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Libros de arte
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Obras, notas y procesos | Works, notes and processes
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Publicar inaugura una línea editorial del departamento de Educación del MACBA surgida del día a día de las prácticas educativas en relación con el arte contemporáneo y los museos. Este primer número del Quadern d’educació abre un tiempo para pensar lo vivido, distribuir lo aprendido y contemplar la edición como práctica artística y pedagógica. De esta manera, fanzines, pegatinas, mapas conceptuales, libros-álbum y hashtags emergen como gestos que nos hacen reflexionar sobre cómo, por qué y para quién se hace público lo educativo.¿Por qué publicar? ¿Cómo hacerse público? ¿Qué se ha publicado hasta ahora? Un conjunto de ensayos propone posibles respuestas a estas preguntas. Aida Sánchez de Serdio Martín rastrea la educación en museos mediante una genealogía de pensamiento y referencias, Macarena García y Belén Soto exploran canales concretos para el «publicar». La primera con un texto que indaga en un artefacto singular, el libro-álbum desafiante y, la segunda, abre el significado del «publicar» en el contexto de internet y las redes sociales, Lluc Mayol y Alba Oller hacen un recorrido por la experiencia de Massa Salvatge con procesos editoriales entendidos como trabajos educativos o a la inversa, procesos educativos que son también editoriales, y Camila González Simon centra la mirada sobre los fanzines como medio que construye comunidad a través de lo creativo y lo pedagógico. Finalmente, un conjunto de imágenes con notas al pie, que utilizan como pretexto distintas actividades del departamento de Educación del MACBA, se intercalan a lo largo del cuaderno como herramienta de trabajo para pensar esas mismas preguntas.
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Un lúcido tratado sobre la percepción artística del niño y su evolución, en la que Lev. S. Vigotsky nos ofrece las claves para entender el despertar del niño a la imaginación y a la creatividad. Una propuesta original, un ensayo deslumbrante, imprescindible, que nos ayudará a comprender el arte y la creatividad, no solo de nuestros pequeños, sino los de todos nosotros.
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Celebre cinco siglos de creatividad femenina con este innovador estudio sobre mujeres artistas en el nuevo formato Compact.Grandes Mujeres Artistas es el estudio ilustrado más completo sobre mujeres artistas jamás publicado. Ahora disponible en un formato compacto y elegante, este volumen esencial refleja una era donde el arte creado por mujeres es más visible que nunca.Organizado alfabéticamente, el libro presenta a más de 400 artistas de 50 países de todo el mundo, cada una representada con una obra a página completa bellamente reproducida y un breve texto ilustrativo sobre su creadora. Los lectores encontrarán obras de artistas icónicas e influyentes, como Artemisia Gentileschi, Mary Cassatt, Georgia O'Keeffe, Frida Kahlo, Agnes Martin, Louise Bourgeois, Yayoi Kusama y Cindy Sherman, así como de nombres menos conocidos que merecen igualmente atención. Inspirador, impresionante y de amplio alcance, Grandes Mujeres Artistas revela una historia del arte paralela pero igualmente atractiva para una época que aboga por una mayor diversidad de voces.
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Libro en el que se analiza con detalle cómo se desarrolla la gestión de una gran institución como el Museo del Prado.El Museo Nacional del Prado, más allá de la excelencia de su colección, ha sido considerado en múltiples ocasiones un referente en la gestión cultural por el acierto de sus exposiciones temporales, sus cifras de visitantes, su política de adquisiciones, su presencia en las redes sociales o su innovadora página web, por citar algunos de sus principales hitos. En muy pocas ocasiones existe la oportunidad de explicar la gestión que se esconde tras esos logrados éxitos, resultado del buen hacer de todos los profesionales que conforman el equipo del museo.A través de estas páginas, el Museo del Prado, consciente de la conveniencia de compartir buenas prácticas y aprender de la experiencia diaria y ordinaria, busca reforzar su compromiso con la comunidad museística con el propósito de seguir contribuyendo a la profesionalización en la gestión de los museos. Para ello, esta publicación pone a disposición de todo interesado diferentes herramientas, aplicadas previamente en nuestra institución, que pueden ser de suma utilidad e interés.
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Aquesta obra vol explicar, d'una manera àgil, periodística i entenedora, què ha succeït perquè el govern d'una comunitat veïna adopti una actitud tan bel·ligerant davant una qüestió que, resolta amb voluntat i sentit comú, ja s'hauria d'haver solucionat. En casos semblants, com ara el d'algunes esglésies romàniques -tant de bo fossin totes-, la tecnologia ha permès compatibilitzar la conservació amb acords de préstec que han evitat conflictes, despeses públiques innecessàries i riscos per a la integritat de les pintures. Tots els especialistes acreditats, amb un currículum professional i acadèmic de primer nivell, coincideixen de manera clara i taxativa que les pintures no s'han de tocar. Tanmateix, algun responsable polític no ho ha volgut entendre i sembla disposat a passar a la història com tants altres que, amb decisions irreversibles, han deixat el buit després del seu pas. Sixena. Les claus d'un conflicte recull diversos estudis que descriuen els murals i analitzen els perills d'un trasllat potencialment destructor, així com el context polític i històric del conflicte. També aborda la lluita jurídica, política i comunicativa des d'una perspectiva global, amb l'objectiu d'aportar dades rigoroses i arguments acadèmics sobre un episodi carregat d'emocions que dificulten un debat serè. El recurs als tribunals no ha fet sinó agreujar una situació que s'hauria pogut resoldre, senzillament, amb diàleg.
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7 ideas clave. La competencia cultural y artística
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Descubre los mitos grecorromanos a través de algunas de las obras de arte más fascinantes de la historia Una obra completa y accesible que invita al lector a explorar los grandes mitos de la Antigüedad —tanto los más conocidos como los menos populares— a través de su representación en la pintura, desde Botticelli hasta Chagall, pasando por Rubens o Velázquez. Cada obra de arte se presenta en su contexto, acompañada del mito que la inspiró, referencias a la literatura clásica y una explicación detallada que permite comprender en profundidad las escenas representadas. Así, el lector adquiere las claves necesarias para entender, reconocer y disfrutar la mitología en el arte. El libro incluye además páginas temáticas dedicadas a dioses, héroes y criaturas del mundo grecorromano, así como síntesis de las grandes epopeyas de la Antigüedad, como la Ilíada o la Eneida. Ricamente ilustrado y cuidadosamente documentado, este libro es ideal tanto para quienes se acercan por primera vez a la mitología como para los apasionados que desean ampliar sus conocimientos. Un fascinante viaje entre el arte y los mitos que han marcado la cultura occidental.
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Todos podemos dibujar, y con este libro... ¡lo dibujaremos absolutamente todo! En esta extensa y simpática guía, la ilustradora japonesa Kamo te enseña a dibujar de forma fácil y divertida todo tipo de motivos de la vida cotidiana: desde animales, personas, insectos y flores hasta alimentos, muebles, vehículos y todo tipo de edificios (¡también los más famosos del mundo!). Con breves y facilísimas instrucciones paso a paso, consejos sobre la práctica del dibujo y un sinfín de trucos de valor inestimable, esta enciclopedia de dibujo es una herramienta ideal para ponerte manos a la obra y empezar a crear todo aquello que se te pase por la cabeza.
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Los acrílicos se han convertido en el material artístico más adaptable a la era moderna. Los avances en la industria de los pigmentos han dado a los acrílicos una paleta notablemente permanente, rica y abundante, convirtiéndolos en el medio favorito de muchos artistas contemporáneos. A medida que se desarrollan los colores, también se mejoran sus componentes químicos para lograr una mejor textura y manipulación.Los vendedores de materiales de arte ahora ofrecen medios acrílicos para diluir, espesar, glasear, moldear, verter, texturizar y docenas de otros usos. Incluso los pintores acrílicos experimentados pueden sentirse confundidos e incluso intimidados por esta asombrosa diversidad de productos. El pintor y experto en materiales artísticos Rhéni Tauchid simplifica este tema desalentador, explicando claramente cada tipo de medio y sugiriendo formas en que puede mejorar su práctica de pintura.Más de veinte demostraciones paso a paso le enseñarán cómo aplicar medios para crear colores vibrantes, superficies sensuales y efectos visuales sorprendentes. Cientos de hermosas fotografías ilustran el potencial casi ilimitado de los medios y le muestran cómo otros artistas, tanto abstractos como realistas, están empleando medios para impulsar su arte en nuevas direcciones creativas. El primer libro de este tipo, esta referencia esencial pertenece al estante de todo pintor acrílico.
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Este volumen se propone como una introducción a modo de archipiélago teórico sobre una obra que no dudamos en calificar de oceánica.Hubert Damisch (1928-2017) prestó una atención constante al arte, trabajando no tanto sobre las obras sino con ellas, en la medida en que plantean problemas de interpretación que abren perspectivas singulares sobre las estructuras y el funcionamiento más íntimo de una cultura. Lejos de posiciones puristas, su empeño por constituir un espacio de interrelación entre sus estudios y el conjunto de las humanidades tendría como consecuencia una apertura hacia la sociología, la semiótica o el psicoanálisis. Damisch concebía así la historia del arte como una disciplina filosófica y desde esa posición se nos muestra como una figura clave en la formación de autores como Rosalind Kraus, Yves-Alan Bois o Georges Didi-Huberman.En formato bilingüe y coordinado por Gabriel Cabello, Sabine Guermouche y Daniel Lesmes, contamos aquí con destacados estudiosos de la obra de Damisch, como son Matthew Bowman, Elisa Coletta, Georges Didi-Huberman, Thierry Dufrêne, además de contar con la participación de Teri Wehn-Damisch en conversación con Guillermo G. Peydró, y un texto inédito de Hubert Damisch.
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El arte en juego es una colección de libros para que los más pequeños descubran el arte de los siglos xx y xxi. Página tras página, mediante imágenes, preguntas, sorpresas gráficas o juegos, se da a conocer una obra del Centre Pompidou. Es una invitación para acercarse de forma lúdica al arte actual. Como si de un decorado de ópera se tratara, David Hockney escenifica La llegada de la primavera en Woldgate en un bosque misterioso. A medida que van pasando las páginas, adoptamos la mirada de los animales que lo habitan: ¿qué ve la hormiga escondida entre la maleza? ¿Y el zorro que acecha entre los arbustos? ¿Y el pájaro posado en la copa del árbol?
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![Anton Raphael. Mengs 1728-1779 [inglés]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwd527d740/images/large/1575831.10.jpg?sh=240 "Anton Raphael. Mengs 1728-1779 [inglés]")
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Edición a cargo de Andrés Úbeda, Jefe de Colección de Pintura Italiana del siglo XVIII y Goya del Museo del Prado, y Javier Jordán de Urríes, Conservador de Patrimonio Nacional.Inglés (también disponible en español). Rústica. 24 x 30 cm. 488 páginas.Catálogo publicado con motivo de la exposición Antonio Raphael Mengs (1728-1779), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 25 de noviembre de 2025 y el 1 de marzo de 2026.
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Si la memoria es un elemento creativo, que constantemente genera y desmantela semejanzas, en lugar de un mero reconocimiento de lo ya conocido, entonces una gran obra de arte puede siempre parecer extraña, incluso después de un largo periodo en el que el público se ha habituado a ella hasta el punto de la indiferencia: siempre conserva el potencial de convertirse en algo nuevo, extraño y conmocionante cuando es rozada por la memoria creativa. (…) Osip Brik posee un principio rector que le indica siempre de manera infalible qué camino debe seguir: anteponer siempre lo colectivo a lo individual y lo continuo a lo discreto. Michal Mrugalski.Formalismo, productivismo, factografía es una recopilación de los escritos de Osip Brik sobre arte publicados entre los años 1917 y 1944. Los textos han sido seleccionados para ofrecer una visión panorámica lo más amplia posible de las diversas concepciones teóricas del autor, de la evolución de su pensamiento y de su interés por varios géneros artísticos, desde la poesía a la fotografía, el teatro, la pintura, la publicidad, el diseño textil y el cine.
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Stories presenta las voces de algunas de las principales figuras de las artes visuales y, en particular, del campo de los libros de artista. A través del diálogo, Stories busca desentrañar la historia y los problemas actuales que rodean el libro del artista, un medio que históricamente ha sido adoptado por artistas yque solo recientemente ha ganado el reconocimiento de museos y coleccionistas de arte contemporáneo. El libro incluye entrevistas con Marina Abramovic, ManuelBorja Villel, David Campany, Mariana Cook, Juan Cruz, Thomas Demand, Cai Guo-Qiang, Jenny Holzer, Cristina Iglesias, William Kentridge, Maya Lin, Óscar Mariné, Manuela Mena, Shirin Neshat, Hans Ulrich Obrist, Elena Ochoa Foster, Cornelia Parker, Thomas Struth, Richard Tuttle, Isidoro Valcárcel Medina y Ai Weiwei, entre otros.
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Edición en inglésNueva edición del Libro del Prado en un nuevo formato y con todas las imágenes actualizadas por el Archivo Fotográfico del Museo Nacional del Prado. El Museo del Prado es el libro definitivo para conocer a fondo la colección de una de las pinacotecas más importantes del mundo. Reúne en un solo volumen unas 400 obras presentadas al lector cronológicamente, desde las esculturas romanas hasta las últimas pinturas de Sorolla, ya en los comienzos del siglo XX. El libro propone un diálogo entre los más importantes artistas y las obras maestras que crearon, cómo unos inspiraron a otros de la misma época o posterior, los nexos existentes entre géneros y escuelas, por ejemplo entre el Renacimiento italiano y el flamenco, o entre artistas de la talla de Velázquez y Rubens, etc. Es a través de ese diálogo constante entre maestros y obras como este libro nos muestra la evolución del arte en pinturas, dibujos, esculturas y artes decorativas. Una valiosa lección de la historia del arte resumida en la colección que conserva el Prado, a su vez conformada a través de los gustos de la Corona española a lo largo de varios siglos de coleccionismo. El Museo del Prado es una publicación indispensable en la biblioteca de cualquier amante de la historia del arte, un libro con grandes fotografías que recorre una de las colecciones más impresionantes y completas del arte antiguo europeo.
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SI BUSCAS UNA ACTIVIDAD SENCILLA Y CONSCIENTE PARA DESARROLLAR TU CREATIVIDAD, ESTE ES TU LIBRO.Es muy fácil dibujar pequeñas fl ores con unos cuantos trazos y crear con ellas todo tipo de estampados, ramos, coronas... Todas las fl ores que encontrarás en este libro se desglosan en elementos simples que podrás reproducir sin problemas, y se acompañan de consejos para superar el miedo al papel en blanco e ideas para que puedas aplicar tus creaciones en cualquier proyecto que te propongas.Flores para dibujar paso a paso: Brezo, Espliego, Cosmos, Áster, Tulipán, Hortensia, Azucena, Paniculata, Anémona, Peonía, Maravilla, Narciso, Rosa, Margarita, Girasol, Violeta… y muchas más.
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Manual de referencia para artistas y diseñadores, esta nueva edición de este clásico sobre combinación cromática revisa todas las bases de la teoría del color y se actualiza con nuevos colores, paletas y herramientas que te permitirán ganar seguridad en tus elecciones cromáticas. Contenidos principales: El círculo cromático Cómo usar el color La carta de colores El proceso Aspectos del color Combinaciones cromáticas ¿Cuál es tu color? Efectos especiales para colores Estados de ánimo y color Psicología del color Tendencias cromáticas Tabla de conversión de cuatricromía Muestras de color
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Utagawa Hiroshige (1797-1858) fue uno de los últimos grandes artistas de la tradición japonesa del ukiyo-e. La palabra significa literalmente «pinturas del mundo flotante» y designa un género artístico que floreció entre los siglos xvii y xix y simbolizó la imagen de Japón en el mundo occidental. Las escenas del ukiyo-e, que en muchos aspectos eran de tipo hedonista, representaban a menudo la brillante luminosidad y las atracciones de Edo: mujeres hermosas, actores y luchadores de sumo, la vida urbana y panorámicas espectaculares.Pese a abarcar una gran variedad de temas, Hiroshige se hizo famoso sobre todo por sus paisajes. De hecho, su obra maestra fue una serie de grabados conocida como Cien famosas vistas de Edo (1856-1858), que reproduce varias escenas de la ciudad en el curso de las estaciones, desde las animadas calles comerciales hasta las espléndidas huertas de cerezos.Esta reimpresión, encuadernada en tradicional estilo japonés, está compuesta por una de las mejores series de xilografías originales completa perteneciente al Ota Memorial Museum of Art en Tokio. Cada una de las 120 ilustraciones viene acompañada por una descripción que permite a los lectores sumergirse en estas hermosas y vibrantes vistas que se convirtieron en paradigmas del japonismo e inspiraron por igual a artistas impresionistas, postimpresionistas y del art nouveau, desde Vincent van Gogh hasta James McNeill Whistler.
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¡La historia del arte es tendencia! Un libro para divertirnos aprendiendo de la mano de una de las divulgadoras más queridas de las redes. ¿Sabías que en el Paleolítico ya practicaban el arte abstracto? ¿Y que las pirámides de Egipto no son ni las más antiguas ni las más colosales? ¿Me creerías si te digo que muchos de los artistas más admirados en la actualidad sufrieron un rechazo tras otro en su momento? ¿Te gustaría comprender, por fin, por qué el arte ha pasado de representar la realidad a trabajar con imágenes y artefactos que parece que solo entiende el propio artista? Soy Carla Serrano, historiadora del arte, y a través de estas páginas te voy a guiar para que veas que los movimientos artísticos no son solo un montón de cuadros en un museo, sino una ventana abierta a las emociones, las luchas y las revoluciones de cada época. Y lo voy a hacer muy rápido. Te proporcionaré pistas para que puedas distinguir fácilmente los diferentes estilos, conoceremos a los artistas más top de cada época, descubriremos pintoras o fotógrafas injustamente olvidadas, cuestionaremos algunos mitos y, además, te explicaré muchas cositas para que no te pierdas entre tantos movimientos artísticos y puedas ponerlo todo en su contexto. Desde las pinturas rupestres hasta el arte digital, este libro será la mejor introducción para comprender el arte de una forma lúdica, alternativa y muy divertida. No esperes más para aprender de una manera completamente nueva: aquí el arte se vive, se siente y se disfruta en cada página.
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En este taller de dibujo encontrarás 60 lecciones para principiantes sobre cómo dibujar hermosas flores, simpáticos animalitos y algunos utensilios habituales del jardín. Rosas, caléndulas y girasoles, ardillas, sapos y jilgeros, una carretilla, un gnomo de jardín y un invernadero... No habrá nada que no puedas aprender a dibujar para dar forma un hermoso jardín lleno de vida. Con instrucciones e ilustraciones paso a paso, Heegyum Kim te guiará para enseñarte cómo con simples formas puedes dar rienda suelta a tu imaginación y dibujar todo lo que te propongas. Y si necesitas más apoyo, ¡encontrarás un código QR con acceso a los videotutoriales de todos los proyectos!
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Un acercamiento al caprichoso mundo artístico para que todos podamos disfrutarlo. ¿Qué es el arte, dónde puedo encontrarlo? Cuando lo tengo delante ¿cómo se supone que debería mirarlo? Kate Brian es una adicta confesa al arte y lleva más de veinte años trabajando en el sector. Sin embargo, antes de ponerse a estudiar Historia del Arte en la universidad, solo había estado en una galería en dos ocasiones y no tenía ni idea de que estaba a punto de adentrarse en un mundo elitista. Ahora, su misión es ayudar a todo el mundo a acercarse al arte. Ya sea escuchando música, cocinando, leyendo, comiendo platos deliciosos o viendo películas, hacer o contemplar arte es algo que debe enriquecer nuestras vidas. En El arte de entender el arte encontrarás una ingeniosa vía para acercarte al universo artístico con tus propias reglas. Descubrirás dónde encontrarlo y cómo entenderlo, así como indicaciones sobre cómo disfrutar de obras tan conocidas como la Mona Lisa. Aprenderás también a poseer arte y a desarrollarlo en casa, y encontrarás buenos consejos para orientar una carrera como artista e, incluso, para hacer que tu perro parezca más culto. El arte de entender el arte ofrece arte a todo el mundo de una manera entretenida. El libro cuenta con ilustraciones inéditas de David Shirgley, un grandísimo artista con los pies en la tierra.La crítica ha dicho «Igual que la comida, el arte cuenta con esa maravillosa capacidad de traernos alegría. Kate es la perfecta profesional que nos ayudará a todos a desarrollar una relación más estrecha con el arte». Jamie Oliver «Toda una lección de arte en un solo libro. Escrito con un lenguaje accesible, nos explica la belleza que tiene el arte y nos enseña a hacerlo y a disfrutarlo. Es lo que el mundo del arte necesita». Philippa Perry «Un texto increíblemente maravilloso para aprender a disfrutar del arte. Un libro sorprendente, fácil de leer, que sitúa el arte en nuestras vidas, nuestras cabezas y corazones». Richard Curtis«El libro que tienes en tus manos contiene una serie de claves luminosas hacia las infinitas puertas del mundo del arte». Es Devlin «El arte es una parte fundamental de estar vivo, y el libro de Kate ayuda a todo el mundo a relacionarse con él». Russell Tovey, actor y presentador de Talk Art «La guía definitiva para no verte intimidado por el mundo del arte y los artistas. Un libro que nos brinda incluso algo más importante: alegría». Maria Balshaw, directora del Tate
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Dibujar la naturaleza' es un diario interactivo que incluye retos, proyectos y ejercicios, un nuevo libro de la artista Viktorija Semjonova que te guiará a través de 100 propuestas para que aprendas a dibujar la naturaleza de forma ágil y divertida. Tanto si te estás iniciando en el mundo del dibujo como si eres un artista experimentado que quiere explorar nuevos horizontes, este cuaderno creativo es la ocasión perfecta para inspirarte y aprender nuevos recursos más allá de lo académico, así como para conectar de nuevo con tu creatividad más genuina. A partir de técnicas sencillas y los consejos de la autora, verás cómo vas ganando destreza en el dibujo, aprendes a jugar con el color y, lo más importante, encuentras el que será tu estilo propio. Un nuevo libro para perder el miedo a dibujar y explorar sin límites tu potencial creativo.
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Esta obra detalla la historia de todos esos seres intermedios que están entre los pajaritos y los pajarracos, es decir: de todas las variedades de aves que se han dejado caer en las distintas civilizaciones humanas, simbolizando cosas, sirviendo de condumio o de adivinadores del futuro. En este simpático libro se cuentan todos esos mitos que nos hablan de la lechuza que acompañaba a Minerva, del cisne que se muere en La muerte del cisne, del fénix que renacía de sus cenizas, de los gansos que graznaron para avisar del peligro al Capitolio, del pájaro de fuego que servía para que algunas chicas con menos carne que un telegrama tuvieran un pretexto para bailar de puntillas, de la paloma de la paz, del cuervo que daba repelús a Edgar Allan Poe, de los pájaros hitchcockianos que la tomaban con los veraneantes, de los ibis que se colaron en el alfabeto egipcio o del águila que le comía los higadillos al infeliz Prometeo. Todo ello doctamente contado, pero con grandes dosis de humor.
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The Little Big Book of Big Breasts reúne a más de 150 modelos pechugonas de las décadas de 1950, 1960 y 1970, entre ellas Michelle Angelo, Virginia Bell, Roxanne Brewer, Joan Brinkman, Lorraine Burnett, Lisa DeLeeuw, Uschi Digard, Sylvia McFarland, Chesty Morgan, Roberta Pedon, Rosina Revelle, Janie Reynolds, Candy Samples, Tempest Storm, Mary Waters, June Wilkinson y Julie Wills, así como la revientasostenes del libro Guinness de los récords Norma Stitz, todo ello en una edición compacta y económica.Las fotos no son solo las que podían verse en la edición original de 398 páginas, sino que proceden también de calendarios Big Breasts posteriores, lo que significa que un 40% del contenido de esta edición es nuevo. Si a esto añadimos que se han reducido los textos para conceder mayor espacio a las preciosas fotografías en color y en blanco y negro, ¿dónde va uno (sea cual sea su tamaño) a encontrar nada mejor?
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Publicado en su totalidad, el diario de Frida Kahlo refleja los últimos diez años de una vida turbulenta. Este documento, a veces apasionado, otras sorprendente e íntimo, custodiado bajo llave durante aproximadamente cuarenta años, revela nuevos rasgos de la compleja personalidad de esta destaca-da artista mexicana. Editado por la Vaca Independiente, este personal documento editado en un facsímil a todo color, aporta un nuevo enfoque para comprender mejor la original y enérgica visión del mundo de esta mexicana.El facsímil está acompañado por una introducción del prestigioso escritor mexicano Carlos Fuentes y una transcripción del contenido del diario. Finalmente, el libro incluye un ensayo de Sarah M. Lowe sobre la importancia de estas memorias en la obra total de Frida Kahlo y en la historia del arte en general, así como una serie de comentarios de la escritora sobre las imágenes.
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El arte no es tan hetero como te contaron.El segundo libro de la divulgadora Claramore (Un Van Gogh en el salón) y la primera historia del arte LGTBIQ+ contada como un periódico. Se dice que el arte es la casa de todos, aunque durante siglos se excluyó a quienes no seguían los estándares. Este libro muestra cómo el colectivo LGTBIQ+ ha transformado el mundo a través de las artes desde sus inicios hasta la actualidad. Con cada capítulo inspirado en un color distinto de la bandera arcoíris, Claramore explora la obra de artistas como Toulouse Lautrec, Rubens, Hilma af Klimt o Natalie Clifford y su impacto en la sexualidad, las disidencias, la salud, el orgullo, la espiritualidad o el racismo a lo largo de la historia. Combinando artes plásticas, fotografía o escultura, Nos recordarán ilumina la capacidad de crear, resistir y brillar más allá de etiquetas y escándalos. Para cualquiera que haya sentido que no encajaba, que haya buscado referentes y que haya amado fuera de los márgenes. Es para ti, que quieres mirar el arte con otros ojos.
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* ¿Quiere aprender a dibujar la anatomía humana de manera rápida, segura y con éxito? * Junto a las propuestas y prácticas, encontrará el espacio suficiente para dibujar sus propias obras directamente en el libro. * ¡Tome el lápiz y empiece a dibujar! ¡La práctica hace al maestro! Desde ejercicios sencillos con los dedos hasta proyectos magistrales, esta guía hará que se convierta en un profesional del dibujo de la anatomía humana. Encontrará todo lo que desea dibujar, desde retratos interesantes, desnudos fascinantes, personas en movimiento... También hallará información sobre anatomía, conocimientos sobre proporciones y toda una serie de detalles fundamentales, como ojos, nariz, boca, orejas, cabello y un largo etcétera.
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En este nuevo manual, Ai Akikusa nos sumerge en las maravillas del reino animal que habita dentro o cerca del agua. Fiel a su estilo, la ilustradora japonesa nos descubre los rasgos anatómicos más característicos y asombrosos de estos animales, y nos guía paso a paso para mostrarnos cómo los podemos representar con lápices de colores y papel. Conoceremos una variada cantidad de especies marinas como la nutria, el tiburón ballena, el oso polar, el cachalote o la beluga, y otros animales que viven en los ríos, pantanos y estanques como la tortuga, el cocodrilo, el hipopótamos o el castor. Una nueva invitación a fascinarnos con la riqueza del mundo animal y a aprender dibujar a sus protagonistas acuáticos.
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El mediterráneo a través de sus ciudades, sus artistas y sus conflictosEste libro se presenta como un estimulante viaje a través de nueve ciudades que dan una visión amplia y plural del mar Mediterráneo, proponiendo una deriva por diferentes países que no impone ninguna lectura cerrada. Cada una de ellas aporta un aspecto específico: la importancia de la memoria (Beirut), la presencia de la violencia (Zagreb), la pujanza de la miseria y el racismo cotidiano (Marsella), la permanencia de la herencia colonial (Argel), el deseo constante de partir (Tánger), el mestizaje cultural (Estambul), la plasmación de la vida en los suburbios (Roma), la ocupación de las calles por los sectores más marginados (Barcelona) o el deseo de libertad política e individual (El Cairo), aspectos estos que se dan de un modo más palpable en unas que en otras, pero que son comunes a todas ellas. Con la suma de estas narraciones conseguimos formar en su conjunto un palimpsesto que nos acerca al carácter multifacético y plural que encontramos en todas y cada una de las ciudades aquí mencionadas.Cada artista y cada escritor (como O. Pamuk, J.C. Izzo, M. Chukri, P. P. Pasolini, J. Genet, N. Hammam, A. Menia, S. Iveković, W. Raad…) a los que se hace mención en estas páginas nos ofrecen collages representacionales que desbordan los límites de los estudios académicos, para darnos a conocer experiencias, impresiones y recuerdos propios en los que no hay lugar para las certitudes. El resultado de todo ello es la construcción de un relato incompleto, repleto de tramas poco conocidas y conformado por citas extrañas, conexiones inciertas y mundos imaginados donde todo puede suceder.
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La primera colección para niños?. Destinada a los adultos ¿Le faltan las palabras frente a un cuadro? ¿Se pregunta como interesar a los niños en el arte? Este fantástico libro le ayudará en esta tarea y convertirla en una maravillosa aventura. No importa si sus conocimientos sobre el arte son escasos, o si le interesan más los deportes o la ciencia. Si confía en lo que ven sus ojos, sabrá hacer que los niños ?entren? en un cuadro como si el mundo que este representa les perteneciera. Aprenderá a estimular tanto su imaginación como su mente analítica. Las treinta obras de arte que se comentan en este libro le guiarán desde el Renacimiento hasta el siglo XXI, con un lenguaje sencillo dirigido a distintos grupos de edades, desde niños de cinco años hasta jóvenes adolescentes.
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-La materia de mi poesía está en deuda con el cuidadoy el ejercicio de los ojos-, dijo Johann Wolfgang Goethe (1749-1832) en una de sus conversaciones con Eckermann. En 1932 Paul Valéry rendiría honor a esos ojos al escribir que -nuestra sed de plenitud de la inteligencia, de mirada universal y de producción muy feliz- están satisfechas en la obra de Goethe. La mirada, en efecto, se menciona en el medio de ese infinitoelogio como distintivo del autor de la Teoría de loscolores, producto, por así decir, de un poeta de la ciencia. Poeta y científico, sí, y también teórico delarte y artista, político y filósofo, hombre de teatro y naturalista, viajero y biógrafo de sí mismo, intérprete de Shakespeare y de Kalidasa?, este inmenso escritor tomó el conocimiento visual por soporte de larelación humana con el mundo, en su teoría de la visualidad se adentra el presente ensayo. -Por encima decualquier otro, fue el ojo el órgano con el que comprendí el mundo- (Goethe, Poesía y verdad, II, 6).
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Este estudio, completamente novedoso en el ámbito de la investigación, ahonda en la visión del arte ilustrado y en la necesidad de proporcionar al viajero y curioso un sinfín de datos y lugares que pudieran ser reconocidos por sus colecciones y bellezas a
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El primer cambio en mi pintura fue el color. Abandoné el color natural por el color puro. Llegué a sentir que los colores de la naturaleza no podían ser reproducidos enla tela. Instintivamente comprendí que la pintura debía encontrar una nueva manera de
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Este libro es el segundo volumen dedicado a las mujeres artistas del siglo XX y abarca desde la Segunda Guerra Mundial hasta finales de siglo. Al tratarse de artistas en su mayoría vivas, la autora ha completado su trabajo, que realizó para la edición de 2006, hasta hoy y ha reseñado sus principales exposiciones individuales. Asimismo, se han incluido nombres nuevos que en la primera edición no tuvieron cabida. Con un lenguaje claro y didáctico, Victoria Combalía analiza sus creaciones, sus condiciones de trabajo y su fortuna comercial y crítica, por regla general menos afortunada que la de sus colegas varones, debido a la desigualdad de oportunidades que aún impera en el mundo artístico.
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Después de doctorarse en 1813 con su tesis filosófica Sobre la cuádruple raíz del principio de razón suficiente, Arthur Schopenhauer se ocupó un tiempo de la ciencia, a pesar de tenerla por actividad menor frente al arte y más aún a la filosofía. Lo hizo a raíz de su encuentro con Johann Wolfgang von Goethe, el cual, tras haber leído dicha tesis doctoral, se interesó por el joven filósofo, al que introdujo durante 1814 y 1815 en su todavía reciente Teoría de los colores (1810), así como en sus observaciones y experimentos al respecto. En esos años, se encontraron en alguna ocasión y mantuvieron una viva correspondencia que fue volviéndose cada vez más escasa tras la publicación de la obra de Schopenhauer fruto de todo ello: Sobre la visión y los colores.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
