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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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La radical autenticidad de la poeta Alicia Aza, toma forma personal e inimitable en su nuevo poemario, Despertar en la aurora, que supone una celebración de la dignidad de la derrota, del amor que se revela por momentos en su inmensidad compleja y pluriforme y de la necesidad de nombrar para construirse un hogar confortable con las palabras verdaderas, esas que se convierten en un espacio de resistencia incluso en las circunstancias más adversas y en los momentos de mayor oscuridad. Precisamente ahí, cuando todo es noche y tinieblas encadenadas, es el instante preciso en que se produce un prodigio que nos salva porque es luz: el despertar de la aurora. Remedios Sánchez.
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El debut literari d'Irene Solà. Aquests poemes, que van aparèixer per primera vegada el 2012 i van ser guardonats amb el Premi Amadeu Oller, neixen d'una llibertat absoluta. Ens arriben des d'una terra salvatge i imprevista, on la matèria es reorganitza i on el cos es revolta, reflexiona, viu i narra. Irene Solà s'enfronta a l'entorn amb una mirada crua i alhora vivaç, inquieta i vigorosa, que destrueix mentre busca el nou ordre de les coses, i que mai dona res per sabut. Aquests versos irradien una força misteriosa que ens absorbeix de seguida.Bèstia va ser, de fet, el debut literari d'Irene Solà. Entrem, així, amb esbalaïment i cautela, en aquest món familiar i estrany que anticipa, en certa manera, l'imaginari de la seva narrativa, però que sobretot mostra ja una veu personalíssima i radical.La poesía de Irene Solà en Bèstia se siente como una fuerza elemental, una voz que emerge directamente de la tierra y la carne. Cada verso es una sacudida, una imagen cruda y a la vez llena de vida que desafía las percepciones habituales del mundo. No es una lectura para buscar consuelo, sino para sentir el pulso vigoroso de una existencia que se rebela y se redefine a sí misma a través de la palabra. La lectura deja una sensación de extrañeza familiar, como si se hubiera tocado algo ancestral y, al mismo tiempo, radicalmente nuevo.¿A quién va dirigido 'Bèstia'?Este poemario está pensado para lectores que no temen a la palabra visceral y a la experimentación formal. Aquellos que buscan en la poesía una conexión profunda con lo orgánico, lo corporal y lo salvaje encontrarán en estas páginas un refugio y un desafío. Es una obra ideal para quienes aprecian una voz poética sin artificios, que explora los límites del lenguaje para nombrar lo indomable y lo primario. Será especialmente valorado por quienes disfrutan de una literatura que les interpele directamente, ofreciendo una experiencia intensa y transformadora.Temas que trataLa obra explora la relación indisoluble entre el cuerpo y el entorno, presentándolo como un territorio de revuelta, deseo y autoconocimiento. La naturaleza es otro pilar fundamental, mostrada no como un paisaje pasivo, sino como una entidad viva, a veces violenta y siempre impredecible, que dialoga con la voz poética. Finalmente, un tema central es la propia capacidad del lenguaje para destruir y reconstruir la realidad, buscando un nuevo orden para las cosas a través de una expresión radicalmente libre que se enfrenta a lo establecido.
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'Así viene, Así se va'' es una invitación a sumergirse hasta las trancas en el error.Su Ramos nos presenta un itinerario de deseos y verdades que acarician como bichitos o duelen como una ''mala puñalá'', donde la ingenuidad no es debilidad, sino la única forma valiente de estar viva.Es la crónica de un cuerpo que prefiere estrellarse con elegancia antes que ver la vida pasar desde la orilla. Un mapa de cicatrices hermosas para quienes saben que, tras el impacto, siempre habrá una nueva piedra reluciente que justifique el próximo tropiezo.Deja la ropa en la orilla y entra. ¿Te atreves a caer?
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La soleá, esa forma breve que condensa el sentir en tres versos, revela a los buenos cantaores que miden su talento lidiando con este estilo, y también puede manifestarnos a los poetas que, como la copla popular, están capacitados para condensar siglos de filosofía en sus acotados tres versos. La modernidad de su voz poética no es óbice para inscribirse en la genealogía de aquellos genios del verso que hundieron sus raíces en el caudal del pueblo: Machado, Lorca, y todos aquellos que entendieron que el cante no es solo una expresión estética, sino una forma de pensamiento.
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'Dice Michel que cada poema de este libro no tiene relación con el anterior ni con el siguiente. Creo quese equivoca. Existe un punto en común que ùcomo el frío al llegar eneroù se hace cada vez más evidente: el amor. Porque 'es más difícil quitarse los miedos que la ropa', pero irán cayendo por su propio peso página tras página porque en este libro sólo hay amor. También del propio. Sobre todo del propio. Y menos malö.María Vera
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Poeta exigente, de obra decantada, que con sólo tres títulos se ha situado entre las voces imprescindibles de la literatura española, Antonio Cabrera ofrece en su poesía meditativa un reto intelectual y un refugio de expresión segura. Piedras al agua, su nuevo poemario, lo confirma como un autor primordial. Estructurado en tres movimientos que son también tres modulaciones de voz y tres bloques temáticos, el libro agrupa, en la primera parte, poemas que enfocan el paisaje, la realidad externa, con voluntad de constatar su triunfo. Les siguen una serie de composiciones que traen el dolor y la evocación, la memoria y los afectos hacia seres próximos, así como una suerte de análisis lírico del espacio doméstico. Y culmina, en la tercera sección, con una vuelta a exteriores, una mirada hacia lo externo con presencia, más clara esta vez, del sentimiento. Tres movimientos concertados a lo largo de los cuales el sujeto poético, y también el lector, descubren un reflejo, un diálogo entre emoción y reflexión, una prolongación y un enriquecimiento de quien contempla y piensa. Sin abandonar la precisión ni la racionalidad sensual, tan propias, los poemas de Antonio Cabrera acaso ponen ahora más contenido humano junto al mundo, mayor subrayado para la dialéctica entre escenario e identidad. Y crean ondas de hondura, iguales a esos círculos concéntricos que se generan sobre la superficie del agua en cuanto se le arrojan piedras que irán al fondo.
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El gran peligro del poema en prosa suele ser que: o se inclina mucho por el lirismo del lenguaje hasta hacerse ininteligible y hermético o carga el peso sobre la narratividad y deja de ser poema para convertirse sólo en descripción. Ninguna de ambas cosas sucede en Diario de un recluso. El poeta consigue un extraño y difícil equilibrio. La sabiduría con que dosifica esa mezcla de géneros literarios: el lirismo poético de las imágenes, la aproximación culta, sin excesos culturalistas y la concepción del poema como piezas narrativas de pequeñas historias cerradas, consiguen un libro de gran fuerza poética, que ofrece además una doble lectura, de los poemas individualizados y del libro como conjunto, además de varios niveles semánticos de significación, en función de que se conozcan o no las sutilezas de los referentes.Amalia Iglesias Serna
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Quererte como vicio es un poemario que recoge poemas escritos con urgencia durante el primer amor de la autora. Carlotta Boulay no intenta contar una historia, sino que reúne los restos para redescubrirse con lo que vivió en ese momento, en el que el corazón arde, el cuerpo descubre, la emoción desborda y la palabra intenta testaruda hacer frente a lo inefable. Muchos textos quedaron atrás, incompletos, descartados, olvidados, pero aquí algunos resistieron al paso del tiempo sin convertirse en nostalgia, y son memoria que ya no duele.
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Cuando se analiza la obra de Federico García Lorca, a menudo se olvida el peso clave que para su configuración tiene la realidad campesina. Lorca, hijo de un labrador rico, estuvo en contacto con el campo ya desde niño. Como afirma el poeta, 'cuando yo era niño vivía en un pueblecito muy callado y oloroso de la vega de Granada. Todo lo que en él ocurría y todos sus sentires pasan hoy por mí. [...] En ese pueblo tuve mi primer ensueño de lejanías. En ese pueblo yo seré tierra y flores...'. Siempre que podía, Lorca se retiraba en medio de la vega, en las casas familiares de Asquerosa, 'uno de los pueblos más lindos de la vega por lo blanco y la serenidad de sus habitantes' y de la Huerta de San Vicente, 'hay tantos jazmines en el jardín y tantas 'damas de noche' que por la madrugada nos da a todos en casa un dolor lírico de cabeza, tan maravilloso como sufre el agua detenida'. La presente antología pone de relieve lo mucho que la obra de Lorca debe al campo y a la vega de Granada en particular, a través de prosas, poemas, fragmentos de obras teatrales, cartas y la espléndida 'Alocución al pueblo de Fuente Vaqueros', donde el poeta nació el 5 de junio de 1898. Como afirma García Montero en su prólogo, lo decisivo es indagar en el proceso que convierte la biografía en literatura. 'La biografía sirve de fondo de verdad para elaboraciones literarias y la literatura permite reconocer el significado de la vida. Esta tensión entre la vida y la poesía, fundamental en la lírica contemporánea, adquiere en García Lorca el peso de los habitantes de la naturaleza. El niño campesino, los caballos, las hormigas, el caracol, los juncos, el sapo, el pájaro muerto, la mariposa y, después, el veneno o el maleficio de la poesía.'
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¿Y si volar fuera la forma más pura de ser? En este poemario valiente y luminoso, Sonia del Campo convierte el acto de volar en una poderosa metáfora vital. Versos de aire es un viaje poético dividido en etapas —briefing, ascenso, turbulencias, aterrizaje—, donde cada poema es una maniobra en el cielo íntimo de la autora. Con una voz clara, libre y profundamente desnuda, la autora explora la soledad, el amor, el desarraigo, la identidad y la reconstrucción desde la altura, el vértigo y la belleza de lo inestable. Este libro no solo se lee: se eleva. Porque hay versos que no pisan tierra, que sobrevuelan las emociones y nos recuerdan que también somos éter, y alas, y latido. Nos recuerdan que, a ras de sueño, siempre está, sostenida, la esperanza. Por encima de toda nube negra. Más allá de huracanes y tornados.
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La vida del poeta simbolista y decadente Paul Verlaine llegó, en ocasiones, a la más extrema miseria material y moral. Se inició en el parnasianismo y se lo clasificó entre los “poetas malditos”, aunque en realidad fue un escritor sincero que obedecía a la plenitud de cada momento. La musicalidad de sus versos permitió a la lengua francesa alcanzar las fuentes más puras de su poesía.Paul Verlaine nació el 30 de marzo de 1844 en Metz y murió el 8 de enero de 1896, en París, menos de un mes después de haber escrito el que sería su último gran poema: “¡Muerte!”. Losada, en 2005, publicó tres obras en prosa de Verlaine: Mis hospitales, Crónicas del hospital y Mis prisiones, traducidas por Guillermo de Torre.
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La niña del sol es un libro en el que niños y niñas pueden recrearse con personajes y lugares fantásticos que habitan en sus sueños y que, en estos poemas, se vuelven visibles ante sus ojos. Los espacios cotidianos cobran vida a través de seres animados: animales y paisajes que narran historias llenas de magia e ilusión, alentándolos a no dejar nunca de soñar ni de mirar esas otras imágenes que los adultos ya no sienten ni perciben. Así surgen escenarios llenos de atractivo y misterio, que invitan a seguir disfrutando de la niñez y de esos años maravillosos que siempre recordamos como una etapa única e irrepetible.
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Con un lenguaje ameno, muy pensado, con esa frescuratan característica de su obra, capaz de tocar la vida cotidiana con el idioma y a la vez trascenderla ensu esencia poética, el autor nos traslada a un mundofascinante de personajes y situaciones, todas cruciales, que se resuelven con una ceniza maestra. Un libro único, con el que Alfonso Salazar consolida su espacio en la narrativa actual española.
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Aleix Cort (Reus) ha tocat tota mena de mons i d’interessos i tota mena de gèneres en la seva àmplia bibliografia i extens univers creatiu. L’han fet poeta els llibres: És de nit que comença el dia, Textos y fotografies: Aleix Cort-Cori Pedrola (Arola Editors, 2000), Arrel de Boig (Edicions de la Guerra, 1993) i «Vora la Ciutat dels Àngels» dintre Neoprojeccions, amb Rosa Pagès (Escornalbou, 1988).Jordi Vintró (Barcelona), és autor del llibre de narracions Eugeni i altres (1986) i dels poemaris Cançons per a en Jaume (1985) i Ludwig (1992), així com d’un dels llibres essencials de la poesia catalana actual, Insuficiència mitral (Lumen, 1997), seguit de Cartes de sotamà (LaBreu Injeccions, 2006) i de La bassa de les oques (LaBreu Perdicions, 2010). També és autor de la genial traducció i edició de les Noves impressions d’Àfrica de Raymond Roussel (LaBreu Prediccions, 2014).Cort desafia Vintró a un any epistolar en què el primer vers, aquell que prové de la inspiració i a partir del qual es genera el poema, és a dir, aquell que dicten els déus, passarà a ser inspirat per la carta-poema anterior. Heus ací que la poesia, aquest llenguatge que utilitza el poeta per transmetre a l’humil humà el missatge gestual dels déus, renuncia a l’origen diví i esdevé laica. Heus ací un diàleg, un debat poètic, un joc que ens parla de la condició humana a través de traves i enginyosos revolts retòrics, una pas enllà del gènere epistolar de la mà de dos genis que van més enllà del gènere poètic.
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Queridos lectores y lectoras, os abro la puerta a un mundo de poesía basada íntegramente en la inspiración de su creadora. Una inspiración no estudiada ni programada, sino nacida de la pura musa poética, que susurró a los sentidos ávidos de creación de la autora y quedó plasmada por su mano en estos versos, que brotan de las raíces del amor como abanderado del resto de nuestros sentimientos. Una poesía amena y nada artificial, surgida de la observación y del sostén de la vida en las manos desnudas, que quiere llegar a vuestro corazón y remover lo mejor de vuestra humanidad. Espero que disfrutéis del camino y, cuando avancéis en su lectura, que vuestro cuerpo y alma se unan y se conviertan en un remanso de goce espiritual. Un puente entre la carne y el espíritu, un plexo de aire y sentimiento que se hace líquido de ser. Una comunión del pensamiento, los recuerdos y el fluido misterioso del amanecer de cada día dentro de nosotros. Sin más dilación, os dejo paso al crecimiento de una aprendiz de poeta.
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Un poeta que traduce a la muerte, un poeta que sobrevive a sí mismo. Hay libros que se leen y otros que se sienten. El Traductor de la Muerte es ambos. El poemario no es solo un conjunto de poemas, sino un testimonio desgarrador de la depresión, un dolor convertido en palabras. Los pensamientos mortales que invadieron a Arnau Burgada R. han sido traducidos en poesía, transformados en versos que hieren y cicatrizan a la vez. Con brutalidad y crudeza, sus poemas invitan al lector a experimentar en primera persona la melancolía que el autor enfrentó… y consiguió superar.
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Cuando dos corazones se traban en la adolescencia se crea una relación difícilmente borrable. De eso trata este ramillete de poemas, contado cincuenta y tantos años después. Es también un intento por recuperar la luz y el brillo de la adolescencia y, al mismo tiempo, contradecir la canción de Violeta Parra, Volver a los diecisiete. Su canción es la exaltación de esa edad, este poemario describe un camino diferente.
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Lágrimas Inútiles, Sonrisas Vacías es el primer volumen de una colección poética que explora los laberintos de los dilemas amorosos, el tránsito del vacío a la plenitud, las verdades ocultas en los márgenes de la vida, la sinceridad del amor y el esfuerzo invertido en su búsqueda. Entre sus páginas, encontrarás versos que se sumergen en la profundidad de las emociones humanas, revelando la fragilidad y la fortaleza del corazón. Un viaje lírico que te invita a reflexionar sobre la naturaleza del amor, la soledad y la esperanza.
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El nou poemari de Miquel Sbert és un llibre que, des de la primera pàgina, reclama una atenció específica. No tant per la seva forma -que defuig expressament qualsevol cànon poètic- com per una actitud literària que s'erigeix amb voluntat de singularitat i provocació: una manera de dir les coses a la brava, a la valenta, sense filtres ni concessions. És un recull insòlit, quasi sempre incòmode, capaç de provocar un somriure vinagrós o una ganyota forçada [...] Aquest és un llibre que no, no vol agradar, s'estima més dir, i dir amb la folla eufòria de la llibertat i de la clarividència més negra. Tampoc no vol suavitzar unes veritats cada cop més espantoses. Vol, en efecte, incomodar, no només per la mala llet que gasta, sinó també per aquesta esperança que implica tal voluntat: potser si es diuen les coses de manera clara, i contundent, les ments s'obriran i hi començaran a haver canvis que transformin aquest món. (Del pròleg de Jaume C. Pons Alorda)
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Con un verso sencillo -libre en la primera parte, con metro y rima en la segunda- el autor nos invita al goce estético y, a un tiempo, a la reflexión profunda, con poemas de presencia y de ausencia, de lógica y de intuición, buscando sentido y no solo felicidad. Transcendiendo más allá de la realidad física que parece imponerse en su inmediatez: «Aprecié, de los ojos, el color, gusto ahora, de miradas, el calor.
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El vent farà dissabte celebra la feminitat, i desafia i explora els orígens de la Màtria a través de la figura de Lilith: mite, primera dona, primera Mare. Aquests poemes, com conjurs, invoquen la presència de la deessa i la seva veu es rebel·la incendiària i reconfortant, cantant i bategant a cor obert amb els versos de 28 veus més, creant una harmonia poètica explosiva.La simbologia, el llenguatge poètic, la imatge, la metàfora i els recursos plàstics hi són molt presents fet que afegeix contundència al contingut però amb una plasmació formal d’enorme bellesa. Aquest és un dels molts aspectes remarcats pel jurat, format per Carla Fajardo, Laia Noguera i Queralt Morros.Sigui a través dels versos o de les referències, a El vent farà dissabte s’hi reconeixen de manera transversal una reivindicació de la naturalitat, de l’autenticitat. Afegeix una reflexió molt necessària sobre el bé i el mal, allò acceptable i allò inacceptable, la pròpia veritat i l’estigma social, la necessitat de pertinença. La pressió sobre allò que s’espera de nosaltres i com ens pot portar dolorosament a representar durant tota la nostra vida un personatge que no som.
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Si todo autorretrato tiene algo de rememoranza y algo de ajuste de cuentas, Kepa Murua recurre a este formato con 'la intención de recordar lo que se vivió de lleno en cada una de las fechas' y también para hallar 'la verdad de cada instante' hasta acabar reconciliado consigo mismo y en paz. En 'Autorretratos', el primero de los cuales se remonta a los años 90, Murua recuerda si tenía o no trabajo, si tenía o no dinero, si pasaba hambre o la vida le iba más o menos bien para acabar en un presente en el que descubre 'un hombre que ha sabido controlar su vanidad y que, después de haberse apartado de las ambiciones mal dirigidas, durante tiempo se ha ido dibujando con palabras, tal como corresponde a un poeta'.
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En este libro, las nubes se convierten en un espacio imaginario de reflexión poética, al que el poeta le atribuye la entidad de súper alma. En ese espacio se atesora todo aquello que tantas veces es difícil reconocer en la vida cotidiana. Un lugar protegido donde se refugian sin ser juzgadas todas las emociones, desde la infancia. También en las nubes tiene cabida la reflexión de algunos acontecimientos que estamos viviendo, pinceladas de consciencia, que no nos permiten escaparnos. Finalmente, se atisba un intento de trascendencia espiritual donde se vislumbra la compleja presencia de una categoría superior, a la que el poeta no termina de desafiar. En ese lugar imaginado, las nubes, la palabra adquiere la capacidad creadora de volver a designarlo todo, reordenando el discurso que emana de los sentimientos y las ideas más profundamente guardadas.
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Una vida bohèmia força enrevessada en amors, la dificultosa conjuntura de l' exili, la pèrdua d' amics i familiars, i, principalment, la mort per tuberculosi del seu únic fill quan només tenia vint-i-vuit anys, contrasten amb el poder il limita
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Dos artistes encarats en un replec temporal, Francis Picabia i Benet Rossell, reviuen la figura de la poeta Berta Epstein. Berta, tractada com a personatge de ficció en la segona novel·la de Joan Vigó (Vides potser, LaBreu, 2021), va ser una poeta avantguardista desapareguda misteriosament a París l’any 1923 quan només tenia només vint-i-quatre anys. Picabia i Rossell, cartògrafs sentimentals, flâneurs de la vida moderna i afectats per la bohèmia, honoren la presència magnètica de Berta Epstein. Les platges del clatell explica no només la biografia d’Epstein, sinó també la peripècia de la descoberta dels únics poemes que se’n conserven, presents en aquest volum en forma de poemari insert. Una investigació singular plena de connexions inversemblants i de casualitats inesperades. Un joc de miralls on l’art i la vida s’enllacen en un collage que batega més enllà d’èpoques i distàncies. Vigó ressuscita misteris i encadena episodis viscuts, quasi èpics: un cant a la vida.
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Ángel Guinda (Zaragoza, 1948 - Madrid, 2022) fue autor de una obra lírica heredera de la mejor tradición de la poesía española, pero construida con un lenguaje renovador, por lo que ha sido calificado como un raro de los Novísimos. Premio de las Letras Aragonesas en 2010 y finalista del Nacional de la Crítica o del Nacional de Poesía, ha sido traducido al inglés, francés, italiano y portugués, entre otros idiomas. Considerado un poeta indómito y vital, un desencajado de su generación, Ángel Guinda carbonizó su propia existencia hasta legar un estremecedor testimonio de la condición humana. A través de sus cincuenta años de poesía, Me he fumado la vida reúne la combustión, el humo y la ceniza de sus mejores versos, editados por primera vez en la versión que aceptó poco antes de encontrar la misma muerte que, escribiendo con intensidad, trató de descifrar: «Me he fumado la vida / como el tiempo se me ha fumado a mí / cuando huía de mi sombra, / y mi vida hecha polvo, / y el polvo que seré / bajo el árbol secreto de la muerte».
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Alejandro Ruiz de la Puente (Madrid, 2000) es graduado en Español: lengua y literatura por la Universidad Complutense de Madrid. Con su primer poemario, La zona luminosa, ganó el XXVI Premio de Poesía Joven Antonio Carvajal y resultó finalista en el III Premio Nacional de Poesía Ciudad de Churriana al mejor libro de poesía publicado en España en 2023. Oscura rata es su segundo poemario, ganador de la VII edición del premio de Poesía Joven Tino Barriuso. En su deliberación, el jurado ha valorado una creación “audaz en la precoz maestría poética con la que renueva la mejor tradición para inscribirla en la modernidad” y ha destacado del autor su “sorprendente madurez al tratar temas tan delicados y terribles con un sabio distanciamiento y excelente rigor formal que no excluye el humor negro”.
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Aquest volum aplega els tres poemaris més representatius del poeta de Sarrià: Sol, i de dol, que congrega els gran temes de la poesia de Foix, Les irreals omegues, poemari riquíssim, i Onze Nadals i un Cap d?Any, un seguit de poemes que J.V. Foix va dedicar als seus amics des des del Nadal de 1948 fins al de 1958, i el cap d?any de 1960.
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l’apòstrof de l’estima naix de la passió d’ajuntar paraules i sons, colors i textures, formes i estructures, significats i significants, objectes i subjectes, remembrances i avenirs, realitats i somnis. Tercer poemari del músic, escriptor i editor valencià Josep Lluís Galiana, tots ells publicats sota el segell EdictOràlia, l’autor torna, de nou, als seus orígens, a la infantesa, a jugar amb tots els objectes i materials al seu abast. Les imatges i les significacions van brollant a mesura que les paraules es van succeint, descobrint-se i amuntegant-se, formant o no certes estructures de valor morfològic i/o sentit expressiu, però, sobretot, deixant que el lector participe espontàniament d’aquest procés creatiu que sembla etern com el batec del món. Desglossat en tres seccions, l’apòstrof de l’estima és «un fascinant “calaix de sastre”, afirma el filòleg Josep Lluís Espert, una variada i rica miscel·lània de motius, gèneres, tècniques i estils que reuneix totes les virtuts de l’eclecticisme. Aquesta promiscuïtat temàtica i formal és un dels seus atractius. L’altre seria el to general que l’imprimeix la personalitat apassionada i reflexiva, compromesa i hedonista, experimental i clàssica, versàtil i constant, torrencial i metòdica de l’autor –tot plegat i alhora–, més que termes contraposats, complementaris i indissociables.
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Desde el principio de los tiempos el mar ha fascinado al ser humano ya fuese como promesa de aventura, puerto de llegada o de huída, frontera por donde aparecen los barcos de guerra, como entretenimiento o fuente de comida, como anhelo o paisaje cotidiano, y también como un espejo donde contemplar la belleza. No se conoce de un solo pueblo ni de un siglo que no le haya escrito versos al mar. Esta antología propone tres miradas europeas al mar, tres modulaciones líricas ligeramente distintas decididas a seducir o tomar por asalto nuestra imaginación. La primera de estas tradiciones es la inglesa, en sus poemas se aprecia que el mar rodea por completo la isla, y que todas sus fronteras son líquidas: el mar es tan frecuente que toda clase de asuntos se relacionan con él. Para la tradición francesa, la segunda que aborda el libro, el mar tiene algo de presencia casi espiritual, confrontada a los negocios del día a día. En la tercera tradición, la española, el mar sabe a rebeldía. Las tres secuencias (la inglesa, la francesa y la española) están organizadas cronológicamente. El lector encontrará aquí nombres tan principales como Lorca, Rosalía de Castro o Espronceda, Baudelaire, Hugo o Rimbaud, Keats, Byron o Edgar Allan Poe. Que con todas sus diferencias demuestran que la fascinación por el mar es un lenguaje común.
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Francisco Brines (Oliva, 1932) es un nombre central de nuestra poesía. Miembro de la Generación del 50 y galardonado con el Premio Cervantes 2020, su obra oscila entre el canto al paraíso perdido y la sabia aceptación de los dones terrestres, la melancolía ante elpaso del tiempo y el gozo de la hora presente. Esta antología, preparada por el poeta y crítico Dionisio Cañas, recoge una amplia selección de una obra serenay coherente que parte de una intensa conciencia elegíaca -expresada en Las brasas (1960), su primer libro,en elegantes endecasílabos blancos- para culminar, en El otoño de las rosas (1986) y La última costa (1995), en una escritura grave y sentenciosa, capaz de apresar la belleza del declive y el asentimiento ante la llegada de la muerte. Nacida de la mezcla de intuición y pensamiento, la poesía de Brines se alimenta decontrarios que, justamente por serlo, hacen girar sin descanso los polos de la muerte y la vida, el deseoy el desencanto, la memoria y el olvido, la infanciay la senectud, el esplendor del cuerpo joven y el acabamiento de esa juventud. También aparece la naturaleza -ese Mediterráneo que se extiende desde la Greciadel amor hasta su Valencia natal-, que es el telón de fondo, siempre renovado, del lento ingreso del poeta en la nada. Carlos Barral declaró al publicarse Elotoño de las rosas que su autor era ya 'un clásico'.El tiempo no ha hecho sino confirmar su juicio, abriendo esta poesía a nuevas generaciones de lectores quehan encontrado en ella consuelo y conocimiento.
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En Metanoia no hay seres malos y buenos. Hay almas atormentadas y no atormentadas. Hay almas dañadas y almas sanadas. No existe nada en el mundo que pueda explicar la definición del amor, solo hay gente pura, que pase lo que pase seguirán siendo niños en el arte del querer, pese al dolor. Y eso, eso es lo que define la gente que quiere vivir de verdad, y la gente que estuvo dispuesta a morir ayer.
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Este proyecto nace en Seattle en 2017 de la complicidad entre dos grandes amigos, Paco Díez y Tony Geist, cuando Paco fue profesor invitado de la Facultad de Música de la Universidad de Washington. Más tarde se elaboró en profundidad durante la pandemia, a golpe de videollamadas y con nueve horas de diferencia, dándonos energía, esperanza e ilusión en aquellos tiempos oscuros. A continuación, como todo buen proyecto, ha seguido evolucionando y lo hemos presentado en directo hasta la fecha en escenarios de España, Estados Unidos y México. Doce sones para doce poetas también nace de la complicidad entre la poesía y la música. La poesía lleva la música en su ADN, desde los poemas épicos de la Antigüedad clásica y el Medioevo, hasta el romancero, las décimas puertorriqueñas y el repentismo cubano. El objetivo de esta novedosa propuesta es facilitar el acceso a la poesía escrita en español para su divulgación tanto entre el público hispanohablante como el angloparlante. Hemos reunido doce poemas de doce poetas—seis mujeres y seis hombres— que incluyen poetas españoles, latinoamericanos, hispanos de Estados Unidos y una poeta sefardí que escribe en ladino. Tony los he traducido al inglés y Paco les ha puesto música. Doce sones reúne grabaciones de los poetas vivos recitando sus propios poemas y, en el caso de los poetas muertos, hemos recurrido a amigos que han dado voz a su poesía, intentando respetar el acento de cada uno de aquellos. Esperamos que sea de su agrado.
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En este libro de Gloria Fuertes, podrás leer versos de todo tipo sobre jardines, jardineros, flores, árboles y hasta de un coro de pájaros que cantan sobre las ramas de un bello árbol.
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Tras largo tiempo haciéndose esperar, ve la luz este poemario de Borja Álava, parte del cual ya conocíamos, en cuidadas publicaciones artesanales, sus allegados más próximos. Quienes conocemos al autor y su trayectoria poética no podemos por menos que alegrarnos de que llegue por fin a editarse, aun sabiendo de las dudas y del vértigo que siempre supone mostrarse al mundo lector por primera vez con una obra enteramente personal. Y es así, bajo el título genérico, Haikus & Senryus, como Borja nos muestra todo un mundo de descripciones y de vivencias, concentradas en la austeridad de esas estrofas de origen japonés, compuestas por tres versos de cinco, siete y cinco sílabas. Cada estrofa actúa al modo de un fogonazo que nos desvela con su luz breve, pero poderosa, a veces críptica, a veces esclarecedora, cuanto el poeta ve e interpreta en la Naturaleza (haiku) o vive en el universo de sus emociones (senryu). La concisión intrínseca que la estrofa requiere no permite la posible vestimenta de los versículos, quedando expuesta a la patente desnudez del mensaje. De este modo, la contenida lírica de los haikus se entremezcla con las vivencias de los senryus, con sus tonos no exentos de ironía, humor negro y contenidos de tipo social o filosófico. Una alternancia con la que el poeta juega deliberadamente con el fin de que los lectores cambien del mundo exterior al interior sin obsesiones. Bienvenida sea esta obra, que pone fin a una minuciosa, y casi obsesiva, selección, entre la amplísima producción de este modelo estrófico al que tantos momentos ha dedicado el autor. José Javier Alfaro
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.
