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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Poesía mínima, discreta y esencial, que se aparta de la retórica superflua y apuesta por un verso depurado, con imágenes precisas, donde cada elemento está sometido a una fuerte exigencia de condensación.
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El libro articula una respuesta poética a la deuda, el colonialismo y las formas cotidianas de la precarización. Concebido como un cuaderno reversible, legible íntegramente en español o en inglés, lo terciario toma como punto de partida El capital de Karl Marx para desplazar la noción de valor hacia cuerpos, afectos y relaciones que el capitalismo considera marginales o prescindibles.
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¿Alguna vez has sostenido un libro y sentido que sus páginas te susurran? Eso es lo que pasa con Madre de lunas y cunas, si te lo pones cerca del corazón, notarás los latidos compartidos de otras madres, de otros hijxs... Este no es solo un poemario, es un abrazo impreso. Sus versos te invitan a sentarte, respirar hondo y sentir que no estás sola en este viaje. Habla de la maternidad desde todas sus orillas. En cada verso de Raquel Romarís late la verdad, la sombra y la luz que coexisten en el corazón de una persona que materna. Es un eco que te recuerda que todos los latidos merecen un poema. Es un canto para sanar, para aceptarse, para empatizar, para hacer crecer la sororidad en el mundo y para reconocerse en la mirada de otras madres, hasta de las que han decidido no serlo. Si buscas un poemario que te entienda, que te abrace y te haga sentir, este es el libro que estabas esperando. Te prometo que estaré a tu lado, cogiéndote la mano, mientras lo lees. Matérnalo conmigo.
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La dona d'espart és un poemari d'alta intensitat humana que neix d'una doble experiència amb el càncer: primer, com a fill que acompanya la malaltia llarga i agònica de la seva mare, després, com a metge que es converteix en pacient i afronta el diagnòstic en primera persona. Des d'aquesta doble mirada -la del familiar i la del cirurgià- l'autor explora el trànsit entre la vida i la mort, el dolor, la por i l'esperança, articulant un itinerari interior que va de la fragilitat a l'acceptació i a la reconstrucció. Amb poemes reflexius i continguts, Navarro Alfaro converteix l'experiència en matèria poètica i ofereix un testimoni profund i intimista sobre la dignitat humana, l'empoderament del pacient i la possibilitat de trobar llum enmig del sofriment.
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FERNANDO VALVERDE (Granada, 1980) fue elegido el poeta más relevante en lengua española nacido después de 1970 por cerca de doscientos críticos de más de cien universidades (Harvard, Oxford, Columbia, Bolonia o Princeton, entre ellas). Sus libros de poemas han sido publicados en decenas de países de Europa y América y traducidos a diferentes idiomas, convirtiéndolo en uno de los autores con mayor presencia internacional de la poesía en la actualidad. Su obra poética está formada por los libros Viento favorable (2000), Razones para huir de una ciudad con frío (2004), Los ojos del pelícano (2010, Premio Emilio Alarcos) y La insistencia del daño (2014, Book of the year por el Latin American Writers Institute de la Universidad de Nueva York), reunidos por primera vez en este volumen. Es profesor en Emory University en los Estados Unidos.
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Tener un padre o una madre que no termina de tenernos a nosotros como hijos es, por decirlo de forma suave, complicado. Que se lo pregunten a Kafka, inspirador principal de este libro, y a tantos otros. Complicado quiere decir que uno tiene que afrontarlo, por coherencia con el ser excluido que es, desde los márgenes de lo emocional, de lo social y del lenguaje. La escritura ayuda a no perderse en ese intento de resignificarse en el mundo, de encontrar el rumbo hacia una tierra sin sombras, sin pesos, sin nostalgias, sin excusas para el sinvivir.Esta Carta al padre quiere ser una brújula y una razón limpia para seguir navegando sin los dictados conscientes o inconscientes de un padre. No es una liberación ni una venganza, sino una oportunidad para dejar las cosas en su sitio. Con la esperanza secreta de recuperar un vínculo durante muchos años infestado de espinas, Jesús Aguado recorre los laberintos de las relaciones padre-hijo, desbrozando la memoria y rescatando algunas emociones sepultadas. Y es entonces cuando, desde la poesía, se produce el milagro: las herencias familiares van cambiando su signo y la oscuridad transita tímidamente hacia la luz.
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Eduard A. Constantin, Manuel Sancha, Anastasiia Pokrovskaia, Iñigo Mesonada, Aleksandra Ziółkowska, Diego Soto, Nahia Font, Coke Martínez y Nicolás S. Sancha, poetas nacidos, la mayoría de ellos, en el siglo XXI -en España, Rumanía, Polonia o Rusia-, se encontraron en Logroño y crearon Lares, fanzine con el que comparten su gozosa afición por la poesía. Con Lugar nos ofrecen una gavilla de poemas propios seleccionados por ellos mismos: estéticas que van de un realismo sucio a un barroco contorsionista, voces que se camuflan, se disfrazan o se confiesan, poemas urdidos con endecasílabos melodiosos o versículos salvajes, bellezas escondidas en la cárcel del poema en prosa y verdades en voz baja encerradas en la jaula del soneto. Poemas que salen en busca de nuevos lectores y que los habituales harán bien en no desatender.
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Carmen Verde Arocha (Caracas, 1967). Es poeta y editora. Ha publicado en poesía: Magdalena en Ginebra (1997), Cuira (1997), Amentia (1999), Mieles (2003), Mieles. Poesía reunida (2005), En el jardín de Kori (2015), Canción gótica (2017), Magdalena en Ginebra, La concubina y otras voces de fuego (2022), Que el río responda. Antología poética (Visor Libros / FCU, 2025). La autora de este poemario, Mares y halagos, seduce y conmueve con un discurso de vanguardia, aunque el suyo es también un pensamiento tradicional, sostenido por ejes clásicos: la oración y la pulsión del erotismo. «En la poesía de Carmen Verde Arocha suena la naturaleza, el mundo de los sueños, el río, el fragor del misterio, suenan esos vislumbres espirituales del ser humano que ella atrapa de una manera muy especial. Sus palabras se oyen con una sensualidad extraordinaria que hace que sus poemas estén vivos, y eso es quizás lo más difícil de un poema: que al ser leído tenga entidad de vida y que esa palabra suene única, significativa, como por primera vez». Ernesto Pérez Zúñiga
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Este poemario de sesenta poemas sumerge al lector en la tristeza que acompaña a la pérdida de la motivación, explorada a través de situaciones que reflejan su profundidad y matices. La motivación se presenta como una figura polifacética: una persona querida, una oportunidad esquiva, un instante fugaz, un trabajo soñado o una pasión que se extingue. Cada poema desentraña el peso de su ausencia, evocando el vacío, la nostalgia y la lucha interna por recuperar el sentido. Con un lenguaje poético y emotivo, la obra traza un viaje introspectivo por las facetas del duelo y la melancolía, invitando a reflexionar sobre la fragilidad de lo que nos impulsa a vivir.
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Insomnio de colores es un viaje emocional a través de pequeñas piezas de prosa poética, cada una presentada por un color distinto. En sus páginas vas a encontrar amor, dolor, nostalgia, miedo..., todas esas emociones que se despiertan cuando el mundo duerme, menos tú. Este libro abraza el insomnio desde el amor y el cariño. Aceptándolo y mimándolo, desde lo que duele y lo que cura, desde lo que se repite en tu cabeza cuando nadie más es capaz de escucharte. Son textos breves que no buscan respuestas, sino compañía en las preguntas, las dudas, el miedo, las noches... Un refugio para quienes alguna vez sintieron que eran demasiado para alguien, o no lo suficiente. Un lugar donde el alma se encuentra. Un lugar donde el alma puede volar.
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Este libro nace de lo que no se dijo, de todo lo que alguna vez pesó, de los sentimientos que alguna vez callaron. En estas páginas, os invito a recorrer los paisajes del alma: el amor y el desamor, la esperanza y la pérdida, la libertad, el perdón y la reconstrucción. Cada poema es una pequeña confesión, un susurro que no busca consuelo, sino compañía: la de quienes alguna vez sintieron demasiado y no supieron expresarlo. Más que un libro, es un viaje emocional hacia la comprensión y la ternura, un recordatorio de que incluso en el dolor habita la belleza, y que todo lo que no se dijo a tiempo también puede florecer entre versos.
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Los pangramas, frases utilizadas en diseño gráfico y publicidad, contienen todas las letras de un alfabeto. Sirven para evaluar la legibilidad, espaciado y estética de una fuente en distintos tamaños y formatos: El veloz murciélago hindú comía feliz cardillo y kiwi. La cigüeña tocaba el saxofón detrás del palenque de paja. Inspirado en la característica de los pangramas de comprender la totalidad de las letras, Pangrama busca llamar la atención sobre los elementos inspiradores yacentes en cada una de las cosas de nuestra cotidianidad, aun en las, en apariencia, menos estimulantes, desagradables, en sensaciones físicas y circunstancias cuya acción da origen a la poesía, capaz de expresar la realidad desde todos sus ángulos, con todas sus letras.
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Amores y desamores que buscan traspasar el tiempo con la esperanza, y a la vez el miedo de poder arreglarlo. El relojero que creyó que podía arreglar el tiempo es una búsqueda entre engranajes de sonetos y poemas-relato. Para todas aquellas almas que, sin saber muy bien el qué, siguen esperando. «Cuando ya te haya escrito el más sincero de los te quiero. Te daré un trocito de cielo, porque ya estaremos en el firmamento. Puede que mueras sin saber que esta es solo un alma prendada, que adora y venera las mariposas que su estómago siembra.» Marta Veynor
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Son las ausencias, el amor y los momentos que perduran en el tiempo el hilo argumental del poemario que Carmen López nos presenta. Sin vericuetos en los que perderse, con sencillez de lenguaje y un particular ritmo, sus versos nos llevan a historias no vividas, por abandonos que no han existido o por ciudades poco amables, pero también por los tiempos que corren para la política y la importancia de la libertad. Cómo no, el amor y la vida también están presentes en esta obra de madurez, donde se respira también el dolor de haber pasado por varios procesos oncológicos que le han dejado una profunda huella. Lectora empedernida, amante de Salinas, Gil de Biedma, Cernuda, Chantal Maillard y otros tantos poetas, algunos de ellos prácticamente desconocidos, ha bebido de todos ellos para construir su mundo literario.
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Una obra de reverberació sostinguda, amb inici i final, amb precisió pel detall i la referència, que consolida la proposta que Laia Malo ve treballant i ampliant des del seu primer llibre i que creix en cada recital i en cada nova investigació sonora del duet Jansky. La rima i el fregueig de lletres, sons, incerteses. La physis, la psique i la Natura. Arrels i coneixement. Un paisatge que cal escoltar amb devoció.
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Aquest és un “llibre d’artista” on combina imatges i text poètic, un espai on imatge i paraula es pensen l’una a l’altra. El presentem en edició trilingüe, català,castellà i anglès. Estem davant d’una obra que no ens deixarà indiferents.
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En el inmenso Romancero de la guerra de España, es decir, la poesía escrita y publicada entre 1936 y 1939 en el campo republicano (más de 10.000 textos recogidos), la presencia de las mujeres como «autoras» o «poetas» ha sido injustamente silenciada. En realidad, las mujeres también participaron activamente en el movimiento poético republicano, sobre todo en la abundante prensa de la época, civil, profesional e incluso militar. Desde la humilde madre de combatiente, la trabajadora del campo o de la ciudad, hasta la intelectual o la escritora ya reconocida en los círculos literarios o políticos, sin olvidar las potentes voces anarquistas o comunistas que propugnan un feminismo más radical, empuñan el verso con fervor para exaltar los valores de la República. Humildemente a veces, pero siempre con evidente sinceridad, intentan conciliar una voz femenina e incluso abiertamente feminista, con ciertas exigencias estéticas y una voluntad manifiesta de «estar a la altura de las circunstancias», sobre todo en alas del romance tradicional, la poesía considerada como la más apta para reflejar tanto las necesidades épicas del momento como las preocupaciones personales, íntimas a veces, cuando la muerte ronda en permanencia. El romancero de las mujeres poetas es, a la vez, el testimonio vibrante de una época de por sí trágica, y un valioso corpus literario y poético de una estética literaria que se busca. Las mujeres poetas del Romancero de la guerra de España, un tesoro humano, feminista y poético. Serge Salaün es catedrático emérito de la Universidad de la Sorbonne Nouvelle (Paris 3). Es autor de La poesía de la guerra de España (1985), de varias antologías del Romancero de la guerra de España (Romancero libertario, Romancero de Madrid, Romancero de la tierra, todas en Ruedo Ibérico) y de numerosos artículos sobre la guerra del 36-39. Ha publicado un libro sobre El cuplé (1900-1936) (1990) y numerosos artículos sobre la poesía española de principios del siglo XX (Alberti, Guillén, Lorca, Juan Ramón Jiménez, Miguel Hernández, Pedro Garfias, etc.), la canción popular, la zarzuela, el sainete y Offenbach en España. Es también traductor de Ramón del Valle-Inclán (todos los «esperpentos» y Autos para siluetas), y co-traductor de Rafael Alberti (El hombre deshabitado), Luis Cernuda (Los placeres prohibidos) y Carlos Arniches (El amigo Melquíades).
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En aquest recull de contes l'autor explora la fragilitat humana en situacions límit, on la realitat s'esquerda i deixa entrar l'estrany, el fantàstic o el monstruós, tot per revelar allò que no podem apreciar en el món quotidià. Una pluja de nadons apocalíptica, una venedora d'assegurances que no sap discernir entre la realitat i la ficció, un codi QR que amaga un misteri pertorbador, un grup de teràpia que tracta l'excés de nostàlgia... Amb una prosa inquietant i incisiva, l'autor combina horror psicològic, realisme brut, crítica social i fantasia obscura per parlar de l'abús, la identitat, el desig i el dol en uns relats que funcionen com escletxes per on deixar-se caure.
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Hay en los versos de Teresa Gómez una mirada hacia atrás y hacia adelante que pretende trazar un círculo desde el origen a su destino. Encontramos en ella una determinación de desmarcarse de una idea de progreso basada en el consumo y la insolidaridad. Un anhelo de silencio frente al ruido del bulo y el sensacionalismo con el que una sociedad enferma pretende la confusión. El libro se cierra con una coda final introducida por un verso de Sylvia Plath que da sentido a su título. GERARDO RODRÍGUEZ SALAS.
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«Hace tres años te conocí y hace dos te dejé de conocer años largos llenos de días llenos de discos girando a mi lado de ausencia astillada- y mi diario ya no aguanta el peso de las cartas que no envié no le cabe una gota más de tinta o de pena de pensar en tus cosas en vez de en las mías en los otros en el no ser. He aquí ese diario he aquí las palabras de un cuaderno verde una detrás de otra o arriba o abajo en fin palabras solamente.» A verbo abierto navega la calma y la tormenta de un amor de juventud atado de pies y manos, a través de poemas-carta que nunca llegan a su destinatario. Sobrio, pero descarnado, explora los paisajes fruto de la supernova emocional desde el por qué, la comprensión propia y ajena y la reconciliación con lo inevitable.
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La obra que se expone la forman unos poemas inspirados en lo que el autor considera algunas facetas del sentimiento humano. Cada poema, como si de un frasquito se tratara, alberga una fragancia particular. Con distinto colorido, la obra va siguiendo un cierto orden en su recorrido, hasta llegar al fin del camino. Y, sin embargo, la lectura no pretende ninguna linealidad. Las curvas forman parte de los poemas que se presentan. Inclusive, cada poema de entre los más extensos.
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El haiku, poema de tres versos de 5, 7 y 5 sílabas en su estructura clásica, es uno de los hallazgos más genuinos de la literatura del Sol Naciente. Huyendo de la rima y de la reflexión filosófica, viene a ser una instantánea de un contraste visual o sonoro. En el mundo las cosas más dispares aparecen unidas, una hoja y una lágrima, la armadura de un guerrero y las peonías, el arroz y una música de flauta, una flor delicada sobre la pétrea falda del monte Fuji. Es distinto, pero recuerda la conocida reflexión de Lautréamont: «Bello como el encuentro fortuito en una mesa de disección de una máquina de coser y un paraguas». El haiku nos regala un fulgor de conocimiento intuitivo, la forma sutil de las zonas de tránsito, los puentes soñados, la belleza que prevalece sobre la confusión y los contratiempos de la vida. El autor de este libro, que ya publicó en 2018 la novela japonesa Las grullas de Hokkaido, traduce e interpreta unos cuantos de estos trípticos de fulminante sencillez, la maravilla de los orígenes literarios que conectan con la perplejidad y la infancia. Aquí el lector podrá incorporarse a la reveladora pureza de poetas del siglo xvii, como el gran Matsuo Basho y su discípulo Takarai Kikaku, a la rareza de la haijin Chiyo, del xviii, o a la originalidad del también novelista del xx, Akutagawa Ryunosuke.
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En 1961 el poeta Carlos Sahagún publicó ''Como si hubiera muerto un niño'', uno de los libros imprescindibles de la generación del 50 y de la poesía española del Siglo XX. Los poemas de ''Como si hubiera muerto una niña'' tratan, humildemente, de rendir homenaje al texto de Sahagún, al tiempo que inciden en los temas y obsesiones del propio autor: el paso del tiempo, la construcción del poema o la épica de los cotidiano. Todo ello, según el jurado del Premio San Juan de la Cruz - Academia de Juglares de Fontiveros, con «un enfoque original, no previsible y alejado del tratamiento típico de los temas universales de la poesía».
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Un insectario que funciona como un espejo del alma humana. En Vida insecta, los poemas indagan en una relación que mantenemos con lo diminuto, con aquello que bate y horada el silencio de lo doméstico. Aunque todos parecemos estar a la altura de algo extraordinario que transforme nuestra existencia, lo cierto es que nuestra vida no es tan distinta de la de los insectos. Está hecha de repeticiones, rutinas y aburridas tareas. También de gestos en apariencia insignificantes que, sin embargo, nos sostienen y nos ofrecen una precaria sensación de seguridad. Para explorar esa condición, la autora se vale de un lenguaje capaz de protegernos frente a lo incontrolable y de ayudarnos a habitarlo sin quedarnos sin palabras.El libro se levanta sobre un diálogo de umbrales: por un lado, la invocación de William Blake, que cuestiona la hegemonía de lo humano -«¿No soy yo / una mosca como tú?» -, por otro, la advertencia de Alejandra Pizarnik sobre la espera, que siempre lleva implícita una silenciosa transformación interior. A partir de ahí, la poeta despliega una entomología de los afectos en la que el miedo «incuba huevos en el cerebro» y el dolor se posa como «polvo fino de mariposa».Desde la mujer polilla que emerge en busca de sus partes desmembradas hasta la tiranía de la república de las obreras, se revela una naturaleza que nos recuerda que «tocar es siempre ser tocado». Al final, queda el «largo proceso» de descomposición larvada en la raíz, un territorio donde la palabra -«la muerte de la mosca»- intenta suspender el tiempo antes de que irrumpan «las bestias carniceras de la noche».En este ecosistema que zumba, repta y aletea, Cristina Sánchez-Andrade difumina los límites entre refugio estético e intemperie. Vida insecta no es solo un libro de poemas, es en sí mismo, una metamorfosis.
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100 años del nacimiento de Caballero Bonald.Una antología perfecta para celebrar a una figura clave de la literatura española y la mejor puerta de entrada a su poesía para nuevos lectores.Esta antología, preparada especialmente para conmemorar el centenario de J. M. Caballero Bonald, ofrece la panorámica más completa y representativa de una de las voces más singulares y poderosas de la poesía española contemporánea. El volumen traza un recorrido que abarca desde los poemas iniciales -ya marcados por una sensibilidad inconfundible- hasta las composiciones más tardías, donde su escritura alcanza una intensidad crítica y un refinamiento formal excepcionales. La selección permite acompañar la evolución y profundización de una poética que, partiendo de un lirismo íntimo, se adentra en un lenguaje cada vez más elaborado y plenamente consciente de su propio poder transformador. Centrada en los grandes ejes que articulan su obra -la memoria y el paso del tiempo, la identidad en conflicto, la insumisión ética y la potencia reveladora de la palabra poética-, la antología ilumina las distintas etapas del autor y, al mismo tiempo, se sostiene como un libro autónomo, capaz de mostrar la coherencia interna de su universo lírico. Con una cuidada selección de poemas realizada por Nicole Brezin y un prólogo esclarecedor de Luis García Montero que aporta una mirada precisa sobre la obra de Caballero Bonald, este volumen aspira a convertirse en la edición de referencia para celebrar el centenario del autor y para acercar su poesía -exigente, deslumbrante y de plena vigencia- a nuevas generaciones de lectores.
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Un acontecimiento: los poemas de juventud perdidos de Ida Vitale, Premio Cervantes 2018.«Ida Vitale aún mantiene la mirada curiosa de los niños, es decir de los poetas.» Bruno Pardo, Abc Cultural«Su sed por conocer sigue intacta.» Víctor Fernández, La Razón«Ida Vitale es poeta, es Premio Cervantes, es una mujer del siglo, de un siglo, que viaja por el mundo y por el tiempo.» Luis Martínez, El Mundo«Lúcida, sencilla y profunda.» WMagazín«No pierde detalle. Quizás esa es la clave de su poesía, la más importante escrita por una mujer en español.» Javier Zurro, elDiario.es Este libro surge de un hallazgo: un cuaderno con los primeros poemas de juventud que dejó escritos Ida Vitale en Uruguay. Dados por perdidos tras el exilio de la autora en México y luego en Estados Unidos, son poemas que muestran la sensibilidad y el talento precoz de una autora excepcional, merecedora del Premio Cervantes, así como del Reina Sofía, el García Lorca y el Fil de Guadalajara. Aparecen aquí los temas esenciales de su obra: la observación de la naturaleza, la paradoja del tiempo, el asombro y la maravilla, con un lenguaje destilado y diamantino. Tras la publicación de su Poesía reunida (2017), y de su último libro, Tiempo sin claves (2021), estos Poemas de juventud completan con brillantez la obra de una joven autora de 102 años.
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Saurí del nom s’obre amb un poema inicial i iniciàtic (“Llum fundacional”) que fa de pòrtic a un recorregut a la recerca de les pròpies arrels mitjançant la figura del saurí. A voltes alquímic, a voltes visionari, Joan Vigó ens ofereix, en paraules d’Eduard Sanahuja Yll, “poemes breus i escultòrics que parlen d’aquells i aquelles que cartografien certeses amb el pèndol de l’instint i parlen amb el cor de l’absència”. El pèndol escaneja el món en fa mapa d’agonies i portolans de plaer. No endevina res però fa estar quiet i eixampla el marge.
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FGB és una revista d’homenatge a Francesc Garriga. Deu anys després de la seva mort, dins el marc de la «Desena Setmana de Poesia Francesc Garriga de Molins de Rei», hem convocat a coneixedors del l’obra, i la persona, de Francesc Garriga per recordar la figura de Garriga en una immersió global. FGB és una revista que rememora l’esperit de la històrica revista d’art FRM, de la qual Francesc Garriga Barata va ser director de l’edició espanyola. La influència de Garriga sobre generacions d’artistes, alumnes i poetes és innegable, i molts d’aquests autors han volgut fer-li els honors al mestre amb escrits, o obra gràfica. Hi trobareu diversitat de formats, des d’un punt de vista més acadèmic fins a un apropament més personal. Un variat compendi d’emocions afinades i matèria vibrant al voltant del poeta.Hi han col·laborat: Joan Vigó, Lucia Pietrelli, Lluís Posada, Manuel Forcano, Nú Miret, Marc Romera, Pau Vadell, Jaume C Pons Alorda, Xavier Bosch, Anna Gual, Sebastià Portell, Laura Borràs, Marc Masdeu, Ramon Boixeda, Joan Todó, Ferran Garcia, Martí Sales, Anton Not, Francesc Fontbona, Toni Moreno, , Antoni Clapés, Ester Andorrà, Dionís Escorsa, Manuel Huerga, Bernat Puigdollers i Joan Fontcuberta. En aquest compendi de textos i imatges hi trobareu un diàleg amb Garriga que continua viu en la persistència de la memòria i el record, amb la força de la poesia com a patrimoni col·lectiu, i la intenció de difondre un univers artístic deutor d’un mestratge essencial.
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Una mujer camina entre grietas, con el hombro al aire y la sombra encendida. No pide permiso: arde, recuerda, se afirma. 40 y ardiendo es un libro de poesía que transforma la herida en vuelo, el silencio en ritmo, y la memoria en llama que no teme al fuego. ''No me apagué. Me aprendí.'' -Azu Fernández
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Hemos considerado siempre La Vida Nueva como la obra central del autor, en cuanto parteaguas de la misma, porque en esta los lectores de Zurita de la autodestrucción o de la proximidad de la salvación se encontraban sobre todo ante la naturaleza chilena, fundida con pulsiones, recuerdos y escenas personales de desastre o amor: escenas alucinadas donde de pronto aparecía un paisaje omnipresente de ríos, playas, desiertos, nubes, nevados, rompientes, etc., pero también rostros como vislumbres en aquel paisaje. Los lectores pudieron pensar que, con esta obra, Zurita salía de su mundo de destrucciones con un canto a la naturaleza. Y era fácil interpretar que entrábamos en un canto general, con épica clausurada, pero, al fi n, testimonio de la naturaleza chilena, como lo fue el de Neruda. Un canto que, en su progresión, va evidenciando que la naturaleza es amor, violencia y movimiento, y en cuya lectura, poema tras poema, comprendemos que aquella consigue reflejar un vivir con sus pasiones y sus muertes, como las de los seres humanos. Esa poetización personalísima de la naturaleza logra reflejar una forma de alma universal y dinámica que responde a una construcción panteísta, repleta, sin embargo, de motivos cristianos, de falsos versículos que firman falsos profetas, de verdaderos versículos que firman verdaderos profetas, de invenciones de fuentes o de usos geográficos concretos entre aguas que se abren en un éxodo chileno y bíblico, o de salmos. J. C. Rovira C. Valero Mi obra no la entiendo ni siquiera como una obra individual, aunque alguien la firme: un tal Zurita, por así decirlo, ¿ah? Después de todo un nombre es una especie de idea, una especie de abstracción. Lo que cuenta es obra, una obra que está emparentada con millones de otras obras, y que recoge de toda la historia, de todo su tiempo, y lanza finalmente un apelo también a los tiempos que vendrán. Es eso. Nacido en Santiago de Chile en 1950, Raúl Zurita estudió Ingeniería Civil en Valparaíso, ciudad en la que conoció al poeta y artista Juan Luis Martínez en 1970, desarrollando junto a él una consistente actividad artística, y que tuvo una importancia capital en el desarrollo de su obra. Fue uno de los fundadores del grupo CADA (Colectivo Acciones de Arte), grupo de jóvenes artistas que experimentaban con el cuerpo, el archivo, el lenguaje y la ciudad que entre 1979 y 1985 actuó en espacios trabajando la creación artística, buscando formas de resistencia y enfrentamiento a las formas represoras de la dictadura del general Pinochet. Zurita realizó diversas acciones utilizando su cuerpo como medio de expresión: «quería expresar la impotencia frente a la realidad y la necesidad de decir sin palabras». Dictadura que le marcó su vida y que le dejó significativas huellas emocionales y vitales, además de haber estado detenido y torturado. Terribles experiencias que son parte importante de su propuesta poética. La historia, la naturaleza y la biografía personal son la base fundamental del nuevo lenguaje que nos ofrece Raúl Zurita. Ha merecido numerosos premios internacionales, entre ellos el Pablo Neruda (1988), Premio Nacional de Literatura de Chile (2000), José Lezama Lima de Cuba (2006), Premio de la Crítica de Chile (2012), Premio Internazionale Alberto Dubito de Italia (2018), Premio Iberoamericano Mario Benedetti (2020), Premio Iberoamericano Reina Sofía en Salamanca (2020), Premio Internacional Federico García Lorca de Granada (2022).
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La vida por delante es el tercer libro de poemas de Daniel Fernández Rodríguez (Barcelona, 1988), autor asimismo de Las nubes se levantan (2022, Premio Emilio Prados) y Las cosas en su sitio (2018, Premio Antonio Colinas). Doctor en Filología Española, Daniel Fernández es profesor en la Universidad de Valencia, donde enseña literatura del Siglo de Oro. Desde su propio título, La vida por delante es toda una declaración de intenciones: canto exultante a la vida, sí, pero también conciencia herida de su paso presuroso y, ante todo, firme apuesta por el porvenir. Fiel a su tradición, la de nuestros clásicos, en La vida por delante Daniel Fernández aborda algunos de los temas más recurrentes en su obra poética (la celebración del amor cotidiano, la búsqueda de un refugio en las raíces rurales, el regreso de la niñez), pero nos invita asimismo a recorrer fantásticas ensoñaciones y recovecos familiares. La poesía, que es terreno fértil para la evocación, lo es también para plantar un par de sillas, tender una mano cómplice al lector y sentarse juntos a mirar las cosas de la vida.
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Los cuentos de la ansiedad es un texto híbrido de género lírico-dramático a modo de collage. La autora navega entre escenas dramáticas, poemas, diarios, canciones y cuentos, abordando cómo la ansiedad ha convivido con ella durante algunos episodios de su vida. ¿La emoción nace y muere, o perdura? ¿Puede ser una emoción un personaje de tu historia? y cuántos cantos cuenta y cuántos cuentos canta y cuántos cantos canta para escaparse de la Vida
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Ese lugar de las sillas vacías relata la historia de un exilio, el venezolano. La primera parte, «Caracas», es el núcleo conductor de acciones y sentimientos de minusvalía y miedo que traen consigo el exilio y el insilio, como consecuencia de lo ajeno del paisaje.Además, la obra se expande para reflejar el sentimiento de pérdida, dolor y vacío que siente aquel que llega a tierras ajenas de cualquier forma en la que llegue. La ausencia de identidad de aquellos que vagan por territorios inciertos, el «muerto vivo» que nadie ve.En «Insilio» y «Cuerpo» se refleja el dolor de lo que fuimos y su recuerdo. La construcción desde los trozos que quedaron. La geografía de lo que no somos. La extrañeza.
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Hay veces que la vida se puede ver como una condena. La mía, al menos, se puede analizar como una búsqueda incesante del amor. Las ganas de darlo a luz, de alumbrarlo y traerlo al mundo de una forma sempiterna son el motor que mueve mi mundo. Está obra, mezcla de lo culto y lo castizo, habla del manido y magnánimo tópico humano: el amor. Eso sí, a la vez que se habla del amor, se habla de distintos atributos, experiencias y formas en el que este se presenta como condena. En general, es un poemario muy difícil de describir brevemente, por eso os recomiendo encarecidamente que vosotros mismos descubráis su contenido y, de paso, saquéis vuestras propias conclusiones.
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Por amor a la poesía es un viaje lírico por las dimensiones del amor, el dolor y la conciencia, donde la palabra se convierte en brújula y destino. En sus tres secciones -Geometrías del canto, Paisajes indómitos y Esferas formulaicas-, Ciro Gómez Parssian recorre el territorio emocional y metafísico del ser humano con un lenguaje de precisión clásica y hondura contemporánea. El deseo y la pérdida se entrelazan con la reflexión filosófica y la búsqueda espiritual, componiendo una obra que oscila entre lo humano y lo trascendente, entre el fuego de la pasión y la serenidad del entendimiento. Cada poema es una batalla entre la herida y la palabra, entre la caída y la revelación, y en ese conflicto se vislumbra una verdad: que la belleza puede salvar, que el amor -a la vida, a los otros, al arte- es la forma más pura de conocimiento.
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.
