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Libros de arte
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Sopa de tomate contra un Van Gogh, manos pegadas a los marcos de un Goya. ¿Vandalismo ciego o el acto de protesta más lúcido de nuestro tiempo? En este ensayo tan deslumbrante como provocador, el historiador del arte Manu Martín argumenta con una contundencia arrolladora que la profanación de los símbolos no es un sacrilegio, sino una herramienta histórica de protesta y crítica sin parangón. «Una herejía ilustrada» que demuestra que, para rescatar el arte, a veces hay que «atacarlo». Con la precisión de un bisturí, Martín disecciona el concepto de «Patrimonio» para revelarlo como lo que a menudo es: una poderosa «religión civil». Una fe que nos enseña a venerar una cultura de élites mientras esteriliza las obras en templos-museo. Frente a esta liturgia, reivindica un patrimonio vivo, y por lo tanto político, que lejos de ser un panfleto se muestra como un riguroso recorrido histórico que va desde las «hogueras de las vanidades» del florentino Savonarola, hasta las sufragistas que acuchillaron la «Venus del espejo» para defender los cuerpos reales de las mujeres, llegando a los activistas que hoy usan el Prado y otros museos como altavoces globales. Martín demuestra que estas acciones no atacan el arte, sino que lo utilizan -además, sin dañarlo de manera real- para devolverle la vida que la institución les ha arrebatado. «Contra el patrimonio» es un manifiesto que nos invita a cometer el acto más liberador: dejar de rezar ante la cultura para empezar a usarla. Una obra valiente, polémica y destinada a convertirse en una referencia ineludible para entender las batallas culturales de nuestro presente.
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Este libro explora la contribución de las artes y de la creatividad en Educación Infantil. Además estudia el papel de los talleres de artes y del profesorado de educación artística en las escuelas de Educación Infantil de Reggio Emilia. Lo hace a través de la experiencia de Vea Vecchi una de las primeras especialistas de educación artística en Reggio Emilia. Esta obra construida como memoria, conversación y reflexión proporciona una perspectiva única del trabajo pedagógico de este proyecto que sigue siendo una fuente de inspiración para todo el profesorado de Educación Infantil así como para quienes planifican las políticas educativas en cualquier parte del mundo. El texto de Vea está lleno de ejemplos muy significativos, atrapa a sus lectoras y lectores con la narración de la historia de estos talleres y la evolución del papel del profesorado. Algunos temas clave tratados en el libro son: - Procesos de aprendizaje y construcción del conocimiento, - La teoría de los cien lenguajes de la infancia y el papel de las poesías, - La importancia de la organización, de los métodos de trabajo y de las herramientas, - La contribución del ambiente físico, - La relación entre talleres, especialistas en artes, la escuela y el profesorado. Esta obra tan clarificadora es una lectura muy recomendada para estudiantes, profesionales, responsables de la Administración Educativa, para quienes investigan en Educación Infantil y también para quienes trabajando en otros campos educativos estén interesados en la relación entre las artes y el aprendizaje. Vea Vecchi trabajó como profesora en la Escuela Municipal Infantil Diana, en Reggio Emilia durante más de treinta años, realizando investigación pedagógica y documentación en todos los lenguajes de los niños y niñas. En la actualidad trabaja como asesora de la asociación y proyecto educativo “Reggio Children”
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Existen dos herramientas fundamentales en la vida y la obsesión de cualquier artista: la luz y el color. Este libro no pretende ofrecer solo recetas sobre cómo mezclar los colores ni se limita a describir las técnicas de iluminación. Este libro, eso sí, contesta las preguntas más frecuentes que se hacen los artistas: ¿Qué pasa con los colores del cielo durante la puesta de sol?, ¿cómo varían los colores según la distancia?, ¿cómo conseguimos que una forma parezca tridimensional? Una obra escrita pensando en profesionales del arte de todos los tipos, aquellos interesados en el enfoque realista tradicional y también para los que sienten curiosidad por las estructuras y misterios del mundo visual. Su autor, James Gurney, recurre a su experiencia como pintor al aire libre e ilustrador científico, y comparte rigurosa y abundante información sobre herramientas tan importantes. Manual para artistas tradicionales y digitales de cualquier nivel, esta guía viene a llenar el gran vacío que hay entre la teoría abstracta y el conocimiento práctico. Ya trabaje con pinturas o con píxeles, ya use la realidad o la imaginación, da lo mismo, en ambos casos esta será una de sus inevitables referencias sobre la esencia y los fundamentos de la luz y el color.
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* Una caja que abre la puerta al vasto mundo de los pigmentos, perfecta para quienes aman el color en todas sus dimensiones: técnica, histórica y artística. * Cada una de las 52 tarjetas presenta en su anverso un color, su historia, composición química, producción y uso, y en el reverso, una obra de arte relevante que destaca dicho pigmento. Cada pigmento va acompañado de una muestra de color visual, sumamente práctica para los artistas. * A través de una presentación variopinta de la historia de la pintura, constituye una experiencia fascinante para quienes disfrutan del arte y también para quienes lo practican. Incluye pigmentos históricos y culturales diversos, empleados desde la prehistoria hasta el arte contemporáneo. Facilita una comprensión íntima e inmediata de los materiales que los grandes artistas han utilizado a lo largo del tiempo. Ideal para artistas que quieren conocer el trasfondo de sus materiales, aficionados al arte que disfrutan explorando historia y técnica, o estudiantes de Bellas Artes y museos como herramienta didáctica.
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El catálogo Antoni Tàpies. La práctica del arte, editado junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, recoge los textos del comisario, Manuel Borja-Villel, la conservadora del Buffalo AKG Art Museum, Cathleen Chaffee, el comisario y crítico de arte Carles Guerra, y el historiador del arte y comisario de exposiciones Pedro de Llano Neira, así como fragmentos de las entrevistas realizadas al artista por Manuel Borja-Villel y Barbara Catoir en los años 1995 y 1988, respectivamente.
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Meaning Matter Memory es una extensión de la colección de obras de arte del Studio Museum, creadas por artistas afrodescendientes. Hermosas ilustraciones de obras significativas de más de 250 artistas se acompañan de textos originales de más de 100 voces del mundo del arte, incluyendo escritores, académicos, artistas y críticos (Como Thelma Golden, Connie H. Choi, Mary Schmidt Campbell, Kinshasha Holman Conwill, and Lowery Stokes Sims, entre otros) Celebrando una multitud de voces, medios, estilos y épocas artísticas, este manual ofrece una mirada a los profundos y múltiples logros artísticos de los artistas negros durante más de 200 años. El libro exhibe y promueve un principio fundamental de la misión del Studio Museum: servir como guardianes de la obra —antigua, nueva y aún por crear— de los artistas afrodescendientes.Incluye trabajos de: Derrick Adams, Emma Amos, Jean-Michel Basquiat, Romare Bearden, Jordan Casteel, Elizabeth Catlett, Nick Cave, Samuel Fosso, Theaster Gates, Cy Gavin, Barkley L. Hendricks, Arthur Jafa, Rashid Johnson, Simone Leigh, Glenn Ligon, Julie Mehretu, Wangechi Mutu, Gordon Parks, Martin Puryear, Faith Ringgold, Betye Saar, Augusta Savage, Tschabalala Self, Lorna Simpson, Mickalene Thomas, Kara Walker y Carrie Mae Weems, entre muchos más.
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Si nos tomamos en serio el papel de la fotografía enla cultura contemporánea como estructura básica de lamayor parte de las imágenes que vemos, descubriremosque su calado no ha dejado de aumentar desde la providencial aparición histórica del daguerrotipo
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La Historia del arte ha sido un éxito de ventas mundial que en este 2023 cumple 70 años desde su primera publicación. Es la introducción al arte mejor y más popular jamás escrita, publicada en todo el mundo en más de 30 idiomas. Atraídos por la sencillez y claridad de su escritura, lectores de todas las edades y procedencias han encontrado en el profesor Gombrich a un verdadero maestro, que combina conocimiento y sabiduría con un don único para comunicar su profundo amor por la materia.Actualizado con una nueva portada impresionante y un prefacio escrito especialmente por la nieta del profesor Gombrich, Leonie, este formato de bolsillo permite que la obra clásica de Gombrich continúe su progreso triunfal para otra generación y siga siendo el título de primera elección para todos los recién llegados al arte y su historia.La posición de Sir Ernst Gombrich en el mundo del arte y su popularidad entre los expertos y un gran número de lectores en general no tienen rival. Nacido en Viena, llegó a Londres en 1936 para trabajar en el Instituto Warburg, donde se convirtió en director desde 1959 hasta su jubilación en 1976. Ganó numerosos honores, incluido el título de caballero, la Orden del Mérito y el Goethe, Hegel y Premios Erasmo.
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Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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Los divertidos y sencillos libros de la serie Dibujar en 10 pasos están diseñados especialmente para aspirantes a ilustradores, dibujantes y aficionados al arte. Ayudarán a los nuevos artistas a familiarizarse con las nociones de dibujo básicas para que puedan aprender a hacer obras de arte con soltura. Dibujar en 10 pasos: Flores y plantas silvestres enseña a dibujar más de 50 especies botánicas diferentes paso a paso, desde plantas de interior y frutas hasta flores silvestres, plantas del bosque y hongos. La explicación básica sobre los materiales necesarios y el repaso general de las técnicas para colorear completan esta magnífica introducción al dibujo de una gran variedad de plantas.
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Saca al artista que llevas dentro: solo es cuestión de práctica y algunos buenos consejos¿Te gustaría saber dibujar? Este libro te ofrece 60 actividades para descubrir y practicar sencillas técnicas de dibujo que, además, te invitan a pensar de manera creativa. Las páginas que tienes entre manos están repletas de ejemplos y útiles consejos para aprender a dibujar objetos 3D, a añadir perspectiva, movimiento y sombras a tus dibujos, a crear un paisaje urbano o incluso un autorretrato. Si siempre has sentido curiosidad por el dibujo, pero has topado con la página en blanco y has desistido, ¡No sé dibujar! es tu libro. Verás que las posibilidades son infinitas y que, en realidad, ¡sí sabes dibujar!¿A quién va dirigido el libro ¡NO SÉ DIBUJAR!?Este libro está dirigido a todas aquellas personas que desean aprender a dibujar, independientemente de su nivel de experiencia previa. Se presenta como una herramienta accesible para principiantes, ofreciendo una introducción amigable al mundo del dibujo. Su enfoque práctico y las actividades propuestas lo hacen ideal para niños mayores de 12 años y adultos que buscan explorar su creatividad sin la presión de una formación académica formal. La sencillez de las técnicas y la progresión gradual de las actividades permiten a cualquier persona, incluso a quienes se consideran carentes de talento artístico, desarrollar habilidades básicas de dibujo y disfrutar del proceso creativo.Temas que trata el libro ¡No sé dibujar!El libro ¡NO SÉ DIBUJAR! se centra en el aprendizaje práctico de técnicas de dibujo básicas a través de 60 actividades. Los temas que abarca incluyen:Técnicas de dibujo básicas: El libro introduce y explica de forma sencilla técnicas fundamentales para el dibujo, como el manejo del lápiz, el trazo, la perspectiva, el sombreado y la representación del movimiento. Se proporciona una guía paso a paso para cada técnica, facilitando su comprensión y aplicación.Dibujo de objetos en 3D: Se enseñan métodos para representar objetos tridimensionales en una superficie bidimensional, utilizando la perspectiva y el sombreado para crear una ilusión de profundidad y volumen.Perspectiva: Se exploran los principios básicos de la perspectiva para representar el espacio y la profundidad en los dibujos.Movimiento: Se abordan técnicas para representar el movimiento en los dibujos, dando vida a las figuras y escenas.Sombras: Se explican las técnicas de sombreado para añadir volumen y realismo a los dibujos.Creación de paisajes urbanos: Se incluyen actividades para dibujar paisajes urbanos, aplicando las técnicas aprendidas para representar edificios, calles y otros elementos del entorno.Autorretratos: Se guía al lector en la creación de un autorretrato, combinando las técnicas aprendidas para representar la propia imagen de forma creativa.Desarrollo de la creatividad: A lo largo del libro se fomenta la creatividad del lector, invitándolo a experimentar y a encontrar su propio estilo. Las actividades están diseñadas para estimular la imaginación y la expresión personal.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro ¡NO SÉ DIBUJAR!Aún no hay opiniones o críticas sobre ¡NO SÉ DIBUJAR!.
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La otra cara de la historia del arte. Un relato de modelos y artistas«Una curaduría feminista contra el arte de la invisibilidad».Paula Jiménez España, Página/12 Reinas, amantes, lolitas, prostitutas, bailarinas... Hasta no hace mucho, en la historia del arte las mujeres solo podían ser modelos: profesionales como Kiki de Montparnasse en las fotografías de Man Ray o musas por azar como Victorine Meurent, la Olympia de Manet. Iconos de las vanguardias como la alocada Henrietta Moraes, que inspiró a Bacon y Lucian Freud, o la surrealista Claude Cahun, quien en 1930 proclamó: «Neutro es el único género que me viene bien». De la sonrisa de la Gioconda al color de la piel de Cleopatra, la cabellera de la Venus de Botticelli o el vello púbico que pintó Courbet y fascinó a Lacan, el misterio de sus identidades obsesionó a ladrones, moralistas y académicos. Sus rostros y sus cuerpos pautan aún hoy un ideal de belleza. Modelo durante décadas, Teresa Arijón revisita la historia del arte en este libro excepcional que es a la vez novela, ensayo y crónica, y también un registro sensible y sensual del paso del tiempo en el que los roles se invierten y es la modelo la que retrata al artista. La crítica ha dicho:« Un relato de modelos y artistas. De musas que no siempre quisieron serlo. El otro lado del espejo de la Historia del Arte».Ángeles Caso «Detiene su mirada de escritora y de experimentada modelo para artistas sobre aspectos de la pintura que ni imaginábamos. [...] Nos abre puertas para pensar, comprender y, sobre todo, para querer saber más sobre las relaciones entre pintores y modelos. ¿No es eso lo que le pedimos a un buen libro?».Mercedes Cebrián «Un texto poético y una mirada original».Daniela Pasik, Clarín «Desde una escritura que entrelaza la autobiografía y la crónica, Teresa Arijón funde su experiencia como modelo de artistas durante veinte años para indagar en cuerpos femeninos adorados y sancionados a lo largo de la historia del arte, una exploración que atraviesa centurias y desarma conceptos».Marina Sepúlveda, Télam «Una historia que se narró a sí misma con el sesgo del retratista y no del retratadx encuentra a lo largo de este exquisito libro su revancha [...]. Podría decirse que lo que Arijón hace a lo largo de sus páginas es una curaduría feminista contra el arte de la invisibilidad».Paula Jiménez España, Página/12 «Pone voz a aquellas que pusieron el cuerpo y se hicieron eternas, como a la vez, va cosiendo esos relatos con sus propias experiencias».Juan Batalla, Infobae «Un regocijante acto de justicia artística revisitando la historia del arte en una serie de retratos, ensayos y crónicas que corren el velo sobre las vidas extraordinarias de muchas de esas mujeres».Matilde Sánchez, Revista Lengua
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Un recorrido esencial por el mundo de la historia del arte. Si te haces un lío entre el Rococó y el Manierismo o entre el Modernismo y el Impresionismo, este pequeño libro, muy práctico y accesible, te llevará de la mano a través de las distintas corrientes y épocas artísticas de la historia. Entiende de una vez la diferencia entre los órdenes arquitectónicos clásicos (dórico, jónico y corintio), y disfruta de las mejores obras artísticas de la historia de la humanidad a la vez que aprendes a situarlas en su contexto histórico y etapa artística. Descubre cómo la evolución de la historia del arte ha esculpido la sensibilidad artística actual y la forma en la que entendemos hoy el arte.
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A lo largo del libro se produce un movimiento cíclico que comienza y termina con el archivo familiar de los de Waal, haciendo un repaso por muchos textos publicados en libros y revistas ya descatalogadas y de imposible acceso para el lector. El libro comienza en Odessa en 2009 y termina en París en 2021, entre medias aparecen las respuestas a los archivos de poetas, artistas y lugares que Edmund de Waal ama.
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El ojo del pintor, de John Banville, es el cuarto libro de la colección Escribir el Prado, tras El vigilante de sala, del Premio Nobel J.M. Coetzee, El nivel de aire, de Chloe Aridjis, PEN/Faulkner Award for Fiction (2020), y Refugio, de la Premio Nobel Olga Tokarczuk. Este relato ha sido escrito en el marco del programa de residencias para escritores organizado por el Museo Nacional del Prado con el patrocinio de la Fundación Loewe y en colaboración con Granta en español. La estancia de John Banville en el museo tuvo lugar en septiembre y octubre de 2024.
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Las plantas han estado presentes a lo largo de los siglos en el arte. El Museo del Prado aloja obras con algunas de las representaciones botánicas más bellas de grandes maestros. El Bosco, Tiziano, Botticelli, Velázquez o Goya nos deleitan con claveles, caléndulas y milenramas.Eduardo Barba nos las muestra en un relato de identidad, de memoria y de tiempo, aspectos enraizados en la historia del arte. Pero en estas páginas también encontraremos viajes, museos y jardines de otros países y experiencias vitales, seducidos por el atractivo de una mirada atenta.
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¡Domina los fundamentos: luz y forma, color, composición, perspectiva, profundidad y anatomía humana! Más consejos de expertos, más técnicas clave y obras instructivas mejoran este best seller, título que no puede faltar en la estantería de ningún artista. Tanto si trabajamos con medios tradicionales como si usamos medios digitales, entender la base del arte en sí mismo es esencial para conseguir resultados atractivos y sólidos. Las reglas del mundo real hacen que el arte conceptual sea mucho más creíble, mientras que una comprensión clara de los principios de larga tradición puede elevar un tema clásico a nuevos niveles de éxito. Esta imprescindible edición actualizada está escrita e ilustrada por expertos pertenecientes a una amplia variedad de entornos creativos. Desmitifica los elementos cruciales del arte, al mismo tiempo que una selección especialmente elegida de obras artísticas detalla la forma en que artistas increíblemente profesionales han aplicado estos fundamentos sobre el lienzo con ingenio. Mantén cerca este recurso de alta calidad, tanto si eres un principiante que busca un libro que tenga de todo como si eres un artista experimentado que quiere repasar la teoría y las técnicas. Aprende de algunos de los artistas profesionales de mayor talento pertenecientes a las industrias del arte y el entretenimiento, que ofrecerán consejos, conocimientos y métodos de sus áreas de trabajo. Observa cómo se ponen en práctica los principios, con obras en proceso de elaboración, diagramas encargados especialmente y casos prácticos muy esclarecedores en «Fundamentos aplicados...».
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Ser creativo para vivir mejorLa creatividad no solo se trata de dejar tu marca en un papel. Se trata de ver el mundo de una manera un poco diferente, y de expandir tu imaginación a lo que podría ser. 365 Días de creatividad te motivará para nutrir y hacer crecer tu potencial creativo en todas las áreas de tu vida. A través de ejercicios prácticos y diarios y la fijación de objetivos, Lorna Scobie te muestra cómo experimentar, explorar y dejar ir tus inhibiciones artísticas, animándote para buscar inspiración creativa dondequiera que vayas, desde en las nubes en el cielo a los rostros en la cafetería de tu ciudad. Ya seas un novato, un aficionado a los doodles, o un artista experimentado, 365 días de creatividad estimulará tu imaginación y te ayudará a poner un poco de creatividad en tu día a día.¿A quién va dirigido el libro 365 DÍAS DE CREATIVIDAD?Este libro está dirigido a un público amplio, sin importar su nivel de experiencia artística. Tanto principiantes como aficionados o artistas experimentados encontrarán en él una herramienta útil para estimular su imaginación y desarrollar su creatividad. Es ideal para quienes buscan incorporar la creatividad en su vida diaria, ya sea a través de ejercicios sencillos o proyectos más ambiciosos. La obra se presenta como una guía accesible para todos aquellos que deseen explorar su potencial creativo en diferentes áreas de su vida.Temas que trata el libro 365 días de creatividad365 DÍAS DE CREATIVIDAD propone una serie de ejercicios prácticos y diarios diseñados para fomentar la creatividad. A través de la fijación de objetivos, el libro guía al lector en un proceso de experimentación y exploración artística, animándole a superar las inhibiciones y a buscar inspiración en su entorno cotidiano. Los temas que se abordan incluyen:Ejercicios prácticos diarios: El libro ofrece una actividad creativa para cada día del año, fomentando la constancia y el hábito de la creación. Estas actividades abarcan diversas técnicas y estilos artísticos.Superación de inhibiciones: La obra se centra en ayudar al lector a superar el miedo al fracaso y a la autocrítica, animándole a experimentar sin prejuicios.Búsqueda de inspiración: Se fomenta la observación del entorno como fuente de inspiración, invitando al lector a encontrar la creatividad en los detalles cotidianos.Desarrollo del potencial creativo: El libro busca ayudar al lector a desarrollar su potencial creativo en todas las áreas de su vida, no limitándose únicamente al ámbito artístico.Fijación de objetivos: Se propone la creación de objetivos creativos para guiar el proceso de aprendizaje y desarrollo artístico.Experimentación y exploración: Se anima al lector a experimentar con diferentes técnicas y materiales, explorando su propio estilo y preferencias.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro 365 DÍAS DE CREATIVIDADLas opiniones sobre 365 DÍAS DE CREATIVIDAD destacan su capacidad para despertar la creatividad y ofrecer una variedad de actividades amenas. Se describe como un libro entretenido y genial para desarrollar la creatividad, recomendado para personas de todas las edades. Los lectores valoran positivamente la variedad de ejercicios y la facilidad con la que se pueden realizar, considerándolo una herramienta útil para impulsar la imaginación y generar nuevas ideas. Algunos comentarios lo califican como un libro bonito y útil para poner en práctica la imaginación y la creatividad, incluso como disparador para nuevos proyectos.
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La historia de Genji ilustrada. Un recorrido visual por la obra maestra de las letras japonesas. El Genji Monogatari, cima de las letras japonesa y obra maestra universal, nació alrededor del año mil en el refinado y sofisticado mundo de la corte imperial. Su autora concibió un colorido cosmos de relaciones humanas protagonizadas por apuestos príncipes y hermosas damas, que pueblan un escenario de elegantes palacios, suntuosos aposentos y delicados jardines, y definió los ideales morales y estéticos de la cultura japonesa. A finales del siglo xix, en un Japón que se modernizaba a marchas forzadas, Ogata Gekko buscó inspiración en el estilo clásico para su serie Cincuenta y cuatro capítulos del Genji. Estas exquisitas estampas publicadas entre 1892 y 1895 ilustran los episodios más célebres de la novela de Murasaki Shikibu y proclaman el indiscutible talento artístico de su autor. Ogata Gekko ilustra un pasado elegante y refinado que sigue latiendo en el corazón del Japón actual, y que ha definido la esencia de la estética japonesa de ayer y hoy.
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Manual de referencia para artistas y diseñadores, esta nueva edición de este clásico sobre combinación cromática revisa todas las bases de la teoría del color y se actualiza con nuevos colores, paletas y herramientas que te permitirán ganar seguridad en tus elecciones cromáticas. Contenidos principales: El círculo cromático Cómo usar el color La carta de colores El proceso Aspectos del color Combinaciones cromáticas ¿Cuál es tu color? Efectos especiales para colores Estados de ánimo y color Psicología del color Tendencias cromáticas Tabla de conversión de cuatricromía Muestras de color
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Este catálogo se publica con motivo de la exposición ''José María Yturralde, Una línea de papel'' en el Museo Fundación Juan March de Palma del 18 de febrero al 24 de mayo de 2025 y en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca del 12 de junio al 12 de octubre de 2025.Dedicada al dibujo y los demás trabajos con y sobre papel de José María Yturralde (Cuenca, 1942), la exposición recoge la línea ininterrumpida trazada por el artista sobre el papel desde los comienzos de su carrera artística. Incluye dibujos, maquetas, proyectos y ensayos, cometas, dibujos preparatorios para las diversas series en las que el artista ha ido articulando su trabajo, pruebas de delineación y color, maquetas para carteles, fotografías y sus experimentos con distintas técnicas de impresión, desde los realizados en computadores en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense hasta las recientes impresiones digitales de su serie Enso.
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El ensayo más célebre de uno de los intelectuales y pensadores más decisivos de la historia del arte contemporánea. Las páginas del presente libro abarcan un vastísimo período que va de la era clásica a la contemporánea. Sin limitarse únicamente a señalar y comentar textos pertenecientes explícitamente a la denominada literatura artística, esta rica y amplia investigación ofrece una pormenorizada historia de las ideas, de las teorías, de las apreciaciones, de la toma de posición que atañe al arte figurativo desde hace siglos. La actitud de los críticos, de los pensadores, de los artistas es analizada con la intención de destacar el curso cambiante de las reflexiones sobre el arte y hacer emerger sus momentos cruciales, restituyendo así la condición misma del arte a lo largo de la historia. Reseña:«El gran Lionello Venturi, en Historia de la crítica del arte, lamentaba la dicotomía planteada, en el mundo moderno, entre historia y crítica de arte. Tal conflicto, años después de su advertencia, continúa vigente.»Francisco Calvo Serraller, El País
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El primer libro de los populares divulgadores de Arte compacto, un pódcast sobre arte con una perspectiva distinta, abordará algunos de los salseos amorosos más interesantes y curiosos del arte.¿Qué pensó este o aquel artista cuando creaba su obra de arte? Es lo que nos preguntamos muy a menudo cuando paseamos por un museo o una exposición. Pues bien, a veces, estos artistas pensaban en... otros artistas. Y de eso va este libro, de líos, amoríos y otros affaires que han surgido entre grandes artistas y que los han hecho musos y musas los unos de los otros: Picasso y Dora Maar, Francis Bacon y sus muchos amantes, Edward Hopper y Josephine Nivinson, Robert Mapplethorpe y Patti Smith y otros muchos salseos que han dado lugar a las grandes obras que todos conocemos.
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El moment de la mort, per breu que sigui, es projecta cap a l'eternitat. Tots, com Aquil·les, podem ser «literaturitzats» i la nostra memòria pot perdurar més enllà de la nostra mort. A Breu tractat sobre la mort i la bellesa Albert Mestres revisa les manifestacions artístiques - pintura, literatura, música, cinema- que han tractat la mort de personatges mítics o històrics en el moment culminant de les seves vides, i com han anat variant al llarg de la història cultural d'Occident.
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Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.Déjate seducir por la belleza y el misterio que se esconden detrás de cada pincelada y cada obra de arte con La mirada captiva, una colección de ensayos del aclamado escritor irlandés Colm Tóibín. En este volumen, que reúne quince textos inéditos escritos a lo largo de veinte años, Tóibín nos invita a un viaje íntimo y personal por el universo de la creación artística. No se trata de un manual de historia del arte, sino de una exploración apasionada sobre el acto de mirar, de dejarse atrapar por una imagen y de cómo esta experiencia puede transformar nuestra percepción del mundo.Con una prosa elegante y cercana, el autor nos guía a través de las vidas y las obras de grandes maestros. Desde la relación entre Miró y Calder hasta la intensidad de Bacon o la carnalidad de Lucian Freud, pasando por la genialidad de Goya, Tintoretto o Tàpies. Tóibín se adentra en el momento preciso de la creación, ese instante de concentración furiosa donde el artista se encuentra solo ante el lienzo en blanco, dando forma a su imaginación. Es una reflexión profunda sobre cómo nace el arte y cómo, a través de su mirada, podemos conectar con las emociones y las circunstancias vitales de los creadores. El propio autor sugiere en el prefacio que, probablemente, fue la pintura lo que le impulsó a empezar a escribir, una confesión que revela la profunda conexión entre las diferentes formas de expresión artística.¿A quién va dirigido el libro La mirada captiva?Esta obra es ideal para cualquier persona con sensibilidad artística, ya sean amantes de la literatura, la pintura o simplemente curiosos por entender el proceso creativo. No es necesario ser un experto en arte para disfrutar de estos ensayos; solo hace falta tener ganas de descubrir una nueva forma de mirar y de acercarse a las obras con una perspectiva fresca y humana. Es un libro perfecto para lectores que buscan una lectura estimulante, que combine la profundidad del ensayo con el placer de una narración cercana y personal.Temas que trata el libroLa mirada captiva explora una serie de temas interconectados que giran en torno al arte y su relación con la vida:El proceso creativo: Tóibín analiza el instante solitario y decisivo en que el artista inicia su obra, explorando la mezcla de imaginación, inteligencia y emoción que define el acto de crear.La relación entre arte y vida: El libro indaga en cómo las circunstancias personales, las amistades y el contexto histórico de los artistas, como la relación entre Miró y Calder, influyen directamente en sus creaciones.El acto de mirar: Más allá de la técnica, el autor pone el acento en la importancia de la mirada del espectador, en cómo nos dejamos cautivar por una obra y en la narrativa que construimos a partir de esta experiencia.Análisis de grandes artistas: Se ofrecen radiografías humanas y artísticas de figuras clave como Francis Bacon, Lucian Freud, Goya y Diane Arbus, entre otros, desde una perspectiva íntima y reveladora.El simbolismo del color: Uno de los ensayos más destacados explora la historia y la evolución del color azul, desde la antigüedad hasta la actualidad, en un texto que combina la erudición con el relato autobiográfico.En general, la crítica coincide en describir La mirada captiva como una colección de ensayos de alto voltaje que, con un estilo vigoroso y accesible, logra acercar al lector al arte de una manera sorprendente y profundamente humana.
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Publicar inaugura una línea editorial del departamento de Educación del MACBA surgida del día a día de las prácticas educativas en relación con el arte contemporáneo y los museos. Este primer número del Quadern d’educació abre un tiempo para pensar lo vivido, distribuir lo aprendido y contemplar la edición como práctica artística y pedagógica. De esta manera, fanzines, pegatinas, mapas conceptuales, libros-álbum y hashtags emergen como gestos que nos hacen reflexionar sobre cómo, por qué y para quién se hace público lo educativo.¿Por qué publicar? ¿Cómo hacerse público? ¿Qué se ha publicado hasta ahora? Un conjunto de ensayos propone posibles respuestas a estas preguntas. Aida Sánchez de Serdio Martín rastrea la educación en museos mediante una genealogía de pensamiento y referencias, Macarena García y Belén Soto exploran canales concretos para el «publicar». La primera con un texto que indaga en un artefacto singular, el libro-álbum desafiante y, la segunda, abre el significado del «publicar» en el contexto de internet y las redes sociales, Lluc Mayol y Alba Oller hacen un recorrido por la experiencia de Massa Salvatge con procesos editoriales entendidos como trabajos educativos o a la inversa, procesos educativos que son también editoriales, y Camila González Simon centra la mirada sobre los fanzines como medio que construye comunidad a través de lo creativo y lo pedagógico. Finalmente, un conjunto de imágenes con notas al pie, que utilizan como pretexto distintas actividades del departamento de Educación del MACBA, se intercalan a lo largo del cuaderno como herramienta de trabajo para pensar esas mismas preguntas.
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No es extraño que al escuchar la palabra anticuario frunzamos el ceño y nos llevemos la mano a la cartera. Nos vienen a la mente imágenes de establecimientos vetustos llenos de polvo, en los que los objetos se amontonan como las ruinas que ha dejado la Historia. Y el anticuario, testigo privilegiado de interiores -de las casas, pero también de las miserias humanas-, negociante astuto y custodio de fondos de procedencia desconocida, no deja de ser una figura oscura y un tanto enigmática. En la imaginación popular, su oficio se asocia antes al cambalache de objetos que al valor de los objetos en sí. Se pasa por alto que, si los anticuarios no mediaran en su conservación, muchos de ellos se perderían para siempre. Sospechoso de ser cómplice -cuando no perpetrador- de robos, estafas y expolios, reina un gran silencio respecto a su papel como descubridor y restaurador. Porque si bien es cierto que el anticuario se gana la vida con el comercio, no lo es menos que el verdadero anticuario, aquel que se ha forjado entrenando el ojo para saber si una pieza tiene valor, es también una suerte de connaisseur. En estos trece episodios -en los que algunos lectores se reconocerán-, Artur Ramon, anticuario por herencia y por formación, aparta la cortina y nos invita a entrar en un mundo que comercia con lo superfluo pero que es también depositario de una idea de belleza que nos recuerda la tendencia de nuestra sociedad a confundir el arte con el lujo.
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En este libro se recorre la trayectoria de Choi Ok Yeung, prolífico artista coreano, quien interpreta el paisaje de forma espiritual para traspasar los límites del arte convencional y de los espacios artísticos tradicionales. Para Choi, el paisaje es su taller en el que reinterpreta la naturaleza para, finalmente, volver a ella.Un ciclo regenerativo permanente que expande los límites y difumina los bordes del arte más ortodoxo. Las series que contiene este libro abarcan escultura, pintura, dibujo, obra pública y Land Art, todas atravesadas de intensidad y espiritualidad.• Un libro especialmente atractivo para amantes del arte oriental contemporáneo.• Con textos del crítico de arte Christian Viveros-Fauné.
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Una extraordinaria selección de obras de artistas detodo el mundo, del siglo XVII hasta la actualidad, que ponen el foco sobre la fi gura del perro. De Goya aSally Muir pasando por David Hockney o Marie Laurencin, las distintas miradas artísticas, combinadas conbreves textos sobre las obras, los movimientos y lasrazas, nos acercan a nuestra concepción del mundo canino, así como a las relaciones que se tejen entre elser humano, el arte y el mundo animal.
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Descubre la belleza de los cambios de estación a través de la acuarela botánica. Tras el éxito de su primer libro, en esta ocasión la artista Harriet de Winton nos guía paso a paso a través de más de 30 proyectos para pintar con acuarela la belleza de la naturaleza en las distintas estaciones. Desde cerezos en flor y flores silvestres hasta ratoncitos de campo y campanillas de invierno, en este práctico libro no solo encontraremos instrucciones detalladas para pintar con acuarelas, también algunas otras maravillas que nos ofrece el mundo natural, como las recetas de pesto de ajo de oso o el delicioso licor de flor de saúco.
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Estética de la novela expone una historiade la novela a través de las diversas estéticas que ha desplegado este género desde su aparición en la Antigüedad hasta la actualidad. Partiendo de una concepción del complejo fenómeno novela como puenteentre la cultura popular y la cultura elevada, se explican esas estéticas como el recorrido del espíritude la sociedad abierta al despegarse de la tradición sin renunciar a servirse de ella. Desde una nueva concepción de los orígenes de la novela (la ''protonovela), se recorren las dos orientaciones de lanovela premoderna (la cortesana y la popular) y la gran fusión que significa la novela moderna para ofrecer un horizonte de igualdad y libertad.
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Este libro presenta un extenso panorama de viajeros británicos en Sevilla desde principios del siglo XVIII hasta mediados del XIX. Personajes conocidos como el poeta Lord Byron, el artista David Roberts o el hispanófilo por excelencia, Richard Ford, aparecen junto a otras figuras identificadas aquí por primera vez, y juntos forman un grupo más variado en género, edad, clase social y ascendencia que el que había servido hasta ahora para definir la percepción británica del rico patrimonio arquitectónico sevillano. Más allá del repertorio visual de los libros de viaje de la época y sus dibujos originales, este estudio pone de relieve cartas y diarios inéditos para sustentar un catálogo que reúne las experiencias de una veintena de viajeros, dando voz a varias mujeres y a algunos hombres jóvenes cuyos itinerarios y vivencias eran prácticamente inéditos.
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Un inspirador testimonio sobre las lecciones que nos han dejado los griegos sobre el arte de correr. ¿Por qué corremos? Todo el esfuerzo y el dolor, ¿con qué fin? ¿A qué obedece este amor por la tonificación muscular, la velocidad y el sudor? Los deportistas de la Grecia clásica fueron los primeros en plantearse estas preguntas, los primeros en suspender la guerra, el trabajo o la política para disfrutar de celebraciones públicas de las proezas atléticas, como en los célebres Juegos Olímpicos. Inventaron el deporte y también fueron los primeros en comprender cómo la actividad física se relaciona con nuestro bienestar mental. Después de toda una vida entre libros y gramáticas, tratando de ver el mundo como un instruido griego de la antigüedad, Andrea Marcolongo empezó a entrenar y se propuso aprender a correr como ellos. Lo hizo acompañada por el primer manual deportivo de la historia, De arte gymnastica, de Filostrato, y motivada por un loco propósito final: correr un maratón. Mejor dicho, correr los 41,8 kilómetros que separan Maratón de Atenas, como hizo el soldado Filípides hace dos mil quinientos años, antes de caer al suelo extenuado. En el proceso, Marcolongo profundizó en su comprensión de la antigua civilización a la que ha dedicado décadas de estudio y descubrió más sobre sí misma de lo que jamás hubiera soñado.Sobre la autora y su obra la crítica ha dicho:«Marcolongo es la Montaigne de la actualidad».André Aciman «Marcolongo no pontifica sobre los griegos ni sobre cómo deberíamos vivir de forma más sana. Más bien, relata cómo superó desafíos en su propia vida y tomó las riendas de unas decisiones que desconocía».Cultura al femminile
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Conviene volver a mirar y, especial mente, disfrutar (una vez más) de los “maestros antiguos”, sin miedo a ser tildado de “viejuno”. Flaubert decía que el primer propósito del arte era hacer que vieras (faire voir) y después hacerte soñar (faire rêver). No importa que la “mano del arte” no agarre nada, porque su “cacería” lo que hace es revelar el fondo.
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Los cuadros esconden mensajes que pueden pasar desapercibidos, pero que a menudo cuentan historias fascinantes. Detrás de detalles aparentemente insignificantes alientan epopeyas que cambiaron el mundo, como los diminutos granos de pimienta en un bodegón, el pequeño colgante con un carnero dorado en un retrato o el pigmento que presta su color a un lienzo. O bien contienen indicios que remiten a la más temible red de espías, las contraseñas del ''marketing'' protestante o el gabinete de imagen y propaganda de la monarquía hispana, con guionistas como Calderón de la Barca y creativos como Velázquez. Agustín Sánchez Vidal nos lleva de un tema a otro y los relaciona con nuestra vida cotidiana y el presente, desde el color naranja de las zanahorias de un bodegón a Bugs Bunny, Freud y la publicidad, del rey Midas al actual valor del oro, del Bosco a las pinturas negras de Goya o de la Inmaculada Concepción a una Unión Europea dividida entre los ''trabajadores'' países del norte y los ''holgazanes'' del sur. Todo eso y mucho más se esconde en los cuadros del Museo del Prado, que relatan la historia de España y sus vínculos con Europa.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.