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Libros de arte
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El alma del artista es un torbellino perpetuo de inspiración, un lugar donde la creatividad nunca duerme. La constante chispa de ideas y emociones es tanto un don como una carga, una llama que arde con una intensidad que no entiende de pausas ni de horarios. Esta incesante actividad mental puede ser una bendición para la creación, pero también un desafío cuando se trata de las responsabilidades cotidianas. La vida diaria, con sus demandas mundanas, a menudo queda relegada al segundo plano mientras la mente viaja por mundos imaginarios. Sin embargo, esta pasión inquebrantable por el arte es precisamente lo que permite que las obras maestras cobren vida, convirtiendo esa «excusa» en el motor que impulsa la expresión artística más genuina.
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Miró-Picasso aborde depuis différents angles les affinités artistiques entre Joan Miró et Pablo Picasso, deux artistes incontournables du XXe siècle, avec, en toile de fond, lamitié quils partagèrent pendant 50 ans.
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En Un neurocientífico en el Museo del Prado, Fernando Giráldez, catedrático emérito y experto en neurociencias, nos redescubre el arte clásico a través de la neurociencia y nos revela cómo los grandes maestros de la pintura desentrañaron, sin saberlo, los misterios del cerebro humano.Por algún motivo u otro, todos nos hemos quedado embelesados delante de una obra de arte. Pero ¿qué es lo que provoca tal atracción? ¿Dónde está el secreto que cautiva nuestros sentidos? Fernando Giráldez, neurocientífico, nos guía a través de las grandes obras del Museo del Prado y nos revela cómo los maestros de la pintura han explorado el cerebro para llegar al fondo de la mente humana. Giráldez nos sumerge en la magia con la que estos artistas descubrieron la manera de lograr dos imposibles: representar el espacio y la vitalidad sobre un lienzo que es plano y estático. La visión es algo tan natural a nosotros que nos hace creer que el mundo es tal cual lo que vemos, pero realmente está llena de mecanismos profundamente contraintuitivos. Y es que técnicas pictóricas como el sfumato, la pintura de manchas o la perspectiva aérea no hacen otra cosa que hurgar eficazmente en los complejos mecanismos de la percepción visual para encontrar la manera de engañar al cerebro para persuadirlo de ver realidades inexistentes. Así, en esta obra descubriremos cómo artistas tan diversos como el Bosco, Leonardo, Tiziano, Velázquez o Sorolla desarrollaron una magistral ingeniería inversa de la percepción visual para provocar ilusiones de realidad. Un neurocientífico en el Museo del Prado nos propone un diálogo fructífero entre arte y ciencia para responder a la pregunta de cómo el arte seduce a la mente humana. Y, con ello, ofrece también una reflexión acerca de nuestra relación con el mundo y cómo lo experimentamos. En este fascinante recorrido, los aficionados y curiosos del arte podrán disfrutar de una nueva perspectiva de la pintura clásica y profundizar en los mecanismos de la creación artística.
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LA CULTURA I L'ART EN EL PURITÀ I AÏLLAT PRIMER FRANQUISME Ara fa cinquanta anys, Barcelona inaugurava el Museu Picasso, fet que certificava la voluntat col·lectiva de reprendre el projecte cultural i de país anterior a la Guerra Civil. Enrere quedaven dues dècades en què, superada la immediata postguerra, la voluntat de modernització cultural del país havia maldat per sobreviure, adaptant-se a unes circumstàncies profundament adverses, en forma d'una modernitat no sempre visible que va sobreviure amb cautela durant els primers anys del franquisme fins a l'arribada de la nova atmosfera aperturista dels anys 60. Els autors reflexionen sobre les polítiques culturals, les orientacions estètiques, les circumstàncies històriques i els protagonistes més significatius entre 1942 i 1963, d'acord amb les úniques estratègies possibles aleshores: resignació, restauració o resistència. REPÀS DE LES MANIFESTACIONS ARTÍSTIQUES I LA VIDA CULTURAL AL LLARG DEL PRIMER FRANQUISME, EN QUÈ LA RECERCA DE LA MODERNITAT ARTÍSTICA QUEDA LATENT. ARTICLES DELS MILLORS EXPERTS EN L'ART DE L'ÈPOCA, QUE S'ESTÀ REVALORANT. ES TRACTEN SOBRETOT TRES DISCIPLINES ARTÍSTIQUES: ARQUITECTURA, PINTURA I LITERATURA.
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Razones y sin razones por las que el mejor torero que hemos visto se convirtió en fenómeno de masas, en ídolo contracultural y en representación artística extrema.Morante de la Puebla no es solo un torero. Es un acontecimiento. Una categoría. Una religión civil. Un artista que ha atravesado el tiempo y el toreo hasta convertirse en una figura social, política, estética y cultural de primer orden. La conversión de Morante de la Puebla en fenómeno de masas, en ídolo contracultural, en icono transversal ha coincidido con su temporada más arrebatadora, la de 2025. Rubén Amón ha querido capturar el instante antes de que se disuelva. Narrar lo que ha pasado sin que nadie haya sido capaz de explicarlo del todo. Porque el morantismo no es una moda: es un síntoma, un misterio, una forma de entender el arte, la identidad y la nostalgia. El resultado es una obra viva, literaria, crítica y apasionada, que no pretende domesticar a Morante, sino acompañar su enigma. Hay reflexión pero también urgencia informativa. Morante, punto y aparte es una sugestiva y trepidante mezcla de crónica periodística y de ensayo concienzudo.
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Publicado con motivo de la exposición Juan Muñoz. Historias de arte, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 18 de noviembre de 2025 y el 8 de marzo de 2026. Juan Muñoz fue un artista que constantemente dialogó con la historia del arte.
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Esta guía es obra del grupo de trabajo Museus i Gènere, que tiene como objetivo transmitir una socialización de los géneros que elimine los aspectos negativos y las jerarquías de los modelos vigentes y abra camino al pleno desarrollo de una sociedad igualitaria, democrática y justa en el mundo del patrimonio y de los museos. Así, la guía ofrece algunas pistas de reflexión y algunas propuestas de actuación para aplicar la perspectiva feminista en el trabajo diario en el museo.
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Zepelines surcando una ciudad cubierta de humo de carbón, fantásticas creaciones mecánicas que desafían a la lógica o complejas ortopedias impulsadas por máquinas de vapor y que muestran sus engranajes. En algún momento nos hemos cruzado con una de estas imágenes, ya sean en la escena de un libro, en las páginas de un comic o en el estreno de una película sin saber que forman parte de un movimiento cultural llamado steampunk. Surgido a mediados de los años ochenta del siglo pasado, su popularidad no ha hecho más crecer con el paso de los años: lo vemos en accesorios de moda, en un artilugio que aparece en nuestra serie favorita, oculto en las representaciones más inverosímiles, pero ¿qué es lo que hace que siga siendo presente en nuestra cultura? ¿Solo es la originalidad plástica de la propuesta o hay algo más? En Steampunk, una estética retrofuturista descubriremos qué valores esconde este género que se resiste a desaparecer.
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Dans les œuvres de sa maturité, Velázquez est insaisissable. Il est avec Phidias, de tous les maîtres souverains, celui qui se dérobe le plus complètement dès qu'on veut définir son œuvre et pénétrer dans son intimité. Son langage se confond avec celui des phénomènes naturels aussi absolument qu'il est possible. Quand il s'agit de Velázquez, nous ne retrouvons plus les points de repère habituels qui nous servent à fixer notre émoi et à caractériser notre impression. Les notions purement verbales de lignes, de taches, de volumes où nous allons puiser quand nous voulons définir d'un seul mot le génie des Florentins, des Vénitiens, des Hollandais, s'effacent et deviennent confuses dès qu'on cherche à les appliquer à l'œuvre du maître espagnol.
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Una lectura política sobre la cultura com a camp de conflicte, control i resistència.Contra l’obediència. Per acabar amb els consensos de l’art és un assaig crític que analitza com l’art ha estat progressivament neutralitzat pel poder i integrat en relats institucionals que el presenten com a patrimoni, bellesa inqüestionable o espai de consens. A partir de referents de la teoria crítica, la filosofia política i la història de l’art —de Benjamin i Adorno a Rancière, Arendt o Tolstoi—, Joan Maria Minguet qüestiona la submissió cultural amb què mirem l’art del passat i denuncia el paper de museus, acadèmia i discurs patrimonial en la desactivació del conflicte. El llibre defensa el dissens com a condició democràtica i reclama una relació amb l’art no reverencial, no obedient i políticament conscient.Lluny de qualsevol nostàlgia o idealització de la rebel·lia, Contra l’obediència combina pensament teòric i casos concrets de pràctiques artístiques que incomoden el sistema i en posen en evidència les contradiccions: de l’art urbà i la performance política a formes de retirada, interferència i sabotatge simbòlic. Amb una escriptura incisiva, clara i sense concessions, el llibre interpel·la lectors del món de l’art, la cultura i el pensament crític, però també qualsevol persona interessada a entendre com es construeixen els consensos culturals, a qui serveixen i per què qüestionar-los és ara més important que mai.
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* Una historia de la pintura accesible y entretenida. * Una presentación cronológica y de los artistas clasificados por movimientos, escuelas o estilos. * Focos temáticos para identificar los movimientos artísticos, reconocer los símbolos y descubrir los entresijos de los museos. Una historia de la pintura narrada a través de los artistas y sus obras, que se descifran paso a paso: salpicada de paréntesis instructivos y paralelismos gratificantes, para comprender cómo se ha construido este gran fresco universal ininterrumpido, desde Giotto hasta Banksy. Un trabajo clave que reúne los fundamentos y conocimientos que permiten descifrar una pintura cargada de referencias.
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La exposición Oro tejido con paja es el resultado de una invitación por parte del equipo de La Casa Encendida a la comisaria Beatriz Alonso a trabajar con artistas activos en España que, debido a su fecha de nacimiento, anterior a 1965, no pudieron aplicar a la convocatoria de Generaciones, destinada a artistas menores de 35 años. La muestra presenta la obra de Elena Mendizabal y Joan Rom, dos artistas cuya práctica es principalmente escultórica, muy activos en sus respectivos contextos, el País Vasco y Cataluña, en las décadas de los años ochenta y noventa del pasado siglo. La exposición reúne una selección de sus trabajos más recientes, algunos inéditos, en diálogo con una pieza de una etapa más temprana. Con textos de Beatriz Alonso, Caterina Almirall, Oihana Garro, Manel Clot, Elena Mendizabal y Joan Rom.
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José Jiménez ha llevado a cabo una exhaustiva tarea de revisión y anotación de los textos, fijando la terminología para su mejor comprensión en nuestra lengua.Duchamp supo anticipar los nuevos horizontes el arteen el mundo actual. En su trabajo las obras, las imágenes y los objetos elegidos, los textos, y su desdoblamiento en un alter ego femenino como Rose Sélavy, se integran en una misma unidad.
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Peter Halley (Nueva York, 1953) se dio a conocer a mediados de los años ochenta en Nueva York como impulsor del movimiento neoconceptualista. ''Escritos sobrearte'' ofrece al lector la primera traducción al español de una selección de sus ensayos más innovadores,así como una muestra de algunos de sus escritos más personales, como su primer encuentro con Andy Warhol
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Voici quatre‐vingts planches, de dimensions moyennes, feuilles volantes, destinées à circuler commodément, des espèces de placards de satire et de fantaisie. Elles ont été exécutées de 1793 à 1797, à une époque où l’Europe se débat dans les convulsions de la fin d’un monde. Leur titre, Les Caprices, pourrait faire croire qu’il n’y ait là que le passe‐temps d’un grand peintre. Mais, derrière ce mot innocent, se dissimule une virulence occulte, si bien que le sens de certaines planches nous paraît encore aujourd’hui très énigmatique.
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Cuando la armonía y la composición estética se unen a sesgos de género, procedencia o clase social, modelan inconscientemente nuestra mirada. Deconstruir estas imágenes nos permite ver que hay otros modos de composición, otros encuadres y planos que forjan una realidad más amable con los otros, compartida. No solo la creatividad de las mujeres ha sido ignorada y expropiada, sino que siglos de educación visual han jerarquizado nuestros modos de ver, acostumbrándonos a identificar lo vertical, ordenado y heroico con lo sólido, duro, seco y masculino y lo blando, horizontal, fragmentado, húmedo y subalterno con lo femenino. Este libro reivindica la necesidad de una alfabetización visual que nos enseñe a ver ''más allá'' para liberarnos del relato artístico hegemónico. Y, como alternativa, nos propone un encuentro con la práctica artística y un conocimiento del proceso de creación incluyente, cognitivo y corporal, sensorial, contextualizado. En suma, deconstruir el arte violento para reconstruir el arte como vinculación humana.
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Aprende a dibujar de forma realista las luces y sombras de diversos temas (figuras humanas, pliegues, objetos y paisajes, entre otros) a partir de sus principios básicos explicados con sencillez: la relación entre la fuente de luz y los volúmenes, la proyección de las sombras, la perspectiva y la dramatización de la luz, los valores tonales y la representación de las texturas. En esta pequeña guía cada concepto está explicado con detalle e ilustrado profusamente para facilitar un proceso de aprendizaje progresivo.
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Publicado con motivo de la exposición El Greco. Santo Domingo el Antiguo, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 18 de febrero y el 15 de junio de 2025.Las nueve pinturas realizadas por el Greco para el convento toledano de Santo Domingo el Antiguo, su primer encargo en España, fueron la carta de presentación del pintor en Toledo y figuran entre las más memorables de toda su producción artística. Las obras realizadas para los tres retablos de la iglesia deslumbraron en su día por su calidad y su audacia, y contribuyeron decisivamente a forjar una estrecha relación entre el convento y el artista, que eligió enterrarse en él.El conjunto comenzó a dispersarse en 1830, con la venta de la Asunción, la gran tela central del retablo mayor. Esta exposición reúne, por primera vez desde entonces, ocho de esas nueve obras que el Greco pintó entre 1577 y 1579.Este libro que acompaña a la exposición, a cargo de Leticia Ruiz, jefa del departamento de Pintura española del Renacimiento del Museo del Prado, hace un repaso completo a la historia de estas obras, desde su encargo por parte de Diego de Castilla (h. 1507-1584), deán de la catedral de Toledo, hasta su dispersión a partir del siglo XIX. El libro incluye además una parte de catálogo con las fichas comentadas y la reproducción de las nueve obras (ocho de ellas presentes en la exposición) que formaban los tres retablos.
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Amb les primeres avantguardes, Catalunya surt al món i transforma la història universal de l'art amb pintors com Picasso, Miró o Dalí. Però també molts altres artistes de gran nivell, com Togores, Torres-García o Barradas, que assoliran un prestigi majúscul en els centres de decisió de l'art europeu i nord-americà. Dirigit pel doctor Joan Maria Minguet i amb textos dels principals especialistes, Pintura catalana. Primeres avantguardes, reuneix, per primera vegada, una amplíssima selecció d'obres de 40 pintors i pintores avantguardistes de Catalunya, actualitzant els coneixements sobre els artistes més coneguts i reivindicant-ne molts d'altres que també van participar d'aquella gran revolució cultural: Garcia Lamolla, Ángeles Santos, Joan Massanet, Àngel Planells, Artur Carbonell o Joan Sandalinas, entre d'altres.
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Incòlume. Natures mortes del Segle d'Or
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Y, por otro lado, ¿qué revela el poshumanismo sobre la arquitectura que hacemos? Este libro documenta un proceso de investigación alrededor de estas cuestiones, y sugiere una hipótesis para pensar sobre ellas. Defiende que estamos ante un nuevo Romanticismo, un espíritu de trabajo y posicionamiento crítico que reconoce las interdependencias entre personas, animales, astros, tecnologías y minerales, entre otras y todas las partes que constituyen el cosmos, y que este espíritu se articula en una práctica interespecie. Los artefactos compilados en este libro —proyectos de arquitectura, textos literarios, aparatos tecnológicos, réplicas de fenómenos naturales, materiales de construcción, productos, obras de arte o de diseño, maquetas o prototipos— reflexionan sobre nuestra interdependencia con otros lugares, especies, materias e inteligencias.Textos de Mariana Pestana, Anna Bertmark, Bernardo Gaeiras, Carlos Pastor, Fernanda Costa, Katerina Iglezaki, Mariana Simões, Mathilde Gouin, Valentina Demarchi, Coletivo FIELD, Coletivo Frame, KWY.studio, Studio Ossidiana, SUPERFLEX
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Recopilación de las doce obras seleccionadas para el año 2015 en el marco de la actividad mensual 'Un mes, una obra', proyecto consistente en que el Museu selecciona una obra y encarga a un autor, especialista o investigador un texto centrado en un aspecto determinado del objeto escogido, mediante lo cual se amplía la documentación que el Museu tiene sobre las obras de su fondo.
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A lo largo de la Historia de Arte, desde la Grecia Arcaica hasta hoy, ha sido recurrente el uso de temas míticos e históricos nacidos en la Hélade y en Roma. Esculturas clásicas antiguas y cuadros renacentistas, frescos barrocos y filmografía actual han recreado, una y otra vez, las imágenes de los dioses del Olimpo -Zeus, Afrodita, Atenea, Apolo y tantos otros-, o se han interesado por las hazañas de Hércules, Aquiles o Ulises. Incluso los grandes hombres de la Antigüedad -Alejandro Magno, César o Cleopatra- han sido imaginados de una u otra forma, siguiendo la evolución de las mentalidades. Este libro aborda este amplio campo de conocimientos, saber qué textos griegos y latinos se han leído en cada época, cuándo ha interesado más un tema concreto, qué significado alegórico tienen aún hoy los distintos dioses y qué enfoque admite una leyenda o un tema histórico para cada artista.
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¿Qué secretos esconden las serpientes en los cuadros renacentistas? ¿Por qué el fuego representa tanto la destrucción como la redención? ¿Qué mensaje transmite realmente un simple espejo en una pintura medieval? Desde el Paleolítico hasta el arte contemporáneo, los símbolos operan como puentes entre lo visible y lo invisible, pero sin las claves adecuadas, nuestra experiencia artística se reduce a una contemplación superficial. En un mundo saturado de imágenes, hemos perdido la capacidad de leer los símbolos que dan profundidad al arte. Esta guía esencial desentraña el fascinante universo de significados ocultos que condensan las obras.
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Com l'esport i la natura et poden transformar la vida i ensenyar-te a superar-te dia rere dia.A partir de les seves vivències, Abel Carretero explica el procés de transformació personal que el va portar a anar viure al Pallars i convertir-se en corredor de muntanya. A través de les seves reflexions, l'autor desplega un relat autobiogràfic basat en la seva trajectòria esportiva en què aborda temes com la felicitat, la constància, la cultura de l'esforç, l'amistat, la identitat i la superació. La muntanya esdevé el fil conductor d'un viatge interior marcat per decisions valentes, aprenentatges constants i somnis assolits. En aquest llibre, Abel Carretero comparteix una mirada propera sobre com construir una vida amb sentit, fidel als valors que un té i connectat amb la natura.
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Painter, printmaker, theorist, and pioneer, Albrecht Dürer is the most important artist of the Northern Renaissance. His portraits of the noblesse made him famous, his drawings, watercolors, and prints elevated these mediums into serious art forms. This extensive monograph explores his dazzling range, extraordinary career, and enduring legacy.
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Rudolf Koch escribió una auténtica epopeya gráfica cuyos héroes son los signos. Fue un diseñador de tipografía alemán. También fue conocido por su trabajo como letrista calígrafo, tipógrafo e ilustrador. Trabajó muchos años para Klingspor Type Foundry donde diseñó tipos que lo lanzaron a la fama y continúan usándose hasta hoy. Los más conocidos son Neuland y Kabel.
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Aquest llibre vol proposar una visió personal de l'autor sobre l'art fet per les dones, recorrent els segles i reflexionant sobre les artistes dones que han treballat les diferents tècniques des de l'arquitectura fins a la miniatura, passant per la pintura o l'escultura. No s'hi parla només d'art fet per dones, sinó d'aquelles talentoses i coratjoses que han fet servir l'art com a mitjà per reivindicar un lloc en un món tradicionalment reservat als homes. Recorrent les pàgines del llibre es percep de quina manera les dones s'han anat afermant en el món de l'art, simplement com a artistes, ni més ni menys que els homes i en tot cas no menys pel fet de ser dones. Camille Claudel, Frida Kahlo, Dora Maar, Remedios Varo o Niki de Saint Phalle son alguns dels noms prestigiosos i reconeguts que el lector trobarà en aquest llibre de reflexió i de síntesi. La intenció de l'autor és treure de l'oblit el talent d'aquestes dones que han seguit una trajectòria personal silenciosa i discreta, imposada pels esdeveniments del moment. Avui l'art en femení és força present però l'art contemporani, el dels segles xx i xxi, ha tingut models femenins en el passat i aquest llibre els vol fer conèixer. Dones escultores, dones pintores, dones fotògrafes, dones artistes en general han estat capaces d'escriure capítols sencers de la nostra cultura i de fer-ho en femení. Convé mirar-ho, lloar-ho, analitzar-ho i veure fins a quin punt aquesta escriptura de l'art té una originalitat pel fet d'estar escrita amb lletres de dona.
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Mirant enrere, l’origen del meu enfocament artístic es remunta a un entorn en què l’art era considerat un hobby i no una professió. Com que el meu pare em va inculcar la idea fonamental que mai arribaria a ser artista, jo veia l’art com un mitjà i no com un fi.«Sí, pot ser que el meu art no tingui cap valor, però potser podria utilitzar les meves habilitats per crear alguna altra cosa que sí que en tingués.» Pot ser que, des de fora, la situació sembli una mica dura o trista, però aquesta ha estat sempre la meva realitat. Ara la veig a través del prisma de dues lliçons especialment valuoses... «La sensació era diferent de la d’un estat de fluïdesa habitual, que es basa més en la manca d’esforç. Era com un somni lúcid a la meva ment, tan realista que era com si estigués dibuixant a partir d’un model al natural.» Bryce Kho
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La regulación de las corridas de toros en España es, desde hace más de veinte años, un ejemplo más de ese binomio normativo que ha resultado del llamado Estado autonómico que diseñara la Constitución de 1978. Porque aunque exista en la materia una legislación estatal consolidada, suficiente y para nada obsoleta (la Ley 10/1991 y, sobre todo, su Reglamento, aprobado por Real Decreto 145/1996), son varias las Comunidades Autónomas que, en uso de sus competencias estatutarias sobre los espectáculos públicos, se han dotado de una legislación taurina propia. Y mientras que unas (Cantabria, Castilla-La Mancha, Comunidad Valenciana, Extremadura, La Rioja y Madrid) se han limitado, como parece acertado y hasta lo más oportuno, a regular sus festejos populares o tradicionales (igual ha hecho Cataluña, en paralelo a la prohibición allí de los toros), otras Comunidades (Navarra, País Vasco, Aragón, Andalucía y Castilla y León) también han reglamentado las propias corridas a celebrar en sus territorios, no sólo en cuanto a los trámites administrativos exigidos para organizarlas, los requisitos de las plazas o los derechos de los espectadores, sino también en lo que se refiere a su misma interioridad, como el sorteo de las reses, el desarrollo de los tercios o los trofeos para los diestros. Esta eidición actualizada de la Legislación taurina '' contiene, pues, toda esta regulación específica de las corridas de toros, completada con otras disposiciones con incidencia en ellas, como son, por ejemplo, el Real Decreto 60/2001, sobre Prototipo Racial de la Raza Bovina de Lidia, o el Convenio Colectivo Nacional Taurino, que, a su manera, también en mucho las condiciona. Esta nueva edición está totalmente actualizada y puesta al día.
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El Barroquista cierra su trilogía cultural Otra historia con la esperada OTRA HISTORIA DE LA MÚSICA. ¿Qué es la música?¿Por qué calma a los bebés?¿Cómo puede un solo acorde sacudir nuestras emociones, o un ritmo hacernos bailar de manera espontánea?¿Por qué, a pesar de su omnipresencia, la música es considerada muchas veces un ''arte menor''? La música está en todas partes: en las conversaciones cotidianas, en el ruido de la ciudad, en el bullicio de las calles y en los momentos de descanso. Es el lenguaje que nos conecta sin necesidad de palabras, nos emociona, nos moviliza y nos transforma. Desde los cantos de los esclavos africanos hasta la revolución del K-pop, pasando por la transgresión de Rosalía y la pureza matemática de Bach, la música ha sido el motor de historias, celebraciones y tragedias. Como en sus anteriores obras, Miguel Ángel Cajigal (El Barroquista) desmonta en este libro los prejuicios establecidos para desvelar los importantes roles sociales y culturales que la música ha jugado a lo largo de los siglos, mostrando su capacidad para trascender fronteras y cambiar la manera en que experimentamos el mundo. Este tercer volumen de la trilogía cultural Otra historia invita a reflexionar sobre la música como un lenguaje universal que conecta lo humano en su más amplio sentido: emociones, identidad y cultura. A través de una narración fresca y accesible, Cajigal nos ofrece una nueva perspectiva sobre cómo la música ha sido más que un simple acompañante y se ha convertido en un protagonista esencial en el relato de nuestra historia.
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Nuestra casa debería ser siempre nuestro hogar, transmitir lo que somos y aportarnos esa seguridad de estar en nuestra ''zona de confort''. Sin embargo, a veces vivimos en continua pelea con nuestro lugar de descanso, intentando adaptarnos a sus limitaciones y deseando otro espacio mejor o más grande. Este libro te enseña todos los trucos para conectarte emocionalmente con tu hogar y crear espacios adecuados y perfectos para ti partiendo de distintos supuestos. Partiremos de todos los casos, desde cómo elegir el lugar donde construir una casa, qué mirar cuando vas a comprar algo ya construido o cómo modificar tu propio hogar, cuando ya lo tienes. Con sencillos pasos y trucos, Kike te da las claves para que algo tan sencillo como cambiar un mueble o usar un color en un espacio concreto, pueda cambiar la percepción de las cosas y hacerte sentir más feliz y a gusto en tu casa.
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Balé literal, de Laura Lima, es una obra visual, performática, teatral y arquitectónica conformada por una multiplicidad de entes en forma de esculturas, pinturas y otros objetos. Realizado en 2019, el Balé literal tuvo lugar una única noche en A Gentil Carioca, una galería de arte del centro de Río de Janeiro. En aquel momento la instalación se construyó entre las dos salas de la galería situadas a ambos lados de una intersección de calles. Se colocaron dos bicicletas, una en cada edificio, y la fuerza generada por el pedaleo movía el hilo del que colgaban las obras y los objetos presentados. En 2023, Balé literal tuvo una segunda versión y la estructura se adaptó para instalarse en el interior del MACBA.La presente publicación se inicia con un largo recorrido visual que funciona como un paseo inmersivo por el universo que propone Laura Lima mediante esta «obra gigantesca, infinita y contramonumental», utilizando sus propias palabras. El libro incluye una conversación entre Elvira Dyangani Ose y Laura Lima, así como dos ensayos de Tania Rivera y Marcia Tiburi que permiten interpretar la obra en relación con el contexto político de Brasil, así como darnos algunas pistas sobre los conceptos y las estrategias que la artista pone en juego al activar toda la maquinaria que rodea al Balé literal. La publicación incluye, también, una descripción y referencias visuales de todos los elementos que conforman la instalación de Balé literal.La publicación consta de una sola edición en castellano e inglés, así como de un opúsculo con los textos en catalán.
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Sorprendente mezcla de dulce locura, de humor, de audacia, de curiosidad, de sutileza, de gusto literario, de propensión a la risa, de amor ciego por el arte, de virulencia y de sencillez, de vitalidad y de neurosis, de fantasía y de capacidad de análisis, el belga Félicien Rops (1833‐1898), personaje intrépido, de irreprochable nobleza, es un artista sin igual y, probablemente, sin sucesor.
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No pocas veces puede ocurrir que, paseando por la naturaleza, nos fijemos, con mayor o menor atención, en cuanto nos rodea: los árboles y los cursos de agua, las colinas y las construcciones, la luz y las nubes en sus infinitas transformaciones. Detenerse en un detalle o advertir varios a la vez no basta, sin embargo, para tener conciencia de estar ante un ''paisaje''.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
