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Libros de arte
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El mito del andrógino ha tenido una gran influencia en todas las artes. Péladan, con su gran erudición y originalidad de pensamiento, le sigue el rastro desdeEgipto hasta los clásicos grecolatinos y la figura católica del ángel, para acabar dedicándole un himno, que es también un himno a la Belleza. Para Péladan ''ser bello es pertenecer a un tercer sexo''.
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Esta obra detalla la historia de todos esos seres intermedios que están entre los pajaritos y los pajarracos, es decir: de todas las variedades de aves que se han dejado caer en las distintas civilizaciones humanas, simbolizando cosas, sirviendo de condumio o de adivinadores del futuro. En este simpático libro se cuentan todos esos mitos que nos hablan de la lechuza que acompañaba a Minerva, del cisne que se muere en La muerte del cisne, del fénix que renacía de sus cenizas, de los gansos que graznaron para avisar del peligro al Capitolio, del pájaro de fuego que servía para que algunas chicas con menos carne que un telegrama tuvieran un pretexto para bailar de puntillas, de la paloma de la paz, del cuervo que daba repelús a Edgar Allan Poe, de los pájaros hitchcockianos que la tomaban con los veraneantes, de los ibis que se colaron en el alfabeto egipcio o del águila que le comía los higadillos al infeliz Prometeo. Todo ello doctamente contado, pero con grandes dosis de humor.
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En México, el Día de Muertos, que se celebra los dos primeros días de noviembre, es motivo de una gran fiesta, alegre y colorida.
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En esta conferencia pronunciada en Bruselas en 1934,el ''jefe de obras'' del surrealismo explica el cuando y el porqué nació el movimiento, qué pretende conseguir y cómo.
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Cuaderno con resúmenes ilustrados y propuestas didácticas para conocer el Museu de la Tècnica de Manresa, un gran edifcio construído a mediados del siglo XIX para recoger y almacenar el agua de la Sèquia para su distribución posterior en la red de consumo de Manresa, como parte del plan para hacer llegar agua clara hasta el interior de las casas manresanas. Se explica la evolución industrial de la ciudad de Manresa, desde la época medieval, pasando por la época de la manufactura y llegando a la ciudad industrial. La guía recoge también los diferentes procesos de la cintería hasta la situación actual y muestra un itinerario para el agua y la industria manresana. Incluye un glosario y actividades didácticas.
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The Little Big Book of Big Breasts reúne a más de 150 modelos pechugonas de las décadas de 1950, 1960 y 1970, entre ellas Michelle Angelo, Virginia Bell, Roxanne Brewer, Joan Brinkman, Lorraine Burnett, Lisa DeLeeuw, Uschi Digard, Sylvia McFarland, Chesty Morgan, Roberta Pedon, Rosina Revelle, Janie Reynolds, Candy Samples, Tempest Storm, Mary Waters, June Wilkinson y Julie Wills, así como la revientasostenes del libro Guinness de los récords Norma Stitz, todo ello en una edición compacta y económica.Las fotos no son solo las que podían verse en la edición original de 398 páginas, sino que proceden también de calendarios Big Breasts posteriores, lo que significa que un 40% del contenido de esta edición es nuevo. Si a esto añadimos que se han reducido los textos para conceder mayor espacio a las preciosas fotografías en color y en blanco y negro, ¿dónde va uno (sea cual sea su tamaño) a encontrar nada mejor?
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Philip Guston vivió siempre como un outsider en su propia época. Sus primeros murales reflejan la influencia de los maestros del Renacimiento italiano, abrazó la abstracción y a la vez fue crítico con sus motivaciones y resultados, y, sobre todo, no dejó nunca de interrogarse sobre las cuestiones que subyacen bajo toda creación artística. Esta afinada selección de sus escritos, conferencias y entrevistas reúne las reflexiones más incisivas de Guston sobre la abstracción y la iconografía, la mística y la metafísica, así como sobre la naturaleza misma de las distintas técnicas: en suma, responde con una franqueza y una seriedad incomparables a la pregunta de cómo ve el mundo un pintor. En pocas décadas, la obra de este candoroso outsider ha ido ganando fuerza y relevancia, y hoy su sinceridad y amplitud de miras parecen más necesarias que nunca, pues su elocuencia no captura únicamente la hondura de su propio pensamiento, sino la de toda una generación de artistas como John Cage y Morton Feldman que veían la creación artística como una rama de la filosofía. Philip Guston (Montreal, 1913 – Woodstock, 1980) fue uno de los pintores, grabadores y muralistas más importantes de la segunda mitad del siglo xx. Hijo de inmigrantes rusos, creció en Los Ángeles y su educación fue mayormente autodidacta. No tardó en granjearse el reconocimiento del público como pintor figurativo y, tras algunos años enseñando en varias universidades y una estancia en Roma en 1948-1949 becado por el célebre Premio de Roma, se estableció definitivamente en el Estado de Nueva York, uniéndose a las filas de otros pintores abstractos como Pollock, De Kooning, Kline y Rothko. A mediados de los sesenta se retiró de la escena artística de la ciudad para trabajar en sus últimas creaciones figurativas, que a menudo representan temas relacionados con el racismo, el fascismo, el antisemitismo, la identidad estadounidense y, en particular las más caricaturescas, la banalidad del mal. Hasta la fecha, el conjunto de su obra sigue ejerciendo una poderosa influencia sobre las nuevas generaciones de artistas.
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Esta espectacular guía visual reúne todo lo que necesitas saber sobre uno de los universos de fantasía más épicos y fascinantes Adéntrate en los Reinos Mortales: un mundo lleno de magia donde imponentes ejércitos, criaturas colosales e incluso dioses luchan por el territorio y el poder. Con cientos de espectaculares fotografías de miniaturas icónicas e impresionantes ilustraciones, este libro muestra detalles asombrosos e información en profundidad sobre las innumerables facciones y personajes de Age of Sigmar. Descubre la primera guía oficial del épico mundo de Warhammer: Age of Sigmar. Ya seas jugador habitual, modelista o un entusiasta de los mundos de fantasía épica, esta es la guía definitiva para ti. ¿Qué encontrarás en este libro? Información completa de las facciones, los personajes y los escenarios de Age of Sigmar. Cientos de imágenes en alta resolución con detalles nunca vistos. Creado por expertos del estudio Warhammer, este libro oficial ofrece una visión única tanto para principiantes como para coleccionistas. La guerra ha comenzado. Entra en la Era de Sigmar. © Games Workshop Limited 2026
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La guía ilustrada definitiva de los dragones, las criaturas más emblemáticas del universo de Dungeons & Dragons Narrado desde la perspectiva de Tiamat y Bahamut, los poderosos dioses dragón, este libro te conducirá al fascinante mundo de D&D a través de impresionantes ilustraciones. Décadas de historia se reúnen en un volumen repleto de información que no puede faltar en la colección de ningún aficionado. Una visión única de la historia y la cultura de los dragones de D&D. -Una obra inédita en el universo D&D: por primera vez, un libro está narrado desde la perspectiva de Tiamat y Bahamut, ofreciendo una nueva forma de explorar la mitología de los dragones. -Rigor y atención al detalle: escrito por Michael Witwer, autor superventas de Dungeons & Dragons: The Legend of Drizzt Visual Dictionary. -Ideal para jugadores y aficionados de cualquier nivel: accesible y a la vez exhaustivo, El libro de los dragones es perfecto tanto para veteranos como para quienes se adentran por primera vez en el universo de D&D. -Una edición espectacular: con cubierta texturizada que reproduce el aspecto de las escamas de un dragón. Esta guía definitiva explora la historia, las distintas clases de dragones y los personajes más legendarios del universo de D&D. Un volumen imprescindible para conocer en profundidad a las criaturas que, durante décadas, han ocupado un lugar central en el juego. Descubre nuevos detalles sobre su mundo, encuentra inspiración para tus campañas y añade a tu colección una obra de referencia imprescindible para cualquier fan.
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51 ejercicios para la práctica de la pintura y estimular la creatividad: aprendiendo a pensar con las manos y conectando con las experiencias físicas de los oficios.El método MDA propone acciones que, en su desarrollo, atraviesan instancias íntimas y públicas de la práctica artística. Funciona como entrenamiento y desarrolla colaboraciones grupales para experiencias que en general vivimos en soledad. MDA se aplica a todos los medios, y es de gran utilidad para la solución de problemas.Estas acciones se entregan en esta ocasión organizadas en listas de prácticas diarias, para que siempre sepas qué hacer cuando llegas al taller, o cuando decides sentarte a dibujar, a pintar o a pensar en tu obra.Si bien son prácticas de dibujo y pintura, están dirigidas a aprender a pensar con las manos. Tienden a encontrar el discurso implícito en la materia y a utilizar oficios y medios como un modo de ser. Se trata de atravesar experiencias físicas de comprensión, lugares de donde no se puede volver.
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El fraude artístico es una práctica habitual: las falsificaciones representan un 50 % del mercado a día de hoy y son innumerables las obras falsas que se exponen en museos y galerías de todo el mundo. Descubre de la mano de la especialista Susie Hodge, en un emocionante recorrido histórico, las biografías, tan desdichadas como exitosas, de algunos de los falsificadores más prolíficos y turbulentos que ha conocido el mundo del arte, desde un holandés que engañó a los nazis hasta un matrimonio que amasó millones durante dos décadas de estafas. Explora esta lista de astutos personajes que reprodujeron las obras y estilos de los más famosos artistas antes de ser capturados tras investigaciones de película. Gracias a este título esencial, comprenderás por qué se llevan a cabo estos fraudes, cómo se crean y se venden las falsificaciones y el impacto que estas acciones tienen para los expertos, los coleccionistas y el público en general. Ningún artista está libre de la falsificación.
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¿Te quedaste con las ganas de que te regalaran la Mansión de Casper por Navidad? ¿Recuerdas las feroces batallas de Beyblade con tus amigos? ¿Cuántos Gogos Aliens llegaste a reunir? Prepárate para emprender un viaje inolvidable a través de la nostalgia, el coleccionismo y la infancia, recorriendo algunos de los juguetes más icónicos de la generación millennial.
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En este nuevo manual, Ai Akikusa nos sumerge en las maravillas del reino animal que habita dentro o cerca del agua. Fiel a su estilo, la ilustradora japonesa nos descubre los rasgos anatómicos más característicos y asombrosos de estos animales, y nos guía paso a paso para mostrarnos cómo los podemos representar con lápices de colores y papel. Conoceremos una variada cantidad de especies marinas como la nutria, el tiburón ballena, el oso polar, el cachalote o la beluga, y otros animales que viven en los ríos, pantanos y estanques como la tortuga, el cocodrilo, el hipopótamos o el castor. Una nueva invitación a fascinarnos con la riqueza del mundo animal y a aprender dibujar a sus protagonistas acuáticos.
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El mediterráneo a través de sus ciudades, sus artistas y sus conflictosEste libro se presenta como un estimulante viaje a través de nueve ciudades que dan una visión amplia y plural del mar Mediterráneo, proponiendo una deriva por diferentes países que no impone ninguna lectura cerrada. Cada una de ellas aporta un aspecto específico: la importancia de la memoria (Beirut), la presencia de la violencia (Zagreb), la pujanza de la miseria y el racismo cotidiano (Marsella), la permanencia de la herencia colonial (Argel), el deseo constante de partir (Tánger), el mestizaje cultural (Estambul), la plasmación de la vida en los suburbios (Roma), la ocupación de las calles por los sectores más marginados (Barcelona) o el deseo de libertad política e individual (El Cairo), aspectos estos que se dan de un modo más palpable en unas que en otras, pero que son comunes a todas ellas. Con la suma de estas narraciones conseguimos formar en su conjunto un palimpsesto que nos acerca al carácter multifacético y plural que encontramos en todas y cada una de las ciudades aquí mencionadas.Cada artista y cada escritor (como O. Pamuk, J.C. Izzo, M. Chukri, P. P. Pasolini, J. Genet, N. Hammam, A. Menia, S. Iveković, W. Raad…) a los que se hace mención en estas páginas nos ofrecen collages representacionales que desbordan los límites de los estudios académicos, para darnos a conocer experiencias, impresiones y recuerdos propios en los que no hay lugar para las certitudes. El resultado de todo ello es la construcción de un relato incompleto, repleto de tramas poco conocidas y conformado por citas extrañas, conexiones inciertas y mundos imaginados donde todo puede suceder.
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La primera colección para niños?. Destinada a los adultos ¿Le faltan las palabras frente a un cuadro? ¿Se pregunta como interesar a los niños en el arte? Este fantástico libro le ayudará en esta tarea y convertirla en una maravillosa aventura. No importa si sus conocimientos sobre el arte son escasos, o si le interesan más los deportes o la ciencia. Si confía en lo que ven sus ojos, sabrá hacer que los niños ?entren? en un cuadro como si el mundo que este representa les perteneciera. Aprenderá a estimular tanto su imaginación como su mente analítica. Las treinta obras de arte que se comentan en este libro le guiarán desde el Renacimiento hasta el siglo XXI, con un lenguaje sencillo dirigido a distintos grupos de edades, desde niños de cinco años hasta jóvenes adolescentes.
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Tradiciones inventadas. Pintores que no existen. Libros que debieran haber existido. Identidades tomadas en préstamo. La rica cultura de lo falso se ha tejido a la sombra de diferentes regulaciones de la verdad destinadas a delimitar qué es ficción y qué realidad. Hoy sabemos que son la misma cosa, y que la ficción funda realidades, que tiene voluntad pública, cuestionando la común interpretación de lo verdadero. La gestión de la verdad y de sus formatos es la base de toda autoridad. El «fake» surge precisamente para cortocircuitarla, explorando sus quimeras lingüísticas.
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-La materia de mi poesía está en deuda con el cuidadoy el ejercicio de los ojos-, dijo Johann Wolfgang Goethe (1749-1832) en una de sus conversaciones con Eckermann. En 1932 Paul Valéry rendiría honor a esos ojos al escribir que -nuestra sed de plenitud de la inteligencia, de mirada universal y de producción muy feliz- están satisfechas en la obra de Goethe. La mirada, en efecto, se menciona en el medio de ese infinitoelogio como distintivo del autor de la Teoría de loscolores, producto, por así decir, de un poeta de la ciencia. Poeta y científico, sí, y también teórico delarte y artista, político y filósofo, hombre de teatro y naturalista, viajero y biógrafo de sí mismo, intérprete de Shakespeare y de Kalidasa?, este inmenso escritor tomó el conocimiento visual por soporte de larelación humana con el mundo, en su teoría de la visualidad se adentra el presente ensayo. -Por encima decualquier otro, fue el ojo el órgano con el que comprendí el mundo- (Goethe, Poesía y verdad, II, 6).
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Un maravilloso manuscrito inédito del escultor ÁngelFerrant. Una generosa colección de sentencias, indicaciones aforísticas y enseñanzas de las que se sirvióen sus clases de modelado. Rotuladas sobre papel colgaron a modo de avisos en su taller de enseñanza.
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Este estudio, completamente novedoso en el ámbito de la investigación, ahonda en la visión del arte ilustrado y en la necesidad de proporcionar al viajero y curioso un sinfín de datos y lugares que pudieran ser reconocidos por sus colecciones y bellezas a
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El primer cambio en mi pintura fue el color. Abandoné el color natural por el color puro. Llegué a sentir que los colores de la naturaleza no podían ser reproducidos enla tela. Instintivamente comprendí que la pintura debía encontrar una nueva manera de
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* ¿Quiere aprender a dibujar la anatomía humana de manera rápida, segura y con éxito? * Junto a las propuestas y prácticas, encontrará el espacio suficiente para dibujar sus propias obras directamente en el libro. * ¡Tome el lápiz y empiece a dibujar! ¡La práctica hace al maestro! Desde ejercicios sencillos con los dedos hasta proyectos magistrales, esta guía hará que se convierta en un profesional del dibujo de la anatomía humana. Encontrará todo lo que desea dibujar, desde retratos interesantes, desnudos fascinantes, personas en movimiento... También hallará información sobre anatomía, conocimientos sobre proporciones y toda una serie de detalles fundamentales, como ojos, nariz, boca, orejas, cabello y un largo etcétera.
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Leonardo es el maestro de los rostros, de las anatomías, de las máquinas. Sabe con qué se hace una sonrisa puede ponerla en la fachada de una casa, en los repliegues de un jardín desmelena y ondula los filamentos de las aguas, las lenguas del fuego...ö
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El revolucionario de la escultura, el precursor de Rodin.La emoción es un instante, se vislumbra y enseguida huye, y el artista la persigue y la llama para que no se vaya, como hace el niño que va tras su madre.Mi obra es una concepción de luz, de emoción, de una perspectiva móvil, ilimitada, no es algo estatuario, muerto, sino que está marcada por la vibración del estado de ánimo y por las diferentes coloraciones de la naturaleza.
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Con un enfoque transversal dividido por temas, ofrecemos una nueva perspectiva de comprensión en este volumen que presenta el arte del shunga como un fenómeno artístico, histórico y social. Como expresión de un período específico en la historia del arte japonés, los grabados eróticos continúan fascinando, quizás por su apariencia a veces sobrenatural, otras por su violencia, pero siempre por su sensualidad.
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Existen dos herramientas fundamentales en la vida y la obsesión de cualquier artista: la luz y el color. Este libro no pretende ofrecer solo recetas sobre cómo mezclar los colores ni se limita a describir las técnicas de iluminación. Este libro, eso sí, contesta las preguntas más frecuentes que se hacen los artistas: ¿Qué pasa con los colores del cielo durante la puesta de sol?, ¿cómo varían los colores según la distancia?, ¿cómo conseguimos que una forma parezca tridimensional? Una obra escrita pensando en profesionales del arte de todos los tipos, aquellos interesados en el enfoque realista tradicional y también para los que sienten curiosidad por las estructuras y misterios del mundo visual. Su autor, James Gurney, recurre a su experiencia como pintor al aire libre e ilustrador científico, y comparte rigurosa y abundante información sobre herramientas tan importantes. Manual para artistas tradicionales y digitales de cualquier nivel, esta guía viene a llenar el gran vacío que hay entre la teoría abstracta y el conocimiento práctico. Ya trabaje con pinturas o con píxeles, ya use la realidad o la imaginación, da lo mismo, en ambos casos esta será una de sus inevitables referencias sobre la esencia y los fundamentos de la luz y el color.
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L'artista i dissenyadora Marion Deuchars et convida a endinsar- te en el seu imaginatiu món amb aquest llibre inspirador, replet d'idees genials perquè pensis, imaginis i visquis d'una manera més creativa. Vessa una mica de tinta, dibuixa amb un pal, dissenya un estampat. Prova de pintar amb un pal de fregar, crea un cercle cromàtic de fulles, fes fotografia de carrer... Amb més de 100 projectes i moltes idees ràpides per descobrir els teus talents ocults i fomentar la teva creativitat, Art, crea cada dia t'encoratja a deixar de banda la por, i a descobrir l'artista que portes a dins i veure el món d'una manera totalment nova, tinguis l'edat que tinguis. Marion Deuchars ens mostra la seva maduresa i generositat aportant la seva dilatada experiència. És el resultat d'un treball de 4 anys intermitents amb intervals de reflexió i recopilació d'idees que li han permès trobar una bonica fórmula ordenada per capítols que conviden a llançar-te, a fer callar aquella veu crítica i a crear. És un llibre excel·lent, impecable i per gaudir-lo.
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Este libro propone un delicioso recorrido sobre numerosos temas relacionados con el arte: paisajes, edificios arquitectónicos, esculturas, pinturas, fotografías y diseños. Y aunque en estas páginas no se pretende demostrar nada, sí se ponen en cuestión recalcitrantes lugares comunes sobre el interminable debate entre (la mal llamada) abstracción y la figuración. Todas las obras de las que aquí se habla, sin complejos ni cortapisas, son obras muy amadas, y todas ellas son figurativas o son objetos útiles (o ambas cosas a la vez), pues, como señala Oscar Tusquets: En el arte no figurativo no consigo encontrar, por mucho que me esfuerce, el amor, el sexo, el pecado, la divinidad, la amistad, el paso del tiempo, la muerte, el humor, los recuerdos fugaces... en fin, todo lo que me apasiona y me ayuda a seguir viviendo». Insistiendo (que no repitiendo) en las ideas estéticas que el autor ha defendido siempre en sus libros, esta obra se combina con las imágenes y comentarios incluidos en la atractiva serie Art with Oscar que la fotógrafa Eva Blanch comparte en Instagram.
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Este libro es el segundo volumen dedicado a las mujeres artistas del siglo XX y abarca desde la Segunda Guerra Mundial hasta finales de siglo. Al tratarse de artistas en su mayoría vivas, la autora ha completado su trabajo, que realizó para la edición de 2006, hasta hoy y ha reseñado sus principales exposiciones individuales. Asimismo, se han incluido nombres nuevos que en la primera edición no tuvieron cabida. Con un lenguaje claro y didáctico, Victoria Combalía analiza sus creaciones, sus condiciones de trabajo y su fortuna comercial y crítica, por regla general menos afortunada que la de sus colegas varones, debido a la desigualdad de oportunidades que aún impera en el mundo artístico.
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Después de doctorarse en 1813 con su tesis filosófica Sobre la cuádruple raíz del principio de razón suficiente, Arthur Schopenhauer se ocupó un tiempo de la ciencia, a pesar de tenerla por actividad menor frente al arte y más aún a la filosofía. Lo hizo a raíz de su encuentro con Johann Wolfgang von Goethe, el cual, tras haber leído dicha tesis doctoral, se interesó por el joven filósofo, al que introdujo durante 1814 y 1815 en su todavía reciente Teoría de los colores (1810), así como en sus observaciones y experimentos al respecto. En esos años, se encontraron en alguna ocasión y mantuvieron una viva correspondencia que fue volviéndose cada vez más escasa tras la publicación de la obra de Schopenhauer fruto de todo ello: Sobre la visión y los colores.
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Dibujar gente es un cuaderno creativo con retos, proyectos y ejercicios que, paso a paso, te guiarán a lo largo de 100 actividades para aprender a dibujar todo tipo de personas. Ya seas un principiante en el mundo del dibujo o un artista experimentado en busca de inspiración, este divertido y variado cuaderno te (re)confirmará sin duda tu amor incondicional por el arte del dibujo. Las sencillas y eficaces técnicas de Viktorija Semjonova, así como sus consejos y orientaciones, te permitirán avanzar y perfeccionar tus dibujos de modo que puedas abarcar todo el proceso, desde el boceto y el coloreado hasta el toque final que le dará tu sello personal.¿A quién va dirigido el libro Dibujar gente?Este libro está dirigido a un público amplio, tanto principiantes como artistas con experiencia. Se adapta a quienes desean mejorar sus habilidades en el dibujo de figuras humanas, ofreciendo una guía completa que abarca desde los fundamentos hasta técnicas más avanzadas. Independientemente del nivel de habilidad, el lector encontrará herramientas y ejercicios útiles para su desarrollo artístico.Temas que trata el libro Dibujar genteEl libro Dibujar gente se centra en el aprendizaje del dibujo de la figura humana a través de una metodología práctica y progresiva. Se incluyen los siguientes temas:Anatomía y forma: El libro proporciona una comprensión básica de la anatomía humana, esencial para representar con precisión las proporciones y la estructura del cuerpo. Se enseñan métodos para simplificar la forma humana y facilitar el proceso de dibujo.Luz y sombra: Se exploran las técnicas de aplicación de luz y sombra para dar volumen y realismo a los dibujos. Se enseñan métodos para observar y representar la interacción de la luz con las formas del cuerpo.Bocetos y perspectivas: Se incluyen ejercicios para practicar bocetos rápidos de figuras humanas en diferentes perspectivas, tanto de frente como de perfil. Se ofrecen técnicas para capturar la postura y el movimiento.Detalles y expresiones: Se abordan técnicas para dibujar detalles como el cabello, las arrugas y otras características faciales, así como para capturar las expresiones faciales y la personalidad del sujeto.Proceso completo del dibujo: El libro guía al lector a través de todo el proceso de dibujo, desde el boceto inicial hasta el coloreado y los toques finales, fomentando la exploración del estilo personal.100 actividades: Se presentan 100 retos, proyectos y ejercicios prácticos que permiten al lector aplicar los conceptos aprendidos y desarrollar sus habilidades de manera gradual.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Dibujar genteAún no hay opiniones o críticas sobre Dibujar gente.
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Este libro confía en la potencia inagotable del arte para volver visible la invisibilidad resistente de dos amenazas que se ciernen sobre el hombre y el planeta en el siglo XXI: el descalabro ambiental y la inmersión cada vez más inquietante en un mundo digitalmente administrado. Una sagaz reflexión sobre el arte y su función en tiempos de pandemia, confinamiento, crisis climática y manipulación de la verdad.
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El artista holandés Constant Nieuwenhuys (1920-2005), conocido simplemente como Constant, concibió entre 1956 y 1974 una de las utopías más audaces del siglo XX. Su proyecto ''New-Babylon'' esbozaba el sueño de un hábitat artificial para una humanidad nómada, completamente libre para vivir donde quisiera y como quisiera. En esa sociedad liberada de la necesidad de trabajar gracias a las máquinas, los neobabilonios podrían dedicar todo su tiempo al juego y al desarrollo pleno de su creatividad. Con este nuevo diseño se superarían los problemas derivados de la concepción de las ciudades y de los dos sistemas económicos enfrentados del capitalismo y el ''socialismo real''. Esta original utopía, que desafiaba todas las convenciones del urbanismo y de la arquitectura de su época, creció en el clima idealista de los años sesenta y tuvo mucho que ver con los intelectuales que inspiraron la revuelta estudiantil de Mayo del 68. Constant plasmó su idea en una extensa obra artística, pero también en un manuscrito que había permanecido inédito hasta ahora y que se publica por primera vez, en castellano, con un estudio introductorio que lo sitúa en las coordenadas de su tiempo. Sin duda, muchas de las ideas que plantea siguen siendo válidas en nuestros días.
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Una relectura de la intimidad en la Edad Media a través del arte románico.Vulvas, partos, penes erectos y parejas en pleno coito pueblan las iglesias románicas de nuestra geografía repartidos por portadas, capiteles y canecillos. Estas imágenes sexuales, algunas de ellas muy explícitas, han generado estupor, sorpresa e incluso rechazo en nuestra contemporaneidad, dando lugar a todo tipo de explicaciones sobre sus intenciones y significado. Sin embargo, su proliferación y espontaneidad indican que, lejos de tratarse de una representación del pecado, como a menudo se han interpretado, mostraban una sexualidad mucho más abierta y acorde con la mentalidad de quienes promovieron la construcción de estos templos. El libro demuestra cómo, entre los siglos XI y XIII, tuvo lugar una intensa lucha por el poder político en la que el sexo (o su ausencia) se convirtió en uno de los principales argumentos legitimadores de las élites sociales. Una batalla ideológica que dejó su huella en las imágenes sexuales románicas que desafían nuestra lógica actual.¿A quién va dirigido el libro El sexo en tiempos del románico?Este libro está dirigido a un público amplio interesado en la historia, el arte y la cultura medieval, especialmente en el periodo románico. Se dirige a lectores que deseen explorar una nueva perspectiva sobre la sexualidad en la Edad Media, desafiando las interpretaciones tradicionales y ofreciendo una visión más compleja y matizada. Es de interés para estudiantes, investigadores, aficionados a la historia del arte y a cualquier persona curiosa por conocer una faceta poco explorada de la sociedad medieval. La obra se presenta como un ensayo accesible, aunque también puede ser de utilidad para estudiosos del tema.Temas que trata el libro El sexo en tiempos del románicoEl libro El sexo en tiempos del románico se centra en el análisis de las representaciones sexuales presentes en el arte románico, específicamente en las iglesias y sus elementos arquitectónicos. Se exploran las siguientes temáticas:Representaciones explícitas de la sexualidad en el arte románico: Se examinan las imágenes de vulvas, partos, penes erectos y parejas en pleno coito que aparecen en portadas, capiteles y canecillos de las iglesias románicas. Se analiza la frecuencia y la variedad de estas representaciones, así como su contexto artístico y cultural.Interpretaciones históricas de las imágenes sexuales: Se cuestionan las interpretaciones tradicionales que ven estas imágenes como simples representaciones del pecado, proponiendo una lectura alternativa que las sitúa dentro de una visión más abierta y compleja de la sexualidad medieval.El sexo como herramienta de poder político: El libro argumenta que la sexualidad (o su ausencia) jugó un papel crucial en las luchas de poder político entre las élites sociales durante los siglos XI y XIII. Se analiza cómo las representaciones sexuales se utilizaron para legitimar el poder y las relaciones sociales.La perspectiva de género en el arte románico: Se considera el papel de las mujeres en la creación y el significado de las imágenes sexuales románicas, explorando la participación femenina en la construcción de las iglesias y su influencia en la iconografía.Desafío a la lógica actual: El libro invita a replantear la forma en que entendemos la sexualidad en la Edad Media, confrontando las interpretaciones modernas con la evidencia proporcionada por el arte románico.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro El sexo en tiempos del románicoSe han encontrado algunas opiniones positivas que destacan la amenidad y la documentación del libro, así como su capacidad para sorprender al lector y cambiar su percepción de la sexualidad en la Edad Media. Otras opiniones señalan la originalidad del enfoque y la rigurosidad de la investigación. Sin embargo, se precisa de más información para ofrecer un resumen completo de las críticas y valoraciones.
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¿Qué convierte a algo en una obra de arte? ¿Cómo dieron forma los antiguos griegos a la belleza ideal? ¿Ejerce el color una influencia directa en el alma? Este libro analiza estas y otras muchas cuestiones revisando los movimientos, estilos y temas artísticos clave a través de más de 200 obras de muy diversos géneros. Con un lenguaje claro, El libro del arte descifra la terminología de la historia y la teoría del arte y ofrece imágenes de las grandes obras del mundo e ingeniosos diagramas que explican las ideas subyacentes. Desde las figurillas de fertilidad prehistóricas a las videoinstalaciones, este es el manual perfecto para iniciarse en el conocimiento del arte. Tanto el estudiante de arte como el ávido visitante de museos y galerías hallarán en este libro sugerentes ideas sobre joyas artísticas de todas las épocas y procedencias.
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Un viatge per l'evolució de la pintura, l'escultura i les altres arts plàstiques a les terres de llengua catalana. Partint de l'art antic, el pes principal del llibre recau en l'art romànic, el gòtic, el renaixentista, el barroc, el neoclàssic, el modernista i les diverses tendències del segle XX. Si bé el Renaixement i el Neoclàssic tingueren aquí una presència essencialment importada, els altres estils -compartits amb la resta d'Europa- hi fructificaren amb personalitat pròpia. En època medieval, era molt freqüent la presència d'artistes dels diferents regnes de la confederació catalano-aragonesa fora del territori originari, pràctica que continuarà però amb menys intensitat. En canvi, la influència de l'art català a l'estranger, bé que també existí abans, no es fa patent amb contundència fins l'edat contemporània. Un fenomen abassegador com la colonització cultural castellana, a nivell lingüístic, és, però, molt menys intens a nivell plàstic.
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El arte de la oscuridad es un original libro basado en más de 200 obras de arte cuidadosamente seleccionadas e inspiradas en lo mórbido, lo melancólico y lo macabro. Los sugerentes capítulos del libro presentan una selección de obras de arte que expresan ansiedades y aversiones, tensiones y temores que trascienden el tiempo que, por siempre, han acechado nuestras mentes y, aunque resulten difíciles de afrontar, forman parte de la condición humana.S. Elizabeth nos habla sobre las influencias e inspiraciones de los artistas representados en el libro para preguntarnos, ¿podemos ganar algo al enfrentarnos a nuestros demonios? ¿Por qué nos atrae tanto el miedo y lo grotesco? ¿Y qué nos dice esto sobre la mente humana? Conectemos con nuestras sombras y disfrutemos de estas obras de arte, que nos van a ayudar a reconciliarnos con nuestro lado oscuro.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
