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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Posiblemente nos encontremos ante una de las obras de carácter poético más polémicas del siglo XX. Ya sea por odio y aversión política o por respeto y admiración, los Cantos prohibidos de Ezra Pound han sido y probablemente serán una obra maestra de un artista que hasta el fin de su vida estuvo envuelto en un fuego cruzado. Este enfermo mental como así fue declarado en su Estados Unidos natal, fue encerrado en un manicomio por su visión modernista de lo que le rodeaba, recopilado todo en versos calificados como fascistas y por tanto peligrosos para los vencedores de la Segunda Guerra Mundial. Su intensa admiración hacia la persona de Benito Mussolini, al que él llamaba the boss le llevó a nacionalizarse italiano, donde aún hoy puede denotarse la devoción por ese espíritu humilde con asociaciones como Casa Pound, que en su nombre da cobijo a sus paisanos sin techo. Debe mencionarse que, el hecho que estos Cantos fuesen prohibidos y por tanto no saliesen a la luz hasta nuestros tiempos no se debe a la petición de este poeta revolucionario, del que consideran que casi cualquier poeta experimental inglés de comienzos de siglo está en deuda con él, sino de su familia para evitar alargar su sufrimiento tras ser encerrado, en el que artistas de la talla de Hemingway o Frost intercedieron para su libertad.
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Este poemario celebra la búsqueda de una ley de la segunda oportunidad. Se reivindica la identidad de la poeta, quien es capaz de correr desnuda y alegre por las grietas de la realidad, transformando el silencio en una oportunidad para reencontrar lo luminoso. Alguien. Algo.
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Tarot es un libro en el que un pequeño sentimiento nace con el anhelo de ser feliz. Sin embargo, el destino lo guía por caminos inesperados, llenos de obstáculos que le enseñan que el amor propio requiere pasar por el sufrimiento. Es un viaje largo hacia la felicidad, un recorrido lleno de emociones intensas, pasajes secretos, melancolía y dolor que, al final, renacen en armonía. A través de las cartas del tarot, este libro busca descifrar el futuro de lo que está por venir, con el propósito de proteger las emociones internas de las circunstancias externas. Es una búsqueda de respuestas perdidas, de aquello que quedó atrapado en un pasado que aún duele. Tarot es una enseñanza profunda: la oscuridad también es parte de la vida, nada se acaba ni termina del todo. Estamos destinados a enfrentar el sufrimiento para reencontrarnos con nuestro verdadero yo, aquel que perdimos en la infancia. Este libro es un renacer, una absolución interna que nos invita a sanar y a encontrar luz en medio de la sombra.
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A Esqueixos de temps, Josep Antoni Calvo filtra la poesia a través de la vida quotidiana i la converteix en matèria de pensament. Amb una veu lírica, clara i honesta, el poeta observa el pas del temps -el viscut, el recordat, l'esperat i l'oblidati el transforma en paraula polida amb paciència i rigor. El llibre s'articula com un itinerari poètic que transita per carrers i places, viatges, esperes i instants domèstics, i construeix, poema a poema, una reflexió profunda sobre la memòria, la percepció i la fragilitat del temps. Esqueixos de temps és un poemari de maduresa i consciència, una invitació a aturar-se, mirar i reconèixer la poesia que habita en allò aparentment ordinari.
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pieles muertas se acumulan sobre las hojas a veces son grillos que olvidan carcasas de un blanco translúcido todo se entrega a la sequía de enero un cielo que anula cantos rodados arranca golondrinas de los cables nada de lo que existe impide el paso de la luz BYRON SALAS (San José, Costa Rica, 1993). Cursó estudios de filosofía en la Universidad de Costa Rica. Ha publicado las novelas Mercurio en primavera (Lanzallamas, 2017, Premio Nacional de Literatura Aquileo J. Echeverría, Punto de Vista editores, Madrid, 2021) y Mar de fondo (Lanzallamas, 2021), el libro de cuentos Gloria al amor sombrío (Encino ediciones, 2019) y el conjunto de poemas Zarcillos (Libros Humildes, 2022).
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Trashumo de la planta al metal de las mariposas famélico en el destino sin trayecto que urde la favila en vida y muerte para regresar a la llama.
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Entre las brasas del amor y la pérdida nace una voz que aprende a bailar con el fuego. Manual de incendios para un corazón en llamas es una guía poética para sobrevivir al desamor y renacer entre las cenizas con la fuerza de quien se reencuentra consigo misma.
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Según Piedad Bonnett, cuando el poeta muere “la poesía, que es inmortal, lo mira desde arriba, / ciega de luz y ajena como una estrella antigua”. ¿Preguntará la poesía qué hicimos con ella cuando nos visitaba? Piedad Bonnett, que tan sabiamente se mueve en el justo límite de su propuesta, que no va inútilmente más allá del material que desde un inicio aparece en su poderosa intuición poética como trabajable, que “no abusa del lector” encubriendo con artificios y manierismos ideas inconsistentes, que mantiene la transparencia de su palabra emocionada lejos de las estridencias, hace tiempo que tiene una respuesta. Dirá, junto con la gran poeta norteamericana Marianne Moore, que en la poesía encontró “un lugar para lo genuino”.
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António Nobre (Oporto, 1869 - 1900), es el precursor del modernismo poético en lengua portuguesa y uno de los principales referentes de Fernando Pessoa, autor de uno de los poemarios más importantes de la literaturaportuguesa: Só, publicado en 1892, y hasta ahora inédito en español.
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Poeta maldito y genial, rebelde y exagerado, el italiano Dino Campana (1885-1932) pasó, en palabras de Emilio Cecchi, «como un cometa» por el mundo de las letras italianas del fin de siècle. Autor de un solo libro, de un mayúsculo único libro, Cantos órficos (1914), su figura, a medio camino entre el ángel y el monstruo, es parte a la vez de la leyenda de la genialidad y de la pesadilla de la marginación a la que lo relegaron su familia, sus amigos y el mundo literario de su época. Dromomaniaco feroz, vertería su malograda vida de incansable y desesperada ambulación en un puñado de versos vertiginosos que dibujan el escenario de una Italia también desquiciada, una Italia de calles malolientes, de arcos en sombra, de plazas vacías, donde el paisaje, a la vez interior y exterior, es recorrido como una especie de fuga musical por el anverso oscuro de un cuadro de Giorgio de Chirico. Más de cien años después de su composición, el excéntrico canto de este Orfeo vagabundo de provincias sigue resonando en la noche de su libro con una voz única e inclasificable, testimonio de un deseo voraz y siempre frustrado que produjo algunas de las visiones más intensamente alucinadas y alucinantes de la poesía europea de principios del siglo XX.
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Con la corriente del agua, este poemario ganador del Premio de Poesía Joven Vaso Roto, Rubén Esparza hace gala de un lirismo fruto de su oficio con la palabra. Muestra que la poesía joven actual es la mejor forma de medir el talento, la lectura, el trabajo de limpieza de los textos y, ante todo, revela que es la manera irrefutable de contrastar la vocación cuando se entrega a una obra personal nutrida de la más alta poesía. En este poemario, dedicado a su padre, Rubén Esparza transforma la imagen del agua mediante el paradigma científico y las distintas miradas posibles a través de la memoria y una honda reflexión filosófica, a la que añade su mirada personal en diálogo con otras voces poéticas. De acuerdo con los miembros del jurado: «En su desarrollo, el poeta crea distintas atmósferas en las que lo acuoso, paradójicamente, es y no es metáfora de lo vivo, del amor, del lenguaje o del interrogante que es la poesía. Con altura lírica y dimensión ética, se trata de una escritura que trasciende lo íntimo para abarcar con consciencia las distintas formas de ser y estar en el río de la realidad». Jurado del Premio de Poesía Joven Vaso Roto 2025
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La poesía de Aleister Crowley (1875-1947) -la Gran Bestia 666 o Frater Perdurabo- es una fusión de misticismo, ocultismo, erotismo, decadencia romántica e individualismo nietzscheano. Sus versos filtran tanto encantamientos mágicos como los principios de la filosofía teúrgica recogida en su «Ley de Thelema». La producción poética de Aleister Crowley es ingente. Si bien, Crowley recurre a la poesía como arquetipo romántico de una sui generis concepción de lo mundano y lo divino, siempre interpreta la poesía como un instrumento mágico. Crowley se siente un «poeta-profeta» y un místico moderno, heredero de la tradición romántica y simbolista de anteriores poetas-videntes como Percy Bysshe Shelley, Coleridge, Blake, Rimbaud o Baudelaire. Pero a diferencia de estos maestros, Crowley no se limita a describir emociones, sino más bien a canalizar sus «verdades divinas» a través de la poesía. Crowley llega aún más lejos, practica la magia a través del lenguaje. La poesía se convierte en una fórmula mágica para arrojar hechizos. Han transcurrido veintiséis años para que la poesía de Aleister Crowley vuelva a editarse en español, con esta selecta edición de poemas que aspiran a que el lector amplíe su horizonte sobre esta otra faceta de Crowley apenas reconocida y acercarse a la tenebrosa mente de constelaciones prohibidas de un hombre perdido en su tiempo y en el nuestro, bestia y santo, profeta y mendigo, maestro y esclavo: la poesía más blasfema del siglo XX.
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Aquella mañana de diciembre finalmente me di cuenta del paso que había dado. Había dejado atrás todo lo que había construido por una persona a la que apenas conocía, pero a la que ansiaba tener en mi vida. Es increíble de qué manera me había dejado llevar por mis impulsos, yo, la persona más cerebral y calculadora que conocía. ¿Qué iba a hacer ahora que mis sueños se deshacían como espuma ante mis ojos? Ya no había marcha atrás. ¡Qué había hecho... por un desconocido! ..., ¡por amor! Fue durante esta época de cambio e incertidumbre que se fue gestando este poemario, el cual a su vez me ayudó a no perder la cordura y de alguna manera darle salida a tanto amor...
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Siempre con alma es un tapiz de poesías en el que la autora nos transmite sus vivencias, con honestidad y cercanía. Para ello, navega a lo más profundo del alma, sin perder de vista la realidad que todos transitamos. Nos conmueve con temas que hacen que de algún modo nos sintamos identificados. Amor, nostalgia, ilusiones, duelos, enfermedad, tristeza, miedos, pasión, tiempo, atraviesan el libro y también nos atraviesan a cada uno en el discurrir de nuestra vida. Así, la autora, al estilo de León Felipe avienta las palabras. Quédate con quien te bese el alma, la piel te la besa cualquiera... Quédate con quien sabe desnudar(se), no solo de cuerpo... Quédate con quien puedas ser tú y construir un nosotros... Quédate solamente si merece la pena. No por no estar sola...
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Esta es una obra sin intención, surgida de un diario y acunada por el sentimiento. Nació en una época transitoria como manantial de amor, melancolía y reconocimiento de lo vivido –y la memorable compañía–, aunque quizás también como un canal de liberación de la cárcel que nos supone cualquier momento de pausa en este mundo tristemente acelerado. Tomando como base espiritual el romanticismo, especialmente el radical idealismo de Alejandro Sawa, la obra –condimentada con alguna pincelada de literatura árabe medieval– conforma una formal invitación a las entrañas de un desconocido, como cualquier manifestación que solemos tildar de artística. Por ello, si abre una ventana a las tuyas, habrá cobrado sentido. Disfruta y pausa. Pausa y piensa. Piensa y vive. Vive para recordar.
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Según Calvino, la literatura tiene dos caras fundamentales: la continuidad de la vida y la indefectibilidad de la muerte. Los poemas que componen este libro no escapan a esa añosa tradición literaria, que es abordada partiendo de una serie de contradicciones y paradojas. La ambigüedad, los matices y las oposiciones de nuestro lenguaje, creencias, conocimiento y valores son elementos profundamente humanos en los que también residen dolores y placeres, culpas y redenciones.De acuerdo con una fórmula medieval, ex contradictione sequitur quodlibet (de una contradicción se sigue cualquier cosa). En consecuencia, en la lógica clásica las contradicciones no son aceptadas. La lógica paraconsistente, en cambio, renuncia a la validez general e incondicional del principio de no contradicción, por lo que ve a las contradicciones con ojos diversos. De allí toma su título este libro: Paraconsistencia.
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Raúl Pérez Cobo lleva a cabo en este nuevo libro un ejercicio de alta provocación tan cruda y tan insólita que hay que remontarse a la Carajicomedia de Fray Bugeo Montesinos para encontrarle parangón. Un libro de poemas absolutamente singular. Y ordinario, extra-ordinario. Hilarante, desvergonzado, no apto para espíritus sensibles. Todas las modalidades de la práctica sexual están recogidas en estos poemas. Y todos ellos están escritos utilizando las formas más clásicas, el soneto, la canción, el romance, dando así un aire vintage a esta obrita que, probablemente haya que retirar del mercado inmediatamente, dada la mojigatería imperante en nuestra democracia avanzada.
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Paulino Santos ofrece un recorrido poético y visual por los márgenes de lo urbano y lo institucional, donde espacios impersonales —pasillos, despachos, salas de espera— cobran densidad emocional. Lo funcional se vuelve símbolo, lo olvidado, voz. Paredes, muebles o cámaras se tornan testigos de vidas fracturadas por la soledad, la precariedad y el deseo. A través de poemas breves, cargados de ironía y melancolía, el autor configura un inventario humano silenciado, donde lo inerte conserva memoria.La obra se estructura como una representación escénica, donde cada escenario revela una historia o un vacío. Las fotografías no ilustran: amplifican la atmósfera emocional, en diálogo con los textos. Palabra e imagen crean una experiencia coral y multisensorial. Con ecos del realismo sucio y el minimalismo lírico, el poemario no embellece lo marginal: lo revela. Es una arqueología emocional, una poética del detalle y del desgaste.Objetos con vida, cuerpos olvidados es una obra madura, íntima y social que invita a detenerse, a mirar de nuevo, a escuchar lo que el silencio aún quiere decir.
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Fascinada por días de sol, generosos, vibrantes, cuando el cuerpo se deja lamer por los rayos y la mente se evade en busca de Paraísos, consciente de que la vida también regala días sombríos, cargados de dolor, en que la angustia se aferra a cada poro, Mercedes Escolano procura compensarlos con la Literatura. Los libros la han rescatado muchas veces del abismo, regalándole horas entrañables. Al amor por la literatura une su interés por la Naturaleza: plantas y pájaros han sido para ella un bálsamo capaz de devolverle el equilibrio. Con Sol y sombra ha obtenido el XXVIII Premio de Poesía Ciudad de Salamanca.
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“Macbeth” y “Catábasis”, equivalen a ver el surgimiento de eso que en inglés llaman una fuerza de la naturaleza, algo recurrente, fascinante y asombroso al unísono, pues nunca se sabe ni qué resultados tendrá nila ruta que tomará. Como la temperatura del magma enla tierra, la del espíritu de Eclipse Román atestiguael eco de un mundo remoto y deslumbrante por ajeno al actual. Su lenguaje es culto, cuidado, preciso, incluso preciosista, lleno de arcaísmos y construccionesverbales que demandan del lector una infrecuente atención y cuidado. (...) Los ecos de la cultura griegatanto como del Renacimiento, del clasicismo pues, sonen Eclipse profundos, como un rizoma vuelto palabra,gramática, naciente personalidad literaria. (…) Estapoesía tempranísima de Eclipse Román nos permite verun lenguaje en plena ebullición: erudito, enrarecido, culterano en extremo, ajeno al mundo contemporáneoy, por lo mismo, fascinante.
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Aquest llibre, presentat en edició bilingüe, recull poemes de Bertolt Brecht amb la selecció i traducció de l’alemany al català a cura de Feliu Formosa. Son uns poemes colpidors escrits en el marc de l’arribada de Hitler al poder, la Segona Guerra mundial i la postguerra. Sabem que els fets històrics, més que dir que es repeteixen, podem dir que existeix una “mimesi” de la Història. La Historia és mimètica. I en aquest sentit aquests poemes de Brecht, són avui, més que mai, d’una absoluta actualitat.Feliu Formosa és qui més ha fet per donar a conèixer a Catalunya l’obra de Bertolt Brecht, un autor que coneix de cap a cap i que el va marcar des de jove. Formosa se sent identificat amb el Brecht poeta, i potser, a mesura que passen els anys, més encara.
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Promueve la colaboración entre las distintas artes, y la difusión tanto de la obra de jóvenes autores como la de los valores consolidados de la poesía, la literatura, el pensamiento estético, la música y las artes contemporáneas, de España, Iberoamérica, Europa y de otros países el mundo.Las colaboraciones de poesía, que constituyen el eje central de la revista, se publican en el idioma original y su traducción al español.Cada número incluye un CD de música contemporánea, realizado por Columna Música, e imágenes de un artista contemporáneo.
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En ''La piel de toro'' (1960), un libro icónico para la literatura en lengua catalana, Salvador Espriu se propuso demostrar que no era cierta la tesis de Ortega de que España solo podía pensarse desde el prisma de Castilla. Con él, el poeta quiso expresar ''un modo más generoso y abierto'' de entenderla, uno que se pusiera en marcha desde sus periferias geográficas e históricas y que contribuyese a la regeneración de una reflexión pública que la dictadura había hecho todo lo posible por cortar de cuajo. En este sentido, la trascendencia de algunos de sus poemas da muestra de la gran resonancia que tuvo entre sus numerosos lectores, que hoy siguen encontrando en ellos un llamado al diálogo y una defensa de la libertad.
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Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de laedad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Ciensonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen,y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad?escribe Neruda?hice estos sonetos de madera, les di esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo,es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, con mayor razón todavía, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión,la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, lade una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo.
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Juan Benet (1927-1993), influyente narrador, ensayista, dramaturgo e ingeniero de la generación del «medio siglo», rompió con el realismo social español a partir de su célebre novela Volverás a Región (1968).Aunque renunció a la lírica profesional para seguir la estela de William Faulkner, practicó el oficio poético en secreto entre 1944 y 1992. El volumen La elegancia del desánimo reúne esta obra mayoritariamente inédita, la cual revela sus preocupaciones primordiales: el extrañamiento existencial, el tiempo, la pasión y su mítico territorio rural de Región, bajo el trasfondo de la guerra.Esta edición, que arroja luz sobre su conflictiva relación con la lírica, corre a cargo del poeta, ensayista y editor Manuel Neila.
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Pequeño cancionero simbólico de guerra, de estilo sencillo y emotivo dedicado al pueblo palestino donde el autor se sirve como hilo conductor de personajes marginales, historias, mitos y situaciones particulares de la cultura árabe. ? Todo un legado poético que nos conecta de nuevo con nuestro pasado. ?El barco de Yamidno zarpará de ningún desierto. ?Las pobres rimas, la seda fina,la honda marea, la sangreque quede ciega, ?¡será tu brisa eterna! ?¿Y el mudo capitán? ?¿Quién será? ?-¡Una nube nueva! ?
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Alta esquina del aire es un libro de celebración y de homenaje. Desde lo alto —ese lugar simbólico al que aspira la poesía cuando nombra lo esencial— Jesús Pico Rebollo despliega una obra que abraza la vida en todas sus dimensiones: la memoria, el amor, la amistad, la justicia, la palabra y la conciencia humana.Estructurado en tres secciones, el libro reúne poemas que miran al pasado sin nostalgia vacía, se abren al dolor ajeno con compromiso humano y rinden tributo a la palabra y a quienes la han habitado con autenticidad. La diversidad temática encuentra unidad en una ética clara: la defensa de lo esencial y de lo verdaderamente vivido.Con una amplia riqueza formal —del soneto al verso libre, de la oda al haikú—, estos textos, reconocidos en distintos certámenes, apuestan por una poesía exigente, alejada de modas, que busca permanecer en ese lugar donde la emoción y la conciencia se encuentran.
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100 años del nacimiento de Caballero Bonald. La poesía completa de uno de los poetas de mayor envergadura de la literatura española reciente.El presente volumen reúne todos los libros de poesía publicados por José Manuel Caballero Bonald a lo largo de una carrera poética de dilatado recorrido. Se incorporan en él los dos últimos poemarios del autor, Entreguerras (Seix Barral, 2012) y Desaprendizajes (Seix Barral, 2015), que culminan una trayectoria fulgurante que, a través de un lenguaje de una imponente altura poética, reposa sobre grandes temas como la memoria y el paso del tiempo, la identidad en conflicto, la insumisión ética y la potencia reveladora de la palabra poética. «Poesía extrema en densidad, en rigor, en poderío sonoro.» Pere Gimferrer «Una de las claves de la poesía de Caballero Bonald es la lucidez, y tomar conciencia del texto no es otra cosa que tomar conciencia de la vida.» Luis García Montero
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El poemari és el testimoni literari de la conversió al catolicisme del poeta i és fruit duna època molt complicada que Verlaine, al costat del seu amant i també poeta Arthur Rimbaud, va mantenir amb la societat de lèpoca. Versos, violència i absenta. Molta absenta.
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Cuadernos de Hiroshima es un poemario visceral y evocador que indaga en la experiencia del viaje exterior e interior. A lo largo de sus más de cincuenta poemas, el autor explora el desplazamiento constante de sus voces poéticas —turistas, amantes, viajeros desencantados— que recorren calles, love hotels y ruinas atómicas, buscando sentido en un mundo que oscila entre la belleza y el caos. El libro se sumerge en la memoria colectiva, con Hiroshima como epicentro simbólico de la devastación y la resiliencia, mientras desmitifica el Japón idealizado de las postales turísticas. A través de una mirada cruda y sensual, Toro aborda el cuerpo y el deseo como ejes centrales: los encuentros sexuales en moteles efímeros y las relaciones amorosas se convierten en metáforas de la vulnerabilidad y la búsqueda de conexión en un paisaje de soledad urbana. Esta poética de la carne dialoga con una crítica sutil a la mercantilización del placer en sociedades capitalistas. Rico en intertextualidad, Cuadernos de Hiroshima teje puentes con la generación beat, la literatura japonesa contracultural y la tradición universal —de Dante a Lorca, de Kerouac a Kawabata—, dotando al texto de un estrato erudito que invita a la reflexión. El concepto de ''turista'' desarrolla un hilo conductor acompañado de una melancolía que atraviesa el tiempo y el espacio. Con un lenguaje que combina lo lírico y lo descarnado, Toro ofrece una obra que es a la vez un lamento por lo perdido y un canto a la persistencia del deseo humano frente al abismo.
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El presente poemario, que incluye dos colecciones: La lengua callada y Aguamarga, y el ciclo alemán A lo largo del río nueve veces verde, es un «canto ardiente, que eleva la inmundicia hasta la incandescencia, hasta que nada queda sino unas piedras blancas, diamantes tallados, con sus formas perfectas y violentas. A partir de fragmentos individuales, surge una especie de narración épica, la historia de un yo herido, pero fuerte, que persigue el camino del éxtasis interior. En la ruptura mística de la realidad, se evoca una trascendencia que sólo puede experimentarse en el proceso de ir tras la «poesía absoluta». Claudio Magris.
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A poesía que se compila nestas páxinas está alicerzada, xa desde o debut da autora, no regreso á súa orixe, tanto na paisaxe rural da infancia e da mocidade coma, de xeito especial, nas raíces familiares, o que a poeta chama ''a casa dos pais ''. Son tamén versos nos que, xunto ás palabras ditas, cobran unha relevancia non menor as que quedan sen dicir, cando os silencios pasan a xogar un papel primordial nas escollas da memoria. Sucede iso, nomeadamente, mais non só, cando o instante da escrita se sente enneboeirado polas dúbidas existenciais. Desde os seus tenteos abrolla entón un clima onírico e cunha forte carga simbólica que pide, para ser gozado en todos os seus ricos matices,unha lectura atenta. Poderase así ir desentrañando a auténtica identidade dun eu lírico que avanza entre o magma propio do pulo creador e un ritmo de estraña fascinación. Traducida e prologada con admiración e grande acerto polo tamén poeta Xavier Rodríguez Baixeras, esta antoloxía en edición bilingü,e asturiano-galego é a primeira selección da obra de Lourdes álvarez que se publica noutra lingua peninsular.
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El cantautor sevillano Manuel Cuesta se incorpora como nuevo fichaje de la editorial, con un libro-disco lleno de referencias cinematográficas, que nos habla de ese baile que reservas para alguien especial en una fiesta, con la esperanza de que algo ocurra después, que cambie tu vida para siempre. El último baile, también como el último asalto, el último cartucho o el último intento antes de abandonar y tirar la toalla.
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Una pregunta muy sencilla: ¿Qué niña no ha soñado alguna vez con ser princesa?. En estos versos la princesa es una huérfana, castigada por la vida, que nos demuestra que los sueños pueden ser tan resilientes como las vivencias en su historia de una niña (ella misma) que, aun maltratada por la vida, se aferra a la esperanza de hacer realidad cuanto sueña. Me impresionó conocerla y saber de sus sueños, y su sufrimiento me llegó al alma. La historia, como ella me la contó, la cuentan mis versos. Era una joven valiente que no pudo ser la princesita feliz que soñaba… Pero aun así, lejos de quejarse o hundirse, luchaba por escapar de la tristeza y ser hogar donde su niñita sí lo fuera.
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Un poemario a corazón abierto, desnudo de cualquier maquillaje que oculte el dolor que los años acumulan: las pérdidas, los encuentros, las llegadas y las ausencias de quienes ya no están. También hay un espacio para evocar el refugio que representa la persona amada. Emilio Joaquín Izquierdo nos guía, a través de sus versos, por caminos tortuosos, cimas escarpadas y mares bravos en calma, que invitan a reflexionar sobre la vida y a rebelarse contra la injusticia, sin dejar nunca indiferente al lector. Nada nos debe el autor y nada exige, salvo la sensibilidad y el silencio respetuoso con los que ha intentado construir esta obra. Es también una huida de todo aquello que duele, una búsqueda de la tranquilidad y la paz que persigue incansable a través del tiempo: Su boca eclosiona una sonrisa del pasado, la misma que castiga su presente.
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.
