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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Andrés Planas habita un extremo del mundo que linda con lo prohibido.Para divisar nuevos territorios hay que habitar en la frontera y asumir los peligros que conlleva el trato con lo desconocido. En el arte contemporáneo esta actitud de curiosidad exploratoria se hace imprescindible, y a menudo lo convierte en incomprensible, o cuando menos desabrido, para quien lo sigue como espectador pasivo. Andrés Planas habita un extremo del mundo que linda con lo prohibido. Es la frontera eterna que separa la vida de la muerte, el sexo de la digestión transgresora, el culto a la esperanza y al futuro de la descarnada blasfemia. Sumergirse en su vida y en su obra es lo que propone este libro a la manera de un pequeño manual de buceo. Quien acepte el reto que respire tres veces antes de zambullirse.
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El escultor Jorge Oteiza (1908-2003) y el pintor Manolo Gil (1925-1957) se conocieron en 1955 en el proyecto de la Universidad Laboral de Tarragona (1952-1957). A partir de ese encuentro nació una estrecha relación personal y un fructífero diálogo artístico e intelectual, solo interrumpido por la repentina muerte del pintor. Esta relación influyó de forma decisiva en ambos artistas, justo en un momento clave de sus respectivas trayectorias. Oteiza estaba inmerso en su Laboratorio Experimental, que marcó su paso a la abstracción geométrica. Por su parte, Manolo Gil atravesaba un período de gran intensidad creativa, tanto en sus elucubraciones teóricas como en sus exploraciones plásticas, mayoritariamente figurativas hasta ese momento. Esta publicación analiza los detalles de ese encuentro profesional, así como el extenso conjunto de más de 50 collages experimentales desarrollador por Gil, que profundiza en el análisis de la composición espacial a partir de la utilización de formas geométricas y que se elaboró en estrecha colaboración con Jorge Oteiza. La publicación reproduce también el poema visual inédito titulado Cambio y dedicado por Gil a Oteiza, además de incorporar un texto analítico realizado por Jon Echeverria Plazaola, investigador y Doctor en Humanidades por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, en el que analiza el desarrollo de esta propuesta artística y su contexto cultural, así como diversos apéndices documentales que permiten acercarse al contexto de arte experimental de la segunda mitad del siglo XX.
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Picasso a vol d'ocell
Vida i obra de Picasso.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en el Centro de Fotografía KBr. Fundación MAPFRE, Barcelona, del 3 de junio al 15 de septiembre de 2024Nacido en Brooklyn en 1922, Louis Stettner comenzó a hacer fotos siendo un adolescente en la década de 1930, y dedicó casi ochenta años de su vida a la fotografía. Tras prestar servicio en el Pacífico como fotógrafo para el ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a París en 1947. A lo largo de su vida, alternó la residencia durante largos periodos en Francia y Estados Unidos antes de establecerse definitivamente en París desde 1990 hasta su muerte, en 2016.A caballo entre estas dos culturas, la obra de Stettner incorpora elementos de la fotografía callejera estadounidense y de la fotografía humanista francesa. Formado en la escuela neoyorquina de la Photo League, aprendió con Sid Grossman y fue un gran amigo de Weegee. En París, el joven fotógrafo conoció a Brassaï, que se convirtió en su mentor y le introdujo en la comunidad fotográfica parisina. Stettner fusionó la vertiente lírica francesa con la tradición neoyorquina de fotografía socialmente comprometida para crear su propia versión del humanismo.
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Durante un solo día, los muertos volvieron a la vida en el centro rural de Wisconsin. Ahora le toca a la agente Dana Cypress tratar con lo que ello conlleva: el escrutinio de la prensa, los fanáticos religiosos y la cuarentena impuesta por el gobierno. En un pueblo donde los vivos tienen que aprender a convivir con aquellos que suponían muertos, la agente Cypress deberá resolver un brutal asesinato. Y todos, vivos o muertos, son sospechosos. El gran éxito de Image Comics llega en una nueva edición de lujo, de la mano del superventas Tim Seeley (Grayson, El Ocultista) y el ganador de un Premio Eisner Mike Norton (Battlepug, The Answer), recogiendo los números 1 al 11 y la historia corta publicada en el FREE COMIC BOOK DAY.
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Salvador Victoria Marz (Rubielos de Mora, 1928 – Alcalá de Henares, 1994), figura clave del arte abstracto español, es el eje central de este libro escrito por el teórico y crítico de arte Alfonso de la Torre (Madrid, 1960), junto al compositor y artista visual Joan Gómez Alemany (Valencia, 1990). La publicación reúne una variada selección de textos realizados por De la Torre entre 2008 y 2025. Le precede un extenso ensayo inédito de Gómez Alemany, que sirve de introducción al conjunto y ofrece, desde una perspectiva de su conocimiento musical, una lectura novedosa de la obra de Victoria.Los textos de Alfonso de la Torre entrelazan crítica historiográfica, memoria personal y reflexión estética, recorriendo su vínculo de décadas con la obra del artista y su entorno más cercano, en especial con Marie-Claire Decay (Marsella, 1933), viuda de Victoria y figura clave en la comprensión del artista. Se recogen diversos escritos, junto a experiencias curatoriales, poemas, un diccionario del artista, reflexiones sobre su pintura y obra gráfica, entre otras modalidades textuales. Por su parte, Gómez Alemany comienza con la musicalidad en la obra de Victoria a partir de los escritos de Alfonso de la Torre y de otros autores, continuando con un análisis general de la colección de discos de vinilo reunida por el artista, entre otros apartados. El núcleo principal del texto lo constituye un diccionario musical en doce conceptos, donde se establecen relaciones poéticas y sonoras entre términos esenciales para Victoria, como círculo, color, espiritual, geometría o música de las esferas.El libro está sustentado en una amplia bibliografía e ilustrado con imágenes inéditas en color y en blanco y negro, proponiendo una lectura renovadora de Salvador Victoria desde un punto de vista plural. A través de un formato versátil y no lineal, gracias a sus estructurados capítulos e índice onomástico, la publicación puede interesar tanto a especialistas, como a personas que busquen profundizar en las relaciones entre pintura y música. El libro ha sido publicado por el sello editorial valenciano EdictOràlia Llibres i Publicacions en estrecha colaboración con la Diputación de Cuenca, a través de la Fundación Antonio Pérez.
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El primer y único libro sobre la icónica serie Midnight Moment de Times Square, el programa de arte público digital más grande y de mayor duración del mundo.Presentado todas las noches ante millones de espectadores cada año, Midnight Moment muestra el trabajo de artistas contemporáneos en uno de los lienzos más emblemáticos del mundo: las vallas publicitarias electrónicas de Times Square en la ciudad de Nueva York. Una colaboración entre Times Square Arts y artistas, tanto establecidos como emergentes, es una exhibición coordinada de contenido de imágenes en movimiento de vanguardia y se ha ganado la distinción de ser el programa de arte público digital más grande y de mayor duración del mundo. Sincronizado en más de 90 pantallas publicitarias en el corazón de Times Square todas las noches de las 11:57 p.m. a 00:00 a.m., Midnight Moment ha acercado arte público innovador y accesible a visitantes locales y globales durante más de una década.Como celebración de esta monumental plataforma para el arte público, esta retrospectiva homónima conmemora diez años de los más de 130 artistas que han participado en el programa. La experiencia compleja e inmersiva del arte público en Times Square se captura brillantemente en este libro con reflexiones de algunos de los artistas más notables del programa, e información detrás de escena sobre cómo se coordina, ejecuta y conmemora.Los artistas destacados incluyen a Jeffrey Gibson, Shantell Martin, Christian Marclay, William Kentridge, Rashaad Newsome, Nick Cave, Pipilotti Rist, Laurie Anderson, Yoko Ono, Tracey Emin, Björk, JR, Isaac Julien, Ryan McGinley, Alfredo Jaar, Charles Atlas , Marco. Brambilla, Andy Warhol, Shahzia Sikander, Fischli & weiss, Alex Da Corte, Alex Prager, Sophie Calle, Chitra Ganesh, Peter Campus, Lucy Raven & 13BC, Allison Janae Hamilton, David Hockney, Studio DRIFT, Cory Arcangel y Joan Jonas.
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Siete ilustradorespor una sola causa. Este libro solidario es un homenaje artístico y poético a todas las mujeres que pasan por un cáncer de mama y a todas las personas que las acompañan en el camino hacia la sanación y, surge del compromiso de Solán de Cabras y su colaboración desde hace más de una década con la Asociación Española Contra el Cáncer a quién irán dirigidos los beneficios de la venta de esta publicación.
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El presente libro explora el camino que condujo al joven pintor valenciano Joaquín Sorolla Bastida (1863–1923) a convertirse en el artista de mayor éxito nacional e internacional de la España de entresiglos. Se trata de un estudio que arroja luz y verdad sobre los inicios de su carrera: desde su educación en las Escuelas de Artesanos y la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, hasta su estancia en Roma y Asís como pensionado de la Diputación de Valencia.A su regreso de Italia, en 1889, el pintor sintió siempre una fascinación y una atracción irresistibles por el mar, y aprovecharía cualquier ocasión para volver a su tierra y dejarse empapar por su luz. Un año más tarde se instalaría definitivamente en Madrid, donde retrató a diversas personalidades y presentó obras de temática social en los certámenes nacionales, al tiempo que su fama comenzaba a crecer.Esta biografía de sus primeros años responde, en parte, al conocimiento y curiosidad por la vida inicial del pintor en el ambiente cultural de su época. Se trata de un estudio completo del joven artista que reúne obras inéditas hasta ahora para el gran público gracias a la generosidad de las colecciones particulares, las instituciones y del círculo más íntimo de Sorolla.
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En las escuelas de bellas artes, en las academias, así como en el proceso individual de estudio de cada pintor o escultor, el dibujo del rostro y de la figura humana se ha considerado siempre una base indispensable. El maestro Giovanni Civardi dedica un nuevo libro al dibujo de la cabeza y el rostro humanos. Esta vez con el recurso de la cuadrícula, el procedimiento más sencillo y antiguo, y el que más respeta la práctica del dibujo manual, para reproducir en distintas dimensiones una imagen plana (dibujo o fotografía).
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En Cómo dibujar y pintar animales expresivos, Amarilys Henderson —artista, creadora de tutoriales en línea y autora de Cómo dibujar y pintar caras expresivas— presenta ideas prácticas y creativas para dibujar y pintar animales con técnicas y estilos muy variados, desde realista hasta tipo cómic. A medida que vaya conociendo su lado más creativo, verá que dibujar a pequeña escala es una manera sencilla de relajar la tensión y abrirse a experimentar y a aprender las técnicas y los planteamientos que Amarilys comparte en este libro.
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Aunque la obra de Vermeer se reduce a 35 pinturas, ha originado un éxito de ventas del New York Times, una película protagonizada por Scarlett Johansson y Colin Firth, récords de visitantes en museos de todo el mundo, desde Ámsterdam hasta Washington, y la creación de medidas especiales para controlar al público que acude al Mauritshuis de La Haya, lugar de peregrinación de miles de personas para observar la enigmática, inocente y encantadora Joven de la perla, también conocida como la ''Mona Lisa holandesa''. Sin embargo, en vida, Johannes Vermeer (1632-1675) apenas era conocido más allá de Delft, su ciudad natal, y su reducido círculo de mecenas. Al morir, su nombre quedó en el olvido, excepto para algunos coleccionistas y marchantes de arte neerlandeses. Fuera de Holanda, sus obras incluso se atribuyeron erróneamente a otros artistas. No fue hasta mediados del siglo XIX cuando Vermeer llamó la atención del mundo del arte internacional que, viendo con buenos ojos su precisión narrativa, la meticulosidad de los detalles de su textura y los planos de luz majestuosos, descubrió a un genio y nunca volvió a apartar la vista de él. Esta edición reúne el catálogo completo de la obra de Vermeer en un formato compacto. Con una calidad de reproducción excepcional, permite disfrutar al máximo de las escenas sosegadas y al mismo tiempo cautivadoras, tan apreciadas en galerías de toda Europa y Estados Unidos. A través de detalles precisos y de ensayos se traza la habilidad excepcional del artista no sólo para plasmar los usos y costumbres del Siglo de Oro neerlandés, sino también para sintetizar una historia en un solo gesto, una expresión o una simple mirada.
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Históricamente el Mediterráneo ha sido un espacio de entendimiento y confrontación donde Occidente y Oriente han participado en proyectos comunes y se han enfrentado política y militarmente. Sin embargo, desde el siglo XVIII las potencias occidentales han conseguido una hegemonía económica, política y cultural que les ha permitido tener un trato de dominio colonial sobre el conjunto de países árabes o musulmanes.Escapar del punto de vista mayoritario, romper con las creencias hegemónicas e intentar construir un discurso propio que dote de personalidad e identidad a un país o a una cultura es una tarea ardua y costosa. Los países árabes han visto secuestrada su voz y su manera de ver el mundo por una concepción generalista e igualatoria que tiende a negar las diferencias, olvidar la pluralidad de voces o sentimientos, y llevarnos a una historia única e indiscutible, a la sombra de Occidente.Este libro tiene un doble objetivo: por un lado, entender cómo se ha ido construyendo un discurso cultural e ideológico colonial en el que ha primado el desinterés y el menosprecio por aquello que no se conoce o se teme, por otro, dar a conocer el conjunto de proyectos, experiencias y discursos poscoloniales que muy diferentes creadores (desde las dos orillas) van elaborando y que nos dan una visión mucho más amplia y compleja de un área geográfica tan importante como es el Mediterráneo.
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Pintura barroca en Valencia (1600-1737) ilumina un escenario muy poco conocido de la historia del arte español. En paralelo al desarrollo de los focos artísticos de Madrid —capital de la Monarquía Hispánica— y Sevilla —núcleo comercial de su vasto territorio trasatlántico—, Valencia se revela como un centro de producción pictórica de primer orden durante el siglo XVIIy primeras décadas del XVIII. A través de sus lazoscomerciales y culturales con Italia, recibió la influencia directa de importantes creadores, como Sebastiano del Piombo, José de Ribera, Pietro da Cortona, Carlo Maratta o Corrado Giaquinto. La tradición vernácula, que pervivía a la sombra de grandes figuras como Juan de Juanes o Juan Sariñena, se enriqueció con esasinfluencias y creció pujante con los valores novedosos que le aportaron artistas foráneos sobresalientescomo Francisco Ribalta, Pedro Orrente y Antonio Palomino.
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Este libro realiza un recorrido por una amplia variedad de estilos y procedimientos empleados por reconocidos artistas contemporáneos y los pone al alcance de todo amante del arte de la acuarela. Descubre texturas, aplicaciones, combinaciones de materiales y aprende a manchar, emborronar, rasgar y arrugar. Atrévete a cortar, pegar, estampar y coser tus piezas sin miedo. Los contenidos de este libro son válidos para artistas de todos los niveles, recoge propuestas de estilo y técnicas que podrás incorporar a tu propio proceso de trabajo. Este título ofrece ideas originales y versátiles que van desde la aplicación del color, las capas, la combinación de otros medios como la fotografía o el bordado, las manchas o el uso del pincel en seco, por nombrar solo algunas ideas de estas ochenta y cinco acuarelas.
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Guía para el estudio de los músculos del aparato locomotor y de la anatomía en movimiento. Apuntes sobre la estructura anatómica del cuerpo humano: huesos, articulaciones y músculos, consejos prácticos para el dibujo de la figura Giovanni Guglielmo Civardi nació en Milán el 22 de julio de 1947. Licenciado en Economía, estudió posteriormente en la Facultad de Medicina y en la Scuola del Nudo de la Accademia di Brera, y se dedicó al retrato y a la escultura. Durante más de una década realizó ilustraciones para diarios, revistas y cubiertas de libros. Organizó muestras personales de escultura y amplió sus estudios anatómicos durante frecuentes estancias en Francia y en Dinamarca. Desde hace muchos años dirige cursos de anatomía y de dibujo de la figura humana, y ha condensado su experiencia didáctica en numerosos libros, reeditados con frecuencia. La mayoría de ellos han sido traducidos a varias lenguas (inglés, francés, español, ruso, alemán, japonés, etc.). De 2011 data el Cuaderno de Lourdes, el más reciente de sus apuntes de viaje. Actualmente vive y trabaja en Milán, Casteggio y Niza.
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He aquí un libro que es un desnudo integral, tanto físico como emocional, acompañado de multitud de fragmentos de cuerpos que han inspirado al autor a lo largo de su vida.El libro se propone como un cuadernos de dibujo en el que se plasma la belleza del cuerpo humano.Disfruten del recorrido sin esperar algo escrito, que no sólo se lee en las palabras sino en los cuerpos que nos sugieren belleza porque ya la contienen y no pueden dejar de desprender pura poesía.
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El presente volumen reúne a algunas de las principales especialistas actuales en arte y género para articular nuevas y necesarias aproximaciones a la Historia del arte. Resultado del simposio internacional del mismo nombre celebrado a raíz de la exposición «Maestras», organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid, las diferentes autoras –Griselda Pollock, Rocío de la Villa, Camille Morineau, Lucia Pesapane, Concha Lomba, Menene Gras, Karen Cordero, Carla Subrizi, Mary Kelly y Maite Méndez– abordan en sus textos la aportación de mujeres artistas de la modernidad en diversas coordenadas geográficas y culturales. De la Francia de entreguerras a la India, de España al norte de África, de Italia a México, se pone el foco en el cruce de culturas, la intersección entre arte, raza, sexo y colonialismo, las cuestiones de género y transnacionales que atraviesan el arte de la Edad Contemporánea. Se trata, en definitiva, de explorar la posibilidad de nuevas convergencias entre mujeres artistas de distintos mundos, culturas, tiempos y latitudes.
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La atracción que las gemas ejercen sobre el ser humano se remonta a nuestros inicios como especie. Sus colores, sus brillos y su rareza han seducido nuestra mirada y provocado que, desde hace milenios, sean símbolo de todo tipo de virtudes y materialización de tesoros y riquezas. Sus mismos nombres son capaces de transportarnos a lugares lejanos y de evocarnos historias fabulosas: esmeraldas, zafiros, perlas y diamantes pueblan la cultura y las leyendas a lo largo del mundo y adornan a diosas y héroes de las más variadas mitologías. De igual modo que las facetas cristalinas de las piedras preciosas reflejan diferentes puntos de vista sobre la realidad que las rodea, El jardín mineral nos ofrece, mediante una fusión de ensayo, historia del arte y libro de viajes, una visión caleidoscópica, sugerente e inolvidable.
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Cada título de esta serie está dedicado a una técnica (acuarela, óleo, acrílica, pastel, etc.), tal y como reza el enunciado de la colección. Se trata de un conjunto de libros en cada uno de los cuales se explican de forma detallada y exhaustiva todos los aspectos que necesita saber para conseguir conocer a fondo la técnica en cuestión y poder así pintar con ella con soltura y dominio. Los volúmenes están estructurados de forma enciclopédica, a base de capítulos monográficos que contienen pequeños apartados. Todas las explicaciones se acompañan de la ilustración correspondiente al objeto de que ningún tema quede sin comprensión. Los volúmenes se cierran con un índice detallado para facilitar la consulta, la utilidad y el manejo de cada tomo, que viene a ser un vademécum con todo el acopio de conocimientos sobre la técnica en él tratada.
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Los artistas emergentes más excitantes del mundo contemporáneo û quién es quién y qué viene después- elegidos por la nueva generación de expertos.Presentamos los 100 artistas nacidos después de 1980 que han sido más votados por un extenso panel de expertos como aquellos que están haciendo y harán las obras más interesantes. Son las estrellas del futuro y aquellos que venderán a altos precios. Algunos elegidos son : Lawrence Abu Hamdan, Farah Al Qasimi, Korakrit Arunanondchai, Firelei Báez, Meriem Bennani, Amoako Boafo, Danielle Brathwaite-Shirley, Jordan Casteel, Jesse Darling, Jadé Fadojutimi, Louis Fratino, Lauren Halsey, Kudzanai-Violet Hwami, Joy Labinjo, Lina Lapelyte, Carolyn Lazard, Ad Minoliti, Tyler Mitchell, Toyin Ojih Odutola, Ima-Abasi Okon, Thao Nguyen Phan, Christina Quarles, Tschabalala Self, Paul Mpagi Sepuya, Shen Xin, Avery Singer, Martine Syms, Salman Toor, Zadie Xa Los expertos trabajan en instituciones como Baltimore Museum of Art, Bellas Artes Projects (Manila), ESPAC (Mexico), The Factory Contemporary Arts Centre (Ho Chi Minh), KW Institute for Contemporary Art (Berlin), MoMA (NY), Museo de Arte Moderno (Medellín), Museums Victoria (Melbourne), RAW Material Company (Dakar), Sharjah Art Foundation, Studio Museum in Harlem (NY), Tai Kwun Contemporary (Hong Kong), Tate Modern (Londres), Whitechapel Gallery (Londres), Whitney Museum of American Art (NY), and X Museum (Beijing)
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Las imágenes que conforman el trabajo Bravo nos sumergen en el complejo paisaje del norte de México, un lugar donde la geografía y la política se entrelazan, con el río Bravo como barrera tanto física como simbólica entre México y Estados Unidos. A través de este ensayo fotográfico se captura el tiempo suspendido, los objetos, las arquitecturas y los cuerpos de quienes habitan en ese espacio liminal. Con sus fotografías, Felipe Romero documenta este estado de espera y contemplación en torno al río, que funciona como frontera natural y lugar en transición.
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Picasso. Territori i arts i tradicions populars catalanes
Una edició que dóna a conèixer Picasso com a ambaixador excepcional de les arts i les tradicions populars catalanes.
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Con motivo del centenario del nacimiento de Eduardo Chillida, el volumen Universo Maeght, impulsado por el Museo Chillida Leku, propone un encuentro entre el escultor vasco y algunos de los artistas con los que trabajó el histórico marchante Aimé Maeght junto a su esposa, Marguerite. Entre ellos, Alexander Calder, Alberto Giacometti, Pablo Palazuelo, Georges Braque, Julio González, Jean Arp, Barbara Hepworth, Antoni Tàpies, Joan Miró o Marc Chagall. El marchante y mecenas Aimé Maeght, uno de los actores más influyentes en el mundo del arte del siglo XX, supo rodearse de un universo de grandes artistas que se convirtieron en amigos
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Gaudí. Arquitecte singular
'La força d'Antoni Gaudí com a arquitecte rau en la seva prolífica invenció de formes. La varietat i expressió d'aquestes formes per si soles, com a escultures o pintures, ja li assenyalarien com a notable artista modern. Però, de fet, són el resultat d'uns invents estructurals extraordinaris, d'un imaginatiu ús de materials i d'un sentit inigualable de la decoració..., tres atributs tradicionals d'un arquitecte mestre.'' (George R. Collins). Aquest llibre mostra el mestratge i el geni de Gaudí en tota la seva esplendor i a través de totes les seves obres amb les millors fotografies, textos descriptius de cada obra, alçats, maquetes, projeccions isomètriques i vídeos exclusius. “Gaudí, arquitecte singular” és un llibre imprescindible per conèixer l'obra d'un arquitecte mundialment reconegut com a creador genial. Així ho testifica la UNESCO en atorgar-li a bona part dels seus edificis la categoria de Patrimoni Mundial.
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La comida y el surrealismo son amantes perfectos: sexo y langostas, collage y canibalismo, el encuentro de un cisne y un cepillo de dientes en una pastelería. Las cenas opulentas que organizaban Salvador Dalí (1904-1989) y Gala (1894-1982), su mujer y musa, fueron legendarias. Afortunadamente para nosotros, Dalí publicó un libro de cocina en 1973, Les dîners de Gala, que desvela algunos de aquellos ingredientes sensuales, imaginativos y exóticos que confluían en tan célebres encuentros.Esta reedición abreviada agrupa 78 de sus recetas en 12 capítulos, ilustrados especialmente por Dalí y organizados en función de los distintos platos, así como una sección dedicada a los afrodisíacos. Las ilustraciones y las recetas se acompañan de las extravagantes reflexiones de Dalí cual asuntos tratados en las conversaciones durante las cenas: ''La mandíbula es nuestra mejor herramienta para aferrarnos al conocimiento filosófico''.Todas las valiosas recetas del libro pueden prepararse en casa, aunque en algunos casos se requiera buena mano en la cocina y una despensa bien surtida. Son platos de la vieja escuela, con especialidades de los mejores chefs franceses de restaurantes de París condecorados con estrellas Michelin. El buen gusto, por voluptuoso que sea, nunca pasa de moda. Y dando a conocer al gran público este libro excepcionalmente raro, TASCHEN aporta una obra de arte, un recetario práctico y una experiencia multisensorial a la cocina actual.
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Ilori transforma los espacios para acoger a la comunidad y dar lugar al optimismo desde la convicción de que el arte y el diseño debe ser accesible a todos.Esta publicación interactiva es un espejo sobre su forma de entender el mundo desde la imaginación. Ilori nos reta con su forma de entender las dimensiones nuestro lugar en el espacio y el derecho a reclamar los espacios que ocupamos sin importar de dónde venimos.
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Graphiclassic dedica este número monográfico a uno de los grandes personajes que han existido en el universo del cómic cómic mundial.El Príncipe Valiente y su creador Harold Foster pueden figurar sin duda alguna, como una de las obras más reconocibles y paradigmáticas en el mundo de las viñetas.Este libro permite conocer en profundidad al Príncipe Valiente, la complejidad de su narrativa, la vida de su autor, la calidad de sus dibujos y los problemas actuales para una edición adecuada y fidedigna de la obra.
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Marinus van Reymerswale (nacido hacia 1489 y activo hasta 1546) sigue siendo un artista enigmático. Al parecer trabajó a la sombra de los grandes maestros de la pintura de género neerlandesa, como Quentin Massys, desarrollada en Amberes en la primera mitad del siglo XVI. Se le conoce sobre todo por sus cuadros de san Jerónimo en su estudio, una iconografía con gran arraigo en Amberes, y, especialmente, de personajes del mundo de las finanzas, recaudadores, banqueros y cambistas, cuya gran difusión contribuyó a conformar la imagen de estos oficios a lo largo de los siglos. Una original aproximación historiográfica, así como nuevas investigaciones técnicas llevadas a cabo en el Museo del Prado, han aportado importantes datos tanto para la mejor comprensión de esos asuntos como para conocer las condiciones y los métodos de producción de sus pinturas en el emergente mercado de arte de Amberes y en el contexto de la cultura material de su tiempo. Esta publicación, la primera monografía dedicada al artista, incluye varios ensayos que enriquecen el conocimiento que hasta ahora se tenía sobre Marinus. En ellos el lector encontrará una puesta al día de toda la información documental que poseemos sobre el pintor, un estudio sobre el mercado del arte al que estaban destinadas sus obras y otros textos que profundizan en aspectos relevantes de sus cuadros, tales como la indumentaria o las encuadernaciones de los muchos libros que aparecen en ellos. Además, en el apartado dedicado al catálogo de obras, que recoge pinturas pertenecientes a todas las etapas de su relativamente corto periodo de actividad, se analizan en profundidad múltiples aspectos del trabajo del artista. Ilustrado con casi cien imágenes a color, supone una imprescindible aportación sobre la figura y la obra de este original artista.
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Un volumen profusamente ilustrado del trabajo visual de C.G. Jung, desde el dibujo hasta la pintura y la escultura.El éxito de la edición facsimilar de El libro rojo publicado en 2010 es prueba del enorme interés en las obras figurativas y creativas de Jung. Por primera vez Jung se hizo visible a un público más amplio, no sólo como figura fundadora de la psicología moderna, sino como un artista por mérito propio.Esta nueva obra editada por la Fundación de las Obras de C. G. Jung, destaca algunos de los rasgos únicos y característicos de las ilustraciones de Jung: una combinación de libertad en los colores, motivos y perspectivas, exhibiendo semejanzas con el desarrollo del arte moderno de comienzos del siglo XX, el juego con las luces y sombras para crear perspectiva y dimensionalidad, el uso de técnicas de transparencia y opacidad para crear efectos de luz y plasticidad, la manera de trabajar, muy libre y sin restricciones, otorgando a los objetos cualidades casi animistas.Los ensayos recopilados aquí presentan trabajos artísticos inéditos y abordan un espectro notablemente amplio de logros artísticos, tanto de forma independiente como dentro del contexto de El libro rojo, en sí mismo ampliamente representado. Incluyen dibujos, pinturas y esculturas no publicados anteriormente en El libro rojo y que fueron exhibidos posteriormente, así como otras búsquedas que llevaron al descubrimiento de dibujos tempranos de su infancia y adolescencia.Este libro nos permite presentar, finalmente, el corpus sustancial de la obra creativa de Jung en el contexto de su desarrollo personal e intelectual, así como el rol central de la imagen en su obra científica. A través de sus páginas hay continuas referencias al significado simbólico de las imágenes internas y de su vinculación con los motivos arquetípicos comunes a todas las culturas y épocas.
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Colormorphia es un homenaje al talento del ilustrador Kerby Rosanes y al de sus seguidores. Esta obra reúne las mejores imágenes de la exitosa serie de libros Morphia. Contiene una sección de trabajos exquisitamente coloreados por los fans con comentarios y opiniones del propio Kerby. Además, las obras coloreadas también se incluyen en una sección en blanco y negro, para que puedas poner toda la inspiración recibida al servicio de tus propias creaciones.
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Nueva edición del catálogo de exposición que acompañó Pinta la Revolución. Arte moderno mexicano, 1910-1950, una muestra organizada en conjunto por el Philadelphia Museum of Art y el Museo del Palacio de Bellas Artes, y presentada en ambas sedes entre octubre de 2016 y mayo de 2017. Esta nueva edición está dividida en tres volúmenes donde se abordan los temas más representativos del arte moderno mexicano. Se conservan las ilustraciones del catálogo original, agrupadas en secciones cuyos títulos reflejan los núcleos temáticos de la exposición. El tomo II se concentra en las alternativas de la vanguardia en el México posrevolucionario, la fotografía como medio y el impacto del arte moderno mexicano en los Estados Unidos.
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«¿Has besado alguna vez la bandera nacional?».En 2008 la economía y las principales instituciones del país estuvieron al borde del colapso. A raíz de ese proceso, una serie de artistas pusieron el foco sobre la cultura oficial española (el himno y la bandera, los toros, las fiestas católicas, el folclore o el 12 de octubre).La crisis de 2008 dio al traste, entre otras cosas, con la promesa de felicidad nacional instituida durante la Transición. Se ha analizado mucho lo que supuso el colapso de la economía y el abismo al que se asomó el aparato del Estado, pero faltaba la tercera pata: el resquebrajamiento de la cultura oficial española. El entramado que conforman el himno y la bandera, los toros, las fiestas católicas, el folclore o el 12 de octubre, y que parecía patrimonio de las fuerzas conservadoras hasta que pasado al dominio público gracias a la reapropiación queer que han llevado a cabo los artistas de la España rarita. Rosalía, C. Tangana, Niño de Elche, Rodrigo Cuevas, Samantha Hudson, los Javis, María Arnal o Palomo Spain son algunos de los creadores que han venido dando la batalla simbólica por ampliar la noción de comunidad y hacer mucho más diversos los imaginarios de lo español.En estas páginas Daniel Valtueña dibuja un mapa de la efervescencia social de aquellos años al tiempo que desliza una crítica al 15M, por haberse erigido en el centro de una memoria sentimental e ideológica que ha opacado otros fenómenos culturales. A continuación, afirma el poder de la cultura, en su dimensión más perversa y en la más transgresora: por un lado, su inmensa utilidad en manos de la oficialidad como cortina, por otro, su capacidad para rasgar esa misma cortina, tomarle las medidas al poder y exponer su miserable condición.
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Dedicado a algunas de las artistas del street art más importantes de la escena contemporánea, este libro pretende ser un viaje de descubrimiento a través de los universos infinitos de estas artistas que, con determinación y coraje, han buscado su lugar en el mundo, un lugar desde el que se hacen escuchar con voces altas y claras. Una maravillosa aventura a través de los universos infinitos de mujeres artistas, que representan la humanidad misma como el ciclo imparable de la naturaleza. Ejemplos de cómo florecen nuevas comunidades de mujeres en todo el mundo, de personas que están cansadas de ser invisibles, que ya no tienen miedo de hacer oír sus voces, que se apoyan unas a otras en lo que solo se puede describir como el principio de un verdadero Renacimiento de la mujer. El street art, arte urbano o arte callejero ha dejado de ser un club exclusivo para hombres. La espera ha sido larga, pero el momento ha llegado. Numerosas artistas de gran talento, en todo el mundo, se abren camino hacia la primera línea.
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This is the first ever guide written to provide a detailed insight into the Romanesque churches in the Vall de Boí, one of the most outs- tanding medieval monumental ensembles in Europe, which was awarded World Heritage status in the year 2000. The guide features updated information based on current research and has been designed to make the visit to the churches in the valley a pleasurable and culturally enriching experience. The reader will also find everything they need to know about the frescos and images from these churches that are on display at the Museu Nacional d’Art de Catalunya, to provide them with a complete overview of this extraordinary artistic legacy.
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Qué tenían en común Picasso, Monet y Georgia O'Keefe? Exacto: los tres fueron grandes artistas... y grandes amantes de los gatos. Aprenderás a distinguir los movimientos pictóricos más importantes de la historia e ilustrados de manera única y divertida, conocerás el sorprendente gato cubista, el gato surrealista y daliniano y muchos más.
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