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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Un acercamiento a la historia del desarrollo del legado coreográfico de esta gran creador, el más influyente nombre del ballet danés en el mundo, que cambió el curso del desarrollo del Romanticismo del siglo XVII. Después de un breve recorrido por la historia de la danza, y el contexto histórico y artístico en el que el creador desarrolla su obra, el autor se adentra en el universo creativo de August Bournonville, para hacernos más cercana la historia, y poder comprender su visión en la actualidad. La pregunta principal que se plantea es ¿Cómo hoy los ballet de Bournonville, son aún interpretados y cercanos en su discurso? La actualidad de los ballets del danés queda al descubierto como unión de tradición y modernidad, y esta es la fuente principal de su preservación histórica. Finalmente el autor, se adentra en el análisis de obras que son icónicas dentro del repertorio del gran coreógrafo danés, para traernos de manera sencilla los detalles que rodean estas obras coreográficas, lo que hace que este libro tenga una sencilla lectura, ideal tanto para estudiantes como investigadores del mundo de la danza, así como para todo aquel que este interesado en el desarrollo del arte escénico en general.
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Partiendo de una selección de las primeras series de su carrera, este proyecto revisa la trayectoria de Carrie Mae Weems y presenta trabajos fotográficos que abarcan más de 40 décadas en un esfuerzo por resaltar cómo a través de una práctica que constantemente se ha adelantado a su tiempo, Weems ha logrado reflexionar sobre un pasado complejo mientras proyecta su trabajo hacia el futuro transmitiendo una incansable sensación de esperanza.
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Este libro versa sobre el proceso de institucionalización del Museo del Prado, que le ha permitido llegara ser el gran museo nacional que es y que atesora algo de lo más valioso que tenemos como país, lo que nospermite a los españoles andar por el mundo con la cabeza muy alta, orgullosos de ser sus legítimos dueños. En él se exponen las corrientes de ideas que contribuyeron a alimentarlo.
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Libro anuario de la galería Artizar que reúne todos los proyectos de la galería durante los años 2020 y 2021. Perteneciente a la colección de anuarios de la galería iniciada en el 2017.El año 2020 comienza con la colectiva Son de la Habana (Manuel Mendive, José Bedia, Juan Roberto Diago y René Peña), Desescavar de Ángel Padrón, Viento madera de Luis Palmero, seguida de Pero no el mundo la primera individual de Laura Mesa. Después llegó Nitrato del británico Dave McKean, con la que se partió el año. En 2021, Morfología del encuentro de José Luis Serzo y Pólenes de Jesús Zurita. Después, la primera muestra individual de la artista tinerfeña Romina Rivero bajo el título IKIGAI. Anatomía de las luciérnagas. Y como broche final a la temporada 2021, las exposiciones de Nada que ría de Julio Blancas, Exhalar y engullir de Amparo Sard y Spanglish Drama de Raúl Cordero.
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Conciliar la vida laboral y familiar es uno de los grandes retos a los que se enfrentan las familias españolas. Cada vez es más habitual que los menores crezcan en hogares donde ambos progenitores trabajan a tiempo completo, con largas jornadas laborales que se extienden más allá de los horarios escolares. Sin embargo, las políticas familiares para facilitar la conciliación son escasas en comparación con otros países de nuestro entorno.¿Qué estrategias de conciliación desarrollan las parejas en que ambos cónyuges trabajan a tiempo completo? ¿Cómo se reparten las tareas domésticas y los cuidados? ¿Se trata de un reparto igualitario y corresponsable? ¿Qué factores intervienen en él? ¿Qué papel juegan las redes de apoyo familiares y no familiares? ¿Cómo influyó el confinamiento domiciliario durante la pandemia de COVID-19? La presente investigación, financiada por el Centro de Estudios Andaluces, pretende dar respuesta a estas preguntas, combinando los enfoques cuantitativo y cualitativo. Se analizan estadísticas oficiales y encuestas de opinión para describir las estrategias de conciliación y el grado de corresponsabilidad de las parejas trabajadoras españolas. Estos datos cuantitativos se complementan, enriquecen y matizan gracias a la información cualitativa recogida a través de entrevistas a quince parejas andaluzas.
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Guia per a l'estudi i l'exprerimentació del color adreçat als estudiants i estudiosos de Belles Arts. L'obra consta d'una col·lecció de làmines comentades, amb informació visual que il·lustra i fa comprensible el que s'explica, amb un espai teòric, aconmpanyat d'una part pràctica.
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Fernando Botero es un artista con estilo propio. Durante más de seis décadas, la técnica del boterismo colombiano ha fascinado a coleccionistas, instituciones y espacios públicos de todo el mundo por su visión exagerada, rolliza y singular del cuerpo humano. A través de sus corpulentas creaciones, Botero se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos de Latinoamérica, y sus obras se han expuesto en algunos de los lugares más emblemáticos de todo el mundo, como la Park Avenue de Nueva York y los Campos Elíseos de París. Esta edición de la serie Basic Art de TASCHEN ofrece una introducción esencial a esta destacada figura del arte contemporáneo. El libro, que recorre la obra de Botero desde sus primeras caricaturas de animales hasta las últimas esculturas en bronce a gran escala, analiza las diversas influencias del artista, de Paolo Uccello al expresionismo abstracto, y rinde homenaje al ingenio, la ironía, la perspicacia y la agudeza crítica que se ocultan tras las proporciones absurdas de sus composiciones.
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Proyecto para un monumento a José Luis Cuerda. Historias de la ruraleza reúne una serie de textos e imágenes impresas de la exposición de José Luis Serzo, cuyo eje central es la obra escultórica creada por el artista en homenaje al cineasta albaceteño José Luis Cuerda.Nos encontramos ante un catálogo que habla del proceso de creación, del propio monumento, del cineasta y de su universo: la ruraleza. Un término que nos evoca toda una mezcolanza de conceptos como rareza, rural, natural y extrañeza.José Luis Serzo (Albacete, 1977) es un artista multidisciplinar destacado por sus exposiciones-relato. “Post Show”, “El fantástico vuelo del hombre cometa”, “Thewelcome”, “Los sueños de I Ming” o “Los Señores del Bosque” son algunas de sus series, en las que a través de pintura, dibujo, fotografía, objetos, instalación, vídeo y la literatura como hilo conductor, cuenta historias un tanto oníricas y con una trascendencia optimista.
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L'estendard de l'Orfeó Feliuà és una obra única, de singular bellesa, que fou creada a principis del segle XX com a insígnia d'un dels cors de la població de Sant Feliu de Codines. Si en l'àmbit de les arts decoratives establir l'autoria dels objectes acostuma a ser difícil, la vida atzarosa d'aquest artefacte ho feu del tot impossible durant dècades, perquè quedà arraconat i no s'arribà a utilitzar mai. La plaqueta metàl·lica del revers de l'ensenya, amb la marca de la casa Hoyos, Esteva i Cia., ha estat clau a l'hora de determinar que es tractava d'una peça original d'Antoni Gaudí, autor que hi deixà la seva empremta artística dotant-la d'un ric llenguatge simbòlic, unes formes de base orgànica, una gran diversitat de materials i una dimensió corpòria sorprenent, amb volums capriciosos. Aquest llibre recompon el procés creatiu de l'obra -des de la concepció i el disseny de l'arquitecte, fins a l'execució formal al taller del seu col·laborador habitual, Claudi Hoyos-, desxifra el significat dels símbols gaudinians i, amb la col·laboració de Francesc Garriga, explica el complex itinerari històric de l'únic dels quatre estendards dissenyats per Antoni Gaudí que ha perdurat en el temps.
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En movimiento es el título de la primera exposición temporal de la Galería de las Colecciones Reales. Pero es además, o sobre todo, una metáfora de la propia Galería y de la transformación que este proyecto está impulsando en Patrimonio Nacional. Esta muestra exhibe una cuidada selección de los ejemplos más relevantes de la colección de vehículos y carruajes de Patrimonio Nacional en su contexto histórico. Adentrarse en la museografía es hacer un viaje a lo largo del tiempo, asomarse a través de esas ventanas que se evocan en el montaje y conocer la evolución de unas piezas que aunaron utilidad práctica, comodidad, tecnología y belleza. Se trata de una de las mejores colecciones de Europa en su género y los carruajes que la componen tuvieron, además, un excepcional protagonismo en la vida cotidiana de la corte. Sabido es que, durante siglos, la corte española fue itinerante y que este fue uno de sus aspectos diferenciales respecto a otras cortes europeas. Hoy en día, muchos de esos vehículos se han musealizado, mientras que otros aún sirven para las ceremonias oficiales.
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En 1860 la Arundel Society de Londres publicó, bajo el título The Frescoes of Giotto, la serie de grabados realizados a partir de las obras que el artista florentino pintara en la capilla de la Arena de Padua sobre el año 1305. El libro, que ofrecemos hoy por primera vez en español, incluía una larga reflexión en forma de introducción sobre la relación del arte de Giotto con otras creaciones anteriores y posteriores, además de comentarios a cada una de las láminas, realizados por John Ruskin, socio fundador de la Sociedad y uno de los intelectuales más prestigiosos e influyentes de finales del siglo XIX y principios del XX. Como historiador y crítico de arte, fueron seguramente sus viajes a Italia y el conocimiento de los viejos maestros (Giotto, Cimbaue, Fra Angelico, Tintoretto), junto a la lectura profunda de Dante, los referentes estéticos que marcaron los años en los que escribió estas fascinantes glosas a los frescos inmortales de Padua, que, más allá del mero relato histórico, consiguen poner de manifiesto la extraordinaria osadía de las composiciones, fijándose en detalles aparentemente menores que sin embargo abren nuestra percepción a cuestiones ocultas, mucho más significativas que el mero relato secuencial. Porque (como precisa con lucidez Andreu Jaume en el prólogo que abre esta edición) se trata de «preguntarse qué es lo que nos ha traído hasta aquí y por qué, qué es lo que separa al hombre representado por Giotto del hombre representado en el arte de nuestro tiempo, cómo funciona la imaginación en uno y otro extremo e intentar entender cuál es nuestro signo. Es ahí donde Ruskin vuelve a ser nuestro contemporáneo».
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1956, Teatre Romea: en un lateral de l'escenari, l'actriu Montserrat Salvador està asseguda en una cadira. Al seu voltant corre un nen petit i rosset... ''Hola, maco, vine a seure amb mi!'' El nen s'asseu a la seva falda, i ella li acarona els cabells. Més tard, s'assebenta que aquell ''nen'' es diu Martí Galindo i té dinou anys.Rosa Mª Sardà, Josep Mª Pou, Anna Lizaran, Pepe Rubianes i 33 actors més ens expliquen la part més còmica de l'escena teatral. Que comenci la funció!
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Onofre Santaló i Nualart (Figueres 1896 - 1980) va ser una personalitat important però poc coneguda de la història de Figueres. Secretari de l'Ajuntament figuerenc del 1922 al 1966 (amb algunes interrupcions), desenvolupà aquest càrrec durant la dictadura de Primo de Ribera, la guerra civil i el franquisme. Constituí, doncs, un cas molt excepcional, potser fins i tot insòlit, en la història de la Catalunya contemporània. Però qui era i com era Onofre Santaló? Quines foren les circumstàncies que el convertiren un una peça imprescindible per al funcionament del govern municipal al llarg de tota la seva vida professional? Al seu arxiu particular s'ha conservat molta documentació, una part de la qual trobareu reproduïda en l'annex d'aquest llibre i que ens ajudarà a reconstruir la seva trajectòria i la de la Figueres de l'època.
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Las puertas del selecto cielo de las series, en el que sin duda ya dis¬frutan de la catódica vida eterna Los Soprano, The Wire, Mad Men y Breaking Bad, se abren de nuevo para acoger a True Detective. Y en Errata naturae no hemos dudado en dedicarle un volumen a esta nueva producción de culto que nos ha causado auténticos escalo¬fríos, tanto físicos como intelectuales. Se trata de un libro que es también un juego, un artilugio y un experimento tan estimulante como la serie. Así, en la primera parte del volumen, Nic Pizzolatto, creador de la serie, nos habla sobre su trabajo, su concepción de la litera¬tura y la televisión, sus influencias y la manera en la que se lleva¬ron a cabo algunos de los momentos clave de esta primera tempo¬rada. Iván de los Ríos disecciona los componentes filosóficos de la serie con precisión forense y nos muestra algunos indicios que nos podrían llevar a plantearnos nuevos interrogantes o a reinter¬pretar ciertas pistas, especialmente con respecto a su discutido y polémico final. Y el periodista Ethan Brown nos presenta su larga y arriesgada indagación sobre el caso real en que se basa la serie, una crónica tan espeluznante como excepcional, ejemplo del me¬jor periodismo comprometido y de investigación de nuestros días. En la segunda parte, encontramos una serie de textos firmados por pensadores como Nietzsche, Schopenhauer o Ligotti, por es¬critores clásicos como Bierce, Chambers o Lovecraft, y por auto¬res contemporáneos como Bolaño, Hammett o Barron. Nombres citados directamente en la serie y que vertebran sus contenidos, o bien que la atraviesan de forma subterránea. Cada uno de los tex¬tos va precedido por un breve y brillante ensayo de presentación de Iván de los Ríos, que sitúa la relación de estos autores y sus textos con True Detective. Un juego, por tanto, a través del cual el lector puede aventurarse en ese laberinto metaficcional que compone la serie, además de disfrutar de la lectura de un conjunto de relatos y ensayos de calidad y alcance excepcionales.
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La guía oficial del Festival de Fotografía y Artes Visuales PHotoESPAÑA 2023PHotoEspaña es un festival internacional de fotografía que se celebra cada año en Madrid durante los meses de verano. Este festival comenzó su andadura en 1998 y ha ido creciendo y consolidándose hasta convertirse en una cita de referencia para el mundo de las artes visuales.
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BREUER’S BOHEMIA EXPLORES A VIBRANT PERIOD OF MIDCENTURY MODERN DESIGN AND CULTURE AS SEEN THROUGH THE INFLUENTIAL NEW ENGLAND HOUSES DESIGNED BY MARCEL BREUER FOR HIS CIRCLE OF CLIENTS AND FRIENDS.The iconic twentieth-century architect Marcel Breuer was a prolific designer of residential architecture, which is often overshadowed by his early renown as a Bauhaus furniture maker and his large-scale projects. Breuer’s Bohemia surveys the houses he designed in Connecticut and Massachusetts from the 1950s through the ’70s, many of which were commissioned by a few culturally progressive clients—chiefly Rufus and Leslie Stillman and Andrew and Jamie Gagarin—who coalesced around him into a dynamic social circle. Included in this scene were prominent cultural figures such as Alexander Calder, Arthur Miller, Francine du Plessix Gray, Philip Roth, and William Styron, and more, marking a unique intersection of postwar architecture, art, and letters.The publication of Breuer’s Bohemia coincides with the feature-length documentary of the same name by author and filmmaker James Crump, exploring Breuer’s explosive residential practice on the East Coast. Through original research and interviews, the voices of principal characters from Breuer’s circle and notable figures from the field of architecture help tell the story of Breuer’s collaborations with his friends and clients, breathing new life into the history of the rich cultural atmosphere of which they all played a vital part.Heavily illustrated with vintage and contemporary photographs as well as rarely seen archival materials, Breuer’s Bohemia is a unique glimpse of a twentieth-century milieu that produced an aesthetic, intellectual, and sometimes sybaritic community during a fertile period of American design and culture.
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Since its original publication in 1978, Delirious New York has attained mythic status. Back in print in a newly designed edition, this influential cultural, architectural, and social history of New York is even more popular, selling out its first printing on publication. Rem Koolhaas’s celebration and analysis of New York depicts the city as a metaphor for the incredible variety of human behavior. At the end of the nineteenth century, population, information, and technology explosions made Manhattan a laboratory for the invention and testing of a metropolitan lifestyle — “the culture of congestion” — and its architecture.
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Chuck Norris no necesita tomar café por las mañanas... pero tú sí! Y nada más energético que tomar una bebida en las tazas basadas en los personajes de sus películas. Estas tazas de cerámica son aptas para microondas y lavavajillas y se presentan en una bonita caja de PVC transparente. Ideal para los tipos duros que gustan de un café tan cargado como la metralleta de Chuck.
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José Luis López Vázquez. Los disfraces de la melancolía nos invita a recorrer la trayectoria del prolífico actor, figurinista y escenógrafo, con casi trescientas contribuciones en el cine, el teatro y la televisión, desde la perspectiva y las anécdotas de su protagonista y del momento histórico que le tocó vivir.Después de más de treinta años de su publicación, la presente edición recupera y actualiza la entrevista y el estudio que Eduardo Rodríguez Merchán dedicó a José Luis López Vázquez en 1989, con el propósito de homenajear su impresionante carrera. El fruto de aquellas conversaciones alumbró una biografía muy personal del actor, que ahora se amplía con un capítulo adicional elaborado con los documentos y escritos que dejó como legado el inolvidable intérprete de Atraco a las tres, La cabina, Mi querida señorita y muchas otras películas imprescindibles en la historia del cine español.
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Joan Miró és un artista excepcional, àmpliament conegut per la seva obra originalíssima i punyent, i una trajectòria llarga i fecunda. Des del seus inicis, i al llarg dels anys, Miró va conservar obres, dibuixos i esbossos que li servien per revisar la seva pròpia evolució artística, tot construint la seva pròpia col lecció personal, que es va traduir en la creació de tres col leccions familiars de primera magnitud: la seva, la de la seva esposa Pilar Juncosa i la de la seva filla Maria Dolors. Miró. El llegat més íntim revisa la formació i l'evolució d'aquests fons, tot obrint una porta inèdita al Miró més personal, i posa en relació les obres amb els moments vitals, culturals i històrics dels segle xx que van viure Joan Miró i la seva família. Aquesta publicació àmpliament il lustrada amb obres que tracen gairebé tota la trajectòria mironiana, des del 1910 fins al 1976, així com documentació mai exposada és una ocasió única per descobrir una faceta encara poc coneguda d'un dels artistes més importants del segle xx.
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Para saber pintar, primero hay que saber mirar. Y a mirar se aprende. Esto creía Fernando Zóbel (Manila, 1924–Roma, 1984), y así lo puso en práctica en una fascinante investigación pictórica, tan sistemática como creativa, que desarrolló a lo largo de más de cuatro décadas. Formado en Filipinas, Europa y América, graduado en Harvard e instalado en España desde finales de los años cincuenta, Zóbel fue al mismo tiempo pintor, estudioso, profesor, traductor, coleccionista y, entre otras iniciativas insólitas, el fundador de dos museos: la Ateneo Art Gallery en Manila (1961) y el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca (1966).La pintura de Zóbel constituye un caso singular –si no único, desde luego extremo– de la vanguardia del siglo XX. Para él, provisto de un conocimiento profundo y brillante de las tradiciones artísticas y literarias de Occidente y de Asia, la modernidad no significaba la ruptura con la figuración y con la historia de la pintura, sino su redescubrimiento, no el olvido del pasado, sino el desvelamiento del futuro que encierra la obra de los grandes maestros. Zóbel. El futuro del pasado reconstruye el itinerario poético y artístico de un pintor guiado por un doble principio: “Enseñar a ver y aprender a ver”.Con textos de Florina H. Capistrano-Baker, Patrick Flores, Amy T. Chang, Alfonso de la Torre, Peter Soriano, Celina Quintas y David Plaza, Yiyi Liang, Miguel Peña Méndez y Ángeles Villalba Salvador.
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Star Wars es mucho más que sus películas y su inagotable universo expandido en forma de cómics, novelas y figuritas de acción. Star Wars es un verdadero mito cultural para varias generaciones. Y así lo demuestra este libro: un conjunto de excelentes y entretenidos ensayos sobre la relación de esta saga con la filosofía, la política, el capitalismo, la tecnología, la sexualidad, las religiones orientales… Un volumen que aborda, por tanto, interrogantes fundamentales para profundizar en los primeros seis episodios y para interpretar los que están por llegar: ¿es Star Wars una saga políticamente progresista o más bien conservadora? ¿Hay en ella una verdadera crítica al capitalismo global o una defensa encubierta? ¿Hablamos de una saga que aboga por la diferencia y la inclusión del otro y del alien o por la supremacía de los humanos (a ser posible blancos)? Y desde el punto de vista de las mujeres, ¿cuál es su papel en Star Wars? ¿Hay lugar para el feminismo en el ámbito de la Fuerza? ¿Y qué pasa con el sexo, el gran silenciado en las dos trilogías? ¿Tan sólo una estrategia para que el público familiar engrose la taquilla? ¿O hay algo más… oscuro? Y por otro lado, ¿es Star Wars una parábola cristiana sobre la redención? ¿O se halla más cerca de las influencias filosóficas del budismo y el hinduismo? Y en cuanto al sable láser que todos quisimos tener de pequeños (y muchos seguimos queriendo tener), ¿no es el fetiche por excelencia? ¿Pero es un fetiche en el sentido sexual de Freud o en el sentido económico de Marx? Y por último: ¿por qué todos odiamos a Jar Jar Binks? Sí, de acuerdo, parece un caballito de mar histérico o un burro idiota que además bucea, pero… ¿y si hubiera un sentido más profundo y filosófico para nuestra resistencia frente al primer actor digital de la historia del cine? Un verdadero manual de lectura para una saga de culto.
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L'artista sud-africà William Kentridge no es refia d'aquells que abracen cegament les pròpies certeses sense tenir en compte els dubtes i les paradoxes. L'ambigüitat i les contradiccions són al centre de la seva obra, que ha crescut i s'ha transformat al ritme de la polièdrica Sud-àfrica. El setembre del 2020, la periodista Gemma Parellada va entrevistar William Kentridge al seu estudi de Johannesburg amb motiu de l'exposició que l'artista preparava per al CCCB. Kentridge va parlar de segregació, de les repercussions del colonialisme i de la lluita antiracista, dels desequilibris i dels abusos de poder, del privilegi i del paper de l'art a l'hora de repensar els relats dominants.
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