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Libros de arte
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Lilith, la que según los textos hebreos fuera la primera esposa de Adán, no fue “concebida” por él como encierto modo lo fue Eva al ser extraída de una de suscostillas. Lilith, como Adán, fue creada del polvo de la tierra, por eso ella siempre se consideró su igual y no quiso someterse a su dominio. En consecuencia, se rebeló, lo abandonó y, libre, gozó de las relaciones en el mundo de Lucifer, muchas veces transmutadoen serpiente y otros malignos seres de la nocturnidad. Fue la primera mujer que se emancipó. La primera 'femme fatale'.
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En este tercer volumen se narra la evolución del arte y la arquitectura durante la Edad Moderna. Dos módulos específicos se dedican el arte del Quattrocento y el Cinquecento en Italia, y un tercero estudia la difusión europea del Renacimiento. En otros tres apartados independientes se examina la arquitectura y el urbanismo, la pintura, y la escultura y las «artes menores» del Barroco y el Tococó. Por último, dos capítulos más analizan las transformaciones artísticas durante el periodo de la Ilustración y la historia del arte y la arquitectura de la Edad Moderna en Iberoamérica.
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La práctica escultórica de June Crespo se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación contemporáneas. Por un lado, establece un diálogo transformador con los conceptos que han marcado el arte vasco de las últimas décadas, `pares móviles` como la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, la ligereza y la extrañeza. Igualmente se hace cargo de cuestiones cuya urgencia estaba ausente de los grandes debates hasta hace relativamente poco, particularmente en lo que respecta a la sensibilidad feminista y los ciclos de producción y reproducción industrial y posindustrial. El carácter vivo y activo de la materialidad ha acompañado la práctica de Crespo hasta hoy y se encuentra en la base del proyecto Vascular, su exposición en el Museo Guggenheim Bilbao, que este libro cataloga, planteando, además, su propio despliegue de materiales. Destaca entre ellos el conjunto de anotaciones del `Diario Vascular` de la artista, un documento inédito en el que da cuenta de su metodología y del recorrido (personal y artístico) de los dos últimos años en los que ha concebido y producido la muestra. Las notas de la artista se unen a un ciclo poético escrito por Miren Agur Meabe, premio Nacional de Poesía 2021, así como los ensayos críticos de Jara Rocha y Manuel Cirauqui, comisario de la exposición.
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El bonheur-du-jour es, además del título original de este libro, un pequeño mueble con cajones en el que se guardan papeles y pequeños objetos a los que se les tiene cariño, un tipo de mueble que dejó de fabricarse a finales del siglo XVIII. Justo la misma función que cumple este curioso dietario, que va de marzo a marzo, en el que Jacques Brosse guarda los momentos en que se maravilla al presenciar el espectáculo de la vida de las plantas, los pájaros y el paisaje de su verde región del Périgord, en el interior del suroeste francés.El vivo azul de las verónicas, el susurro de las hojas, el rojo resplandor de la puesta de sol, la majestuosidad de los nísperos, el negro brillante de los plumajes, el verde jade de los amentos del avellano, el aroma de los higos que estallan al sol o el límpido canto de la alondra irrumpen exultantes en las páginas de este volumen, en el que Brosse entabla un amoroso diálogo con la fauna y la flora que lo circunda, y se lo ofrece al lector a través de pequeñas máximas filosóficas que presentan las cualidades más seductoras que puede poseer el espíritu humano, esas que son fruto de una rara aleación de serenidad y fervor.Frente a los desmanes del progreso y los peajes del modo de vida contemporáneo, que nos obliga en todo momento a estar al corriente, nos hipnotiza y nos arrastra a una vida que ya casi no nos pertenece, Brosse preconiza una saludable ética de la desposesión y una plena consciencia de lo efímero. Con sencillez, belleza y una profunda inmersión en la naturaleza, La alegría del momento nos impele al acto más subversivo que se pueda acometer hoy en día: el revolucionario arte de la contemplación.
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El arte de la oscuridad es un original libro basado en más de 200 obras de arte cuidadosamente seleccionadas e inspiradas en lo mórbido, lo melancólico y lo macabro. Los sugerentes capítulos del libro presentan una selección de obras de arte que expresan ansiedades y aversiones, tensiones y temores que trascienden el tiempo que, por siempre, han acechado nuestras mentes y, aunque resulten difíciles de afrontar, forman parte de la condición humana.S. Elizabeth nos habla sobre las influencias e inspiraciones de los artistas representados en el libro para preguntarnos, ¿podemos ganar algo al enfrentarnos a nuestros demonios? ¿Por qué nos atrae tanto el miedo y lo grotesco? ¿Y qué nos dice esto sobre la mente humana? Conectemos con nuestras sombras y disfrutemos de estas obras de arte, que nos van a ayudar a reconciliarnos con nuestro lado oscuro.
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Se completa la trilogía Madelman! Informe Madelman volumen 3, describe en detalle a la empresa que fabricaba los Madelman: Industrias Plásticas Madel S.A. Conoceremos sus orígenes, su estructura, los productos que fabricaban, su localización, y sus métodos de trabajo y de marketing. El lector se adentrará en un sinfín de detalles de cómo se realizaban los juguetes que consiguieron llenar de ilusión y felicidad a muchísimos niños: los Madelman, el Luminrama, la Carabina Safari, Skedoodle, Cara loca, Tropezón y muchos otros. Y viajaremos más allá, mostrando lo que se realizó después de dejar de fabricar el Madelman, cerrando una historia que empezó a narrarse hace ya unos años. Un viaje nostálgico para quienes conocieron y admiraron los productos de Madel y todo un estudio detallado para quienes quieran conocer el funcionamiento de una empresa juguetera pionera durante cuatro décadas.
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Edición en catalán de un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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Adéntrate en el fascinante mundo de la artista visual Eliza Ivanova. Eliza comparte los secretos de sus evocadoras creaciones y muestra cómo compone las líneas, las formas, los colores y las texturas que hacen que su obra sea tan dinámica. Original y sofisticado, el arte de Eliza ofrece nuevas revelaciones cada vez que se mira. Con pasión, combina herramientas tradicionales y digitales para capturar el movimiento y la narrativa propios del dibujo al natural. Con tutoriales paso a paso e información detallada sobre el proceso creativo y su trayectoria profesional, explicada por la propia Eliza, esta es una oportunidad única para ahondar en la cautivadora obra de esta talentosa artista..
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La cultura és un camp obert, un espai que, per definició, no es deixa tancar, és inestable i genera interrogants, crea nous llenguatges i referents, i transita per itineraris que cal descobrir i explorar. Les pràctiques i les disciplines que hi intervenen es creuen, es nodreixen entre elles, i malden per trobar sentit al subjecte humà i la seva contemporaneïtat, que sovint és una realitat heterogènia, contradictòria i canviant. De les noves mitologies a la reflexió sobre la intel·ligència artificial, del teatre a l'arquitectura, el cinema i la creació artística i literària, de la sociolingüística a la ciència i la tecnologia, aquest volum recull una sèrie d'assaigs breus que dibuixen, en conjunt, allò que avui podríem entendre per cultura, sense voler limitar-la ni esgotar-ne totes les potencialitats. I és, sobretot, un estímul per pensar, a partir de la singularitat de cada mirada, com ens situem al món des del coneixement, la creativitat i la imaginació.
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L’exposició Els mons d’Alícia. Somiar el país de les meravelles integra les múltiples visions del personatge en els àmbits de la literatura, el cinema, les arts escèniques i les arts plàstiques, i el situa en un segle XXI que ha esborrat les fronteres entre la realitat i el món imaginari. Alícia hi apareix com una figura precursora: una nena amb una gran curiositat per totes les coses, que desafia la lògica de les idees immutables i troba el seu camí en un mon absurd.
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Estilo Escandinavo es un homenaje a la arquitectura y el diseño interior escandinavos, en constante diálogo con la naturaleza. A través de una selección curada de hogares y espacios, el libro revela cómo el espíritu nórdico transforma paisajes escarpados, climasdramáticos y luz fugaz en fuentes de inspiración duraderas. Desde cabañas en el bosque hasta refugios costeros contemporáneos, cada proyecto encarna un espíritu de simplicidad, funcionalidad y profunda conexión con el aire libre. Los materiales naturales, las líneas limpias y las paletas de colores suaves evocan una sensación de calma y autenticidad. Creado para los admiradores del estilo nórdico y la vida consciente, este libro ofrece un viaje visual sereno pero poderoso a través de una de las culturas de diseño más veneradas del mundo, donde la arquitectura fluye con latierra y la luz se convierte en parte de la estructura.
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Dolfi era un jove dofí amb una gran passió: nedar en cercles. Un tomb cap a la dreta. Un tomb cap a l’esquerra. Fins que un dia la Lola, una petita orca, va arribar a la piscina i li va parlar d’un lloc meravellós anomenat oceà. Descobreix la història de Dolf i i Lola, un relat emotiu i sorprenent que parla sobre els cetacis que viuen en captivitat.
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El arte de la fantasía es un libro de consulta visual de todo lo fantástico, que presenta una fascinante y reflexiva selección de obras de arte inspiradas en lo irreal.Los artistas llevan siglos explorando mundos imaginarios y criaturas fantásticas, pero ¿qué les atrae de lo imposible, lo místico y lo desconocido? ¿Es una mera evasión de la realidad? ¿O buscan una mayor comprensión de la existencia humana, tal vez incluso del significado mismo de la vida?Desde los monstruos imposibles a los reinos olvidados y los países de las maravillas, desde la fe y la filosofía a cómo salvar el mundo, S. Elizabeth explora con su perspicaz texto cómo han cambiado a lo largo del tiempo estos vuelos visuales de la fantasía y la imaginación. Una colección inspiradora para los aficionados a los mitos, la magia, la fantasía y la historia del arte.
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Joan Miró va trobar als Estats Units un espai de reconeixement i llibertat creativa. Aquest volum, igual que l’exposició que l’acompanya, situa l’experiència nord-americana de l’artista en un eix central de la seva trajectòria.Així, s’explica com, en els seus set viatges als Estats Units, Miró va artistes de diverses generacions que admiraven la seva obra i es van influenciar mútuament, tant en les seves obres com en les formes de treballar. A més, els encàrrecs que va realitzar a Cincinnati o Harvard, les dues exposicions monogràfiques al MoMA, així com també el suport i la complicitat del seu marxant Pierre Matisse i el seu amic Josep Lluís Sert, van ser fonamentals per a la trajectòria de Miró en aquell país.Amb textos de: Dawn Ades, Beatriz Cordero Martín, Marko Daniel, Matthew Gale, Patricia Juncosa, Robert Lubar Messeri, Teresa Montaner, Dolors Rodríguez Roig, Élisa Sclaunick, Elsa Smithgall i Anne Umland.
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Cinco décadas en espiral es una retrospectiva inversa del trabajo de la artista mexicana Magali Lara.La exposición al MUAC (Ciudad de Mexico abril-octubre 2025) inicia con los murales que realizó para la muestra y concluye con sus primeros dibujos de las décadas de 1980 y 1970.Como la línea inconclusa -en fuga- de la espiral, la muestra revisa la búsqueda artística y espacial de Lara a lo largo de su producción, es decir, cómo genera un lugar formal, plástico y afectivo para proponer un territorio propio. Su obra, a partir de una configuración concreta, manifiesta una pulsión por aprehender una asociación arrolladora de formas. Desde el inicio de su trabajo se ha interesado por la noción del espacio opuesto, el remanente que subyace en ausencia. Su investigación ha abordado de qué manera significar el blanco del lienzo y del papel, y cómo denotar las pausas y los silencios imperceptibles entre pinceladas y gestos, así como los vacíos minúsculos que sobresalen entre palabras e imágenes. Su experimentación artística es la exploración de un lugar que nunca concluye, que se prolonga en espiral, esbozando un rastro en negativo que se abre y amplía hacia otras narrativas. La muestra enfatiza la indagación en ese ritmo que emerge desde los márgenes y que conforma su propia perspectiva: ''Es posible que un dibujo contenga un relato de la misma manera que una frase dice en lo no dicho''. Los intervalos e intersticios sobresalen entre los elementos compositivos dentro del soporte y, también, entre el propio marco y la pared que lo enmarca. La pieza siempre está en relación con, detenida en un contexto expandido que la connota y la sitúa, palpitando de forma permanente entre el afuera y el adentro.
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Creaciones actuales para una decoración original y única Este libro reúne los fundamentos del trenzado y contiene 20 proyectos de cestería para decorar interiores y jardines. Sus formas pueden ser clásicas para cestas, bolsos o pulseras y para objetos m
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Publicado con motivo de la exposición Del lapicero al buril. El dibujo para grabar en tiempos de Goya, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 17 de octubre de 2023 y el 14 de enero de 2024.En la segunda mitad del siglo XVIII España se liberó de la dependencia que había tenido del extranjero en el ámbito del grabado. La formación de dibujantes y grabadores cualificados, encabezados por Manuel Salvador Carmona, permitió acompañar con estampas los importantes proyectos culturales y científicos promovidos por el pensamiento ilustrado, cuyo epílogo será la publicación de los Caprichos de Francisco de Goya en 1799. Si las estampas de esa época son bien conocidas, no lo son tanto los dibujos para grabar que les sirvieron de punto de partida. Su carácter utilitario los ha relegado a un segundo plano en la historia del arte. Y, sin embargo, de sus cualidades depende absolutamente la calidad del grabado, sin un buen dibujo es imposible obtener una buena estampa.En Del lapicero al buril —dos de los instrumentos más utilizados por dibujantes y grabadores— se muestran los distintos usos que tuvieron los dibujos en el proceso de creación del grabado, desde los que realizaban los artistas que inventaban las imágenes hasta los elaborados por los propios grabadores en sus talleres. La variedad de técnicas utilizadas así como su adecuación a los temas que representan sirven también para ofrecer un recorrido sobre el dibujo español en tiempos de Goya
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La inteligencia artificial ha irrumpido en nuestras vidas con una fuerza arrolladora. Y el auge de la IA generativa está afectando también a un ámbito que cabía pensar a salvo de su influencia: el de la creación artística. Nuestros conceptos habituales de estética o diseño están cambiando, nos vemos obligados a cuestionarnos la naturaleza del acto creativo, de la autoría, de la idea de originalidad. ¿Será posible que las máquinas generen una estética propia?Partiendo de una larga experiencia teórica y práctica en este campo, y con un enfoque multidisciplinar que va de la filosofía y la psicología del arte a la teoría de los medios o la ciencia de datos, este apasionante libro ofrece una sorprendente y esclarecedora visión de conjunto de un tema de máxima actualidad que, sin embargo, está dominado por generalidades y lugares comunes. Un texto que da un vuelco radical a cualquier idea preconcebida que el lector pudiera tener al respecto.
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Esta obra clásica sobre nuestra crisis medioambiental cuenta con una nueva introducción del autor, que repasa tanto los avances como el terreno perdido en la lucha por salvar la Tierra.Este apasionado alegato a favor de un cambio radical y renovador de la vida sigue considerándose hoy una obra pionera en los estudios medioambientales. El argumento de McKibben de que la supervivencia del planeta depende de un cambio filosófico fundamental en nuestra forma de relacionarnos con la naturaleza es más pertinente que nunca. McKibben escribe sobre el cataclismo medioambiental de nuestra Tierra, abordando cuestiones fundamentales como el efecto invernadero, la lluvia ácida y el agotamiento de la capa de ozono. Su nuevo prólogo aborda algunos de los últimos problemas medioambientales que han surgido durante las últimas dos décadas. El libro también incluye un nuevo apéndice de datos y cifras que analiza el progreso del movimiento ecologista.Más que un simple manual de supervivencia o un catálogo catastrofista de predicciones científicas, este clásico y conmovedor lamento sobre la naturaleza es una lectura obligada tanto para los entusiastas del medio natural como para los activistas y los ciudadanos preocupados por el medio ambiente.
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Lino Tagliapietra has been described as the world’s greatest glassblower, a figure born from the five-hundred-year-old culture of Venetian glass, but one who also revolutionized glass as a discipline, inventing new techniques to create his masterful works. Even more astonishing, as Tagliapietra hit his full stride, he has become a notable figure in the unfolding story of modern sculpture – an artist whose distinctive works are coveted by collectors of contemporary abstract art and whose vision makes us think about art history in new and profound ways.
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Un pequeño compendio de consejos, máximas y reflexiones para estudiar,pensar y actuar como un artista. Especialmente recomendado para artistasen ciernes, diseñadores emergentes, creativos esforzados y maestrosconsagrados.
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La historia del Arte esconde numerosos aspectos ocultos, hechos olvidados y detalles silenciados que permitirían escribir toda unaenciclopedia paralela desde el punto de vista de las mentalidades de cada época, de las mujeres que fueron olvidadas dura
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El ensayo más célebre de uno de los intelectuales y pensadores más decisivos de la historia del arte contemporánea. Las páginas del presente libro abarcan un vastísimo período que va de la era clásica a la contemporánea. Sin limitarse únicamente a señalar y comentar textos pertenecientes explícitamente a la denominada literatura artística, esta rica y amplia investigación ofrece una pormenorizada historia de las ideas, de las teorías, de las apreciaciones, de la toma de posición que atañe al arte figurativo desde hace siglos. La actitud de los críticos, de los pensadores, de los artistas es analizada con la intención de destacar el curso cambiante de las reflexiones sobre el arte y hacer emerger sus momentos cruciales, restituyendo así la condición misma del arte a lo largo de la historia. Reseña:«El gran Lionello Venturi, en Historia de la crítica del arte, lamentaba la dicotomía planteada, en el mundo moderno, entre historia y crítica de arte. Tal conflicto, años después de su advertencia, continúa vigente.»Francisco Calvo Serraller, El País
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Una celebración de más de 300 escultoras innovadoras que examina 500 años de ingenio creativo de todo el mundo.Al presentar una historia de la escultura más amplia e inclusiva, Great Women Sculptors examina el trabajo de más de 300 artistas pioneras de más de 60 países, abarcando 500 años desde el Renacimiento hasta la actualidad.Organizado alfabéticamente, cada artista está representado por una imagen y un texto recién encargado. Esta amplia encuesta defiende a las escultoras más conocidas de la historia del arte junto con las estrellas en ascenso de la actualidad.Desde nombres más reconocibles como Camille Claudel, Gego, Barbara Hepworth y Yayoi Kusama hasta algunos de las artistas contemporáneas más importantes de la actualidad, como Huma Bhaba, Mona Hatoum y Simone Leigh, este libro muestra 500 años de creatividad escultórica en un libro accesible y visualmente impresionante volumen.
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En una sociedad como la actual, para la que los valores han cambiado tan rápido, una obra que nos conecta de nuevo con nuestra naturaleza humana resulta esencial e iluminadora. Amor y arte es un ensayo fascinante de Ellen Dissanayake que nos devuelve la mirada hacia nuestro origen, y nos lleva a descubrir cómo el arte, lejos de ser una mera creación cultural, es una necesidad biológica profundamente arraigada en los seres humanos. A través de una propuesta revolucionaria, la autora muestra cómo el arte y el amor comparten un origen evolutivo común, ambos nacidos de la necesidad de establecer conexiones emocionales para garantizar nuestra supervivencia. Dissanayake explora cómo los primeros intercambios entre madre e hijo, basados en ritmos y movimientos sensoriales, dieron lugar a expresiones artísticas como la música, la danza y los rituales. Y, partiendo de esta premisa, realiza la que sea quizá la afirmación más controvertida e interesante de su pensamiento: que llevar a cabo actividades artísticas habría llevado a nuestros antepasados homínidos -tanto como socializar, obtener alimento u otras destrezas ancestrales- a ser seleccionados y a prosperar en sus vidas. Un ensayo que desafía nuestras concepciones sobre el arte y nos invita a reconocerlo como un elemento vital que sigue siendo esencial hoy para mantenernos conectados con lo que realmente importa.
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¿Qué es un comisario de arte? Una aproximación lúdica y divulgativa a partir de la vida y la obra de algunos de los artistas más destacados del siglo XX. Si como decía Joseph Beuys todo el mundo es artista, ¿también todo el mundo es curator? ¿Qué es un curator, un comisario de exposiciones? ¿El comisario es un autor? ¿Y qué tipo de autor es?David G. Torrres, profesor y comisario, propone diversos recorridos por el arte contemporáneo desde el advenimiento de la modernidad en un libro ameno y sugerente en forma de collage de historias e itinerarios. Y desvela que tal vez todos han sido comisarios.En sus páginas van asomando Baudelaire el paseante de la ciudad, Marcel Duchamp frente a Picasso, Joseph Beuys desnudo en una playa africana, Michel Foucault consumiendo LSD en el Death Valley, Guy Debord el visionario alcoholizado, un Pollock enfadadísimo y Niki de Saint Phalle disparando alegremente a sus pinturas, el rostro siniestro de Carl Andre frente a Ana Mendieta, Carolee Schneemann, Marjorie Strider, Tracey Emin, Chiara Fumai y un Francis Bacon que dijo aquello de que pintar es una forma de comunicarse y una forma de hacer amigos a través del tiempo y el espacio.
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Este libro tiene forma de díptico. En primer lugar, Victor Stoichita escribe sobre la pintura impresionista, verdadera revolución frente a los tradicionales hábitos pictóricos. Y en segundo lugar, se propone el análisis de tres films que tienen como tema principal la intriga visual. Entre ambos mundos se establecen diferencias y se tejen correspondencias. La simetría es compleja, dado que la irrupción de la mirada fotográfica se cruza con la experiencia pictórica del siglo XIX y confluye en la cinematográfica del siglo XX. El propósito del autor es ofrecer, en la interacción de pintura, fotografía y cine, un cuadro coherente, aunque matizado, del papel que el arte desempeña en la construcción de nuestra percepción del mundo.
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En la intensa diversión que ofrecía París a finales del siglo XIX, encontró Toulouse-Lautrec su tema favorito: la fiesta de los music-halls, cafés, cabarets, casas de citas y circos las mujeres que daban vida a todos esos lugares: bailarinas, cantantes,
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Esta obra fundamenta su principio en que no elaboramos artes y ciencias a través de la excelencia sino utilizando la basura pasada, los residuos que sin querernos dejaron otros. Un libro que plantea una muy original ontología y epistemología de nuestra contemporaneidad: en los residuos de nuestro presente se hallanlos genes culturales del futuro próximo
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Ramón dibujante. El lápiz atrevido es un amplio recorrido por una de las facetas menos conocida y estudiada del escritor vanguardista Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1888-Buenos Aires, 1963), la de su labor como dibujante de sus propios artículos y libros y, sobre todo, de su creación más singular en el campo de la literatura, las greguerías. Eduardo Alaminos López ha estudiado en estas páginas los hitos más relevantes de aquella forma compulsiva y singular de dibujar que tenía Ramón así como su manera de entender y reflexionar sobre la naturaleza de sus dibujos: sus comienzos en la revista escolar El Postal (1901-1903), sus ilustraciones en el periódico La Tribuna (entre 1920 y 1922), en los libros que definen su personal y diferenciador ismo, el ramonismo, desarrollado en libros «ilustrados por él» como Variaciones Iª Serie (1922), Ramonismo (1923), Caprichos (1925), Gollerías (1926) y Trampantojos (1947), pero sobre todo en Las Greguerías ilustradas (1930-1935), cima de su obra dibujística, así como la presencia del dibujo en la tertulia de Pombo y en los dos libros dedicados a ella (1918 y 1924). Este ensayo trata de responder a varias preguntas, entre otras, a: ¿por qué acompañó Ramón buena parte de sus escritos con dibujos propios? ¿Por qué sus dibujos obedecen al deseo de amplificar y aclarar lo escrito y funcionan como una llamada de atención al lector? ¿Por qué obedecen a una necesidad interna para ir más allá de lo estrictamente literario? ¿Por qué el dibujo afloró en su obra como una parte integrante más de su humorismo? La contestación a estas y otras preguntas desembocan en lo que el autor ha llamado, tras estudiar y glosar muchos de aquellos dibujos, su «poética gráfica», caracterizada, en palabras de Ramón por «lápices, tallos de iniciativas, para diseñar el mal dibujo». Un libro que descubrirá al lector muchas de las claves de los dibujos realizados por Ramón Gómez de la Serna para «ilustrar» sus artículos y libros, faceta del escritor poco conocida.
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El giro fotogramétrico investiga las posibilidades e implicaciones materiales y económicas de la fotogrametría de corto alcance en la actualidad.¿Qué revela y qué oculta el perímetro de un objeto? ¿Cuál es la exactitud con la que rodean y miden las herramientas tecnológicas que median nuestra mirada? El giro fotogramétrico investiga las posibilidades e implicaciones materiales y económicas de la fotogrametría de corto alcance en la actualidad. Nace de una intuición artística y desde la urgencia contemporánea de explorar el gesto de capturar, de congelar. En resumidas cuentas, de fotogrametrizar nuestro contexto. A través de textos ensayísticos y tres conversaciones, el libro aborda los usos de esta técnica en campos tan diferentes como la silvicultura, la medicina moderna o la digitalización de patrimonio o de obras de arte. Sus páginas interrogan sus posibilidades y limitaciones en relación a cuestiones como la propiedad, el colonialismo, las estructuras de conocimiento, los extractivismos, la creación de archivos, el biopoder, la conservación, la soberanía, la restitución, la reparación o la vida y la muerte.
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El presente libro, quiere ser una guía espiritual para vivir la semana más importante del año litúrgico.Qué mejor manera de hacerlo que con las maravillosasobras del pintor Raúl Berzosa, las cuales nos ayudarán a la meditación visual de esta, complementadas conpasajes de la Biblia que nos relatan los hechos acaecidos en esos días.
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En el siglo XIX, los interiores domésticos de las clases acomodadas comienzan a llenarse de objetos preciosos y sofisticados: juguetes ópticos, pianolas, cajas de música, cromos desplegables o autómatas engalanados con prendas de vestir tan despampanantes como las de sus dueñas. Las ciudades de Occidente integran, al tiempo, lugares de ocio para disfrute de sus habitantes pudientes con atracciones de feria, planetarios, norias y los nuevos templos del consumo que son los grandes almacenes. Todos estos objetos y espacios novedosos presentan un aspecto en común: el propósito de atraer al público a través de la estimulación de los sentidos.
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* Una apasionante introducción ricamente ilustrada a algunas de las obras de arte más importantes de la tradición occidental, reinterpretadas para el público del siglo xxi. * Un análisis de cómo la arquitectura, la escultura, la pintura y las artes decorativas se reflejan en la cultura y la sociedad de su tiempo haciendo un recorrido por toda la historia del arte occidental. * Los capítulos se inician formulando una pregunta que invita a la reflexión, seguida de un resumen de los principales acontecimientos históricos del período que hace alusión a las estructuras sociales, la política, las cuestiones raciales, los avances científicos, las creencias y las costumbres de la época. Al explorar estas cuestiones se demuestra que el arte y la arquitectura desde las Grandes Pirámides y Santa Sofía hasta las obras de artistas como Rafael y Faith Riggold conforman la cultura del momento y el lugar en que surgen, al mismo tiempo que la reflejan y la documentan. Como tema secundario, el libro se centra en la constante evolución de los gustos estéticos, como un péndulo que oscila entre el naturalismo, el idealismo y la abstracción. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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- Descubra las obras de arte que se atrevieron a ser diferentes, que arriesgaron reputaciones y que pusieron en peligro carreras profesionales. - Las fascinantes historias que hay detrás de la creación, la recepción y el legado de 50 obras transgresoras.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.