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Libros de arte
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A través de sus numerosos retratos, hablan también Italia, el sur de Francia y, sobre todo, París.“¡El paisaje no existe!,” habría dicho Modigliani durante una discusión en París con Diego Rivera, que refiere Ramón Gómez de la Serna. Y sin embargo, Modigliani fue alumno en Livorno de Guglielmo Micheli, pintor de paisajes en la tradición italiana de los Macchiaioli. Y sin embargo, con Modigliani, a través de sus numerosos retratos, hablan también Italia, el sur de Francia y, sobre todo, París.
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Libera todo tu potencial artístico con 'Del pincel al píxel', la guía práctica definitiva para los artistas que hacen la transición de la pintura tradicional a la digital. Descubre el poder de las herramientas y técnicas de pintura digital, aprende a aplicar las habilidades tradicionales al medio digital y desa-rrolla tu propio estilo. Con explicaciones claras, ejercicios prácticos y consejos de artistas experi-mentados, este libro te enseñará a crear impresio-nantes obras de arte digitales, incluso si eres princi-piante en el mundo de la pintura digital. lníciate en el mundo de la pintura y da rienda suelta a tu creatividad con 'Del pincel al píxel: una guía práctica para iniciarte y dominar la pintura digital'.
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1874 est l'année de la premiàre exposition du groupe de peintres qui entrera dans l'histoire sous le nom d'« Impressionnistes », mais c'est aussi l'année de la 91e édition du traditionnel Salon de Paris de Peinture et Sculpture. Le journaliste et homme politique Ernest Duvergier de Hauranne (1843-1877), avec son compte rendu, plein de nuances et de sarcasme, des úuvres exposées au Salon Officiel, nous permet de saisir l'état de confusion et d'attente o- se trouvait alors l'art de la peinture en France.
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Quince ensayos breves de Colm Tóibín, escogidos entre los más de cuarenta que ha escrito sobre artistas y sus obras, constituyen este libro inédito sobre arte, y en especial sobre una determinada forma de mirar y dejarse cautivar, una forma de leer y también de narrar. Toda obra de creación, ya sea plástica o literaria, tiene un punto de partida, a veces simplemente una marca en una tela o una palabra en una página en blanco, un dispositivo que dispara la imaginación. Miró, Calder, Tàpies, Barceló, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... ponen en evidencia que la imaginación, cuando trabaja, siempre está sola, y que ese momento de concentración furiosa y única del acto creativo solo la inteligencia puede decantarlo o moderarlo. En el prefacio que abre el libro, Tóibín sugiere que seguramente debe a la pintura el hecho de haberse dedicado a escribir.
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“Nueva York, tus maniquíes descabezados están ya dormidos, vertiendo toda su ‘perpetua sangre’, que fluye como las ‘fuentes quirúrgicas de la publicidad’.'' Dalí (1942)Este libro reúne artículos publicados en Estados Unidos durante los años treinta y cuarenta que nos descubren las claves del innegable protagonismo de Salvador Dalí y de su versión del surrealismo en la cultura popular de ese país.
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Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado artístico para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.
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Un viaje caleidoscópico a través del mar, el arte y la vida. En 1520, Alberto Durero, el artista más famoso del norte de Europa, zarpó ansioso hasta Zelanda, una de las doce provincias costeras de los Países Bajos, para ver por primera vez una ballena. Nadie pintaba o dibujaba el mundo como él y sus representaciones capturaban el frágil espíritu de las bestias, las personas y la naturaleza. Su arte fue una revelación que ha perdurado hasta nuestros días: nos mostró quiénes somos y predijo nuestro futuro. Sin embargo, Durero estaba hundido en la melancolía: acababa de perder el respaldo de su mecenas, el sacro emperador romano, y deseaba conocer mundo. En este momento de su vida, la ballena se convirtió en su ambición final. Esta es la historia de un genio en busca de su propio Leviatán, y nadie mejor que Philip Hoare para relatar este fascinante viaje a través del arte y el mundo que nos rodea y que explora el fuerte vínculo entre la pasión creativa y la naturaleza, desde el taller de un visionario hasta el océano. Desfilan por sus páginas alquimistas medievales y poetas modernistas, emperadores excéntricos, almas rebeldes y artistas proféticos cuyas vidas y aventuras nos llevan a preguntarnos qué es real y qué es fantasía en el arte, y si este tiene el poder de salvarnos.
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Moriremos mirando recoge todos los textos del fotógrafo Alberto García-Alix, escritos entre 1987 y 2020, que abarcan diferentes géneros e intenciones: guiones, ensayos, cuentos, reflexiones y artículos sobre las grandes pasiones que le han acompañado la fotografía, los amigos, las motos, los tatuajes, la música, que conforman una obra marcada por un sangrante carácter autobiográfico. Más de 50 textos que van desde su primera colaboración en la revista Sur Exprés hasta el guion del vídeo De donde no se vuelve, pasando por los ensayos escritos para sus libros o sus textos para la revista El canto de la Tripulación. Un volumen imprescindible para conocer esta faceta del artista, un pacto con la palabra que corre paralelo a su evolución como fotógrafo.
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Pintora francesa muy celebrada en su época, especializada en pintura de animalesNacida en Burdeos pero crecida en París, Rosa Bonheur tuvo desde niña predilección por el lápiz y el pincel. Siendo adolescente, pasaba horas y horas en el Louvre, copiando a los grandes maestros. Pronto también descubrió su pasión por los animales.Rosa Bonheur acabará convirtiéndose en la más destacada pintora de animales de la pintura francesa de todos los tiempos, y su éxito será tal que cuanto cuadro completaba era de inmediato adquirido por coleccionistas, sobre todo, de Inglaterra y de los Estados Unidos.Pintora pionera, Rosa Bonheur fue también mujer adelantada por la independencia y libertad con que vivió su vida, con plena autosuficiencia económica y siempre junto a Nathalie, su compañera.
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Las imágenes construyen formas de vida: nuestras formas de vida. Sin que seamos conscientes de ello, en el origen de muchos de nuestros estados de ánimo, expectativas y renuncias se encuentran los mensajes que estas nos transmiten. Las imágenes son, por lo tanto, dispositivos de poder, herramientas que generan mecanismos de autoridad, fundamentalmente en nosotras mismas. Haciéndonos cargo de este poder, hemos partido del concepto de soberanía alimentaria para llevarlo hacia el consumo de imágenes: si la soberanía alimentaria consiste en el derecho a decidir cómo nos alimentamos, la soberanía visual consiste en el derecho a decidir nuestro propio sistema de consumo de productos visuales. A partir de los conceptos de consciencia, autogestión y autocuidado visual, así como lo que hemos denominado «semiótica interseccional», atendiendo de manera explícita a los ejes de género, raza y clase, este libro constituye una guía para aprender a autogestionar las imágenes que consumimos, en definitiva, para que seamos nosotras las que decidamos sobre las imágenes y que no sean ellas las que decidan por nosotras.
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En una época en la que, a la hora de invertir en un proyecto, priman los criterios de rentabilidad económica y en que la cultura en conjunto es pensada a partir de la ''economía creativa'', resulta vital comprender el análisis económico en materia cultural para percibir su alcance y también sus límites. Por eso es fundamental conocer sus reglas y los desarrollos que conlleva en el plano de las artes y de la cultura.
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La nostalgia de la belleza reúne varios ensayos del escritor napolitano Raffaele La Capria, recientemente fallecido a los 99 años. El derecho a no renunciar a un ideal de Belleza en el arte, a reivindicar cierto sentido del límite, junto a su defensa apasionada de la nostalgia por una Belleza natural maltratada, desaparecida, arrasada, constituyen el núcleo sensible del libro.Porque la de La Capria no es la vieja añoranza de los románticos: «Es una nostalgia que sirve para armar la memoria contra la resignación, es un combustible para alimentar la no adaptación. Es una nostalgia que sabeque las ciudades, las costas, los ríos, los paisajes, los cielos, los mares y las tierras han cambiado y se han degradado, y que la vulgar adaptación de los no-nostálgicos encuentra normal esta catástrofe. Contra este desencanto empuño mi nostalgia».
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Este catálogo de exposición reúne obras de tres artistas románticos: los noruegos Peder Balke (1804-1887) y Lars Hertervig (1830-1902), y el español Eugenio Lucas Velázquez (1817-1870), ofreciendo un paralelo entre sus respectivos paisajes para mostrar cómo plasmaron sus visiones interiores de la naturaleza a través de técnicas experimentales que, en cierta medida, anticiparon la manera suelta del Impresionismo y otros movimientos de la pintura moderna.
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A celebration of more than 100 major public art commissions throughout the New York transit system Contemporary Art Underground presents more than 100 permanent projects completed between 2015 and 2023 by MTA Arts & Design. This ground-breaking program of site-specific projects by a broad spectrum of well-known and emerging contemporary artists has helped to create a sense of character and place at subway and commuter rail stations throughout the MTA system. Among the featured artists are Yayoi Kusama, Kiki Smith, Nick Cave, Ann Hamilton, Xenobia Bailey, Jim Hodges, Alex Katz, Sarah Sze, and Vik Muniz. Of special interest is the discussion of fabricating and transposing the artist’s rendering or model into mosaic, glass, or metal, the materials that can survive in the transit environment. This is the definitive survey of the latest works of the internationally acclaimed MTA Arts & Design collection. On view 24 hours a day, the collection is seen by more than four million subway riders and commuters daily and has been hailed as ‘New York’s Underground Art Museum.’ The collection enlivens stations in all boroughs, with a myriad works by major contemporary artists executed in mosaic, glass, metal, and ceramic.
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El videoartista más influyente del arte actualBill Viola es uno de los artistas contemporáneos más populares. En las últimas décadas, sus video instalaciones, caracterizadas por combinar innovación tecnológica y temas clásicos, han sido expuestas en algunos de los museos más relevantes del mundo. Sin embargo, hasta la fecha, no existía un texto en castellano centrado en su figura. Este libro no se limita a cubrir este espacio, sino que propone una innovadora discusión sobre el poder que sus obras ejercen sobre el público.
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Hijo de un grabador y estudioso apasionado de técnicas y de artistas del grabado, Henri Focillon reservó una atención particular a las formas artísticas, a sus relaciones psicológicas y materiales, y a su comportamiento extremadamente concreto y funcional. Desde su publicación en 1934, 'Vida de las formas', fue saludada como un clásico de la cultura del siglo xx, así como un gran modelo de lectura de la obra de arte. En su concepción «sinfónica» de ésta, el problema principal para Focillon no fue tanto reivindicar una absoluta autonomía de la forma artística respecto a la época, el lugar y el ambiente en que se manifiesta, como proponer una suerte de morfología genética y asentar el concepto de mutación formal autónoma en el marco de materiales y técnicas en permanente cambio. El título del segundo ensayo, 'Elogio de la mano', es ilustrativo: las manos son el vehículo del genio, las que dan forma a una idea. Son la salvación del ciego, que sólo a través de ellas puede llegar a ver el mundo, mientras que para el vidente son el medio que le permite completar la percepción de las apariencias a través del tacto. Para indagar en la pregunta de por qué este órgano mudo y ciego nos habla con una fuerza tan persuasiva Focillon recurre al ejemplo de los artistas, los más destacados de los cuales le han prestado una atención extrema, pues en su obra proliferan los estudios de la mano. ¿Puede ser porque es lo más original y diferenciado que poseemos, aquello que más nos aproxima a las formas superiores de la vida? Completa esta edición 'Elogio de las lámpara, un bello texto desconocido del autor.Henri Focillon (Dijon, 1881 – New Haven, ee.uu., 1943) está considerado uno de los historiadores del arte más brillantes del siglo xx. Sus aportaciones teóricas resultan fundamentales dentro de la historiografía artística y, junto a Heinrich Wölfflin, es uno de los principales introductores del método de análisis formalista. Nacido en un ambiente de artistas, estaba destinado, como su padre, al grabado, pero una acusada miopía le impidió hacer de ésta su profesión. Tuvo una sólida formación clásica y humanística, y pronto manifestó una vocación por la historia del arte. Su tesis doctoral versó sobre la obra de Giovanni Piranesi y el grabado del siglo xviii en Venecia y Roma. Inició su carrera académica en Lyon, y posteriormente fue catedrático en la Sorbona, el Collège de France y la Universidad de Yale. Entre sus obras destacan: Piranesi (1918), Hokusai (1924), El arte de los escultores románicos (1931), La vida de las formas (1934), El arte de Occidente (1938) y El año mil (1942). En esta misma editorial se han publicado sus Cartas desde Italia (Elba, 2023).
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Este libro analiza las implicaciones estético-políticas de la presencia del cuerpo en las prácticas performáticas de los últimos años de la dictadura franquista. La performance, como estrategia estética, puede convertirse en un espacio de resistencia desde el que torcer la lengua para interrumpir la literalidad del discurso e imaginar visualidades periféricas. El cuerpo cita. Cita a aquellos cuerpos que lo precedieron y también a aquellos que lo circundan. Cita distintos aspectos de la realidad, los materializa y les «da cuerpo». Citar es hacer aparecer en el presente las imágenes de unos actos y el relato de quienes los cometieron. Citar implica recuperarlos y repensarlos desde posicionamientos feministas que contribuyan a cuestionar la historiografía del arte contemporáneo en el Estado español.
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La historiadora del arte Linda Nochlin sostenía que toda política del cuerpo es una política de género, específica de un determinado periodo y de ciertas prácticas artísticas. Un buen ejemplo es el presente libro, dedicado a exudar la masculinidad en la formación del franquismo: ¿cuál es el cuerpo bueno y cuál el malo? ¿Dónde empieza la gloriosa erección? ¿Cómo se reconoce a una babosa? ¿Cómo se representa al que se asesina? Mediante un itinerario trazado con mojones iconográficos presentes en numerosos formatos expresivos de la época (pintura, literatura, cine, escultura, cómic, arquitectura), Rivas Venegas construye un formidable artilugio iconológico con el que destapar el modo en que el otro (ese hombre sin hombría, esa furia sin tesón y flácida) fue creado por el franquismo durante la guerra y en los primeros años de su victoria. Pero lo notable en el argumentario funcional de este libro es que habla en presente, aunque el temperamento de su autor no lo haga obvio. Solo un ermitaño podría desconocer los renovados discursos supremacistas de género que se despliegan en la actualidad. Atenazados por lo que consideran una ''pérdida de sustancia'' y sujetos a una falsa imposibilidad natural de procesar la rica complejidad que proporciona el feminismo(s) y el fin de la heteronormatividad, estos nuevos profetas de la virilidad se presentan con yelmos sobre torreones o en postura de jarras llevando calzones deportivos y sudaderas militares sobre los picos de las montañas, repartiendo ceniceros y defendiendo la mística penetradora de la muerte taurina.
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Una amena lectura, con las claves estéticas para entender las obras de los más destacados artistas japoneses, desde la decorativista escuela Rinpa (Kōetsu y Kenzan) y el popular ukiyo-e (los primitivos, Utamaro, Hiroshige, Kyōsai y Yoshitoshi), hasta los pintores de las corrientes nihonga y yōga del siglo XIX y comienzos del XX, cuando el viejo arte se enfrentó con las nuevas corrientes llegadas de Occidente. Con edición crítica del profesor David Almazán y profusamente ilustrado, este libro es una ventana a una selección de artistas fascinantes, con los acertados comentarios de Noguchi, que nos facilitan su valoración.
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Aprenda a dibujar la figura humana en distintas poses y actividades. Hombres, mujeres, niños y adultos toman forma en esta guía paso a paso. Incluso los principiantes podrán crear grandes dibujos y los artistas con experiencia encontrarán mucho en lo que inspirarse. SUSIE HODGE es una apasionada de la enseñanza del arte e imparte talleres y da clases de Historia del Arte desde hace más de 17 años. Ha escrito e ilustrado numerosos libros de dibujo. También trabaja para la Royal Academy, la Tate (National Gallery of British Art) y el Victoria and Albert Museum realizando folletos y catálogos para visitantes, profesores y estudiantes. Vive en Westcliff-on-Sea, Essex.
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Está a punto de embarcarse en un viaje creativo por el mundo del arte, desde el antiguo Egipto y la Italia renacentista hasta la India mogol y la Australia aborigen, pasando por Leonardo y Lichtenstein, Miguel Ángel y Miró. A lo largo del camino podrá adm
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Imágenes del hombre sitúa la raíz de toda experiencia estética en el proceso de constitución y transmisión de imágenes humanas, máso menos globales, fragmentarias o difusas que actúan como contraste y punto de referencia en la construcción de nuestras vi
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Leonardo es el maestro de los rostros, de las anatomías, de las máquinas. Sabe con qué se hace una sonrisa puede ponerla en la fachada de una casa, en los repliegues de un jardín desmelena y ondula los filamentos de las aguas, las lenguas del fuego...ö
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Una extraordinaria selección de obras de artistas detodo el mundo, del siglo XVII hasta la actualidad, que ponen el foco sobre la fi gura del perro. De Goya aSally Muir pasando por David Hockney o Marie Laurencin, las distintas miradas artísticas, combinadas conbreves textos sobre las obras, los movimientos y lasrazas, nos acercan a nuestra concepción del mundo canino, así como a las relaciones que se tejen entre elser humano, el arte y el mundo animal.
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L'autor F. Xavier Martí, arquitecte apassionat de l'art, descriu l'evolució de la pintura des de Giotto fins a Rothko. Estructurada com a guia de viatge, analitza una obra de cada autor, els precedents, les influències rebudes, les repercussions posteriors i les característiques iconogràfiques i iconològiques, tot aprofitant per traslladar-nos al moment de la seva realització i conèixer l'entorn social de l'època. El llibre ens dona una visió dinàmica de l'evolució de la pintura durant els sis segles i mig que separen les obres d'en Giotto i d'en Rothko, analitza els factors més rellevants presents en el procés evolutiu de la pintura i palesa la relació directa existent entre la producció artística i els canvis que ha anat experimentant la societat en aquest mateix període, per deixar al descobert el fil conductor que uneix i explica de forma coherent les etapes successives. Giotto di Bondone · Masaccio · Piero della Francesca · Leonardo da Vinci · Raffaello Sanzio · Michelangelo Buonarroti · Agnolo Bronzino · Pieter Brueghel el Vell · Michelangelo Merisi da Caravaggio · Peter Paul Rubens · Rembrandt Van Rijn · Giambattista Tiepolo · Jacques-Louis David · Francisco de Goya y Lucientes · Caspar David Friedrich · F. V. Eugène Delacroix · J. M. William Turner · Jean-François Millet · Utagawa Hiroshige · Édouard Manet · Claude Monet · Paul Cézanne · Vincent Van Gogh · Henri Matisse · Pablo Ruiz Picasso · Georges Braque · Ernst Ludwig Kirchner · Vassili V. Kandinsky · Kazimir Malévich · Piet Mondrian · Marcel Duchamp · André Masson · Jackson Pollock · Mark Rothko
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'Cuando Picasso murió leí en una revista que había hecho cuatro mil obras maestras en su vida y pensé: ''Caramba, yo puedo hacer eso en un día'''', de este modo reflexionaba Andy Warhol a propósito de Picasso en su libro ''La filosofía de Andy Warhol'', aparecido en 1975. Hacía poco que había muerto Picasso, productivo hasta el final, obsesionado hasta entrados los años 60 del siglo XX con el tema del pintor y la modelo: el artista de la tradición clásica, que se codea con los grandes maestros, que vuelve la mirada hacia ''Las Meninas'' y las multiplica, las convierte en serie, imágenes de las culturas populares que desacralizan el mundo y que fascinaron a tantos artistas desde las primeras décadas del XX. También Picasso cayó bajo el hechizo de esa cultura popular que construyó una relación diferente con la visualidad tal y como se había conocido hasta entonces. De esas culturas populares Picasso aprendía la técnica para construir una imagen en la cual la obra, el personaje, el retrato de ese personaje, la biografía misma... tienen algo de fabuloso proyecto autobiográfico que, igual que ocurre con Dalí, forma parte de una compleja y calculada maniobra que parte del artista, con su imagen siempre bajo control. Sentado ante la pantalla translúcida de Clouzot en ''Le mystère Picasso'' de 1955, Picasso pinta. Pinta y borra. Corrige y las formas se van metamorfoseando. Entonces es un gran maestro, rico y aclamado por todos, como siempre deseó ser. Pese a todo, a pesar del éxito y del cuidado a la hora de diseñar su propia imagen en el ''proyecto Picasso'', una duda última surge frente a este hombre ya mayor que aprendió casi todo del cine, del circo, del vodevil..., una posibilidad de lectura más que, como siempre ocurre con Picasso, reta a nuestra audacia.
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Un libro de geopolítica cultural y de historioterapia «Occidente ha olvidado el alma hispana que lo vio nacer. Ya es hora de que reencuentre sus raíces y con él todos aquellos que vivimos divididos y de espaldas a los demás y a la verdad. Este libro contribuye decididamente a esa tarea». Marcelo Gullo, profesor argentino. «El Sacro Imperio Romano Hispano, que describe con acierto Alberto G. Ibáñez, nos incluye a todos: indígenas del norte al sur, españoles, criollos, negros mestizos y mulatos. Es un homenaje merecido a la primera operación civilizatoria multicultural de la Historia». Alfonso Borrrego, biznieto del último caudillo apache Gerónimo. «Ibáñez es un intelectual de gran talla: su lectura es urgente e importante. En el Sacro Imperio Romano Hispánico (SIRH), nos hace palpar la grandeza de nuestro legado y abre vías hacia un futuro pleno». Carlos Leáñez, profesor venezolano. «El autor, tras sus exitosos ensayos anteriores, no defrauda con un nuevo estudio serio, innovador y, sobre todo, fascinante. Con este libro el modelo hispano recupera su trayectoria y avanza una vez más hacia el Plus Ultra»
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Un texto breve y apasionante, polémico, en el que se articulan los ejes principales de la gran pintura italiana. Tres protagonistas fundamentales por encima de los nombres más consagrados: Giotto, Piero della Francesca, Giovanni Bellini. Con ellos, Paolo Uccello, Antonello da Messina, Miguel Ángel y los grandes venecianos, también Caravaggio. La narración de Longhi rompe los esquemas preestablecidos y se aventura en una articulación histórica original. Si algo le preocupa es mirar las obras y analizarlas en esa mirada: su argumento prescinde de los elementos externos y trata de precisar con rigor los caracteres de su plasticidad. En 1914, cuando solo tenía veinticuatro años, Roberto Longhi redactó esta síntesis de la historia de la pintura italiana para uso de los estudiantes del liceo en el que impartía clase. Reproducida en numerosas ocasiones, se convirtió en un texto legendario que solo muchos años después sería publicado, que ofrecemos en traducción castellana. Como ha dicho su introductor, Cesare Garboli, aquí está en embrión el Longhi posterior. Un embrión apasionante y polémico, que se lee «de un tirón», casi como si fuera una novela.
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Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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Alquimia y alquimistas siempre han estado rodeados de un profundo misterio. Los y las alquimistas, auténticos «filósofos del fuego» encerrados en sus laboratorios, que en ocasiones saltaban por los aires por el uso de componentes inflamables y explosivos, guardaban celosamente sus secretos en busca de la Piedra Filosofal, la transmutación de los metales vulgares en oro, la culminación de la «boda alquímica» y el secreto de la inmortalidad, el codiciado elixir de la vida. Aunque entre sus búsquedas también se encontraba la creación de remedios caseros para aliviar la melancolía, realzar la belleza o combatir el insomnio. Ahí, en este Gran Arte, está el origen de buena parte de la química moderna, pero sus influencias e inspiraciones se extendieron al mundo del arte y la filosofía ocultaMaría Pandiello (Donostia, 1981), licenciada en Filología Románica, doctora en Historia del Arte y especialista en manuscritos y libros impresos de los siglos XV y XVI, logra desentrañar brillantemente las claves, en principio tan impenetrables, de este arte que en gran medida era también una filosofía, y nos muestra un fascinante mundo hermético, poético y alegórico, repleto de códigos, símbolos y trampas visuales, cuyos protagonistas fueron artífices de biografías con frecuencia escurridizas, tan deseados como temidos y, en ciertas épocas históricas, incluso perseguidosVisiones de fuego. Historia ilustrada de la alquimia recoge una cuidada selección de algunos de los manuscritos alquímicos más importantes, reproducidos en láminas de apabullante belleza, desde el siglo XV hasta el XIX, con la llegada de la ciencia moderna y su método científico, así como la aparición del ocultismo contemporáneo que logra que la alquimia, a partir de entonces, se asocie erróneamente con el mundo oculto, la nigromancia o la magia negra.
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* El mundo del arte contemporáneo puede resultar desconcertante hasta el extremo: enormes sumas de dinero y una nómina mundial de artistas que abordan una gama ilimitada de enfoques. ¿Por dónde empezar a desentrañar este panorama? * La comisaria y escritora Natalie Rudd se abre paso a través de la jerga artística para explicar diversos aspectos del arte contemporáneo (incluida la variedad de enfoques, disciplinas y temas) y cuestiones como la personalidad del artista, la ética de la creación y el potencial del arte para mejorar el mundo y provocar cambios políticos. * Una perspectiva internacional y multinarrativa que comienza por resumir y contextualizar el importante legado artístico del siglo XX que conforma la práctica reciente. En cada capítulo se aborda una cuestión central con el apoyo del análisis de obras relevantes y visualmente atractivas. En la sección de referencia se ofrece una serie de recursos de valor incalculable, entre ellos consejos sobre cómo interpretar el arte contemporáneo, dónde encontrarlo y cómo relacionarse con la escena artística de su entorno. Explicaciones sucintas, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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En sus cuadros más valiosos se advierte, en las figuras tan bien proporcionadas, con sus justas vestimentas antiguas y sus graciosos peinados, que mucho estudió a Rafael, que de Correggio tomó la pureza de las actitudes y la propiedad de las posturas, y del Parmigianino, la gracia y el aspecto de los rostros. Tiernos y carnosos son sus angelillos, y siempre las figuras están perfectamente perfiladas, y los drapeados son magníficos y acertados, y los desnudos profundamente estudiados, mostrando gran inteligencia en el pintar bellos torsos. Y, mejor que ningún otro, supo hacer las cabezas mirando hacia arriba.
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« Degas, le peintre de la vie moderne, s'affirme un pur classique qui, quelque étonnante que la constatation en puisse paraître, s'apparente beaucoup plus aux anciens qu'aux modernes, aux primitifs qu'aux contemporains. Il forme le chaînon qui rattache le passé, la bonne et solide tradition, à l'avenir, il la prolonge magnifiquement. Avec Manet, il libère la peinture du XIXe siècle des contraintes pédantes et routinières, des entraves de l'enseignement académique, des formules ressassées à satiété, du convenu, du faux, du mensonger. A eux deux, ils la ramènent à l'observation directe. »o. Esta incre¡ble e improbable experiencia es también, entre otras dimensiones, pol¡tica. Anuncia un pensamiento, o mejor, sin prometerla, una puesta a prueba de lo pol¡tico. estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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La teoría poscolonial ha influido muy significativamente en la historiografía actual y en la evolución de la crítica arquitectónica contemporánea en particular. Este volumen estudia la contribución de Homi K. Bhabha al discurso y el proyecto de arquitectura. Sus conceptos y sus frecuentes analogías con la arquitectura hacen que su obra resulte atractiva para los arquitectos y los profesionales de otras disciplinas creativas. Centrado en la publicación más aplaudida de Bhabha, El lugar de la cultura, el presente libro explica de manera sencilla parte de la terminología que Bhabha emplea en sus escritos -traducción, ambivalencia, hibridez y Tercer Espacio, junto con lo performativo y lo pedagógico-.Este libro es una introducción perfecta a las teorías de Bhabha y a su utilidad para desafiar muchos supuestos sobre la arquitectura contemporánea. Nos invita a reflexionar sobre la arquitectura contemporánea en general, no sólo en los contextos colonial y poscolonial.
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El poeta José Ángel Valente y el cineasta Gonzalo Suárez, reunidos por Susana Chillida para reflexionar en torno al arte, el artista, la obra y el proceso creador. Un verso de un poema de Valente, «el gato es pájaro», les da pie para armar este diálogo en torno a «esa cuestión intangible que podemos llamar arte», que a veces, recuerdan ambos, es «una bofetada», una llamada a mirar y «ver cosas que se quedan en la sombra». En esta conversación estos dos creadores tienen de fondo a Eduardo Chillida, a quien ambos conocieron en distintos momentos de su vida y al que admiraban profundamente. Las palabras de ambos mantienen plena vigencia y nos recuerdan que, en el arte, como en todo en la vida, hay que «seguir el vuelo de los grandes».
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Modigliani es sobre todo un pintor de retratos: es un retratista.''Lo que busco no es lo real, ni lo irreal, sino lo Inconsciente, el misterio de la instinctividad del ser, decía a propósito de sus retratos, o también: ''Los personajes de Cézanne, como las estatuas antiguas, no tienen mirada. Los míos, por el contrario, ven: ven aunque no les pinte las pupilas.''Este libro recoge retratos que Modigliani pintó de sus amigos y recuerdos que de Modigliani escribieron sus amigos.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
