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Libros de arte
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TU LUGAR DE TRABAJO ES MÁS IMPORTANTE QUE NUNCA. APRENDE CON MARIE KONDO A SACARLE EL MÁXIMO PARTIDO Y MEJORAR TU VIDA. El puesto de trabajo es un imán para el desorden y el caos. ¿Quién no se ha sentido agotado por reuniones improductivas, papeles revueltos, interminables correos electrónicos y tareas innecesarias? Todo esto consume tu motivación, limita tus posibilidades de progreso y socava tubienestar. La felicidad en el trabajo aplica el famoso método KonMari al espacio donde ejerces tu actividad laboral. Ofrece historias, consejos prácticos y estrategias para eliminar el desorden en el lugar donde trabajas y disfrutar de la productividad, el éxito y la felicidad que conllevan un entorno laboral y una mente ordenados. Los autores te guían mientras organizas tu vida laboral, ayudándote a desarrollar la confianza, a aumentar el éxito profesional y, por supuesto, a generar alegría.
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SI BUSCAS UNA ACTIVIDAD SENCILLA Y CONSCIENTE PARA DESARROLLAR TU CREATIVIDAD, ESTE ES TU LIBRO.Es muy fácil dibujar pequeñas fl ores con unos cuantos trazos y crear con ellas todo tipo de estampados, ramos, coronas... Todas las fl ores que encontrarás en este libro se desglosan en elementos simples que podrás reproducir sin problemas, y se acompañan de consejos para superar el miedo al papel en blanco e ideas para que puedas aplicar tus creaciones en cualquier proyecto que te propongas.Flores para dibujar paso a paso: Brezo, Espliego, Cosmos, Áster, Tulipán, Hortensia, Azucena, Paniculata, Anémona, Peonía, Maravilla, Narciso, Rosa, Margarita, Girasol, Violeta… y muchas más.
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¿Qué es el arte y por qué, incluso sin entenderlo, a veces nos hiere, nos calma o nos salva? La herida del arte nace de una pregunta que atraviesa siglos y disciplinas, pero que aquí se formula desde un lugar íntimo, la experiencia emocional. A través de un recorrido que va desde las primeras manifestaciones artísticas hasta la cultura visual contemporánea, Raquel (Delgado de los Mozos) explora el arte no como objeto elitista ni como simple entretenimiento, sino como una forma profunda de comunicación humana.Apoyándose en la estética, la psicología, la sociología y la historia del arte, este libro propone una mirada accesible y honesta sobre por qué el arte sigue importando, incluso, o especialmente, en una época saturada de imágenes y ruido. Lejos de definiciones cerradas, estas páginas invitan a detenerse, a sentir y a recuperar la confianza en la propia mirada. La herida del arte no busca responder qué es el arte, sino acompañar al lector en el descubrimiento de aquello que una obra despierta cuando logra tocarnos. Porque, al final, el arte no se explica del todo, se experimenta. Y a veces, duele. Y a veces, ilumina.
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Aprende a dibujar de forma realista félidos, cánidos, úrsidos, équidos, bóvidos, cérvidos, lepóridos, peces y aves de acuerdo con los principios fundamentales de su representación: simplificar los volúmenes, detallar las formas del cuerpo y la cabeza, adaptar las proporciones y el pelaje o el plumaje según la especie. A través de más de 165 ilustraciones y numerosos ejemplos explicados paso a paso, esta pequeña pero completa guía proporciona las bases necesarias para dibujar animales con la mayor precisión.
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A partir del surgimiento de la fotografía en 1840, seprodujo un cambio sin antecedentes en la historia dela representación que generó nuevas formas de intervenir la realidad. De este modo, se inauguró lo que Sorlin acuñó como “el siglo de la imagen analógica”. Tomar una fotografía, encender la televisión son para nosotros actos ordinarios que ejecutamos sin reflexionar. Sin embargo, los aparatos de registro gráfico pertenecen al universo de la máquina y, como todas las invenciones de la era industrial, alborotaron viejos hábitos. Nuestro ojo es un aparato óptico que reflejalo que se encuentra frente a él. Sin embargo, los seres humanos no perciben lo que registra la mirada. Privilegian en su entorno lo que responde a su propia curiosidad e interés.
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Peter Halley (Nueva York, 1953) se dio a conocer a mediados de los años ochenta en Nueva York como impulsor del movimiento neoconceptualista. ''Escritos sobrearte'' ofrece al lector la primera traducción al español de una selección de sus ensayos más innovadores,así como una muestra de algunos de sus escritos más personales, como su primer encuentro con Andy Warhol
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Desde la invención de la fotografía en 1839, gran parte de las contribuciones aportadas por las mujeres han caído en el olvido, dejando su legado en los márgenes de la historia. En los últimos tiempos, esta visión sesgada ha ido evolucionando gracias al rescate historiográfico de numerosas aficionadas o profesionales, partícipes habituales en las distintas etapas del proceso creativo (investigadoras, fotógrafas, retocadoras, auxiliares, etc.). En ''Retratadas'', Stéphany Onfray ofrece un enfoque novedoso analizando los inicios del medio fotográfico desde el prisma del género. Gracias a una lúcida relectura de la relación que las féminas mantuvieron con la cámara, no ya como operadoras, sino como retratadas, propone nuevas líneas de reflexión para desmantelar los discursos hegemónicos que históricamente las han confinado en un papel de observadoras pasivas. Mediante un exhaustivo examen de la cultura visual y material decimonónica, desde la pintura, la literatura o el teatro, pasando por la prensa y una incipiente industria de la moda, la autora explora cómo, gracias a la capitalización de su propia imagen y por lo tanto de su cuerpo, las mujeres desplazaron las fronteras entre los sexos, empezando a ser parte de un diálogo cultural y social que no solamente redefinió los límites de género, sino que favoreció una visión más contemporánea, afectiva y artística del objeto fotográfico.
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¿Qué futbolista extranjero conoció el flamenco cuando llegó a Nervión, no lo entendía en un principio y luego le gustó? ¿Qué entrenador favorecía una salida semanal de la plantilla, con cena y copas hasta una hora prudente? ¿Qué dos leyendas del Sevilla terminaron en calzoncillos y en la calle tras un terremoto? ¿Qué mediocentro foráneo es un entusiasta del salmorejo que le prepara su suegra? Preguntas curiosas y llamativas. Las respuestas a estas cuestiones, y a muchas más de este tipo, las encontrará en este libro dedicado al programa A Balón Parado, espacio que comenzó a emitirse en septiembre de 2011 en SFC TV, bajo la dirección y presentación del periodista Roberto Arrocha, y que conforma hoy, con un estilo ameno, peculiar y humano, el particular diván de los protagonistas del Sevilla F. C.
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Publicado con motivo de la exposición El Greco. Santo Domingo el Antiguo, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 18 de febrero y el 15 de junio de 2025.Las nueve pinturas realizadas por el Greco para el convento toledano de Santo Domingo el Antiguo, su primer encargo en España, fueron la carta de presentación del pintor en Toledo y figuran entre las más memorables de toda su producción artística. Las obras realizadas para los tres retablos de la iglesia deslumbraron en su día por su calidad y su audacia, y contribuyeron decisivamente a forjar una estrecha relación entre el convento y el artista, que eligió enterrarse en él.El conjunto comenzó a dispersarse en 1830, con la venta de la Asunción, la gran tela central del retablo mayor. Esta exposición reúne, por primera vez desde entonces, ocho de esas nueve obras que el Greco pintó entre 1577 y 1579.Este libro que acompaña a la exposición, a cargo de Leticia Ruiz, jefa del departamento de Pintura española del Renacimiento del Museo del Prado, hace un repaso completo a la historia de estas obras, desde su encargo por parte de Diego de Castilla (h. 1507-1584), deán de la catedral de Toledo, hasta su dispersión a partir del siglo XIX. El libro incluye además una parte de catálogo con las fichas comentadas y la reproducción de las nueve obras (ocho de ellas presentes en la exposición) que formaban los tres retablos.
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Libro publicado con ocasión del recorrido Un paseo botánico por el Prado, celebrado en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 28 de octubre de 2024 y el 30 de marzo de 2025.El presente volumen fija su atención en treinta especies botánicas representadas en otras tantas obras del Museo del Prado: pinturas y esculturas destacadas de la colección permanente, como El jardín de las delicias del Bosco, El descendimiento de Van der Weyden o La Anunciación de Fra Angelico. Cada una de las treinta plantas va acompañada de un comentario de Eduardo Barba y de una ilustración botánica realizada por Juan Luis Castillo, así como de la reproducción completa y en detalle de la obra del Museo.En palabras de Eduardo Barba: «Muchas obras de arte rebosan de plantas. En otras, se encuentran un poco más escondidas. En todos los casos, la botánica es una parte indispensable del relato que el artista quiere narrar: hay flores que aluden a la dinastía de la persona retratada, hojas que resumen un sentimiento, árboles que transmiten a la escena cualidades que les son propias. Las especies escogidas podían estar presentes en el entorno del artista, incluso al pie de su taller de trabajo. Pero otras veces, y como fruto de las expediciones a distintos lugares del mundo, se incorporaban plantas exóticas que provenían de países lejanos y que enriquecían la flora artística, especialmente a partir del siglo XVI. De cualquier manera, las obras de arte dejan constancia de la fascinante capacidad de observación del medio natural de los artistas, que retrataban las plantas con delicadeza, como si fueran un personaje más».
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Sirva Picasso para recorrerlo con la pregunta que rige estas páginas: la que indaga en las fuerzas con las que la pintura conquista su saber más propio —ni recibido ni transferible—, el que consiste en resistirse con furia y determinación al sentido verbalizado. ¿Qué saben, entonces, las obras de Picasso de tal modo que su voluntad de poder radique en no prestarse a decirse? Saben poseerse en sus fuerzas páthicas, trágicas, plásticas. Tres nociones —y tres regímenes sucesivos en el conjunto de su obra— referidas a cómo aprenden a hacerse presencias. Para confrontarse con las mañas del usurpador, para «quitarse de encima» —pintar para quitar— cuanto no contribuya a la culminación plástica de las líneas, las formas, los colores, arrancando las figuras a la figuración, para conseguir que los profanadores permanezcamos fascinados y ofuscados, rebajados a no poder entender. Las imágenes emergen, así, plenas de insolencia, soberbias, vengadoras, dionisíacas, demoníacas, destructoras del sentido y sus distancias. Enloquecedoras de todo atisbo de racionalidad definitoria. Heráclito, Aristóteles, Kant, Nietzsche, Bachelard, Deleuze, Lyotard…, nos prestarán sus útiles para merodear el corpus ingente de Picasso, resultando de estos encuentros entre lo plástico y los teóricos una potencia inexpugnable, dichosamente ajena a las retóricas del museo. Un Picasso imprevisto.
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Una valiosa y estimulante colección de ensayos, críticas y entrevistas de la influyente autora de Todo sobre el amor.«Debe haber una revolución en nuestra forma de ver, en nuestra forma de mirar». En esta colección de ensayos, críticas y entrevistas, bell hooks responde a los diálogos vigentes sobre la producción, la exposición y la crítica del arte y de la estética en un mundo cada vez más preocupado por la política de identidad. La autora comparte su propia experiencia con el poder transformador del arte a la vez que explora temas que van desde el arte en la educación hasta la política del espacio o la imaginación como herramienta revolucionaria, y desde su perenne preocupación por la lucha liberadora, hooks analiza la política visual en el marco de cómo el arte puede ser una fuerza empoderadora y revolucionaria dentro de la comunidad negra. A través de diálogos con artistas como Carrie Mae Weems y Alison Saar, y del estudio de la obra de Jean-Michel Basquiat y Félix González-Torres, Pensar el arte se presenta como una obra generosa y expansiva que no deja de cobrar relevancia desde su primera publicación en 1995. Esta obra es una guía esencial para comprender la contemporaneidad, y un texto fundamental para cualquier lector interesado en crear y fomentar una cultura artística democrática.
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Painter, printmaker, theorist, and pioneer, Albrecht Dürer is the most important artist of the Northern Renaissance. His portraits of the noblesse made him famous, his drawings, watercolors, and prints elevated these mediums into serious art forms. This extensive monograph explores his dazzling range, extraordinary career, and enduring legacy.
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Aquest llibre vol proposar una visió personal de l'autor sobre l'art fet per les dones, recorrent els segles i reflexionant sobre les artistes dones que han treballat les diferents tècniques des de l'arquitectura fins a la miniatura, passant per la pintura o l'escultura. No s'hi parla només d'art fet per dones, sinó d'aquelles talentoses i coratjoses que han fet servir l'art com a mitjà per reivindicar un lloc en un món tradicionalment reservat als homes. Recorrent les pàgines del llibre es percep de quina manera les dones s'han anat afermant en el món de l'art, simplement com a artistes, ni més ni menys que els homes i en tot cas no menys pel fet de ser dones. Camille Claudel, Frida Kahlo, Dora Maar, Remedios Varo o Niki de Saint Phalle son alguns dels noms prestigiosos i reconeguts que el lector trobarà en aquest llibre de reflexió i de síntesi. La intenció de l'autor és treure de l'oblit el talent d'aquestes dones que han seguit una trajectòria personal silenciosa i discreta, imposada pels esdeveniments del moment. Avui l'art en femení és força present però l'art contemporani, el dels segles xx i xxi, ha tingut models femenins en el passat i aquest llibre els vol fer conèixer. Dones escultores, dones pintores, dones fotògrafes, dones artistes en general han estat capaces d'escriure capítols sencers de la nostra cultura i de fer-ho en femení. Convé mirar-ho, lloar-ho, analitzar-ho i veure fins a quin punt aquesta escriptura de l'art té una originalitat pel fet d'estar escrita amb lletres de dona.
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Desde un vestido de alta costura de Dior y una Barbie adornada con rosas hasta mosaicos antiguos y tarjetas de San Valentín victorianas, esta colección curada de más de 200 impresionantes imágenes celebra la flor más emblemática del mundo. Descubra las ex
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Mirant enrere, l’origen del meu enfocament artístic es remunta a un entorn en què l’art era considerat un hobby i no una professió. Com que el meu pare em va inculcar la idea fonamental que mai arribaria a ser artista, jo veia l’art com un mitjà i no com un fi.«Sí, pot ser que el meu art no tingui cap valor, però potser podria utilitzar les meves habilitats per crear alguna altra cosa que sí que en tingués.» Pot ser que, des de fora, la situació sembli una mica dura o trista, però aquesta ha estat sempre la meva realitat. Ara la veig a través del prisma de dues lliçons especialment valuoses... «La sensació era diferent de la d’un estat de fluïdesa habitual, que es basa més en la manca d’esforç. Era com un somni lúcid a la meva ment, tan realista que era com si estigués dibuixant a partir d’un model al natural.» Bryce Kho
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“Es mi proyecto explicar primero qué cosa sea la Belle za, habiendo de ella tan varias opiniones, y después, qué se entiende por Gusto: pues la mayor parte de los que han escrito sobre él no dan idea del sentido en que se toma esta palabra cuando se habla de Pintura, por lo que he procurado hacer inteligible esta voz, dando de ejemplos sacados de las obras de los más famosos Profesores.”
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Incòlume. Natures mortes del Segle d'Or
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Joan Miró encontró en los Estados Unidos un espacio de reconocimiento y libertad creativa. Este volumen, igual que la exposición que lo acompaña, sitúa la experiencia norteamericana del artista como eje central de su trayectoria.Así, se explica cómo Miró, en sus siete viajes a los Estados Unidos, conoció a artistas de distintas generaciones que admiraban su obra y se influenciaron mutuamente, tanto a través de sus creaciones como de los procesos de trabajo. Además, los encargos que realizó en Cincinnati o Harvard, las dos exposiciones monográficas en el MoMA, así como también el apoyo y la complicidad de su marchante Pierre Matisse y su amigo Josep Lluís Sert, fueron determinantes para impulsar el reconocimiento de Miró en los Estados Unidos.Con textos de: Dawn Ades, Beatriz Cordero Martín, Marko Daniel, Matthew Gale, Patricia Juncosa, Robert Lubar Messeri, Teresa Montaner, Dolors Rodríguez Roig, Élisa Sclaunick, Elsa Smithgall y Anne Umland.
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Recopilación de las doce obras seleccionadas para el año 2015 en el marco de la actividad mensual 'Un mes, una obra', proyecto consistente en que el Museu selecciona una obra y encarga a un autor, especialista o investigador un texto centrado en un aspecto determinado del objeto escogido, mediante lo cual se amplía la documentación que el Museu tiene sobre las obras de su fondo.
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Aquest llibre culmina la sèrie Tràfic d’idees, que, amb l’aplec ingent d’assaigs crítics i escrits diversos, esdevé una reivindicació de la tradició de l’avantguarda, però també d’altres figures heterodoxes i, alhora, el retrat d’un temps, de les segones avantguardes a la postmodernitat, a partir de la construcció d’un relat històric i cultural personal d’una generació d’artistes i companys de viatge.
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![Paolo Veronese [1528-1588]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwa4bd515c/images/large/1552097.77.jpg?sh=240 "Paolo Veronese [1528-1588]")
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Publicado con motivo de la exposición Paolo Veronese (1528-1588), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 27 de mayo y el 21 de septiembre de 2025.Tras las muestras dedicadas a los Bassano (2001), Tiziano (2003), Tintoretto (2007) y Lotto (2018), el Museo del Prado cierra con Paolo Veronese el ciclo expositivo dedicado a la pintura veneciana del Renacimiento, piedra angular de su colección.El catálogo propone un exhaustivo análisis en torno a la figura de Paolo Veronese (Verona, 1528 – Venecia, 1588), un pintor extraordinariamente reconocido y auténtico heredero de Tiziano. Ahonda en las líneas de investigación en torno a Veronese desarrolladas en las últimas décadas, como el afán por situarlo en contextos más amplios (Rafael, Tiziano, Tintoretto, Palladio, etc.), la relación con la clientela (pública o privada), con la arquitectura y la escenografía, el interés por el proceso creativo y el funcionamiento de la bottega, o su legado artístico.Para el Prado, Veronese es más que uno de los grandes nombres de la historia del arte, es un eslabón fundamental en una forma de entender la pintura veneciana, aquella que primó el color sobre el diseño y que constituyó el ADN de la antigua colección real y del actual museo.El catálogo se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la muestra, Enrico Maria Dal Pozzolo, profesor de la Università di Verona, y Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, seguida de once ensayos escritos por especialistas internacionales en la figura del pintor que analizan aspectos de su vida, su proceso creativo y su influencia cultural. Entre los ensayistas están Francesca Trivellato, Ana González Mozo, Michel Hochmann o Deborah Howard. A continuación, una extensa sección dividida en seis partes, precedida cada una de un texto introductorio, en las que se reproducen las 103 obras de la exposición y que recorren cronológicamente la trayectoria del pintor, situando a este además en relación con otros maestros de su tiempo. El libro se cierra con una extensa y precisa Cronología, una Bibliografía y un índice onomástico.
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Descubrimos un vínculo secreto entre el destino de estos bufones y los cuadros de Velázquez: ambos existen en función de una mirada. No tienen otra razón de ser que la de ser mostrados, pero mostrados como muestra el monstruo, como un guiño que plantea siempre un interrogante. El pintor nos ha encerrado a solas con estos “hombres de placer”, ante los cuales sentimos la misma desconfianza que ante los espejos, porque como éstos vacían nuestra vida de normalidad y la despojan de todos sus valores seguros.
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Au regard des amateurs, le Monochrome est considéré comme un « genre » pictural à part entière, un genre parmi les autres (Paysage, Nature morte, Portrait, etc.). Le présent ouvrage l’inscrit dans la longue durée d’une histoire qui a connu des formulations dont il évoque les principaux avatars ― ainsi que les rebonds décisifs. Spécialiste des humours d’avant‐garde, d’Alphonse Allais à Marcel Duchamp, Daniel Grojnowski a notamment publié Les Arts incohérents et le rire dans les arts plastiques, en collaboration avec Denys Riout (José Corti, 2015), ainsi que Fumisteries, de la marge au centre (Champ Vallon, 2023).
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Balé literal, de Laura Lima, es una obra visual, performática, teatral y arquitectónica conformada por una multiplicidad de entes en forma de esculturas, pinturas y otros objetos. Realizado en 2019, el Balé literal tuvo lugar una única noche en A Gentil Carioca, una galería de arte del centro de Río de Janeiro. En aquel momento la instalación se construyó entre las dos salas de la galería situadas a ambos lados de una intersección de calles. Se colocaron dos bicicletas, una en cada edificio, y la fuerza generada por el pedaleo movía el hilo del que colgaban las obras y los objetos presentados. En 2023, Balé literal tuvo una segunda versión y la estructura se adaptó para instalarse en el interior del MACBA.La presente publicación se inicia con un largo recorrido visual que funciona como un paseo inmersivo por el universo que propone Laura Lima mediante esta «obra gigantesca, infinita y contramonumental», utilizando sus propias palabras. El libro incluye una conversación entre Elvira Dyangani Ose y Laura Lima, así como dos ensayos de Tania Rivera y Marcia Tiburi que permiten interpretar la obra en relación con el contexto político de Brasil, así como darnos algunas pistas sobre los conceptos y las estrategias que la artista pone en juego al activar toda la maquinaria que rodea al Balé literal. La publicación incluye, también, una descripción y referencias visuales de todos los elementos que conforman la instalación de Balé literal.La publicación consta de una sola edición en castellano e inglés, así como de un opúsculo con los textos en catalán.
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Leer a manotrata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. También es un «elogio de la lentitud» aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos pinturas, esculturas, edificios, novelas, cómics, películas poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estímulos y de limitaciones. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia, producir es replicar los resultados aparentes de la creación en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario, un gesto de resistencia ante la mercantilización que impregna en nuestros días cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.
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No es posible adentrarse en la riqueza y complejidadde la Edad Media sin comprender el poder que duranteeste período histórico tuvieron las imágenes. Éstas no eran solamente representaciones de santos o de dioses: podían llegar a ser también su receptáculo. Las presencias divinas (y también los demonios) habitabanen las pinturas, relicarios y estatuas que poblaban la cultura visual del Medievo, generando largos debates teológicos sobre su verdadera naturaleza. Pero ¿cómo había llegado a convertirse en una religión idólatra cuando, en sus orígenes, el cristianismo rechazabade plano que las imágenes pudieran tener propiedadesmágicas?Este libro se propone entrar a fondo en este lejano mundo de la mano de los autores y creadores más destacados de su tiempo. Para ello, será necesario explorar la frontera entre magia y religión através de las imágenes sagradas, una frontera que enla Edad Media terminó por desdibujarse hasta hacerseimperceptible. Santos iconoclastas, exorcismos insólitos, complejos rituales, imágenes que cobran vida… serán algunos de los ingredientes de este insólito viaje a uno de los misterios más apasionantes de la EdadMedia.
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Catálogo editado con motivo de la exposición ``Lo tienes que ver. La autonomía del color en el arte abstracto`` del 28 de febrero al 8 de junio de 2025 en la Fundación Juan March, Madrid.
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Adéntrate en el fascinante mundo de la artista visual Eliza Ivanova. Eliza comparte los secretos de sus evocadoras creaciones y muestra cómo compone las líneas, las formas, los colores y las texturas que hacen que su obra sea tan dinámica. Original y sofisticado, el arte de Eliza ofrece nuevas revelaciones cada vez que se mira. Con pasión, combina herramientas tradicionales y digitales para capturar el movimiento y la narrativa propios del dibujo al natural. Con tutoriales paso a paso e información detallada sobre el proceso creativo y su trayectoria profesional, explicada por la propia Eliza, esta es una oportunidad única para ahondar en la cautivadora obra de esta talentosa artista..
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No pocas veces puede ocurrir que, paseando por la naturaleza, nos fijemos, con mayor o menor atención, en cuanto nos rodea: los árboles y los cursos de agua, las colinas y las construcciones, la luz y las nubes en sus infinitas transformaciones. Detenerse en un detalle o advertir varios a la vez no basta, sin embargo, para tener conciencia de estar ante un ''paisaje''.
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Por toda Italia, magníficos palacios dominan los paisajes urbanos, su grandeza evoca poder, intriga, riqueza y cultura. Este libro abre las imponentes puertas de los mejores de ellos, y guía al lector por un fascinante viaje a través de sus glorias arquitectónicas y fascinantes historias. Adéntrese, maravíllese con su esplendor y explore sus secretos.
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Una pequeña joya de la literatura dramática actual, (casi) un monólogo en el que no es difícil reconocer rasgos y gestos de los poderosos de nuestro tiempo. La Política ensaya para el retrato oficial que será el símbolo de su mandato. Aunque ha sido elegida democráticamente, preferiría ser una monarca con poder absoluto otorgado directamente por la mano de Dios. Sueña con la impunidad de sus acciones y con ser venerada incondicionalmente. Pero el pueblo se agolpa ante las puertas de su casa. Le piden explicaciones sobre la guerra, sobre los muertos de la costa, sobre la economía. Ella no está dispuesta a rendir cuentas, no cree que deba hacerlo, pero debe contener a la masa que amenaza su poder. La Política de Patricia Benedicto es un texto teatral que se lee como una novela, un relato que desvela las contradicciones de los líderes y que revela cómo el sueño del poder produce monstruos.
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Esta obra clásica sobre nuestra crisis medioambiental cuenta con una nueva introducción del autor, que repasa tanto los avances como el terreno perdido en la lucha por salvar la Tierra.Este apasionado alegato a favor de un cambio radical y renovador de la vida sigue considerándose hoy una obra pionera en los estudios medioambientales. El argumento de McKibben de que la supervivencia del planeta depende de un cambio filosófico fundamental en nuestra forma de relacionarnos con la naturaleza es más pertinente que nunca. McKibben escribe sobre el cataclismo medioambiental de nuestra Tierra, abordando cuestiones fundamentales como el efecto invernadero, la lluvia ácida y el agotamiento de la capa de ozono. Su nuevo prólogo aborda algunos de los últimos problemas medioambientales que han surgido durante las últimas dos décadas. El libro también incluye un nuevo apéndice de datos y cifras que analiza el progreso del movimiento ecologista.Más que un simple manual de supervivencia o un catálogo catastrofista de predicciones científicas, este clásico y conmovedor lamento sobre la naturaleza es una lectura obligada tanto para los entusiastas del medio natural como para los activistas y los ciudadanos preocupados por el medio ambiente.
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Partiendo del estudio de los mitos fundacionales acerca del origen y la naturaleza de la luz, de la visión y del invento de la imagen figurativa, el autor analiza con agudeza las principales manifestaciones prácticas en que se ha plasmado la expresión icónica en la cultura de la modernidad occidental, para desembocar finalmente en un nuevo mito, en el de penetrar en el interior de las imágenes, una aspiración arcaica que hoy tiene su manifestación más popular y expansiva en la tecnología de la Realidad Virtual Inmersiva.
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El 18 de juliol de 1573 Veronese va comparèixer davant la Inquisició acusat d'heretgia per una pintura del sant sopar. L'acusació, que assenyalava la introducció d'elements profans en un quadre religiós, posava sobre la taula el debat sobre la interpretació de les escenes bíbliques. Obligat per les circumstàncies, però empès per l'astúcia, Veronese va trobar una sortida amb un procediment inusual a l'època: titular el quadre Sopar a casa de Leví, remetent-se a un passatge menor de l'Evangeli, de manera que la blasfèmia es diluïa. Així, per la màgia del text escrit, el quadre canviava totalment de sentit sense retocar res del que s'hi representava. En el segle XIX, aquesta col·lisió de Veronese amb la Inquisició va esdevenir un model de l'enfrontament entre l'artista i el poder eclesiàstic, fet que permetia abordar el diàleg entre el sagrat i el profà. Ara sabem que la solució que Veronese va trobar per satisfer els inquisidors va significar una innovació a l'hora de resoldre els conflictes dogmàtics amb l'Església, a més d'un canvi substancial en l'àmbit de la interpretació artística.
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Antonio Allegri, conocido como Correggio (1489-1534), “es el Apeles de los Pintores modernos, pues poseyó como aquél la suma gracia del arte, y con sus singulares obras nos ha enseñado el camino de la perfección que debemos buscar en la práctica de la Pintura, y adonde se puede llegar en el efecto, y cuando se debe dar por acabada una obra.”
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
