFabulosos festines de chocolate de fantasía, escobas voladoras, periódicos con fotografías que se mueven, libros de texto que muerden, cartas vociferadoras y mapas encantados son sólo un puñado de las creaciones mágicas del mundo de la brujería.Harry Potter: El gran libro de los artefactos ofrece un emocionante estudio de los extraordinarios objetos de las películas de Harry Potter, cómo fueron diseñados y cómo cobraron vida en la pantalla. Con detallados perfiles que incluyen ilustraciones conceptuales nunca vistas, fotografías del rodaje, y secretos cinematográficos procedentes de los archivos de Warner Bros., este libro ofrecerá a los fans los secretos del funcionamiento interno de un chivatoscopio, los numerosos esbozos para el diseño del guardapelo de Salazar Slytherin, y mucho más. Este compendio imprescindible incluye documentos encartados extra y muchas más sorpresas.
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La danza no se reduce únicamente a aspectos físicos y, sin embargo, el cuerpo es el instrumento del bailarín. Conservarlo sano, reconocer a tiempo las sobrecargas y prevenir las lesiones son condiciones imprescindibles para bailar. Esta obra proporciona
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Creador de la gótica y oscura serie Batman, del cuento urbano-fantástico de Eduardo Manostijeras, o de la biografía del peor director de la historia del cine Ed Wood, Tim Burton es hoy por hoy una de las pocas personalidades de Hollywood que parece realizar el viejo sueño de la alianza entre arte e industria. De sus películas, que él define como «piezas con personajillos extraños» o «obras de personajes alternativas», habla con detalle en este libro, así como de su crucial educación en una típica urbanización californiana, de su paso por los estudios Disney, y de sus peculiares intereses y referencias, sin las cuales se reconoce incapaz de abordar ningún proyecto. La dualidad, la libertad que se encuentra bajo las máscaras, la necesidad de recomponerse, el «costurón» de Catwoman, el rechazo de la literalidad y el gusto por dar la vuelta a los estereotipos expresivos son algunos de los temas tratados en las conversaciones recogidas en este volumen, que abarca desde los inicios de su carrera hasta Alicia en el País de las Maravillas e incluye además una serie abundante de fotografías y dibujos originales del director.
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Un texto reglamentario para el Cuerpo de Marines Coloniales de los Estados Unidos que incluye todo lo que un nuevo recluta necesita para identificar y combatir a la especie extraterrestre conocida como xenomorfos. El objetivo es protegerse a uno mismo
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Desde el mismo momento de su estreno en 1977, Star Wars: Una nueva esperanza se convirtió en un clásico de la historia del cine y muchas de sus escenas quedaron grabadas a fuego en el imaginario colectivo. La superproducción de George Lucas incluía una hipnotizante sucesión de momentos reconocibles que, durante medio siglo, han sido recreados y reconstruidos por legiones de seguidores y cantidades infinitas de merchandising. En Star Wars: Escena por escena, Alberto López Calvo realiza un pormenorizado y exhaustivo análisis fotograma a fotograma, escena por escena, del Episodio IV, desde sus icónicos rótulos de texto iniciales a la destrucción de la Estrella de la Muerte. Este libro se complementa con descripciones del proceso de grabación, curiosidades sobre el rodaje y un detallado desglose de las diferencias entre las escenas en los borradores iniciales, la cinta original y sus distintas revisiones posteriores, constituyéndose como el estudio más completo jamás hecho sobre Star Wars.
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Las historias moldean lo que somos, desde nuestro carácter hasta nuestra identidad cultural. Nos impulsan a realizar nuestros sueños y ambiciones y dan forma a nuestra política y nuestras creencias. Las utilizamos para construir nuestras relaciones, para mantener el orden en nuestros tribunales, para interpretar los acontecimientos en nuestros periódicos y medios de comunicación social. Contar historias es una parte esencial de lo que nos hace humanos. Ha habido muchos intentos de entender lo que constituye una buena historia, desde las teorías de Joseph Campbell sobre el mito y el arquetipo hasta los recientes intentos de descifrar el ''Código del Bestseller''. Pero pocos han utilizado un enfoque científico. Es curioso, porque si queremos entender de verdad la narración de historias en su sentido más amplio, primero debemos llegar a comprender al narrador por excelencia: el cerebro humano. En este libro, que invita a la reflexión, Will Storr demuestra cómo nos manipulan y obligan los maestros de la narración, llevándonos a un viaje que va desde las escrituras hebreas hasta Mr. Men, desde la literatura ganadora del Premio Booker hasta la televisión de pago, con ejemplos que van desde Harry Potter hasta Jane Austen y Alice Walker, desde el drama griego hasta las novelas rusas y los cuentos populares de los nativos americanos, desde el Rey Lear hasta Breaking Bad y los cuentos infantiles. Aplicando una deslumbrante investigación psicológica y una neurociencia de vanguardia a los fundamentos de nuestros mitos y arquetipos, muestra cómo podemos utilizar estas herramientas para contar mejores historias y dar sentido a nuestro caótico mundo moderno.
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La Guía FilmAffinity es un recorrido por la historia del cine desde sus inicios. En sus más de 400 páginas se analizan cientos de películas y se muestran cientos de fotogramas. La web FilmAffinity nació en 2002 y, para celebrar la mayoría de edad, sus creadores queríamos ofrecer a nuestros usuarios y lectores algo especial. Y nada mejor ni más útil que esta guía, encargada a varios expertos y editada por dos de las personas que conocemos que más saben y mejor escriben sobre cine. Este volumen, que incluye decenas de fotogramas y carteles de películas, no es solo un resumen de un siglo y cuarto de cinematografía, desde sus inicios hasta la actualidad) sino también un análisis preciso y riguroso de la evolución de este arte. Un libro que es una actualizada historia del cine mundial a un tiempo rigurosa, amena y didáctica.
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EXPERIMENTA LAS PELÍCULAS DEL MUNDO MÁGICODE J.K. ROWLING COMO NUNCA LO HAS HECHODesde varitas y escobas de carreras hasta una maleta llena deanimales, el mundo mágico está lleno de objetos encantados ycreaciones mágicas. Con este libro interacti
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Texto imprescindible para todo el que quiera dedicarse al teatro, un soberbio manual para actores.? ?Marcos Ordóñez, El País ?Una lectura apasionante, tan perspicaz sobre la psicología del mentir como lo es sobre el arte de actuar.? ?Lyn Gardner, The Guardian ?Explica el muy pragmático sistema de Donnellan y nos descubre de manera incomparable a uno de los mejores directores de actores de nuestra época.? ?Jean Louis Perrier, Le Monde El actor y la diana se publicó originalmente en Rusia, en el año 2000, y algo más tarde, en 2002, conoció su primera edición inglesa. Desde entonces este libro, fruto de la experiencia de Declan Donnellan como director y profesor de actores, ha sido traducido a más de quince idiomas y se ha convertido en un texto imprescindible para profesionales y estudiantes de interpretación. La propuesta de Donnellan es simple pero contundente: es la generalización, la falta de una diana precisa, lo que conduce al actor al bloqueo. A través de una serie de reflexiones, ejemplos y ejercicios de gran amenidad y concisión, el autor nos enseña a vencer dicho bloqueo para conseguir una actuación fluida y libre. ?Estos nuevos ?consejos a los actores? diseccionan toda trivialidad sobre la actuación, dibujando a cambio soluciones específicas radiantes y novedosas. Desde el placer y el humor de su escritura, Declan Donnellan conduce sutilmente a los jóvenes actores hacia una conciencia del proceso vivo que se oculta tras su trabajo. Como evidencia nos presenta ese valioso territorio del pensamiento y de la intuición que ha hecho suyo a través de la experiencia directa.? ?Peter Brook ?Declan Donnellan, irlandés de origen, inglés por educación, europeo de cultura, universal en su pensamiento, es uno de los directores más originales que existen.? ?Le Figaro
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.