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Libros de arte
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Por mucho que conozcamos la genialidad de los grandes artistas del pasado, a menudo, cuando vemos una obra maestra, nos resulta difícil conectar con ella y captar su grandeza. Ossian Ward se enfrenta directamente a este vacío comunicativo y nos brinda algunas de las claves y parámetros con los que volver a mirar las pinturas de los maestros antiguos.El crítico británico toma diversos conceptos que han sido una constante en la historia del arte -como la paradoja, la belleza o el horror- y los convierte en el hilo conductor que conecta nuestra capacidad interpretativa con las mejores obras de la historia de la pintura. Una cautivadora experiencia inmersiva que nos invita no solo a saber de la espectacular teatralidad de El Bosco o de la armonía y simplicidad de Paul Cézanne, sino a aprehenderlas verdaderamente.
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'Flora Industrialis incide en los límites que plantea la relación entre la ciencia y el arte, y en cómo lo interpreta el espectador. Y lo vincula por un lado a conceptos como veracidad, realidad, definición o exactitud, y por otro con la percepción y la memoria personal del artista, con ideas de belleza, artificialidad, perfección o muerte. Ante las fotografías que en esta flora industrial nos presenta el artista, podemos explorar las sensaciones ambiguas que nos producen. Descubrir las claves que nos permiten identificar ante qué tipo de fenómeno nos encontramos y al mismo tiempo decidir si nos entregamos a una experiencia de los sentidos sin importar si las flores que nos presenta son industriales o naturales.''
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En 1911, Archer Milton Huntington, fundador de The Hispanic Society of America en Nueva York, encargó a Sorolla que pintara la denominada Visión de España, una decoración mural a gran escala. La serie completa instalada en la Hispanic Society en 1926, es uno de los espacios interiores más impresionantes de la ciudad de Nueva York. Las obras de Sorolla combinan con brillantez el vibrante naturalismo plenairista con la fuerte influencia del impresionismo, las referencias al arte antiguo y renacentista disfrazadas de vida cotidiana e incluso elementos más modernos y avanzados como unas líneas del horizonte extremadamente altas, unas pinceladas sumamente expresivas, y unos fondos casi por completo abstractos que impregnan las composiciones de energía visual. Toda esta obra de Sorolla queda plasmada en este magnífico desplegable de ocho metros de longitud, en el que las obras se muestran en el mismo orden en el que se pueden ver en la biblioteca de la Hispanic Society of America en Nueva York.
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¿Cuándo surge el sentimiento de intimidad en el arte? ¿Qué pintores empezaron a representar espacios acogedores, cálidos e íntimos? Probablemente fueron Vermeer, De Hooch y otros pintores del siglo de oro neerlandés quienes trasladaron por primera vez a sus telas esos interiores privados. Pero si los holandeses dieron el pistoletazo de salida, tras ellos, numerosos artistas iban a participar en esta búsqueda de lo íntimo. De los interiores cálidos de Holanda se pasó a los fríos y pálidos del pintor danés Vilhelm Hammershøi, el suizo Felix Vallotton descubrió en sus cuadros lo que había de perturbador en los espacios burgueses de las ciudades europeas de principios del siglo XX, los surrealistas indagaron en los interiores soñados, en los que las paredes se deforman y los suelos se abren bajo nuestros pies, Edward Hopper diseccionó con la precisión de un cirujano los espacios anónimos de los no lugares: los hoteles y los compartimentos de tren. Otros artistas, como Degas y Bonnard, abrieron de par en par las puertas del cuarto de baño, mientras más tarde, en este siglo, el dormitorio y la misma cama revelaron todos sus secretos en las interpretaciones de Tracey Emin y de Sophie Calle. La intimidad es un producto cultural que se ha declinado de muchas maneras a lo largo de los siglos. Con rigor y pasión, Charo Crego nos descubre en Dentro esta insólita historia de la intimidad en el arte.
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20 excursiones en torno a los monasterios. Este libro reúne dieciocho monasterios y dos santuarios muy interesantes para visitar, con una ruta para llegar o descubrir sus alrededores. Cada reseña incluye una guía práctica, propuestas de lugares de interés en la zona, los horarios de visita de los cenobios y otros portales de interés.
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Una mirada incisiva, crítica y de urgente actualidad sobre el pasado colonial de los museos y las complejidades de su (im)posible descolonización en el presente.En medio del debate internacional sobre la restitución patrimonial, este libro examina a fondo el pasado, presente y futuro de los museos de antropología, etnología y culturas del mundo. Lejos de ser espacios neutrales de conservación, estas instituciones han operado históricamente como piezas clave en la construcción de relatos sobre la humanidad fuertemente marcados por el colonialismo, el racismo y profundas desigualdades epistémicas.La obra recorre la evolución de estos centros analizando sus contradicciones más profundas: la tensión entre su vocación científica y la reproducción de jerarquías culturales. ¿Qué problemáticas centrales aborda este ensayo?• Restitución y expolio: El debate ético y legal en torno a la devolución del patrimonio mal adquirido o saqueado en las antiguas colonias.• Mercantilización del objeto: Cómo se estetizan y transforman las piezas de cultura material bajo las lógicas del mercado global.• Violencia de archivo: El papel de los archivos y las imágenes en la producción y reproducción de relatos coloniales.• Límites institucionales: Una reflexión sobre los límites reales de la descolonización dentro del marco del capitalismo y las industrias culturales contemporáneas.Una propuesta de futuro con foco en el caso español:Lejos de limitarse a un diagnóstico destructivo, el libro pone especial atención al panorama de los museos en España y propone estrategias concretas y de aplicación inmediata para mitigar los efectos de la colonialidad. A través de la transparencia, el diálogo real con las comunidades de origen, la diversificación de narrativas y la revisión de las estructuras internas, la obra demuestra que la descolonización no es una amenaza para la institución, sino una oportunidad única para transformar los museos en espacios de memoria crítica, reparación y responsabilidad social.Publicado por Sans Soleil Ediciones dentro de su colección «Pigmalión», este libro es una lectura obligatoria para museólogos, antropólogos, gestores culturales y cualquier lector interesado en los debates políticos y sociales que están reconfigurando el patrimonio global.
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La idea de lo sublime se funda en los conceptos de elevación, que es su significado primero en lengua griega, de grandeza, que es la especificación añadida por Longino, y de lo absolutamente grande -la fuerza o poder de lo informe y lo ilimitado en
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¿Sabía que en las entrañas de la catedral de Sevilla se esconde un cocodrilo gigante disecado? ¿Que el Papamoscas de Burgos no es el único que existe? ¿Que el Santo Grial está en la catedral de Valencia? ¿O que al arquitecto de la catedral de Granada se l
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En este libro concebido para el público general aficionado al arte y al estudiante que da sus primeros pasos en la materia, Dana Arnold proporciona un conocimiento básico sobre los aspectos fundamentales de la cultura visual y permite al lector equiparse con las herramientas básicas necesarias para tanto para el estudio como para el disfrute del arte.
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España acude a la 59ª edición de la Bienal de Venecia con el artista Ignasi Aballí, de sólida y larga trayectoria, y con una propuesta comisariada por Bea Espejo, gran conocedora de la obra del artista. En Corrección/Correction, Ignasi Aballí dialoga con el espacio arquitectónico del pabellón español, haciendo de su proyecto una oportunidad para investigar los lugares que nos rodean. Con su intervención modifica el espacio del propio Pabellón y, por extensión, su ubicación en la Bienal y su relación con la ciudad, en una metáfora que invita a mirar hacia delante y a planificar nuevos caminos. Con textos de la comisaria Bea Espejo, de la escritora Ruth Estévez, del editor Moritz Küng, del artista Alejandro Cesarco y una conversación entre Aballí y Manuel Borja-Villel, director del MNCARS. En coedición con AECID.
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Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estético que desemboca en la práctica de la abstracción no figurativa. Lejos de ser un texto pragmático -no pretende apelar a la razón y al cerebro-, se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y busca resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas. Una obra que, gracias a su gran poder comunicativo, ha acabado ejerciendo una influencia profunda e indiscutible.
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Un inclasificable elogio al acto creativo que aborda cuestiones tan heterogéneas como inconciliables: de las metopas del Partenón al toreo de Curro Romero. ¿Para qué ojos fueron creadas las enormes siluetas de Nazca? ¿Por qué los grandes creadores se empeñan en resolver aspectos de sus obras que ningún ser humano puede llegar a valorar? Con una mirada irónica, polémica y apasionada, el autor analiza este misterioso fenómeno a través de las obras maestras de la arquitectura, la pintura, el cine, la jardinería, los toros y el teatro y deduce que sus autores actuaron como si sus trabajos pudiesen ser observados por un ser superior. Y concluye: en vista del sopor que el agnosticismo contemporáneo es capaz de producir, ¿no sería mejor hacer «como si» Dios existiese y pudiera juzgar nuestras obras?
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Frida Kahlo se ha convertido, más allá de su indiscutible calidad artística, no solo en un icono de la nación mexicana, sino también de los movimientos feministas de todo el mundo. ¿Qué ha sucedido? Nadie lo sabe a ciencia cierta. Pero acaso tenga que ver con la compasión y admiración que provoca esta mujer de extremos: el hecho de que Frida fue una persona que sufrió como pocas y transformó su dolor en arte. Esta caja incluye un libro en el que muestra su vida y obra, así como 40 fichas comentadas con otras tantas de sus más representativas obras.
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Aby Warburg transformó la historia del arte en una historia de supervivencias: lo que creíamos superado vuelve, una y otra vez, bajo nuevas formas. Un legado decisivo para entender que la cultura visual está repleta de tensiones, fantasmas y retornos.Como dice Georges Didi-Huberman, «con Warburg, el pensamiento del arte y el pensamiento de la historia experimentan un giro decisivo. Después de Warburg, no nos encontramos ya ante la imagen y ante el tiempo como antes». A través de un original método de trabajo, inspirado en la obra de figuras aparentemente tan dispares como Freud y Darwin, Aby Warburg revolucionó no solo nuestra forma de entender el arte, sino también nuestra concepción del tiempo, al analizar las imágenes como formas de pensamiento que atraviesan toda la historia de la humanidad y desafían las fronteras entre presente, pasado y futuro. Después de Warburg, no pudimos mirar ni recordar de la misma manera.La pervivencia del paganismo recoge todos los artículos que, a caballo entre Hamburgo y Florencia, fue escribiendo mientras su salud mental se lo permitió. Desde sus primeros trabajos sobre la Primavera y El nacimiento de Venus de Botticelli hasta los más tardíos dedicados a la cultura astrológica en el entorno de Martín Lutero, los ensayos de Aby Warburg conforman una tupida malla tejida con hilos tan dispares como los de la poesía, la historia de la astrología o la magia y, por supuesto, las imágenes, el depósito fundamental de la memoria psicológica de la historia. Una obra exuberante y ambiciosa que redefinió los contornos de la historia del arte y constituye el legado fundamental de uno de los más importantes intelectuales del siglo XX.
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Al analizar las tensas relaciones entre producción cultural, capitalismo y ciertas ideologías actuales, Carlos Granés ofrece un certero diagnóstico del presente y una original mirada al arte contemporáneo. «La gracia del arte radica en que es la actividad libre por excelencia. Pero esta actividad libérrima y creativa ha sido rondada permanentemente por dos amantes peligrosas. La política y el capitalismo han tratado de multiplicar sus fuerzas fundiéndose con ella.» Comerciantes de arte roban paredes y puertas con obras de Banksy, un festival erótico disecciona los males políticos de España para estimular el consumo de pornografía, un autobús tránsfobo hace las veces de instalación itinerante, se estetiza el espacio público en Cataluña para hacer invisible al adversario... En los últimos años la cultura hatrabado una relación asfixiante con el capitalismo ycon la política. Pareciera que el destino de toda expresión artística es acabar convertida en una mercancía cultural, en un incentivo para el turismo o en un arma estratégica en las batallas ideológicas. Este estupendo ensayo examina las tensiones entre la cultura, el mercado y el populismo contemporáneo. Carlos Granés ofrece un certero diagnóstico del presentey nos muestra con contundentes ejemplos el modo en que, paradójicamente, mientras el arte se vuelve políticamente correcto y renuncia a las estrategias de la vanguardia, la política opta por tácticas transgresoras y escandalosas para captar la atención del otro. La crítica ha dicho...«No creo que nadie haya trazado un fresco tan completo, animado y lúcido sobre todas las vanguardias artísticas del sigloXX. Lo he leído con la felicidad y la excitación conque leo las mejores novelas.»Mario Vargas Llosa,sobre El puño invisible
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En estos textos Marcel Proust (1871-1922) se vale dedos artistas para ilustrar lo que para él son los fines del arte: enseñar a mirar lo que nos rodea con frescura y admiración, sabiendo hallar su belleza ocultaincluso entre los sencillos objetos, y el poder delgenio para crear con sus pinturas un cosmos cerrado yperfecto.
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¿Qué capacidad tienen las comunidades para gestionar sus recursos, enfrentar la crisis ecológica e imaginar alternativas futuras? ¿Qué formas de reconsiderar las relaciones con el ambiente, la naturaleza y otros seres podemos encontrar? ¿Qué rol pueden jugar el arte contemporáneo y los procesos de participación pública para vislumbrar y movilizar deseos hacia la transformación social? Agenciamientos ecológicos reúne ensayos, experiencias y propuestas para rearticular la relaciones entre comunidades, territorios y futuros viables a través de procesos artísticos. Busca reconocer, en diferentes territorios y geografías, prácticas, léxicos y discursos que ponen de manifiesto la agencia de las comunidades en procesos de autogobierno, poner en cuestión las visiones heredadas en la concepción de lo que nos rodea y la capacidad del arte contemporáneo y la participación comunitaria para catalizar nuevos relatos y narrativas con los que enfrentar la crisis de imaginación ante un futuro climático incierto.Copublicado junto a Concomitentes
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* Una impresionante recopilación de geografía y topografía ficticias, extraídas de los libros, películas y producciones televisivas favoritos del público. Un caleidoscopio de edificios inventados, pueblos, países, bosques, montañas, ríos y océanos, naufragios y ciudades sumergidas que cobra vida en estos hermosos mapas ilustrados. Descubra los paisajes legendarios de la Atlántida o El Dorado, atraviese las tundras heladas de Arendelle o dese un (rápido) chapuzón en las cálidas aguas de Amity Island. Pasee por las calles de Metropolis, Erinsborough, Walford o Springfield, y deténgase a admirar los imponentes chapiteles de Downton Abbey y Hogwarts por el camino. Utilice el extenso índice para localizar sus creaciones favoritas de películas, series de televisión, literatura y videojuegos, así como para descubrir bromas y estafas notorias, lugares secretos de entrenamiento militar y famosos errores políticos. Con más de 5000 ubicaciones mapeadas en todo el mundo, es posible que reconozca el paisaje ficticio de su propia ciudad natal o que llegue a los rincones más remotos del planeta. Desde los bosques de los cuentos de hadas de Grimm, los doce distritos de Los juegos del hambre que abarcan los Estados Alterados de América del Norte, las costas caribeñas de La isla del tesoro, el País de Nunca Jamás y el mundo perdido infestado de dinosaurios, hasta las luces de neón de las ciudades japonesas habitadas por robots y personajes de anime de Japón, en estas páginas hay algo para cada tipo de explorador.
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Blender es el principal software 3D de código abierto del mundo, y ha sido creado por algunos de los mejores artistas digitales de todo el planeta. Dado que Blender es gratuito, para iniciarse en él solo necesitará este libro. Gracias a esta lectura, adquirirá las destrezas para crear personajes increíbles, incluso si es un neófito. Los proyectos, detallados paso a paso, cuentan con una extensa presentación, escrita en gran parte por el formador certificado de Blender, Pierrick Picaut, que lo irán guiando por el apasionante mundo de la creación de distintos personajes. Sin duda, en este libro encontrará toda la información necesaria de la versión 3.4.1 de Blender, para lanzarse con éxito a la aventura de la creación de personajes en 3D. Si quiere profundizar aún más en el tema, el libro incluye los siguientes recursos descargables CONTENIDOS WEB: - Vídeos paso a paso - Archivos de Blender - Texturas - Tutoriales adicionales TEMAS PRINCIPALES DEL LIBRO: - Introducción: presentación del diseño 3D y configuración - La interfaz de Blender: personalización, editores, espacios de trabajo y mucho más - Modelado: objetos, modificadores y topología - Escultura: pinceles, resolución y retopología (reconstrucción de modelos) - Renderizado: luz, UV, materiales y posproducción
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Este libro, realmente pionero, ofrece un desafío radical a una Historia del arte en la que no abundan lasmujeres. La crítica que las autoras hacen del sexismoen la disciplina conduce a nuevas lecturas ampliadas, inclusivas, del arte del pasado. A lo largo de suspáginas, ponen de manifiesto cómo las cambiantes realidades histórico-sociales de las relaciones de género, así como la transposición que de las condiciones degénero hacen las mujeres artistas en sus obras proporcionan claves para comprender bajo una nueva luz porqué y cómo podemos estudiar el arte del pasado. Y van más allá, para mostrar cómo este conocimiento nos permite entender el arte de artistas contemporáneas que son mujeres, contribuyendo así a cambiar el trabajocreativo y la percepción que de sí mismos tienen hoydía los artistas.
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III Premi Bones Lletres d'assaig humanísticamb una obra sobreLA RELACIÓ ENTRE ART I NATURAMartí Domínguez porta a terme en Del natural un ample recorregut per la història de la pintura tenint com a principal fil conductor la percepció de la natura. Des de la representació d'un corder per part de Giotto fins a les dones de Gauguin pintades a la Polinèsia, passant pel renaixement italià i flamenc i pels pintors romàntics i impressionistes, l'autor reflexiona sobre com la natura ha estat en cada cas interpretada i pintada, incloent-hi dins d'ella l'estudi del paisatge i de la mateixa naturalesa humana. D'aquesta manera, Del natural és un assaig que, des d'aquesta òptica naturalística, descobreix als lectors noves i sorprenents lectures de les obres d'art, tot això ben amanit per una prosa rica i especiosa, que es recrea en la vida dels pintors i en les seues principals creacions.
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Con la luna como testigo imparcial de la milenaria cultura japonesa, el genial artista del siglo XIX Tsukioka Yoshitoshi trazó lo que se convertiría en su serie de grabados ukiyo-e más celebrada: Cien aspectos dela luna. La cuidada edición que nos ofrece V. DavidAlmazán Tomás, plagada de referencias y explicacionesque nos acercan al universo creativo de Yoshitoshi yal folklore nipón desde sus remotos inicios, se convierte de este modo en una completa enciclopedia visual de la historia de Japón por la que veremos desfilarpoesía y teatro, bellas geishas y fieros samuráis, misteriosos fantasmas y tradiciones ancestrales, cortesanos versados en el uso de la espada y la palabra, ehistorias que nos hablan de amor y guerra.
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La museografía es una disciplina relativamente moderna en la que, hasta hace poco, se solucionaban los problemas y se presentaban las colecciones en base al buen gusto y conocimientos del responsable del museo. El presente libro aborda la museografía de carácter permanente, instalada en edificios de tipo histórico remodelados, y las museografías temporales de colecciones de todo tipo, en salas de muy diferentes características. Juan Pablo Rodríguez Frade, que cuenta con una extensa y acreditada trayectoria en la materia (entre otros hitos, su última obra relevante ha sido la remodelación integral del Museo Arqueológico Nacional), pretende entusiasmar e ilusionar mostrando una forma especial de acercarse a los museos, valorando el trabajo de un inmenso entramado de profesionales que consideran estos lugares como espacios en donde sentirse próximo a los valores más profundos y auténticos denuestra esencia, espacios que nos hacen emocionarnoscontemplando aquello que han realizado nuestros antepasados no hace tanto tiempo. Una visión analítica delos museos y de sus instalaciones, tanto de los contenedores como de sus colecciones y de la manera en que éstas se exponen. Un texto que facilita al lector la comprensión de situaciones, procesos y recursos museográficos. Conozca los recursos, los oficios y los trepidantes ritmos de trabajo de esta disciplina. Francisco Javier Sáenz de Oíza ''Se trata de recuperar laespiritualidad, de soñar con situaciones trascendentes y de sentirse motivado y por ende emocionado, absorbiendo el ejemplo de aquellos que nos han precedido,retomando el conocimiento de los grandes maestros que nos han enseñado a entender qué es el ARTE y de cuya mano hemos aprendido a saber reconocerlo.'' Juan Pablo Rodríguez Frade AUTOR Juan Pablo Rodríguez Fradees Premio Nacional 1995 de Restauración y Conservación de Bienes Culturales por la Rehabilitación del Palacio de Carlos V como Museo de la Alhambra. Entre susproyectos más destacados cabe citar el Museo Arqueológico Nacional, el Premio Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, el Museo de Málaga (Finalista como Museo Europeo del Año) y el Museo de Historia de Madrid.Ha sido ganador del concurso de realización de los nuevos accesos del Museo Nacional Centro de Arte ReinaSofía, y ha impartido conferencias y realizado cercade trescientas exposiciones en los cinco continentes.
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''La urgencia de escribir MDA [Método Diana Aisenberg] es la misma que me impulsa a pintar, dar una clase, producir eventos colectivos o poner en marcha cualquier otra faceta de mi obra. Hace más de tres décadasque me dedico a la formación de artistas, acompañándolos en elproceso de aprender a mirar la producción propia y ajena. Mi saber está ligado a la experimentación, a la tarea docente, al trabajo juntoa otros artistas y al oficio de pintar. Creo que ser artista y ser maestra son dos actividades inseparables que se alimentan mutuamente. De esa combinatoria nace este método de enseñanza.ö
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Estética de la novela expone una historiade la novela a través de las diversas estéticas que ha desplegado este género desde su aparición en la Antigüedad hasta la actualidad. Partiendo de una concepción del complejo fenómeno novela como puenteentre la cultura popular y la cultura elevada, se explican esas estéticas como el recorrido del espíritude la sociedad abierta al despegarse de la tradición sin renunciar a servirse de ella. Desde una nueva concepción de los orígenes de la novela (la ''protonovela), se recorren las dos orientaciones de lanovela premoderna (la cortesana y la popular) y la gran fusión que significa la novela moderna para ofrecer un horizonte de igualdad y libertad.
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El primer llibre global sobre aquesta interpretació musical que és Patrimoni Immaterial de la Humanitat des del 2010.
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Con más de 300 acertijos que lo desafían, entretieneny sorprenden, nunca volverá a ver el arte de la misma manera. ¿Puedes identificar los símbolos ocultos enel Retrato de Arnolfini y su esposa? ¿Cómo puedes subir las escaleras de MC Escher? ¿Puedes resolver losacertijos en del jardín de las delicias de El Bosco?Este libro le ayuda a profundizar en la historia delarte y hace que su cerebro se estimule con algunas delas pinturas más famosas del mundo. Encuentre secretos de las obras de arte, desde el antiguo Egipto hasta el arte contemporáneo y prueba tus conocimientos generales.
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Durante siglos, la pintura ha sido nuestra principal herramienta de comunicación visual y, por tanto, de creación de todos aquellos imaginarios culturales que atraviesan nuestra mirada. Sin embargo, hace años que parece haber perdido parte de su fuerza frente a la fotografía y otros medios visuales. Este influente ensayo de Julián Bellparte de la supuesta muerte de la pintura y nos ofrece un estudio agudo y apasionante que nos conducirá de la reflexión en torno a la naturaleza del medio pictórico hacia las profundidades del arte y la representación visual. Nacido bajo la inevitable influencia de Modos de ver de JohnBerger, este libro se ha convertido por derecho propio en un clásico dela teoría de arte y el lenguaje visual.
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Los textos aquí reunidos —escritos sobre Tintoretto (1518-1594) entre la segunda mitad del siglo XVI y finales del siglo XVIII, algunos en español y otros traducidos del italiano y del francés— constituyen una auténtica anatomía del pintor veneciano. Ninguna de las preguntas que nos hacemos los Modernos ante la obra de Tintoretto es nueva: ¿en qué consiste la “dificultad” de Tintoretto?, ¿están acabados sus cuadros?, ¿qué es una obra “acabada”?, ¿qué lugar ocupa el azar en la producción artística? Tintoretto, ¿borra o pinta? ¿Es la suya una pintura de borrones, “hecha de un modo que se suele usar en Venecia, por así decir, confuso”, como ya dijo Boschini en 1660? La antología incluye textos nunca antes traducidos al español de autores como Sansovino, Doni, Ridolfi, Roger de Piles o Cochin, así como extractos de la Memoria de Velázquez y de las apostillas del Greco.
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En 1912 el arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959) publicó en Chicago un breve ensayo con el título La estampa japonesa: Una interpretación. Para entonces ya era un prestigioso arquitecto y sus viajes, primero por Japón y después por Europa, fueron de
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¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostración, todo se vuelve luminoso y accesible. El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras: Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko... Y el arte se torna límpido. 42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDER•, Análisis de la obra «paso a paso»•, Detalles puestos de relieve 42 PÁGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AÚN MÁS•, Contexto histórico y cultural•, Cuadros complementarios
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El presente volumen conforma la primera historia delrostro, con un enfoque en el que se dan cita la Historia del arte, la Antropología, la Psicología o las Neurociencias, entre otras disciplinas. Una historia que comienza con las primeras máscaras de la Prehistoria y termina con los rostros que producen los medios digitales. En las máscaras teatrales y en la gestualidad de los actores, en el retrato europeo y en la fotografía, en el cine y en el arte actual, el lector podrá descubrir los múltiples intentos que se han hechopara apoderarse de ese rostro vivo, así como su permanente frustración, pues al final esa vida se resistea toda norma de representación e interpretación
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Estos ''Recuerdos de Rubens'', escritos en 1896, constituyen la última obra del maestro suizo. El imperturbable Jacob Burckhardt dedica sus últimas palabras almás fogoso de los pintores, el apóstol del Renacimiento concluye su trayectoria celebrando al pintor barroco por excelencia. El diálogo de Burckhardt con el pintor flamenco es profundo, rico, y va más allá de locientífico para adentrarse en lo espiritual. Más queuna biografía, un análisis de las obras o un estudiodel estilo, Burckhardt rinde aquí sentido homenaje alo que Rubens, con su portentosa fuerza creadora y su capacidad de unir el arte del sur y del norte de Europa, ha dejado como legado.
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«Hagi escrit sobre el que hagi escrit, Pla ens ha ensenyat a mirar el nostre país i la seva gent, a mirar-nos a nosaltres mateixos i, des d'aquí, a mirar el món, i per això ens agrada», escriu Teresa Amat, que en aquest llibre aborda un aspecte essencial que genera un gran interès tant de la mirada com de la ploma de Josep Pla: l'art i els artistes, especialment l'art i els artistes catalans. Pla va escriure sobre Gaudí, sobre Dalí, sobre Rusiñol, sobre Maillol, sobre Picasso, sobre Gargallo, sobre Miró i sobre tants d'altres. Però l'estudi sobre la relació de Josep Pla amb l'art i amb els artistes encara s'havia de fer. A El Plaer de l'art trobareu aplegats tot de textos de l'escriptor sobre el seu concepte d'art i sobre els artistes que va conèixer.
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Este libro confía en la potencia inagotable del arte para volver visible la invisibilidad resistente de dos amenazas que se ciernen sobre el hombre y el planeta en el siglo XXI: el descalabro ambiental y la inmersión cada vez más inquietante en un mundo digitalmente administrado. Una sagaz reflexión sobre el arte y su función en tiempos de pandemia, confinamiento, crisis climática y manipulación de la verdad.
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Una celebración de más de 300 escultoras innovadoras que examina 500 años de ingenio creativo de todo el mundo.Al presentar una historia de la escultura más amplia e inclusiva, Great Women Sculptors examina el trabajo de más de 300 artistas pioneras de más de 60 países, abarcando 500 años desde el Renacimiento hasta la actualidad.Organizado alfabéticamente, cada artista está representado por una imagen y un texto recién encargado. Esta amplia encuesta defiende a las escultoras más conocidas de la historia del arte junto con las estrellas en ascenso de la actualidad.Desde nombres más reconocibles como Camille Claudel, Gego, Barbara Hepworth y Yayoi Kusama hasta algunos de las artistas contemporáneas más importantes de la actualidad, como Huma Bhaba, Mona Hatoum y Simone Leigh, este libro muestra 500 años de creatividad escultórica en un libro accesible y visualmente impresionante volumen.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
