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Libros de arte
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En este taller de dibujo encontrarás 60 lecciones para principiantes sobre cómo dibujar hermosas flores, simpáticos animalitos y algunos utensilios habituales del jardín. Rosas, caléndulas y girasoles, ardillas, sapos y jilgeros, una carretilla, un gnomo de jardín y un invernadero... No habrá nada que no puedas aprender a dibujar para dar forma un hermoso jardín lleno de vida. Con instrucciones e ilustraciones paso a paso, Heegyum Kim te guiará para enseñarte cómo con simples formas puedes dar rienda suelta a tu imaginación y dibujar todo lo que te propongas. Y si necesitas más apoyo, ¡encontrarás un código QR con acceso a los videotutoriales de todos los proyectos!
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![Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw6eda647f/images/large/1531941.16.jpg?sh=240 "Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]")
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Eclecticisme, acumulació, superposició, relació, celebració… aquestes són algunes de les paraules que serveixen per descriure la publicació de Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus fa un recorregut per l’univers artístic i vital de l’artista mitjançant una seixantena d’obres que van des de finals dels anys vuitanta fins a l’actualitat i que es materialitzen en forma d’escultures, collages, fotografies, instal·lacions, vídeo i accions en viu.El llibre inclou una selecció de textos d’Elvira Dyangani Ose, Martí Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares i Núria Gómez Gabriel, que ajuden a posar el focus en diversos aspectes de la seva pràctica, així com una àmplia documentació gràfica de la seva obra. La intenció final és aconseguir dinamitar l’ordre cronològic de la narrativa i establir una contaminació de relats que ajuden a entendre el seu univers.La publicació consta de tres edicions separades en castellà, català i anglès.
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Delve into the mystical world of Swedish artist Hilma af Klint, whose work from the early 20th century has only recently gained critical attention. An early pioneer of abstraction, af Klint created immersive, colorful paintings filled with geometric variations and biomorphic shapes.
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Quan el romànic et toca, ja no et deixa anar. Històries en primera persona del nostre art medieval. De Ripoll a Tòquio, de Cardona a Nova York: vint històries de gent tocada per l'art romànic. Entre museus i cases de pagès, entre gratacels i embassaments, el romànic ens deixa vivències fascinants. Tocats pel romànic proposa un viatge a la història recent de Catalunya per conèixer gent de tota mena que ha conviscut amb el nostre art mil·lenari, únic al món. Veïnes que han amagat marededeus a casa, estrangers a qui el romànic català ha canviat la vida, testimonis de l'idil·li d'Orson Welles amb Sant Vicenç de Cardona, artistes que han fet desfilar el romànic per la Cinquena Avinguda... Amb Joan Pau Inarejos, autor del perfil digital @RomànicCatalà i del llibre Amb ulls de romànic, ens submergim en els misteris de Sau i descobrim com s'ho fa el Crist de Taüll per aturar els llamps a Montjuïc. Ho teniu tenim a tocar!
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«Nunca he escrito un libro con mayor sensación de urgencia.» Alfaguara recupera esta joya del ganador del Premio Booker John Berger, uno de los autores fundamentales de la literatura contemporánea. Así define el gran John Berger El tamaño de una bolsa, una de sus obras más lúcidas y conmovedoras, hoy más pertinente que nunca: «La bolsa en cuestión es una pequeña bolsa de resistentes. Una bolsa se forma cuando dos o más personas se ponen de acuerdo y se unen. Se unen para resistir contra un nuevo orden económico mundial que no puede ser más inhumano. Nos reunimos tú --el lector--, yo y todos aquellos de quienes se habla en los ensayos que contiene este libro: Rembrandt, los pintores de las cuevas rupestres, un campesino rumano, los antiguos egipcios, un experto en la soledad de ciertas habitaciones de hotel, unos perros en la media luz del crepúsculo, un locutor de radio. Y este intercambio refuerza inesperadamente nuestra convicción de que lo que está sucediendo hoy en el mundo es perverso y que las explicaciones que se nos suelen ofrecer al respecto son un montón de mentiras. Nunca he escrito un libro con mayor sensación de urgencia». En la cubierta de esta edición se reproduce un dibujo inédito que el propio Berger regaló a su traductor al alemán Hans Jürgen Balmes: tan personal, único y expresionista como cada página de este libro excepcional. Reseñas:«Una de las voces esenciales para comprender el estado de nuestra sociedad [...]. Combina a la perfección compromiso y reflexión.»El Confidencial «Un autor esencial. [...] Una mirada humanista, rebelde y serena al mismo tiempo, la de un renacentista.»Pedro Antonio Curto, El Comercio «Fue la voz de los frágiles, residuos del mundo moderno a los que su obra otorgó dignidad de reyes.»Javier Rodríguez Marcos, El País «Su obra parece labrada con una precisión de relojero, y una intimidad que podría confundirse con ternura.»The New York Times Book Review «Desde D. H. Lawrence no ha habido un escritor como Berger, capaz de ofrecer al mundo tal atención sobre los problemas humanos más disímiles, con una sensualidad que no renuncia a los imperativos de la conciencia y la responsabilidad.»Susan Sontag «Fue el Leonard Cohen de otra clase de rotunda melancolía: la de la tristeza (social, íntima) que provoca el auténtico saber en mitad de la sociedad capitalista de fauces abiertas y hambre incansable.»Diego Medrano, El Comercio «Los libros de Berger poseen la peculiar cualidad de parecer libros solo por azar. Hechos de palabras, las portan, sin embargo, con indulgencia, casi a regañadientes, como si igual pudieran estar hechos de lienzo y pintura o, aún mejor, de polvo y paja, barro y hueso.»Herald Tribune «Un faro de luz tenue pero inagotable, constante, esperanzada.»Àlex Susana, Ara
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Alternando relatos de ficción con detallados episodios históricos, esta obra traza el curso que ha llevado a las máquinas a hacer suyo el lenguaje de las antiguas profecías para llegar a interpretar y juzgarlo todo y a todos a través de las imágenes que procesan. La inteligencia artificial ha hecho de ellas auténticas máquinas videntes.
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Juega con el color, desarrolla tu creatividad y descubre tu paleta personal con este manual práctico de acuarela. El color es una de las vías de expresión de nuestra personalidad más profunda. Con esta guía práctica, Lisa Solomon nos introduce en la teoría del color a través de divertidos experimentos con los que descubrir distintas maneras de conectar con el color en nuestra vida y en nuestros proyectos. . Una introducción al color: qué es y cómo los percibimos, la terminología esencial (tono, atenuación, valor, cálido o frío...) y los sistemas de colores más comunes (RGB, CMYK, Pantone...). . Un repaso de todos los materiales y herramientas que necesitas conocer para adentrarte en el apasionante mundo de las pinturas con base de agua. . 15 ejercicios con los que asimilarás las cuestiones esenciales de la teoría del color: combinaciones de color, la rueda de colores tradicional, jugar con la saturación... . Y, además, 16 meditaciones de color, pequeños ejercicios de repetición que te permitirán concentrarte en el ajuste del color y dejarte llevar por la inspiración.
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¿Reconocerías a los personajes de la iconografía cristiana que aparecen representados en las obras de arte? Esta guía, organizada alfabéticamente, te ayudará a reconocer a los personajes y conocer las peripecias de su vida. Cada entrada incluye datos básicos, una ilustración y un texto que nosinforma de su historia, los posibles atributos y lasvariantes iconográficas más representativas. Para ayudar en la búsqueda se incluye un índice de atributosdonde se puede consultar a qué seres corresponden los diferentes elementos. También un índice de patronazgos y otro de posibles elementos de protección y curafrente a enfermedades y problemas. Finalmente, un vocabulario de términos relacionados con la iconografíacristiana completa este diccionario.
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Por mucho que conozcamos la genialidad de los grandes artistas del pasado, a menudo, cuando vemos una obra maestra, nos resulta difícil conectar con ella y captar su grandeza. Ossian Ward se enfrenta directamente a este vacío comunicativo y nos brinda algunas de las claves y parámetros con los que volver a mirar las pinturas de los maestros antiguos.El crítico británico toma diversos conceptos que han sido una constante en la historia del arte -como la paradoja, la belleza o el horror- y los convierte en el hilo conductor que conecta nuestra capacidad interpretativa con las mejores obras de la historia de la pintura. Una cautivadora experiencia inmersiva que nos invita no solo a saber de la espectacular teatralidad de El Bosco o de la armonía y simplicidad de Paul Cézanne, sino a aprehenderlas verdaderamente.
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¿Cuándo surge el sentimiento de intimidad en el arte? ¿Qué pintores empezaron a representar espacios acogedores, cálidos e íntimos? Probablemente fueron Vermeer, De Hooch y otros pintores del siglo de oro neerlandés quienes trasladaron por primera vez a sus telas esos interiores privados. Pero si los holandeses dieron el pistoletazo de salida, tras ellos, numerosos artistas iban a participar en esta búsqueda de lo íntimo. De los interiores cálidos de Holanda se pasó a los fríos y pálidos del pintor danés Vilhelm Hammershøi, el suizo Felix Vallotton descubrió en sus cuadros lo que había de perturbador en los espacios burgueses de las ciudades europeas de principios del siglo XX, los surrealistas indagaron en los interiores soñados, en los que las paredes se deforman y los suelos se abren bajo nuestros pies, Edward Hopper diseccionó con la precisión de un cirujano los espacios anónimos de los no lugares: los hoteles y los compartimentos de tren. Otros artistas, como Degas y Bonnard, abrieron de par en par las puertas del cuarto de baño, mientras más tarde, en este siglo, el dormitorio y la misma cama revelaron todos sus secretos en las interpretaciones de Tracey Emin y de Sophie Calle. La intimidad es un producto cultural que se ha declinado de muchas maneras a lo largo de los siglos. Con rigor y pasión, Charo Crego nos descubre en Dentro esta insólita historia de la intimidad en el arte.
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20 excursiones en torno a los monasterios. Este libro reúne dieciocho monasterios y dos santuarios muy interesantes para visitar, con una ruta para llegar o descubrir sus alrededores. Cada reseña incluye una guía práctica, propuestas de lugares de interés en la zona, los horarios de visita de los cenobios y otros portales de interés.
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Una mirada incisiva, crítica y de urgente actualidad sobre el pasado colonial de los museos y las complejidades de su (im)posible descolonización en el presente.En medio del debate internacional sobre la restitución patrimonial, este libro examina a fondo el pasado, presente y futuro de los museos de antropología, etnología y culturas del mundo. Lejos de ser espacios neutrales de conservación, estas instituciones han operado históricamente como piezas clave en la construcción de relatos sobre la humanidad fuertemente marcados por el colonialismo, el racismo y profundas desigualdades epistémicas.La obra recorre la evolución de estos centros analizando sus contradicciones más profundas: la tensión entre su vocación científica y la reproducción de jerarquías culturales. ¿Qué problemáticas centrales aborda este ensayo?• Restitución y expolio: El debate ético y legal en torno a la devolución del patrimonio mal adquirido o saqueado en las antiguas colonias.• Mercantilización del objeto: Cómo se estetizan y transforman las piezas de cultura material bajo las lógicas del mercado global.• Violencia de archivo: El papel de los archivos y las imágenes en la producción y reproducción de relatos coloniales.• Límites institucionales: Una reflexión sobre los límites reales de la descolonización dentro del marco del capitalismo y las industrias culturales contemporáneas.Una propuesta de futuro con foco en el caso español:Lejos de limitarse a un diagnóstico destructivo, el libro pone especial atención al panorama de los museos en España y propone estrategias concretas y de aplicación inmediata para mitigar los efectos de la colonialidad. A través de la transparencia, el diálogo real con las comunidades de origen, la diversificación de narrativas y la revisión de las estructuras internas, la obra demuestra que la descolonización no es una amenaza para la institución, sino una oportunidad única para transformar los museos en espacios de memoria crítica, reparación y responsabilidad social.Publicado por Sans Soleil Ediciones dentro de su colección «Pigmalión», este libro es una lectura obligatoria para museólogos, antropólogos, gestores culturales y cualquier lector interesado en los debates políticos y sociales que están reconfigurando el patrimonio global.
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¿Hacia dónde camina el museo del siglo XXI? Este ensayo hace un breve repaso de los orígenes y evolución del museo clásico desde el siglo XVIII al XXI. En ese recorrido se centra en la trasformación de la institución museística de templo de la cultura en centro que compite con el resto de la oferta de ocio de su ciudad, desdibujando los ideales que lo sustentaron en origen, mermando el potencial de comunión sublime que puede ofrecer el gran arte, y rindiéndose, además, al poder, las exigencias y manipulaciones de los nuevos cánones imperantes.
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Cuando irrumpió sobre sus fundadores como una ola cargada de sueños, el surrealismo se anunció como el más cabal, concluyente y absoluto de los movimientos. Hizo suyo cuanto tocaba.
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El presente libro, quiere ser una guía espiritual para vivir la semana más importante del año litúrgico.Qué mejor manera de hacerlo que con las maravillosasobras del pintor Raúl Berzosa, las cuales nos ayudarán a la meditación visual de esta, complementadas conpasajes de la Biblia que nos relatan los hechos acaecidos en esos días.
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¿Cuál es la distancia que separa una obra de arte valiosa de la que no lo es? ¿Acaso es una mera cuestión de gusto, de bagaje, de canon, de accesibilidad, de marketing? Juan Cárdenas aventura en este libro una teoría: «Todo gran arte trae consigo la marca de la ligereza». No es tan fácil distinguir lo ligero de lo pesado, pero hay algo que está claro: la fuente primordial de la ligereza es el placer. El arte da placer no porque imite a la vida, sino porque es capaz de traducir sus leyes secretas al lenguaje de las formas sensibles. Y la vida es ligera, fugaz, esquiva, grácil, vulnerable y resistente de un modo inexplicable. En su afán por desentrañar este concepto, el autor nos lleva de la mano por una serie de cuestiones esenciales para reflexionar sobre lo que hoy consideramos digno de admiración, ya sean las modas, lo militante, las inercias del mercado, la posibilidad de la utopía o el lado oscuro de uno de los mantras de la sensibilidad contemporánea: la búsqueda de la autenticidad. Un recorrido original que acaba por ser, además, una manera de esclarecer los mecanismos de su propia escritura. La precisión y la afabilidad de su prosa, la plasticidad de sus ideas y su deslumbrante capacidad para exponerlas de una forma tan sencilla como profunda hacen de La ligereza un ensayo estimulante y fértil, una grieta luminosa en el imperturbable territorio de lo mayoritario.
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L'artista i dissenyadora Marion Deuchars et convida a endinsar- te en el seu imaginatiu món amb aquest llibre inspirador, replet d'idees genials perquè pensis, imaginis i visquis d'una manera més creativa. Vessa una mica de tinta, dibuixa amb un pal, dissenya un estampat. Prova de pintar amb un pal de fregar, crea un cercle cromàtic de fulles, fes fotografia de carrer... Amb més de 100 projectes i moltes idees ràpides per descobrir els teus talents ocults i fomentar la teva creativitat, Art, crea cada dia t'encoratja a deixar de banda la por, i a descobrir l'artista que portes a dins i veure el món d'una manera totalment nova, tinguis l'edat que tinguis. Marion Deuchars ens mostra la seva maduresa i generositat aportant la seva dilatada experiència. És el resultat d'un treball de 4 anys intermitents amb intervals de reflexió i recopilació d'idees que li han permès trobar una bonica fórmula ordenada per capítols que conviden a llançar-te, a fer callar aquella veu crítica i a crear. És un llibre excel·lent, impecable i per gaudir-lo.
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Refuerce su habilidad para comprender y evaluar el arte y, así, permitirle experimentarlo al máximo. * Unagran cantidad de ideas con las que podrá observar, interpretar y disfrutar mejor el arte: formas de utilizar los elementos básicos del arte y la experimentación con materiales y técnicas. * Descubra por qué losartistas practican determinados estilos y representan ciertos temas, así como su finalidad y significado.Una sección con seis influyentes artistas proporciona una fascinante visión de distintos entornos creativos y revela seis trayectorias artísticas muy diferentes. Esta es una guía indispensable de la historia del arte que da pie a las preguntas y a la discusión,en especial a la luz de los debates actuales. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obrascaracterísticas y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tantosi se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador.Con textos atractivos, accesibles, acreditados, conun marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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From 1964 to 1974 Lygia Clark and Hélio Oiticica, had an extraordinary correspondence which has now been translated into English.
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Frida Kahlo se ha convertido, más allá de su indiscutible calidad artística, no solo en un icono de la nación mexicana, sino también de los movimientos feministas de todo el mundo. ¿Qué ha sucedido? Nadie lo sabe a ciencia cierta. Pero acaso tenga que ver con la compasión y admiración que provoca esta mujer de extremos: el hecho de que Frida fue una persona que sufrió como pocas y transformó su dolor en arte. Esta caja incluye un libro en el que muestra su vida y obra, así como 40 fichas comentadas con otras tantas de sus más representativas obras.
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Aby Warburg transformó la historia del arte en una historia de supervivencias: lo que creíamos superado vuelve, una y otra vez, bajo nuevas formas. Un legado decisivo para entender que la cultura visual está repleta de tensiones, fantasmas y retornos.Como dice Georges Didi-Huberman, «con Warburg, el pensamiento del arte y el pensamiento de la historia experimentan un giro decisivo. Después de Warburg, no nos encontramos ya ante la imagen y ante el tiempo como antes». A través de un original método de trabajo, inspirado en la obra de figuras aparentemente tan dispares como Freud y Darwin, Aby Warburg revolucionó no solo nuestra forma de entender el arte, sino también nuestra concepción del tiempo, al analizar las imágenes como formas de pensamiento que atraviesan toda la historia de la humanidad y desafían las fronteras entre presente, pasado y futuro. Después de Warburg, no pudimos mirar ni recordar de la misma manera.La pervivencia del paganismo recoge todos los artículos que, a caballo entre Hamburgo y Florencia, fue escribiendo mientras su salud mental se lo permitió. Desde sus primeros trabajos sobre la Primavera y El nacimiento de Venus de Botticelli hasta los más tardíos dedicados a la cultura astrológica en el entorno de Martín Lutero, los ensayos de Aby Warburg conforman una tupida malla tejida con hilos tan dispares como los de la poesía, la historia de la astrología o la magia y, por supuesto, las imágenes, el depósito fundamental de la memoria psicológica de la historia. Una obra exuberante y ambiciosa que redefinió los contornos de la historia del arte y constituye el legado fundamental de uno de los más importantes intelectuales del siglo XX.
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Al analizar las tensas relaciones entre producción cultural, capitalismo y ciertas ideologías actuales, Carlos Granés ofrece un certero diagnóstico del presente y una original mirada al arte contemporáneo. «La gracia del arte radica en que es la actividad libre por excelencia. Pero esta actividad libérrima y creativa ha sido rondada permanentemente por dos amantes peligrosas. La política y el capitalismo han tratado de multiplicar sus fuerzas fundiéndose con ella.» Comerciantes de arte roban paredes y puertas con obras de Banksy, un festival erótico disecciona los males políticos de España para estimular el consumo de pornografía, un autobús tránsfobo hace las veces de instalación itinerante, se estetiza el espacio público en Cataluña para hacer invisible al adversario... En los últimos años la cultura hatrabado una relación asfixiante con el capitalismo ycon la política. Pareciera que el destino de toda expresión artística es acabar convertida en una mercancía cultural, en un incentivo para el turismo o en un arma estratégica en las batallas ideológicas. Este estupendo ensayo examina las tensiones entre la cultura, el mercado y el populismo contemporáneo. Carlos Granés ofrece un certero diagnóstico del presentey nos muestra con contundentes ejemplos el modo en que, paradójicamente, mientras el arte se vuelve políticamente correcto y renuncia a las estrategias de la vanguardia, la política opta por tácticas transgresoras y escandalosas para captar la atención del otro. La crítica ha dicho...«No creo que nadie haya trazado un fresco tan completo, animado y lúcido sobre todas las vanguardias artísticas del sigloXX. Lo he leído con la felicidad y la excitación conque leo las mejores novelas.»Mario Vargas Llosa,sobre El puño invisible
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La teoría del color de Johannes Itten puede considerarse una referencia universal para todas aquellas personas — artistas, diseñadores, historiadores del arte, estudiantes— interesadas en el color y sus complejidades. No hay libro o curso d
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El manual definitivo para hacer detonar ideas y mejorar tus habilidades creativas Olvídate de las anécdotas de relleno y descubre los fundamentos de la creatividad de una manera sencilla, efectiva y visual. Este PROCESO CREATIVO te guiará, a través de seis pasos, en tu viaje hacia tu próxima idea, desde definir lo que quieres lograr hasta comenzar a hacerlo realidad. Si llevas tiempo deseando innovar, crear cosas distintas sobre lo que a ti te interesa (arte, diseño, tecnología, marketing, negocios...) o, simplemente, estás pasando por un bloqueo creativo, esta guía es la herramienta que te hacía falta.
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Recuperamos un análisis cultural del arte referente tanto para profesionales como para individuos interesados en la materia.En La invención del arte, Larry Shiner nos invita a reconsiderar la historia del arte en su conjunto, y sostiene que algunas de las ideas que todos tenemos de dicha historia (como que el arte comenzó en la Antigua Grecia o en el Renacimento) son, en realidad, invenciones modernas, y que la línea que separa el arte y la artesanía fue producto de las cruciales transformaciones que se dieron en Europa durante el siglo XVIII. También muestra cómo el sistema moderno sostiene su hegemonía asimilando a los artistas y a los músicos que le ofrecen resistencia y trazando una estricta distinción entre artistas y artesanos, arte culto y artesanía.
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En estos textos Marcel Proust (1871-1922) se vale dedos artistas para ilustrar lo que para él son los fines del arte: enseñar a mirar lo que nos rodea con frescura y admiración, sabiendo hallar su belleza ocultaincluso entre los sencillos objetos, y el poder delgenio para crear con sus pinturas un cosmos cerrado yperfecto.
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Este libro confía en la potencia inagotable del arte para volver visible la invisibilidad resistente de dos amenazas que se ciernen sobre el hombre y el planeta en el siglo XXI: el descalabro ambiental y la inmersión cada vez más inquietante en un mundo digitalmente administrado. Una sagaz reflexión sobre el arte y su función en tiempos de pandemia, confinamiento, crisis climática y manipulación de la verdad.
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Una celebración de más de 300 escultoras innovadoras que examina 500 años de ingenio creativo de todo el mundo.Al presentar una historia de la escultura más amplia e inclusiva, Great Women Sculptors examina el trabajo de más de 300 artistas pioneras de más de 60 países, abarcando 500 años desde el Renacimiento hasta la actualidad.Organizado alfabéticamente, cada artista está representado por una imagen y un texto recién encargado. Esta amplia encuesta defiende a las escultoras más conocidas de la historia del arte junto con las estrellas en ascenso de la actualidad.Desde nombres más reconocibles como Camille Claudel, Gego, Barbara Hepworth y Yayoi Kusama hasta algunos de las artistas contemporáneas más importantes de la actualidad, como Huma Bhaba, Mona Hatoum y Simone Leigh, este libro muestra 500 años de creatividad escultórica en un libro accesible y visualmente impresionante volumen.
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Con la luna como testigo imparcial de la milenaria cultura japonesa, el genial artista del siglo XIX Tsukioka Yoshitoshi trazó lo que se convertiría en su serie de grabados ukiyo-e más celebrada: Cien aspectos dela luna. La cuidada edición que nos ofrece V. DavidAlmazán Tomás, plagada de referencias y explicacionesque nos acercan al universo creativo de Yoshitoshi yal folklore nipón desde sus remotos inicios, se convierte de este modo en una completa enciclopedia visual de la historia de Japón por la que veremos desfilarpoesía y teatro, bellas geishas y fieros samuráis, misteriosos fantasmas y tradiciones ancestrales, cortesanos versados en el uso de la espada y la palabra, ehistorias que nos hablan de amor y guerra.
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La museografía es una disciplina relativamente moderna en la que, hasta hace poco, se solucionaban los problemas y se presentaban las colecciones en base al buen gusto y conocimientos del responsable del museo. El presente libro aborda la museografía de carácter permanente, instalada en edificios de tipo histórico remodelados, y las museografías temporales de colecciones de todo tipo, en salas de muy diferentes características. Juan Pablo Rodríguez Frade, que cuenta con una extensa y acreditada trayectoria en la materia (entre otros hitos, su última obra relevante ha sido la remodelación integral del Museo Arqueológico Nacional), pretende entusiasmar e ilusionar mostrando una forma especial de acercarse a los museos, valorando el trabajo de un inmenso entramado de profesionales que consideran estos lugares como espacios en donde sentirse próximo a los valores más profundos y auténticos denuestra esencia, espacios que nos hacen emocionarnoscontemplando aquello que han realizado nuestros antepasados no hace tanto tiempo. Una visión analítica delos museos y de sus instalaciones, tanto de los contenedores como de sus colecciones y de la manera en que éstas se exponen. Un texto que facilita al lector la comprensión de situaciones, procesos y recursos museográficos. Conozca los recursos, los oficios y los trepidantes ritmos de trabajo de esta disciplina. Francisco Javier Sáenz de Oíza ''Se trata de recuperar laespiritualidad, de soñar con situaciones trascendentes y de sentirse motivado y por ende emocionado, absorbiendo el ejemplo de aquellos que nos han precedido,retomando el conocimiento de los grandes maestros que nos han enseñado a entender qué es el ARTE y de cuya mano hemos aprendido a saber reconocerlo.'' Juan Pablo Rodríguez Frade AUTOR Juan Pablo Rodríguez Fradees Premio Nacional 1995 de Restauración y Conservación de Bienes Culturales por la Rehabilitación del Palacio de Carlos V como Museo de la Alhambra. Entre susproyectos más destacados cabe citar el Museo Arqueológico Nacional, el Premio Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, el Museo de Málaga (Finalista como Museo Europeo del Año) y el Museo de Historia de Madrid.Ha sido ganador del concurso de realización de los nuevos accesos del Museo Nacional Centro de Arte ReinaSofía, y ha impartido conferencias y realizado cercade trescientas exposiciones en los cinco continentes.
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''La urgencia de escribir MDA [Método Diana Aisenberg] es la misma que me impulsa a pintar, dar una clase, producir eventos colectivos o poner en marcha cualquier otra faceta de mi obra. Hace más de tres décadasque me dedico a la formación de artistas, acompañándolos en elproceso de aprender a mirar la producción propia y ajena. Mi saber está ligado a la experimentación, a la tarea docente, al trabajo juntoa otros artistas y al oficio de pintar. Creo que ser artista y ser maestra son dos actividades inseparables que se alimentan mutuamente. De esa combinatoria nace este método de enseñanza.ö
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Estética de la novela expone una historiade la novela a través de las diversas estéticas que ha desplegado este género desde su aparición en la Antigüedad hasta la actualidad. Partiendo de una concepción del complejo fenómeno novela como puenteentre la cultura popular y la cultura elevada, se explican esas estéticas como el recorrido del espíritude la sociedad abierta al despegarse de la tradición sin renunciar a servirse de ella. Desde una nueva concepción de los orígenes de la novela (la ''protonovela), se recorren las dos orientaciones de lanovela premoderna (la cortesana y la popular) y la gran fusión que significa la novela moderna para ofrecer un horizonte de igualdad y libertad.
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El primer llibre global sobre aquesta interpretació musical que és Patrimoni Immaterial de la Humanitat des del 2010.
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Lilith, la que según los textos hebreos fuera la primera esposa de Adán, no fue “concebida” por él como encierto modo lo fue Eva al ser extraída de una de suscostillas. Lilith, como Adán, fue creada del polvo de la tierra, por eso ella siempre se consideró su igual y no quiso someterse a su dominio. En consecuencia, se rebeló, lo abandonó y, libre, gozó de las relaciones en el mundo de Lucifer, muchas veces transmutadoen serpiente y otros malignos seres de la nocturnidad. Fue la primera mujer que se emancipó. La primera 'femme fatale'.
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Durante siglos, la pintura ha sido nuestra principal herramienta de comunicación visual y, por tanto, de creación de todos aquellos imaginarios culturales que atraviesan nuestra mirada. Sin embargo, hace años que parece haber perdido parte de su fuerza frente a la fotografía y otros medios visuales. Este influente ensayo de Julián Bellparte de la supuesta muerte de la pintura y nos ofrece un estudio agudo y apasionante que nos conducirá de la reflexión en torno a la naturaleza del medio pictórico hacia las profundidades del arte y la representación visual. Nacido bajo la inevitable influencia de Modos de ver de JohnBerger, este libro se ha convertido por derecho propio en un clásico dela teoría de arte y el lenguaje visual.
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El presente volumen conforma la primera historia delrostro, con un enfoque en el que se dan cita la Historia del arte, la Antropología, la Psicología o las Neurociencias, entre otras disciplinas. Una historia que comienza con las primeras máscaras de la Prehistoria y termina con los rostros que producen los medios digitales. En las máscaras teatrales y en la gestualidad de los actores, en el retrato europeo y en la fotografía, en el cine y en el arte actual, el lector podrá descubrir los múltiples intentos que se han hechopara apoderarse de ese rostro vivo, así como su permanente frustración, pues al final esa vida se resistea toda norma de representación e interpretación
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
