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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Un estudio que intenta clarificar el panorama de la Didáctica del Flamenco, entendida como propuesta y método para acercar el flamenco a los alumnos de los distintos niveles educativos, especialmente de secundaria, donde ha trabajado el autor más de treinta años. Se aporta una visión didáctica interdisciplinar (aspectos lingüísticos, literarios, históricos, filosóficos, etc.) partiendo de las propias letras del cante, de las que se ofrece un amplio y variado recorrido. El profesor encontrará prácticas de acercamiento en el aula, además de una abundante bibliografía, webgrafía, actividades, etc., y el lector en general un ameno y rico ensayo centrado en la riqueza de las letras. Se aspira a la difusión de la buena nueva del flamenco, su enjundia existencial y estética, su valor literario, su esencia básicamente andaluza pero universal. «Todos aquellos que sientan la inquietud, desde las escuelas e institutos, de contribuir a la divulgación del Flamenco por medio de un proceso sistemático, secuenciado e integrado en el currículum escolar, pueden hallar valiosas estrategias en esta obra, un camino trazado, experimentado ya por el propio autor y, por tanto, solvente y seguro, a través del cual enriquecer el trabajo con sus alumnos utilizando una aportación no solo artística, sino vital, que, sin dudarlo, les acompañará durante toda su vida». Catalina León Benítez Un libro que responde a la necesidad de orientar a profesores y lectores en general sobre la enseñanza del flamenco a partir de las letras flamencas. José Cenizo Jiménez (Paradas, Sevilla, 1961). Licenciado y Doctor en Filología Hispánica. Ha sido profesor de Educación Secundaria y de la Universidad de Sevilla. Coordinó el Programa de Doctorado de la Universidad de Sevilla «Estudios avanzados de Flamenco» (2012-2014). Crítico literario y autor de artículos de investigación y de opinión aparecidos en diversos medios. Ha publicado libros sobre la poesía de Rafael Porlán, Javier Salvago, Manuel Gahete, Ángel Sánchez Escobar, Emilio Durán, Francisco Peralto y Juan Carlos Rodríguez Búrdalo, así como sobre la sextina y grupos y tendencias de la poesía sevillana. Investigador de flamenco, con libros sobre la copla flamenca y su didáctica, Antonio Mairena, Miguel Vargas, la alboreá y la petenera, etc. En el apartado de creación, es autor de Otra vez septiembre (1999), Con pocas palabras. Coplas flamencas (2007), Tipos de interés (Relatos breves, 2020) y Antes del porvenir (2025).
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El libro de referencia sobre Alaska, una de las artistas más importantes de nuestro país, columna vertebral de la movida y la edad de oro del pop español. Alaska y otras historias de la movida se publicó por primera vez hace más de veinte años. Por aquel entonces, el fenómeno cultural y social denominado movida cumplía sus primeras dos décadas. Aún era una corriente por reivindicar y la historia de Alaska, una de sus máximas representantes, todavía no había sido contada. Tampoco lo hacía en su totalidad este libro, que inicia el relato vital de la artista a partir de su infancia en México, su llegada a España siendo una niña, sus precoces experiencias musicales con Kaka de Luxe, su irrupción definitiva en el nuevo panorama musical con Alaska y los Pegamoides, y concluye con su consolidación como estrella gracias al éxito de Deseo carnal, el segundo álbum de Dinarama, que coincide también con el fin de la movida, que pasa de ser una manifestación cultural espontánea a convertirse en una etiqueta que, con el paso del tiempo, va perdiendo parte de su significado real. Alaska y otras historias de la movida no es un libro sobre música. Es una narración que cuenta la historia de una serie de personajes, siempre con Alaska como principal protagonista, que durante unos años cruciales para España cambiaron su devenir cultural. Es un híbrido entre el ensayo y la biografía que se lee como una novela, también porque ya han pasado más de cuatro décadas desde que todo esto sucedió. Cuatro décadas en las que el mundo ha cambiado hasta unos límites inimaginables, para bien y para mal. Es por eso mismo que esta obra, descatalogada desde hace mucho y convertida en libro de culto, pedía una reedición. La esencia de lo que ocurrió entonces en Madrid y de lo que vivieron Alaska, Nacho Canut, Carlos Berlanga, Ana Curra, Eduardo Benavente, Paloma Chamorro, Pedro Almodóvar, Fabio de Miguel, Javier Furia, Luis Miguélez, Pablo Pérez Minguez, Blanca Sánchez y otras figuras imprescindibles de aquel momento queda reflejada en estas páginas. Un poderoso coro de voces que hace de este relato una experiencia adictiva. Respetando la versión original del libro, e incluyendo una introducción de la periodista Elena Cabrera, Alaska y otras historias de la movida vuelve a las librerías. El texto está acompañado por fotografías tomadas por el propio autor en sus años formativos como creador del fanzine Estricnina, una tarea que propició su primer contacto y sus primeras entrevistas con Alaska y demás protagonistas de esta historia. La misma vieja historia sigue sonando nueva porque de lo que habla en realidad es de pasiones, amistad, traiciones, celos, identidad y ambiciones. Existen otros libros sobre la movida, pero ninguno es como este.
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Una fascinante inmersión en el oscuro romanticismo de la música gótica Gótico es un viaje por la música y la cultura góticas, narrado por un verdadero entendido en la materia. Lol Tolhurst recorre la historia de las figuras que sentaron las bases del género -auténticos padrinos del gótico como The Cure, que él mismo fundó junto a Robert Smith, y bandas coetáneas como Siouxsie And The Banshees, Bauhaus o Joy Division- y de muchos otros grandes grupos que ofrecieron refugio a los inadaptados de los ochenta y siguen haciéndolo en la actualidad. Lol presenta un análisis fascinante y profundo de las figuras más influyentes de este movimiento incomprendido que saltó de Inglaterra a Nueva York, Los Ángeles y el resto del mundo, y lo impregna no solo de sus propios recuerdos sino también de los de sus compañeros músicos, prestidigitadores y artistas que lograron que este género resultase tan necesario y perdurable. A lo largo del libro también repasa la trayectoria de bandas como Depeche Mode y Cocteau Twins, a los que él llama «alquimistas espirituales» y que contribuyeron a la expansión de la oscuridad hacia la cultura. Por último, Tolhurst ahonda en el legado del género y muestra cómo hoy su influencia está presente en la música, el cine, la televisión, las artes visuales y las redes sociales. Tan detallada y rigurosa como evocadora, esta obra es un testimonio atemporal sobre el gótico,
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Renovó el rock español, rompió los límites de la canción de autor, se empapó de todas las tradiciones, combinó la alta cultura con el lenguaje de la calle, de la ironía saltó al humor, vivió al límite para escribir las canciones más emocionantes, tendió puentes con la actualidad, fijó la crónica poética de un tiempo y la memoria sentimental de varias generaciones de hispanoblantes. Casi sin darnos cuenta, Joaquín Sabina se reveló como uno de los más excepcionales compositores e intérpretes del último medio siglo. Su canon no admite comparación. Hablamos de alguien que, sin desearlo, es mito en vida. En Sol y sombra, Julio Valdeón nos invita a recorrer la vida y obra de Sabina en un viaje eminentemente musical que cuenta con las voces del propio biografiado (en el extraordinario epílogo) y de la mayor parte de los músicos, compositores, productores, colaboradores y amigos que le han acompañado a lo largo de los años: de los imprescindibles Pancho Varona y Antonio García de Diego a los integrantes de Viceversa, de Alejo Stivel a Leiva, de Ariel Rot a Caco Senante, de Álvaro Urquijo a Andrés Calamaro, de Olga Román a Rubén Pozo, de Mara Barros a Luis García Montero, de Pedro Guerra a Carlos Narea, de Felipe Benítez Reyes a Miguel Ríos. Más de cuarenta entrevistados para aproximarnos a la gestación de las canciones, a la creación de los discos, a los procesos de trabajo, a los escenarios y a la vida en la carretera.
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Des de la mort del dictador Francisco Franco fins a la consagració de la música ballable als vuitanta van transcórrer uns quants anys que van coincidir amb l’adolescència de Vicenç Pagès Jordà, una edat en què la música es grava a la ment com en els solcs d’un vinil. A la primera part de La música i nosaltres hi apareixen grups tan oposats i tan influents com Abba, AC/DC i The Clash. La segona part està dedicada als grups nostrats, de Ramon Muntaner a Manel.Lluny de la malenconia, La música i nosaltres restitueix el que significava escoltar música durant aquells anys. La radiofórmula, la moda retro i les farinetes nostàlgiques tendeixen a tergiversar aquella sensació, a reduir-la a un grapat de llocs comuns i de sociologia de saló. Ara bé, també en la música tenim dret a la memòria històrica. Rescatar els records musicals d’aquella època equival a oferir una mirada personal –o no– sobre la Transició.
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Un viaje por el proceso creativo de Natalia Lafourcade al crear el disco De todas las flores. En esta nueva edición, Natalia Lafourcade enriquece el contenido del libro De todas las flores (2023), un diario musical donde presenta material inédito de su premiado álbum homónimo. A través de sus páginas podemos descubrir imágenes, entrevistas y reflexiones que nos permiten conocer de primera mano el proceso creativo detrás del álbum homónimo lanzado en 2022 y que se ha ganado el gusto de críticos y fanáticos por igual. Además de las letras de las canciones, el libro incluye una interesante entrevista con Elvira Liceaga, escritora y conductora del pódcast De todas las flores, donde se explora el universo creativo de Lafourcade. Para quienes son más de escuchar que de leer, esta edición está acompañada del lanzamiento de un audiolibro inédito. Premiado con un Grammy y dos Latin Grammy, el álbum De todas las flores (2022) representa un viaje musical que fusiona boleros, cumbias y más. Esta edición, digna de coleccionar, nos permite ser parte de una de las obras clave de Lafourcade. Una dosis de inspiración que se respira página tras página.
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El gran homenaje al legendario álbum de Prince, Purple Rain, en la celebración de su 40 aniversario. En 1984, Prince publicó el que se convertiría en su álbum más vendido y en una de las obras más importantes de la historia del rock. Andrea Swensson, periodista musical especialista en Prince, analiza con todo lujo de detalle esta icónica obra de arte, empezando en el barrio de Minneapolis, donde se crio Prince, y todos los éxitos que precedieron a Purple Rain, continuando con su legendaria banda, The Revolution. Examina cada canción, nota a nota, la película que se realizó con posterioridad y su banda sonora -ganadora de múltiples premios-, así como el resto de piezas que surgieron de este icónico álbum. Con prólogo de la gran experta en Prince, Maya Rudolph, e ilustrado con increíbles fotografías, incluye también extraordinarias reproducciones de objetos icónicos en la carrera de Su Majestad Púrpura. La máxima celebración de Prince, su figura y la obra que cambió la historia de la música.
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Este manual es el primer programa didáctico completo escrito en castellano que aborda con profundidad y rigor todas las áreas de la industria musical. Estructurado en dos volúmenes complementarios y con la colaboración de más de una treintena de especialistas del sector, ofrece una visión transversal, actualizada y didáctica de uno de los sectores más dinámicos, complejos y apasionantes del ecosistema cultural y creativo.El primer volumen se estrucura en 21 capítulos organizados en tres bloques temáticos, donde analiza aspectos relacionados con la música —como su desarrollo tecnológico, su impacto económico o los agentes que forman parte de la industria—, el artista o los aspectos clave de la música hoy y mañana.Con un enfoque pedagógico pero accesible, cada capítulo está acompañado de gráficos, imágenes y recursos visuales que facilitan la comprensión lectora, convirtiendo esta obra en una herramienta esencial tanto para quienes se inician en el sector como para profesionales que deseen actualizar conocimientos.Nacido del espíritu colaborativo y del respeto por quienes hacen posible la música, este manual se proyecta como semilla para desarrollos futuros, consolidando un punto de partida sólido para la profesionalización, vertebración e internacionalización del sector musical en el ámbito hispanohablante.
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Con un tono irreverente y siempre cargado de humor, el Olimpo Rock es una original sitcom protagonizada por las estrellas del rock que por degracia ya no están entre nosotros. Además de servir como homenaje póstumo, nos permite conocer varias de sus historias y sus rasgos de personalidad. El Olimpo Rock fue creado en octubre de 2010 por Álvaro Ortega y desde entonces ha sido publicado bimensualmente en la revista TMEO. Este libro recopila los 20 mejores capítulos, que han sido revisados, actualizados y complementados con textos de Iñaki García.
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Cinco años después de su muerte, la biografía definitiva de Luis Eduardo Aute, un artista cuyas canciones siguen coreándose con la misma emoción de siempre. Pintor, cineasta, compositor, poeta… la obra multifacética de Luis Eduardo Aute (Manila, 1943-Madrid, 2020) es un referente obligado en la cultura española de los últimos sesenta años. Canciones como Las cuatro y diez, Al alba -un icono de la Transición-, De alguna manera o Pasaba por aquí forman parte de la memoria colectiva de varias generaciones. Me va la vida en ello, la primera biografía que se publica coincidiendo con los 5 años de su muerte, nos acerca a la vida cotidiana y al proceso creativo de un artista que, frente a los cambios sociales y políticos que experimenta el mundo, supo mantener siempre una coherencia ética. ''A la única esclavitud que me someto es la de mis principios y valores'', repitió. Con los testimonios de quienes le conocieron y colaboraron más estrechamente, Miguel Fernández -autor de las biografías de Waldo de los Ríos, Amparo Muñoz o Mari Trini- relata la trayectoria y el compromiso del artista total que reivindicó ''el espejismo de intentar ser siempre uno mismo''.
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Vencido el primer cuarto del siglo XXI, un cantautor vasco como Gontzal Mendibil, un juglar heredero de aquellos representates del grupo Ez dok amairu que compartieron proyectos y amistad con Blas de Otero, echa al viento (como José Martí) los versos necesarios de entonces y de siempre, de hoy y mañana, para que suenen libres y vivos y espontáneos.
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Desde su clamoroso redescubrimiento mediada la pasada centuria, la figura de Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741) no ha hecho sino ganar adeptos, provocar estudios, protagonizar ciclos de conciertos, propiciar ingentes grabaciones discográficas, suscitar, en suma, una creciente, justificada fascinación que aún hoy, recién comenzado el siglo xxi, parece estar lejos de su techo. Vivaldi –también conocido como el Prete Rosso (el cura rojo) en virtud de su condición sacerdotal y del color de sus cabellos– no fue sólo uno de los compositores más prestigiosos e influyentes de su generación, un formidable maestro del Barroco Italiano, sino que fue ante todo un genio vanguardista y visionario que renovó el lenguaje Barroco para dotarlo de una exuberancia dramática sin parangón entre sus contemporáneos. El libro que el lector tiene en sus manos, el primero en lengua castellana dedicado in extenso a la música de Vivaldi, constituye un profundo estudio de la obra instrumental vivaldiana, la parcela más emblemática y revolucionaria de la producción del Prete Rosso. Para ello se ha prestado una atención pormenorizada a todos los géneros instrumentales cultivados por Vivaldi, desde la música de cámara a la obra concertante y sinfónica, de la sonata al concierto, de las obras publicadas a las páginas manuscritas, de las piezas más famosas a las páginas menos frecuentadas. Pese a estar consagrado a la obra instrumental, el presente volumen no pierde de vista, naturalmente, la igualmente extraordinaria obra vocal vivaldiana, tanto sacra como profana, cuya referencia se antoja imprescindible para un conocimiento pleno del inmortal legado instrumental del compositor veneciano. El texto presta también especial atención al célebre «autoprestamismo» del Prete Rosso, y revela de hecho algunas conexiones temáticas hasta ahora inéditas, concernientes tanto a la música instrumental como a la vocal.
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'ENGUANY FA SET ANYS DE TOT [DIETARI 2024] ''és el desè volum dels dietaris de Celdoni Fonoll. Prosa esquitxada de poesia. Sàtira i humor. Passió i contundència. Nova crònica personal i col·lectiva que comença amb aquests versos fonollians: ''Set anys que vàrem tocar'' ''la llum de la independència'' ''amb els dits i el cor i l'ànima!'' Sobre els dietaris de Celdoni Fonoll han dit: La intensitat dels temps que vivim fa que només puguem recordar alguns episodis. Però la lectura del Dietari permet assaborir, i també patir de nou, els fets quotidians viscuts. Gràcies, Celdoni Fonoll, per mantenir viva la memòria! Lectura intensament recomanada. Jaume Alonso-Cuevillas, advocat i economista, a Twitter L'univers Fonoll no deixa de ser una mica el món i el país on voldríem viure... Francesc de Dalmases, periodista i diputat al Parlament de Catalunya, a Instagram Hi ha els fets, hi ha els comentaris, hi ha els atacs, hi ha les agressions, hi ha les manipulacions, però també hi ha humor, perquè una de les característiques d'aquestes pàgines és que el seu autor, passi el que passi, no perd mai el sentit de l'humor ni la capacitat, per mitjà de la caricatura, de posar l'opressor al seu lloc. Llegiu-lo, amics, és un any de la nostra història. Víctor Alexandre, periodista i escriptor, a ''Racó Català''
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Las entradas, concisas e interesantes, nos ayudan a entender los datos fundamentales en solo medio minuto. Así, esta es una guía imprescindible para los recién llegados al instintivo y diverso mundo del jazz. El jazz nació en Estados Unidos casi al mis
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Partiendo de seis historias paralelas, el presente libro constituye una historia plural y original de la nueva música, que muestra cómo se ha producido un cambio de paradigma mediante un desplazamiento del núcleo: estamos pasando de una cultura musical centrada en la tonalidad a una cultura del sonido.Cada capítulo se centra en una de esas historias: el timbre, una categoría central en la composición musical, el potencial musical del ruido, la escucha, cuyo conocimiento da acceso al sonido en el sentido más amplio del término, la inmersión sonora, la sustitución de la composición «del» sonido por la composición «con» sonidos, y el espacio, que progresivamente se percibe como algo componible.De Debussy a la música de los comienzos del siglo XXI, del rock a la electrónica, de los objetos sonoros de la primera música concreta a la música electroacústica actual, este libro ofrece una original y novedosa perspectiva de la emergencia del sonido como eje vertebrador de la creación musical.
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El célebre tenor Ian Bostridge pasó casi dos años sin poder pisar los escenarios a causa de la pandemia, hecho que lo llevó a reflexionar sobre el valor irrenunciable del contacto directo con el público, a la vez que le permitió ahondar en el amplio catálogo de clásicos que ha interpretado a lo largo de su carrera. Mediante una prosa lúcida y absorbente, Bostridge explora en estas páginas el modo en que Monteverdi, Schumann y Britten emplearon y subvirtieron los roles de género en sus composiciones, cuestiona la jerarquía y el poder coloniales en Chansons madécasses de Ravel, y analiza las meditaciones de Britten sobre la muerte en obras como War Requiem o Death in Venice. Las singulares reflexiones de Bostridge nos permiten comprender la asombrosa intensidad de sus interpretaciones, en las que la extraña fusión de melodía y pensamiento brinda auténticas epifanías tanto al cantante como a su público.
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Psicòptic! Pau Riba & Dioptria es un exhaustivo y revelador libro escrito por Jaime Gonzalo, que profundiza en la trascendental obra Dioptria de Pau Riba, un álbum revolucionario para el rock cantado en català y que significó también un verdadero amanecer para el rock estatal.No es solo un análisis en profundidad del disco, sino también un homenaje a la figura de Pau Riba, un artista iconoclasta y visionario que desde sus inicios rompió moldes y desafió las convenciones de su tiempo. El libro incluye material gráfico a color, ofreciendo una perspectiva visual única de la época y la estética que rodeó la creación de este álbum.A finales de los años sesenta, con los últimos resquicios del franquismo agonizando, no fueron pocos los que trataron, cada uno a su manera, de filtrarse a través de las grietas para socavar sus porosos cimientos y hacer posible un cambio. Uno de esos inconformistas fue Pau Riba. Sorteando tanto la censura oficial como la incomprensión de artistas coetáneos supuestamente afines, fue creando un paisaje musical heredero del surrealismo, la provocación y el folk y rock norteamericano, sin comparación posible ni en Cataluña ni en el Estado, y con un sentido de la fantasía pocas veces igualado.Edición en català. Próximamente edición en castellano.
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Cuando en 1979 los Clash comenzaron a pergeñar London calling, no podían imaginar que ese álbum doble devendría una de las obras absolutamente capitales de la Historia del Rock. Lo que sí sabían era que los límites del punk les quedaban estrechos, y se lanzaron a dar forma a un sonido que bebía tanto del rock clásico como del reggae, el pop, el ska o el rockabilly. Todo tenía cabida en una mezcla a la que dotaron de su vehemente propia identidad, esa que en gran medida definiría el rock de la década de los años ochenta y sería influencia para cientos de bandas de todo el planeta.Desde la gestación, grabación, puesta en escena y desarrollo posterior, London calling. The Clash rompiendo con todo se adentra en una obra que llevó al grupo liderado por Joe Strummer y Mick Jones a la primera división del rock internacional. Lo que lograron sin renunciar al compromiso social en sus letras, muy al contrario: la crisis económica e industrial, el desempleo, las drogas o la lacra del racismo que asolaba la Inglaterra de Margaret Thatcher forjan un repertorio tan sólido que, impermeable a la erosión del tiempo, permanece vigente cinco décadas más tarde. Entre la poesía de combate y la soflama concienciada, los Clash describieron con intensa pulsión musical la realidad de su tiempo, pero que, atemporal, se ajusta a interpretar el presente.London callling fue prácticamente un fenómeno social en el cambio de década de los setenta a los ochenta, una obra cuya huella Fernando Ballesteros reconstruye paso a paso en The Clash rompiendo con todo, relatando cada detalle, anécdota, discusiones, técnicas de composición y, sobre todo, exponiendo el desafío de unos músicos comprometidos que le dieron un vuelco al rock reafirmándose en sus convicciones artísticas sin complejos. Y sin pagar peajes comerciales. La Historia, sin duda, ha estado de su parte.
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UNA CRÓNICA BRUTALMENTE HONESTA SOBRE LA VIDA EN LA CARRETERA EN LOS AÑOS 70 Diario de una estrella del rock es el testimonio crudo y directo de Ian Hunter sobre la mítica gira americana de cinco semanas que llevó a cabo con Mott the Hoople en noviembre y diciembre de 1972. En este relato, considerado por muchos como la primera autobiografía de un rockero, Hunter desmitifica la imagen de «la estrella» y ofrece una mirada sincera sobre la otra cara de la fama: la vida en la carretera. Lejos de los reflectores y el glamour, el libro habla de moteles baratos, noches interminables y un agotamiento físico y mental difícil de sobrellevar. Publicada por primera vez en 1974, esta obra incluye ahora contenido inédito, como el diario de la gira japonesa que Hunter realizó en 2015, nuevas fotografías, un prólogo especial del actor Johnny Depp, una introducción de Campbell Devine que contextualiza la época dorada del rock y un epílogo del propio Ian Hunter, escrito más de cuatro décadas después.
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Durante la transición española, la música se convirtió en un poderoso espejo de las transformaciones políticas, sociales y culturales que vivía el país. Este libro propone una nueva mirada sobre aquel periodo a través de un protagonista inesperado: la prensa. Entendida como archivo, como mediadora y como generadora de discursos, la prensa no solo documenta la historia musical de la transición, sino que la construye. A partir del análisis de los cuatro grandes diarios del momento -El País, ABC, La Vanguardia y Diario 16-, esta investigación explora cómo se configuraron los relatos sobre la música en un tiempo de efervescencia y cambio, y cómo estos discursos participaron en la creación de un canon que aún hoy condiciona nuestra memoria cultural. Combinando herramientas cuantitativas y cualitativas, el estudio examina la presencia mediática de artistas y escenas, los mecanismos de inclusión y exclusión que operan en los medios, y las formas en que la prensa modeló la relación entre música, poder y sociedad. A través de varios estudios de caso, el libro reconstruye una historia poliédrica de la música española de la transición, revelando las tensiones entre modernidad y tradición, centro y periferia, mainstream y contracultura. En última instancia, invita a repensar la prensa no solo como fuente, sino como un agente activo en la producción cultural de una época que definió el presente.
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La música pop no empezó con los Beatles en 1963, ni con Elvis en 1956. Ni siquiera con los primeros sencillos de siete pulgadas en 1949. Hubo una prehistoria que se remonta a la primera música grabada, a principios del siglo XX...¿Quiénes fueron las primeras estrellas discográficas? ¿Eran, en algún sentido, «estrellas del pop»? ¿Para quiénes componían canciones figuras como George Gershwin? ¿Por qué el swing, el sonido que triunfó durante una década o más, se volvió casi invisible después de la Segunda Guerra Mundial?La precuela de «Yeah Yeah Yeah», Let’s do it, de Bob Stanley, es el primer libro que narra la historia definitiva del nacimiento del pop, desde la invención del disco de 78 rpm a finales del siglo XIX, pasando por la primer vez que se usó el término (un anuncio de 1901 en el Stage para una biblioteca de préstamo de partituras prometía ''toda la música pop más reciente''), hasta el auge del rock'n'roll, desde el music hall hasta Muddy Waters.Incluyendo a superestrellas como Louis Armstrong, Bessie Smith, Duke Ellington y Frank Sinatra, junto con los compositores y arreglistas desconocidos responsables de algunas de nuestras canciones más perdurables, Stanley pinta un retrato auditivo de los años de formación de la música pop con una claridad asombrosa, desvelando los hilos de plata y las agujas de oro que unen la forma.Admirablemente sencillo en su enfoque, Stanley hace uso de un lenguaje ingenioso y tiene un ojo fantástico para los hechos oscuros y llamativos, dotando a su narración de un entusiasmo contagioso que nos hace correr al servicio de streaming más accesible para descubrir a qué se debía tanto revuelo. La maestría de Let's do It para revivir el pasado reside en su capacidad para establecer paralelismos con el presente o, al menos, con la historia más contemporánea.
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Judith Mateo cambia en esta ocasión su violín eléctrico por las páginas de un libro que destila idéntica autenticidad que su música. Presentamos un recorrido a travésde una selección de sus canciones preferidas, su playlist más íntima y personal. Una
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Documento escrito y sonoro fruto de un trabajo de campo sobre la música popular catalana de tradición oral con la comarca de el Bages como territorio explorado y objeto de estudio. Se compone de un DVD, un doble CD y un librito. En el DVD se encuentran imágenes filmadas de bailes diversos ordenados de dos maneras diferentes: por su contenido o tipología y por su trayectoria geográfica. En el doble CD pueden escucharse documentos procedentes de la tradición oral ordenados a partir de una clasificación etnomusicológica cuyo criterio de base es la funcionalidad.Finalmente, el librito que acompaña a este producto audiovisual contiene las explicaciones imprescindibles para la mejor comprensión del discurso que ofrecen las imágenes y las canciones.
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La Música y el Arte comparten un mismo origen, mágico y utilitario, y una misma evolución hasta convertirse en expresiones del genio creativo de unos pocos, privilegiados con el don de la creación artística, para el disfrute de muchos. El propósito de este libro es ofrecer al lector una variada muestra de obras de arte de todas las épocas y civilizaciones, desde el antiguo Egipto hasta la era digital. De este modo, “Historias de Arte y Música” pretende ser un punto de confluencia entre diversas modalidades artísticas a través de tres experiencias simultáneas: contemplar una obra, escuchar una pieza musical relacionada y leer un texto libremente inspirado por ellas. • El poder de la percusión y la leyenda de la batalla de Zhuo Lu. • Pitágoras, una cuerda, una tabla y el descubrimiento de los principales intervalos de la escala musical. • Los “puttos” músicos. • Alberto Durero: un vividor bienhumorado, ocasionalmente libertino, y un marido infiel. • Beethoven y una carta escrita a su misteriosa «amada inmortal». • Federico el Grande: el rey misógino flautista. • Richard Wagner y una bacanal bailada a destiempo.
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Este libro es el resultado de más de un lustro de investigación, a lo largo del cual la autora, Montse Madridejos Mora, nos ha ido ofreciendo magníficos textos que ahora culminan en esta obra. Comenzó con dos excelentes monografías. La primera, presentada en el Programa de Doctorado Interuniversitario de Música en la España Contemporánea de la Universitat de Barcelona (2007). La segunda, fruto de una beca concedida por el Observatorio del Flamenco, de la Agencia Andaluza para el Desarrollo del Flamenco (2008). Finalmente, profundizando en la línea avanzada en los anteriores trabajos, defendió, con la máxima nota, su tesis doctoral en la citada Universitat de Barcelona (2011). Esta fructífera línea investigadora supone la consolidación definitiva de los estudios del flamenco en el ámbito universitario, en especial en el catalán. Pero lo mejor está por llegar, ya que en el caso de la autora, su tesis doctoral (este libro) no es el punto de llegada, sino el de partida de una investigación que, cumpliendo de sobras las exigencias del marco universitario, tiene como objetivo ofrecernos el estudio lo más exhaustivo posible de la historia del flamenco, y de los flamencos, en Cataluña entre las últimas décadas del siglo XIX y el inicio de la transición española.
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TEXTOS I IMATGES CONFLUEIXEN EN UN RELAT DEL QUAL EL FACTOR VIVENCIAL I LA MEMÒRIA PERSONAL ES COMBINEN EN UNA OBRA ELABORADA A QUATRE MANS. ''Discothèque'' és un conjunt de textos i imatges que ofereixen un relat compartit pels autors on hi trobareu algunes de les seves vivències, reflexions i experiències relacionades amb el fet musical. Aquest llibre funciona com un artefacte que combina l'assaig i la crítica cultural amb els records personals i vivencials, les imatges, els sons, la geografia i els itineraris que relacionem amb la música. Hi trobareu de tot i força: botigues de discos, concerts, espais sonors, locals, ràdios musicals, fanzins, llibres, personatges singulars, artistes i anècdotes curioses. ''Discothèque'' també aporta una visió perifèrica de les escenes de la ciutat i dels centres neuràlgics de la història musical i alhora vol ser una reivindicació d'allò més proper (local i universal), sovint subcultural, realment viscut i perdurable.
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“El tango me gusta muchísimo, es algo que me sale muy de adentro. De la primera etapa del tango, prefiere la orquesta de D’Arienzo.Y, como cantantes, a Carlos Gardel y Ada Falcón”. [Entrevista a Su Santidad el Papa Francisco. Clarín 2013] ''Escucho tango antiguo, tengo una muy buena colección de Ada Falcón”. [Entrevista a Viggo Mortensen. Clarín 2013] En la Argentina de principios del siglo XX, el nacimiento del tango aporta la banda sonora en los teatros, los inicios de la radio, las discográficas y el cine. En un tiempo récord Ada Falcón triunfa. Su voz, que conquistó incluso a Gardel, entra en los hogares de todo el país, sus discos se agotan y sus joyas, romances y caprichos ocupan las páginas de las revistas. Es la estrella consentida que se maneja con soltura en un mundo de hombres, elegante, esplendorosa. Pero…¿hasta dónde puede llegar una persona para superar el dolor de una traición? Porque, súbitamente, la célebre diva desaparece a los 37 años de edad y jamás vuelve a cantar. Medio siglo después, un historiador argentino y una productora española, siguen sus huellas hasta un rincón escondido. Allí, la diva olvidada Ada Falcón rompe su silencio. Y lo que revela es una historia fascinante donde la pasión, la traición, la fe y la música se entrelazan con la intensidad de un tango eterno. Este libro es más que una novela: es un viaje literario y documental a la intimidad de una mujer irrepetible que eligió reinventarse en el misterio.
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Jorge Martínez, que parecía invencible, escribió y cantó aquello de «si la muerte me mira de frente me pongo de lao». Y sí, varias veces la esquivó. Hasta que a finales de 2024 la parca le ganó la partida. Con él se fue una de las figuras más imprescindibles, carismáticas y talentosas del rock español. Inspirado compositor, incisivo letrista, excelso guitarrista y personalísimo vocalista. Un creador poliédrico, tan amable como a ratos bronco polemista, pelón y fajador, fiel a sus principios, culto, aguerrido defensor de sus amigos y, por supuesto, de su proyecto personal: Ilegales. La gran banda de rock.«Ilegales no están exentos de peligro, pero es un peligro ínfimo comparado con lo que puede incorporar uno de estos regímenes totalitarios. Eso sí que puede ser como para hacer las maletas. Yo me voy a vivir al mar. Si ocurre eso habrá que llevar una vida submarina y yo ya tengo listo mi fusil de aire comprimido para atravesar besugos». Con esa frase se inicia una de las últimas charlas contenidas en Conversaciones Ilegales. Pues Jorge Martínez era capaz de hablar al mismo tiempo de rock, de la industria musical, de política o de acontecimientos sociales. Todo era importante para él. Nada le era ajeno.En este libro se repasan todos los aspectos de su vida y obra, desde sus primeros recuerdos hasta su afición por el buceo o los soldados de plomo, pasando por toda la discografía de Ilegales y otros episodios menos conocidos: ¿Qué sucedió en los camerinos de Rock-Ola? ¿Cuál es la historia del famoso stick de hockey al que dedicó una canción? ¿De verdad sonaban tan poco Ilegales en las radiofórmulas? ¿Era tan fiero Jorge Ilegal como lo pintan? ¿Era un aristócrata? Todas estas cuestiones y muchas otras encuentran respuesta en su propia voz en unas conversaciones dirigidas con mano maestra por Carlos H. Vázquez.Con esta edición actualizada y definitiva de ''Conversaciones Ilegales'', queremos rendir homenaje a Jorge Martínez, recuperando un título agotado desde hace años al que su autor ha incorporado charlas que tuvieron lugar tras la publicación del mismo.
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Tracey Thorn (Everything But The Girl), sentada frente al espejo del camerino, le tiende tímidamente a la mujer que acaba de entrar un pintalabios. Se queda mirando, impresionada, a la recién llegada: no parece de las que le temen al público, a la opinión de sus compañeros de banda, ni de las que se dejan amedrentar por los técnicos. ¿Quién es esta mujer?, piensa.Se llama Lindy Morrison (batería de The Go-Betweens) y, tras este encuentro fugaz e inesperado, hará que la visión de Tracey sobre la música, el mundo y la vida cambie para siempre.Años más tarde, Tracey decide escribir este libro. Para contar la historia de Lindy, que rompía moldes mientras otros se llevaban los aplausos. Para contar la historia de su amistad, una alianza entre dos artistas. Y, sobre todo, para devolverle el protagonismo a quienes rara vez lo tienen en la historia del rock: mujeres como Lindy Morrison, que no encajan, no se callan y no se detienen.Ahora, Tracey Thorn la ha subido al centro del escenario, le ha dado un micro y ha encendido el foco. Que empiece la acción.
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Sticky fngers: la vida y la época de Jann Wenner y larevista Rolling Stone cuenta la historia de un hombre egocéntrico y ambicioso que consiguió captar la cultura juvenil del rock and roll de los sesenta y transformarla en un invernáculo de fama, poder, política yopulencia que perduraría cincuenta años. Basada en horas de entrevistas a Wenner ?quien concedió a Joe Hagan el acceso exclusivo a su vasto archivo personal,compuesto por cartas, documentos insólitos, grabaciones e imágenes inéditas? y en conversaciones mantenidas con muchas de las más grandes estrellas de nuestrotiempo, esta biografía muestra cómo Wenner se asocióa celebridades del rock de la talla de John Lennon, Mick Jagger y Bob Dylan para conformar una mitología cultural inolvidable. Hagan reproduce con sorprendente detalle la extraordinaria vida de los integrantes de una revista que comenzó como una rebelión deshilvanada pero acabó reinventando la cultura juvenil y suposacar provecho económico del libertinaje del San Francisco de finales de los sesenta. Joe Hagan nos muestra a Wenner en todo su exceso y toda su gloria, desdesu ascenso en el mundo editorial, época en la que congregó a las personalidades culturales más importantes en su famosa casa de San Francisco, hasta su transformación en el irascible magnate de la prensa de Manhattan que hizo del rock and roll una institución próspera y respetada.
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La historia jamás contada de uno de los grupos más míticos del rock español Avalada por los músicos y contada desde dentro por el hermano del bajista, HÉROES DE LEYENDA es la biografía más personal y completa de la mítica banda. Héroes del silencio, una de las bandas de rock más famosas e internacionales de nuestro país, que incluso tras su disolución todavía cuenta con miles y miles de fans acérrimos, tiene por fin el libro que merece. Un grupo obsesionado por la excelencia y quizás esto fue lo que les llevó a ser pioneros en terrenos intransitados entonces en España: 700 conciertos ofrecidos en 30 países entre Europa y América, compañeros de cartel de bandas como Texas, Aerosmith o Iron Maiden, y solistas como Leonard Cohen, Robert Plant o Bryan Adams, asistencia a los festivales de verano más importantes de Europa, como el Rock am Ring y el Rock Insel, decenas de discos piratas que todavía se siguen editando, grabaciones de unplugged para la MTV... Antonio Cardiel ha tenido la oportunidad de entrevistar en exclusiva y detenidamente a sus componentes, relata de forma amena y rigurosa la historia del grupo: su formación, sus comienzos musicales, su escalada hacia el éxito, su época en la cima y su posterior disolución. Además, abunda en revelaciones sobre el proceso creativo de Héroes y la génesis de sus temas más importantes, sobre las giras que hicieron por Europa y América, e incluye fotografías que nunca antes habían visto la luz y muchas anécdotas desconocidas. Una vida al más puro estilo del rock and roll, en cuyo nombre libraron muchas batallas, dentro y fuera de los escenarios.
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El corrido tumbado está cambiando de dueño. En un campo hasta ahora dominado por los hombres, las mujeres están empezando a reclamar su lugar. Así, figuras como Jenny 69, Michelle Maciel e Ivonne Galaz se perfilan como la contraparte femenina de Peso Pluma y Natanael Cano. Ellas son las morras tumbadas. Pero ¿cómo influyen estas nuevas voces sobre el género del corrido?, ¿qué cambios operan sobre él? y ¿cómo se relacionan con una tradición eminentemente masculina? Los corridos, derivados de la música regional mexicana, reflejan la realidad de las experiencias de jóvenes contemporáneos. En un campo musical fundado sobre códigos de virilidad y dominado por hombres, las mujeres han tenido que crear sus propias estrategias para tomar protagonismo. A través de la música, buscan participar en la cultura y sentirse fuertes, empoderadas, dueñas de sus propios cuerpos. Pero, a la vez, parecen no poder escapar de los intereses comerciales de un sistema salvajemente neoliberal: presentismo, desclasamiento y encumbramiento del dinero. Los corridos de las morras tumbadas han resignificado la escena de la música mexicana. Partícipes de discursos similares a los de sus equivalentes masculinos -con letras que ensalzan la violencia y la narcocultura-, las morras dan un sentido nuevo a los viejos códigos: si en el hombre la violencia es afán de sometimiento, en las mujeres es lucha de resistencia, intento de huida del control masculino. Sus propuestas se inscriben (de manera implícita y contradictoria) en una larga historia tapizada con esfuerzos libertarios de millones de mujeres y los intentos de los hombres para mantener incólume su dominación, dentro de un sistema capitalista, patriarcal y colonial.
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Ignacio Vegas -a veces Ignatius, Nacho replacement, Nacho dopplengänger, también Nacho Copa Perú- cesante y abandonado por su novia, en compañía de su mejor amigo, opta por la deriva mística y banal que le proporciona jugar un clásico del Play -un partido Chelsea- Arsenal en estado canábico-, un proyecto de novela en forma de avatar coito-técnico y una historia sobre Thomas Bridge, creador del diccionario yagán-inglés, pero sobre todo, la composición de un libro de canciones en homenaje a su cantante favorito, al cual seguirá hasta Argentina. Estrella solitaria -máquina paródica que absorbe y ejecuta todo, irrisión de la metaliteratura y el realismo sucio- constituye un retrato insolente sobre la juventud limeña, sobre sus fracasos y vicios.
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La Barcelona actual, a través de los cinematográficos ojos de Loquillo. Paseo de gracia, más allá de una autobiografía, es un recorrido por la ciudad de Barcelona, por sus calles y su esencia. Por todos los cambios y evoluciones que ha vivido la Ciudad Condal y quienes viven en ella. La propia historia, pasada y presente, de Loquillo es parte intrínseca de esa ciudad y la influencia en su arte es palpable. Paseo de gracia también rescata aquellos artistas, de diversos ámbitos, que ayudaron a conformar al Loquillo actual. Todo ello es narrado con un estilo muy lírico y que se dirige al lector para hacerle partícipe de toda esta historia. Además de un testimonio de su evolución y crecimiento como artista, es un homenaje a su ciudad y a sus raíces, aquella que lo vio convertirse en un icono del rock español.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
