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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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La mirada escéptica y serena de una poeta que viene a renovar la literatura en español.«Ensancha y pone al día la literatura española.» Juan Marqués, El Mundo Como apunta la escritora Piedad Bonnett con acierto, «la poesía de Corina Oproae se alimenta de imágenes recurrentes, con esa obsesión propia del poeta que pareciera condenado a revisitarlas» porque de esa representación repetitiva es de lo que está compuesta la obra misma. En el centro de su universo poético está el yo como núcleo de un todo que encierra cada imagen del mundo, una totalidad hecha de tiempo en el que la memoria suele conducir a la infancia recuperada o incluso a la experiencia revivida del amor. Y al lenguaje, el verdadero lugar que la voz poética habita, el que le permite la fábula, la imaginación, el sueño. Y continúa Bonnett, «en la poesía de Corina Oproae la muerte, con sus muchos rostros, es una presencia constante, y sin embargo su palabra no es sombría ni cae en patetismos. Por el contrario, en ella hay una especie de levedad juguetona no exenta de ironía, producto de una mirada escéptica y serena, la que sabe que al final de cuentas no hay certezas».
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Lola crece en los años veinte del siglo pasado en una tejería de un pueblo de Lleida. Es la mayor de seis hermanos y desde muy pequeña se siente llamada a ayudar a su padre en el tejar, primero llevando la contabilidad, luego aprendiendo a transportar el material con el carro y las mulas, y más tarde con el camión. Pero la gente no ve con buenos ojos que se convierta en camionera, porque considera que no es trabajo de mujeres. ¿Hasta dónde será capaz de llegar Lola para salvar la tejería? ¿Qué precio tendrá que pagar para ponerse al frente del negocio familiar y conducir el camión? La novela indaga en el concepto de familia, en la dureza del paso a la edad adulta y en su capacidad de soportar la presión social. Y la prosa -a menudo poética- fluye entre ladrillos, campos, caminos y un viaje en camión a Barcelona, mientras conocemos a la protagonista narradora y la acompañamos en su crecimiento, en su reto vital y en su anhelo de libertad. Esta es la historia de Lola, la primera mujer camionera de Cataluña, y un tributo a las mujeres pioneras en la lucha por la igualdad. El mundo del tejar era redondo, cuanto acontecía empezaba y acababa allí mismo. Cada paso, cada movimiento de los que vivíamos allí tenía que ver con las tejas, los ladrillos, la arcilla, el terraplén, el carro y la leña que terminaba en el horno. El horno, que funcionaba día y noche todos los días del año, siempre, y la chimenea echando su humareda, muy arriba, hacia el firmamento. Era tan alta que los días de niebla no se veía el final.
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La vida del poeta simbolista y decadente Paul Verlaine llegó, en ocasiones, a la más extrema miseria material y moral. Se inició en el parnasianismo y se lo clasificó entre los “poetas malditos”, aunque en realidad fue un escritor sincero que obedecía a la plenitud de cada momento. La musicalidad de sus versos permitió a la lengua francesa alcanzar las fuentes más puras de su poesía.Paul Verlaine nació el 30 de marzo de 1844 en Metz y murió el 8 de enero de 1896, en París, menos de un mes después de haber escrito el que sería su último gran poema: “¡Muerte!”. Losada, en 2005, publicó tres obras en prosa de Verlaine: Mis hospitales, Crónicas del hospital y Mis prisiones, traducidas por Guillermo de Torre.
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¿Y si volar fuera la forma más pura de ser? En este poemario valiente y luminoso, Sonia del Campo convierte el acto de volar en una poderosa metáfora vital. Versos de aire es un viaje poético dividido en etapas —briefing, ascenso, turbulencias, aterrizaje—, donde cada poema es una maniobra en el cielo íntimo de la autora. Con una voz clara, libre y profundamente desnuda, la autora explora la soledad, el amor, el desarraigo, la identidad y la reconstrucción desde la altura, el vértigo y la belleza de lo inestable. Este libro no solo se lee: se eleva. Porque hay versos que no pisan tierra, que sobrevuelan las emociones y nos recuerdan que también somos éter, y alas, y latido. Nos recuerdan que, a ras de sueño, siempre está, sostenida, la esperanza. Por encima de toda nube negra. Más allá de huracanes y tornados.
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La niña del sol es un libro en el que niños y niñas pueden recrearse con personajes y lugares fantásticos que habitan en sus sueños y que, en estos poemas, se vuelven visibles ante sus ojos. Los espacios cotidianos cobran vida a través de seres animados: animales y paisajes que narran historias llenas de magia e ilusión, alentándolos a no dejar nunca de soñar ni de mirar esas otras imágenes que los adultos ya no sienten ni perciben. Así surgen escenarios llenos de atractivo y misterio, que invitan a seguir disfrutando de la niñez y de esos años maravillosos que siempre recordamos como una etapa única e irrepetible.
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Con un lenguaje ameno, muy pensado, con esa frescuratan característica de su obra, capaz de tocar la vida cotidiana con el idioma y a la vez trascenderla ensu esencia poética, el autor nos traslada a un mundofascinante de personajes y situaciones, todas cruciales, que se resuelven con una ceniza maestra. Un libro único, con el que Alfonso Salazar consolida su espacio en la narrativa actual española.
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Miquel À. Casanova, a través de les imatges i dels textos, ens mostra alguns dels habitants del silenci. Perquè en el silenci viuen els secrets, aquelles veritats o mentides que són inexplicables. També la por i la soledat. Les intencions. Les mirades que busquen trobar-se o que veuen com s'allunyen. Hi viuen els records i els somnis i també l'absència d'ells. Hi està qui calla i qui no escolta, qui pensa i qui s'enamora. «En Miquel À. Casanova ha sortit també del silenci, publicant aquest llibre ha donat a conèixer una vessant creativa que fins aleshores havia volgut amagar. El silenci com a tema, irònicament, l'ha motivat a desprendre's del silenci en el qual s'havia submergit.» Joan Aldavert, escriptor i editor
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Aleix Cort (Reus) ha tocat tota mena de mons i d’interessos i tota mena de gèneres en la seva àmplia bibliografia i extens univers creatiu. L’han fet poeta els llibres: És de nit que comença el dia, Textos y fotografies: Aleix Cort-Cori Pedrola (Arola Editors, 2000), Arrel de Boig (Edicions de la Guerra, 1993) i «Vora la Ciutat dels Àngels» dintre Neoprojeccions, amb Rosa Pagès (Escornalbou, 1988).Jordi Vintró (Barcelona), és autor del llibre de narracions Eugeni i altres (1986) i dels poemaris Cançons per a en Jaume (1985) i Ludwig (1992), així com d’un dels llibres essencials de la poesia catalana actual, Insuficiència mitral (Lumen, 1997), seguit de Cartes de sotamà (LaBreu Injeccions, 2006) i de La bassa de les oques (LaBreu Perdicions, 2010). També és autor de la genial traducció i edició de les Noves impressions d’Àfrica de Raymond Roussel (LaBreu Prediccions, 2014).Cort desafia Vintró a un any epistolar en què el primer vers, aquell que prové de la inspiració i a partir del qual es genera el poema, és a dir, aquell que dicten els déus, passarà a ser inspirat per la carta-poema anterior. Heus ací que la poesia, aquest llenguatge que utilitza el poeta per transmetre a l’humil humà el missatge gestual dels déus, renuncia a l’origen diví i esdevé laica. Heus ací un diàleg, un debat poètic, un joc que ens parla de la condició humana a través de traves i enginyosos revolts retòrics, una pas enllà del gènere epistolar de la mà de dos genis que van més enllà del gènere poètic.
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La mujer ha tenido una participación destacada en las manifestaciones líricas del pueblo japonés desde la fase protopoética. En función del contexto político y sociocultural, la voz femenina ha vivido momentos de esplendor y épocas de retroceso. No obstante, desde las canciones anteriores a la introducción de la escritura en Japón hasta nuestros días, nunca ha dejado de resonar. Voces femeninas de la poesía japonesa es un viaje por la poética de Japón de la mano de las autoras que han dejado huella en ella a lo largo de un milenio y medio de historia ininterrumpida. La lectura y el análisis que se hace en el libro de la obra de un centenar de poetisas ofrece una visión panorámica sobre el nacimiento y la evolución de la lírica japonesa. En primer lugar, se presenta el despertar de la conciencia poética y la consolidación del tanka como forma métrica clásica, después se examina el advenimiento del haiku y, por último, se muestra la irrupción del verso libre. En la última parte del libro, se exploran las tendencias que dominan en la actualidad esas tres vertientes de la expresión poética en Japón. David Taranco es doctor en Estudios Hispánicos Avanzados por la Universidad de Valencia. Reside desde hace años en Japón, donde ejerce la docencia y la investigación universitarias. Ha publicado estudios académicos sobre poesía japonesa, literatura comparada y teoría del relato de viajes. Asimismo, ha traducido al español a los poetas japoneses Tanikawa Shuntaro¯ (Colección Visor de Poesía, n.° 1066) y Nakahara Chu¯ y a. También es autor de novela, poesía y teatro.
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Queridos lectores y lectoras, os abro la puerta a un mundo de poesía basada íntegramente en la inspiración de su creadora. Una inspiración no estudiada ni programada, sino nacida de la pura musa poética, que susurró a los sentidos ávidos de creación de la autora y quedó plasmada por su mano en estos versos, que brotan de las raíces del amor como abanderado del resto de nuestros sentimientos. Una poesía amena y nada artificial, surgida de la observación y del sostén de la vida en las manos desnudas, que quiere llegar a vuestro corazón y remover lo mejor de vuestra humanidad. Espero que disfrutéis del camino y, cuando avancéis en su lectura, que vuestro cuerpo y alma se unan y se conviertan en un remanso de goce espiritual. Un puente entre la carne y el espíritu, un plexo de aire y sentimiento que se hace líquido de ser. Una comunión del pensamiento, los recuerdos y el fluido misterioso del amanecer de cada día dentro de nosotros. Sin más dilación, os dejo paso al crecimiento de una aprendiz de poeta.
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En ''Entre latidos y nostalgias'', Irene Agra Castro nos sumerge en un viaje emocional a través de la memoria, el amor y la pérdida. Cada página late con la intensidad de los sentimientos que nos marcan y nos transforman, explorando la conexión entre lo que fuimos y lo que somos. Entre sus versos, el lector encontrará la dulzura de los primeros amores, la melancolía de los recuerdos que persisten y la esperanza que se esconde en la aceptación del tiempo. Este poemario es un reflejo íntimo y delicado de la vida misma, donde cada emoción se convierte en un susurro que resuena con nuestro propio corazón. Con un estilo romántico, melancólico y humano, la autora os invita a entrar en sus pensamientos.
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En ''Indentaciones'', Victoria Marín hace gala de una voz poética madura y contenida. El título no es casual: cada poema funciona como una muesca en el tiempo, una sangría en el texto de la vida que permite que el aire —y el sentido— entre en la lectura. La autora evita el artificio innecesario para centrarse en la potencia de la palabra exacta y el valor del vacío. Es una obra que no solo se lee, sino que se habita, dejando en el lector una huella tan profunda como las ''indentaciones'' que describe.
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Dedicado a su mujer Matilde Urrutia, este libro contiene algunos de los versos más genuinos y bellos de la poesía universal. Pablo Neruda constituye una de las cotas más altas de nuestra tradición poética.Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de la edad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Cien sonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad -escribe Neruda-, hice estos sonetos de madera, les di el sonido de esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo, es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, más aún, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión, la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, la de una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo. «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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Un poeta que traduce a la muerte, un poeta que sobrevive a sí mismo. Hay libros que se leen y otros que se sienten. El Traductor de la Muerte es ambos. El poemario no es solo un conjunto de poemas, sino un testimonio desgarrador de la depresión, un dolor convertido en palabras. Los pensamientos mortales que invadieron a Arnau Burgada R. han sido traducidos en poesía, transformados en versos que hieren y cicatrizan a la vez. Con brutalidad y crudeza, sus poemas invitan al lector a experimentar en primera persona la melancolía que el autor enfrentó… y consiguió superar.
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Lágrimas Inútiles, Sonrisas Vacías es el primer volumen de una colección poética que explora los laberintos de los dilemas amorosos, el tránsito del vacío a la plenitud, las verdades ocultas en los márgenes de la vida, la sinceridad del amor y el esfuerzo invertido en su búsqueda. Entre sus páginas, encontrarás versos que se sumergen en la profundidad de las emociones humanas, revelando la fragilidad y la fortaleza del corazón. Un viaje lírico que te invita a reflexionar sobre la naturaleza del amor, la soledad y la esperanza.
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El nou poemari de Miquel Sbert és un llibre que, des de la primera pàgina, reclama una atenció específica. No tant per la seva forma -que defuig expressament qualsevol cànon poètic- com per una actitud literària que s'erigeix amb voluntat de singularitat i provocació: una manera de dir les coses a la brava, a la valenta, sense filtres ni concessions. És un recull insòlit, quasi sempre incòmode, capaç de provocar un somriure vinagrós o una ganyota forçada [...] Aquest és un llibre que no, no vol agradar, s'estima més dir, i dir amb la folla eufòria de la llibertat i de la clarividència més negra. Tampoc no vol suavitzar unes veritats cada cop més espantoses. Vol, en efecte, incomodar, no només per la mala llet que gasta, sinó també per aquesta esperança que implica tal voluntat: potser si es diuen les coses de manera clara, i contundent, les ments s'obriran i hi començaran a haver canvis que transformin aquest món. (Del pròleg de Jaume C. Pons Alorda)
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La memoria y el arco es una suerte de revisión identitaria. «La memoria» explora la persecución de la tierra natal y del árbol genealógico incompleto, que sólo se recompone a través de la ficción poética. En «El arco», los poemas están en movimiento: siguen la trayectoria del crecimiento de un sujeto-mujer fragmentado, a través de la geografía que la ha ido acogiendo y de referentes diversos, vitales y literarios.
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MANUEL VÁZQUEZ MONTALBÁN (Barcelona, 1939 - Bangkok, 2003) cultivó con enorme éxito la novela, el periodismo, el memorialismo colectivo y el ensayo, pero el centro de su vocación literaria lo ocupó siempre la poesía, caracterizada especialmente por su se
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Con un verso sencillo -libre en la primera parte, con metro y rima en la segunda- el autor nos invita al goce estético y, a un tiempo, a la reflexión profunda, con poemas de presencia y de ausencia, de lógica y de intuición, buscando sentido y no solo felicidad. Transcendiendo más allá de la realidad física que parece imponerse en su inmediatez: «Aprecié, de los ojos, el color, gusto ahora, de miradas, el calor.
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Cuando se analiza la obra de Federico García Lorca, a menudo se olvida el peso clave que para su configuración tiene la realidad campesina. Lorca, hijo de un labrador rico, estuvo en contacto con el campo ya desde niño. Como afirma el poeta, 'cuando yo era niño vivía en un pueblecito muy callado y oloroso de la vega de Granada. Todo lo que en él ocurría y todos sus sentires pasan hoy por mí. [...] En ese pueblo tuve mi primer ensueño de lejanías. En ese pueblo yo seré tierra y flores...'. Siempre que podía, Lorca se retiraba en medio de la vega, en las casas familiares de Asquerosa, 'uno de los pueblos más lindos de la vega por lo blanco y la serenidad de sus habitantes' y de la Huerta de San Vicente, 'hay tantos jazmines en el jardín y tantas 'damas de noche' que por la madrugada nos da a todos en casa un dolor lírico de cabeza, tan maravilloso como sufre el agua detenida'. La presente antología pone de relieve lo mucho que la obra de Lorca debe al campo y a la vega de Granada en particular, a través de prosas, poemas, fragmentos de obras teatrales, cartas y la espléndida 'Alocución al pueblo de Fuente Vaqueros', donde el poeta nació el 5 de junio de 1898. Como afirma García Montero en su prólogo, lo decisivo es indagar en el proceso que convierte la biografía en literatura. 'La biografía sirve de fondo de verdad para elaboraciones literarias y la literatura permite reconocer el significado de la vida. Esta tensión entre la vida y la poesía, fundamental en la lírica contemporánea, adquiere en García Lorca el peso de los habitantes de la naturaleza. El niño campesino, los caballos, las hormigas, el caracol, los juncos, el sapo, el pájaro muerto, la mariposa y, después, el veneno o el maleficio de la poesía.'
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Mamá en mí es una conmovedora exploración de los lazos que unen a madres e hijas a lo largo de la vida. Con una prosa íntima y profundamente reflexiva, la autora entrelaza sus recuerdos personales con reflexiones universales sobre el amor, la pérdida y la conexión emocional que persiste más allá de las distancias físicas o emocionales. Cada capítulo es un homenaje al impacto transformador de la maternidad, no solo en su faceta de entrega y sacrificio, sino también como un espacio de aprendizaje, crecimiento y reconciliación con nuestras propias historias familiares.Este libro no solo logra capturar la complejidad y belleza de la relación madre-hija, sino que también invita al lector a reflexionar sobre sus propios vínculos y experiencias. La autenticidad de las emociones y la riqueza de las imágenes poéticas convierten esta obra en un testimonio vivo del amor que trasciende generaciones, dejando una huella imborrable en el corazón de quienes la leen. Mamá en mí es, sin duda, un tributo entrañable y un recordatorio de que, en el núcleo de nuestras relaciones más profundas, siempre reside la esencia de quienes somos.
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Si todo autorretrato tiene algo de rememoranza y algo de ajuste de cuentas, Kepa Murua recurre a este formato con 'la intención de recordar lo que se vivió de lleno en cada una de las fechas' y también para hallar 'la verdad de cada instante' hasta acabar reconciliado consigo mismo y en paz. En 'Autorretratos', el primero de los cuales se remonta a los años 90, Murua recuerda si tenía o no trabajo, si tenía o no dinero, si pasaba hambre o la vida le iba más o menos bien para acabar en un presente en el que descubre 'un hombre que ha sabido controlar su vanidad y que, después de haberse apartado de las ambiciones mal dirigidas, durante tiempo se ha ido dibujando con palabras, tal como corresponde a un poeta'.
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En este libro, las nubes se convierten en un espacio imaginario de reflexión poética, al que el poeta le atribuye la entidad de súper alma. En ese espacio se atesora todo aquello que tantas veces es difícil reconocer en la vida cotidiana. Un lugar protegido donde se refugian sin ser juzgadas todas las emociones, desde la infancia. También en las nubes tiene cabida la reflexión de algunos acontecimientos que estamos viviendo, pinceladas de consciencia, que no nos permiten escaparnos. Finalmente, se atisba un intento de trascendencia espiritual donde se vislumbra la compleja presencia de una categoría superior, a la que el poeta no termina de desafiar. En ese lugar imaginado, las nubes, la palabra adquiere la capacidad creadora de volver a designarlo todo, reordenando el discurso que emana de los sentimientos y las ideas más profundamente guardadas.
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Una vida bohèmia força enrevessada en amors, la dificultosa conjuntura de l' exili, la pèrdua d' amics i familiars, i, principalment, la mort per tuberculosi del seu únic fill quan només tenia vint-i-vuit anys, contrasten amb el poder il limita
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Ángel Guinda (Zaragoza, 1948 - Madrid, 2022) fue autor de una obra lírica heredera de la mejor tradición de la poesía española, pero construida con un lenguaje renovador, por lo que ha sido calificado como un raro de los Novísimos. Premio de las Letras Aragonesas en 2010 y finalista del Nacional de la Crítica o del Nacional de Poesía, ha sido traducido al inglés, francés, italiano y portugués, entre otros idiomas. Considerado un poeta indómito y vital, un desencajado de su generación, Ángel Guinda carbonizó su propia existencia hasta legar un estremecedor testimonio de la condición humana. A través de sus cincuenta años de poesía, Me he fumado la vida reúne la combustión, el humo y la ceniza de sus mejores versos, editados por primera vez en la versión que aceptó poco antes de encontrar la misma muerte que, escribiendo con intensidad, trató de descifrar: «Me he fumado la vida / como el tiempo se me ha fumado a mí / cuando huía de mi sombra, / y mi vida hecha polvo, / y el polvo que seré / bajo el árbol secreto de la muerte».
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Alejandro Ruiz de la Puente (Madrid, 2000) es graduado en Español: lengua y literatura por la Universidad Complutense de Madrid. Con su primer poemario, La zona luminosa, ganó el XXVI Premio de Poesía Joven Antonio Carvajal y resultó finalista en el III Premio Nacional de Poesía Ciudad de Churriana al mejor libro de poesía publicado en España en 2023. Oscura rata es su segundo poemario, ganador de la VII edición del premio de Poesía Joven Tino Barriuso. En su deliberación, el jurado ha valorado una creación “audaz en la precoz maestría poética con la que renueva la mejor tradición para inscribirla en la modernidad” y ha destacado del autor su “sorprendente madurez al tratar temas tan delicados y terribles con un sabio distanciamiento y excelente rigor formal que no excluye el humor negro”.
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La desvalida princesa que necesita un aguerrido príncipe que la rescate, una boda como el único final feliz posible para la protagonista... Son ejemplos de larenuncia personal, de la supresión de los deseos propios, de la promesa de salvación. Una trampa ampliamente compartida sobre la supuesta y verdadera naturaleza femenina. María Murnau, más conocida como FeministaIlustrada, sabe mucho de esto y consagra su obra a luchar contra los micromachismos con los que tienen que lidiar las mujeres a diario. Este, su primer poemario, también te atrapará, pero prometemos que con palabras bien escogidas. Porque el mito del «para amar hay que sufrir» es muy persistente.
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l’apòstrof de l’estima naix de la passió d’ajuntar paraules i sons, colors i textures, formes i estructures, significats i significants, objectes i subjectes, remembrances i avenirs, realitats i somnis. Tercer poemari del músic, escriptor i editor valencià Josep Lluís Galiana, tots ells publicats sota el segell EdictOràlia, l’autor torna, de nou, als seus orígens, a la infantesa, a jugar amb tots els objectes i materials al seu abast. Les imatges i les significacions van brollant a mesura que les paraules es van succeint, descobrint-se i amuntegant-se, formant o no certes estructures de valor morfològic i/o sentit expressiu, però, sobretot, deixant que el lector participe espontàniament d’aquest procés creatiu que sembla etern com el batec del món. Desglossat en tres seccions, l’apòstrof de l’estima és «un fascinant “calaix de sastre”, afirma el filòleg Josep Lluís Espert, una variada i rica miscel·lània de motius, gèneres, tècniques i estils que reuneix totes les virtuts de l’eclecticisme. Aquesta promiscuïtat temàtica i formal és un dels seus atractius. L’altre seria el to general que l’imprimeix la personalitat apassionada i reflexiva, compromesa i hedonista, experimental i clàssica, versàtil i constant, torrencial i metòdica de l’autor –tot plegat i alhora–, més que termes contraposats, complementaris i indissociables.
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Aquest volum aplega els tres poemaris més representatius del poeta de Sarrià: Sol, i de dol, que congrega els gran temes de la poesia de Foix, Les irreals omegues, poemari riquíssim, i Onze Nadals i un Cap d?Any, un seguit de poemes que J.V. Foix va dedicar als seus amics des des del Nadal de 1948 fins al de 1958, i el cap d?any de 1960.
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Desde el principio de los tiempos el mar ha fascinado al ser humano ya fuese como promesa de aventura, puerto de llegada o de huída, frontera por donde aparecen los barcos de guerra, como entretenimiento o fuente de comida, como anhelo o paisaje cotidiano, y también como un espejo donde contemplar la belleza. No se conoce de un solo pueblo ni de un siglo que no le haya escrito versos al mar. Esta antología propone tres miradas europeas al mar, tres modulaciones líricas ligeramente distintas decididas a seducir o tomar por asalto nuestra imaginación. La primera de estas tradiciones es la inglesa, en sus poemas se aprecia que el mar rodea por completo la isla, y que todas sus fronteras son líquidas: el mar es tan frecuente que toda clase de asuntos se relacionan con él. Para la tradición francesa, la segunda que aborda el libro, el mar tiene algo de presencia casi espiritual, confrontada a los negocios del día a día. En la tercera tradición, la española, el mar sabe a rebeldía. Las tres secuencias (la inglesa, la francesa y la española) están organizadas cronológicamente. El lector encontrará aquí nombres tan principales como Lorca, Rosalía de Castro o Espronceda, Baudelaire, Hugo o Rimbaud, Keats, Byron o Edgar Allan Poe. Que con todas sus diferencias demuestran que la fascinación por el mar es un lenguaje común.
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Francisco Brines (Oliva, 1932) es un nombre central de nuestra poesía. Miembro de la Generación del 50 y galardonado con el Premio Cervantes 2020, su obra oscila entre el canto al paraíso perdido y la sabia aceptación de los dones terrestres, la melancolía ante elpaso del tiempo y el gozo de la hora presente. Esta antología, preparada por el poeta y crítico Dionisio Cañas, recoge una amplia selección de una obra serenay coherente que parte de una intensa conciencia elegíaca -expresada en Las brasas (1960), su primer libro,en elegantes endecasílabos blancos- para culminar, en El otoño de las rosas (1986) y La última costa (1995), en una escritura grave y sentenciosa, capaz de apresar la belleza del declive y el asentimiento ante la llegada de la muerte. Nacida de la mezcla de intuición y pensamiento, la poesía de Brines se alimenta decontrarios que, justamente por serlo, hacen girar sin descanso los polos de la muerte y la vida, el deseoy el desencanto, la memoria y el olvido, la infanciay la senectud, el esplendor del cuerpo joven y el acabamiento de esa juventud. También aparece la naturaleza -ese Mediterráneo que se extiende desde la Greciadel amor hasta su Valencia natal-, que es el telón de fondo, siempre renovado, del lento ingreso del poeta en la nada. Carlos Barral declaró al publicarse Elotoño de las rosas que su autor era ya 'un clásico'.El tiempo no ha hecho sino confirmar su juicio, abriendo esta poesía a nuevas generaciones de lectores quehan encontrado en ella consuelo y conocimiento.
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Este proyecto nace en Seattle en 2017 de la complicidad entre dos grandes amigos, Paco Díez y Tony Geist, cuando Paco fue profesor invitado de la Facultad de Música de la Universidad de Washington. Más tarde se elaboró en profundidad durante la pandemia, a golpe de videollamadas y con nueve horas de diferencia, dándonos energía, esperanza e ilusión en aquellos tiempos oscuros. A continuación, como todo buen proyecto, ha seguido evolucionando y lo hemos presentado en directo hasta la fecha en escenarios de España, Estados Unidos y México. Doce sones para doce poetas también nace de la complicidad entre la poesía y la música. La poesía lleva la música en su ADN, desde los poemas épicos de la Antigüedad clásica y el Medioevo, hasta el romancero, las décimas puertorriqueñas y el repentismo cubano. El objetivo de esta novedosa propuesta es facilitar el acceso a la poesía escrita en español para su divulgación tanto entre el público hispanohablante como el angloparlante. Hemos reunido doce poemas de doce poetas—seis mujeres y seis hombres— que incluyen poetas españoles, latinoamericanos, hispanos de Estados Unidos y una poeta sefardí que escribe en ladino. Tony los he traducido al inglés y Paco les ha puesto música. Doce sones reúne grabaciones de los poetas vivos recitando sus propios poemas y, en el caso de los poetas muertos, hemos recurrido a amigos que han dado voz a su poesía, intentando respetar el acento de cada uno de aquellos. Esperamos que sea de su agrado.
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Vértigo es un viaje emocional que transforma la vida en una montaña rusa: subidas de esperanza, caídas de dolor y giros inesperados que reflejan la búsqueda de identidad, el peso del desamor, la herida de la soledad y el anhelo de ser visto. Los poemas retratan la fragilidad y la fuerza de una mente que lucha por mantenerse a flote mientras aprende a sanar, amar y volver a empezar. Un retrato íntimo de cómo sobrevivimos a nuestros propios extremos.
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En estas páginas laten diecinueve poemas que nacen del miedo, el anhelo y la despedida de quien fui. Nacen de la herida y de un nuevo amanecer. Nacen de vacíos y de latidos enmascarados. Cada verso es un lugar donde huir del ruido, donde protegerse del frío, donde gritar lo silenciado. Quinientas flores marchitas no son un final, sino un nuevo renacer. Son el testimonio de un cielo que no es el mismo dos noches, de domingos sin abrazos, de ese tren que nunca llega. Es un viaje íntimo por el pulso inagotable del corazón que escribe para no olvidar lo que estuvo vivo. Aquí habita lo perdido, la sal, el mar y la luna. Habita cada cielo que nos permitió ser y sentir. Aquí habita lo que nunca fue, ese impulso paralizado, esa alma incansable que lucha para que cada corazón tenga un espacio seguro donde respirar, escribir, donde bailar y vivir.
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.
