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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Única obra dramática del poeta, en forma de auto navideño en torno al nacimiento de Cristo. El desarrollo tiene lugar en Galilea, Belén, Nabatea y Egipto, con dos ángeles intérpretes que señalan, predicen o exaltan lo que va a ocurrir o está sucediendo. Fue estrenada en 1962 y obtuvo el premio Calderón de la Barca. El texto hace evocar el mejor teatro de Lope de Vega. La crítica ha dicho: «Nueva edición de la única obra dramática del poeta, en forma de auto navideño en torno al nacimiento de Cristo» Revista, OMNES.
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El bosque mágico es el espacio escogido por varios enamorados para buscar refugio y libertad. Pero una noche de verano aparece Puck, el duende malicioso, provisto de un poderoso filtro de amor con el que jugarà a confundir a los amantes creando equívocos muy divertidos.
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Tres anys després de l'èxit d'Els dies bons, la història de Xavier, Martina i Ariadna torna en forma d'obra teatral. Amb una estructura dramatúrgica única, les històries d'aquests tres personatges es despleguen simultàniament, oferint una visió global del que ha sigut la seua vida. Una vida en què les conseqüències de la droga són més que un teló de fons, es converteixen en fil conductor que trenca i desafia els llaços familiars.
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El arquetipo de Don Juan, entroncado con la tradición literaria del Siglo de Oro español, se convirtió durante el siglo XIX en uno de los personajes favoritos del romanticismo europeo. Estrenado en 1844, el drama de José Zorrilla (1817-1893) incorporó def
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La fam, de Joan Oliver, es va estrenar al Teatre Català de la Comèdia (avui Poliorama) el 15 de juny de 1938. L?obra, escrita i publicada aquell mateix any, s?inspira en el procés revolucionari viscut a partir del 19 de juliol de 1936.á
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Los mejores libros jamás escritos. «Tú vivirás -mi pluma es garantía-en tanto haya una boca que respira.»Soneto LXXXI El mayor dramaturgo de todos los tiemposfue también un extraordinario poeta, y como tal ya habría pasado a la posteridad. La fluidez que muestra al enlazar versos sobre el escenario encuentra su vertiente más íntima en la lírica. Las cuestiones inherentes a la condición humana son perfiladas por un Shakespeare que, sin ocultarse detrás de personajes ficcionales, descubre sus más profundas inquietudes sobre el amor, la muerte, la pervivencia y el inexorable paso del tiempo. Poesías es el último volumen de una colección de cinco que reúne la obra completa de Shakespeare. Aquí se incluyen Venus y Adonis, La violación de Lucrecia, los Sonetos, Lamento de una amante y El fénix y el tórtolo. Esta edición bilingüe, a cargo de Andreu Jaume, quien firma también la introducción, presenta las mejores traducciones contemporáneas, respectando el verso original. Un festín para los amantes de las buenas letras.
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«Maslowska no perdona a nadie. En sus textos no hay buenos, todos se llevan, como diríamos hoy, un buen zasca. Esta perspectiva dificulta mucho la representación teatral, porque el teatro tiende a buscar el bien,a moralizar, a señalar a los villanos por ser villanos. Pero no se trata de eso. Todos somos culpables, todos hemos transgredido las normas de la decencia. Todos tenemos las manos manchadas de sangre de la humanidad, que se ha convertido en una manada de bestias.Tampoco se trata del poshumanismo, sino de la pérdidade los sentimientos nobles. Las obras de Masłowska son divertidas, pero al ver lo que esconden, se nos ponen los pelos de punta». Piotr Gruszczyński
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El mercader de Venecia y Como gustéis pertenecen al grupo de las llamadas «comedias románticas» de William Shakespeare. En ellas, con el amor como motor principal de la acción, los protagonistas alcanzan la solución feliz en un mundo alternativo de fantas
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Considerado un drama de honor, El médico de su honra describe los tratosde doña Mencía, esposa de don Gutierre, y don Enrique de Trastámara,hermano de Pedro I de Castilla. Aunque doña Mencía no llega a cometeradulterio, don Gutierre advierte sus amoríos y, celoso de dichos tratosde su honor, busca un cirujano que desangre a su esposa, supuestamenteenferma.Inquietante y perturbador, El médico de su honra, uno de los dramas másconocidos de Calderón de la Barca, se estrenó en Madrid en 1635. Desdeentonces y hasta ahora, como demuestra esta amena y cuidada edición deD.W. Cruickshank, sigue manteniendo en vilo a cualquiera que se adentreen él.
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En Deesses per nassos, Demèter i Persèfone decideixen desobeir la imposició per la qual mare i filla s'han de separar cada tardor. Persèfone no tornarà als inferns i les dues deesses s'amagaran de la policia de l'Olimp entre els humans i aterraran en distintes èpoques i distintes cultures. Amb els ingredients i l'esperit desimbolt propis de la comèdia, es va perfilant en l'obra una revisió de la història de la humanitat i dels seus valors.
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Hasta hace muy poco tiempo, los estudios sobre la vida de María Rosa de Gálvez (¿1768?-1806) se reducían a unos pocos datos, siempre repetidos, algunas maliciosas suposiciones y no pocas habladurías. A principios del siglo XX, algunas aportaciones abrieron nuevas perspectivas sobre su figura, pero ha habido que esperar hasta el XXI para que estudios detallados y en profundidad descubrieran tras ella una fascinante personalidad. Autora de una obra cuya cuidada edición en la Imprenta Real requirió de tres tomos, representa una figura destacada entre las escritoras en lengua castellana, en especial por la riqueza y calidad de sus tragedias, que dedicó a menudo a personajes femeninos, tal y como lo prueban las tres que se recogen en este volumen: ''Safo'', ''Blanca de Rossi'' y ''Zinda''.
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La vida dels habitants d'un petit poble d'interior mallorquí, Galilea, es veu profundament trastocada quan la Laia, de nou anys, diu que ha respost la telefonada (literal) de Déu a la cabina del poble. Una cabina que està a punt de ser retirada de circulació. La Laia defensa que Déu li ha dit que tornarà a telefonar d'aquí set dies. Qui agafarà el telèfon quan torni a cridar-los? Es convertirà el poble en un destí atractiu amb el possible miracle? O és la salvació del poble el miracle en si? I, sobretot, per què els ha telefonat Déu?
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Fedra es la tragedia del amor prohibido. La de una mujer en cuyo corazón crece, invencible, una pasión castigada por el cielo y por los hombres. Le horroriza lo que siente hacia su amado, pero ya no es dueña de sí, es un animal enloquecido. Ha elegido morir por apartarse de su hijastro, pero lo ve en todas partes, en cada sombra ve la imagen de un hombre al que no puede nombrar.Hécuba es la tragedia de la venganza. La de una anciana que nació en un palacio, esposa de un rey y madre de hombres llamados a ser reyes, y que hoy solo espera ser arrastrada como esclava hacia tierra extranjera. Pero precisamente cuando es más débil, se levanta fortísima y devuelve un golpe tan brutal como el que ella recibió, erigiéndose en acusador, juez y verdugo.«Dos mujeres dolientes que sienten, sufren y toman las riendas de su destino, que laten llenas de vida. El perfecto equilibrio entre ternura y desgarro. Eros y Tánatos». Antonio López Fonseca
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva ante todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió lacompañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este séptimo volumen dela serie que recoge su «Teatro completo» incluye dospiezas escritas entre 1938 y 1939: '' Vida de Galileo '' y '' Madre Coraje y sus hijos '' . Traducción de Miguel Sáenz
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En No n'eren deu? (1960) tot no està en la curació miraculosa que Jesús fa dels leprosos. Tot no està en les diferents històries que aquest fet connecta i revela. Captiva, a més, la vida, palpitant i quotidiana alhora, de l'abans i del després del prodigi, amb gratituds i ingratituds totalment actuals, per damunt dels anys en què s'inspiren (època evangèlica) o s'escriuen (1960) i tan eternament humanes i teatrals com la trama que reflecteixen.
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La vida es sueño es la más importante comedia filosófica de Calderón y la que mayor repercusión ha tenido dentro y fuera de nuestro país. Su título es una metáfora que identifica los valores y las apariencias de la vida humana con un sueño, por su brevedad y por lo que tienen de ilusión frente a la realidad. Si lo que llamamos vida es un sueño, Calderón recomienda prestar más atención a la verdadera vida, la eterna, a la que se accede siguiendo los designios de la Providencia mediante la gracia divina. De ahí la invitación a actuar cristianamente y con prudencia, porque no se pierde el hacer bien, ni aún en sueños y cada uno es responsable de su comportamiento. (Edición de Lourdes Yagüe Olmos)
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Lluís Pasqual i Joan Yago van convidar onze dramaturgs catalans a compondre cadascú una peça breu sobre els fets relatius al referèndum d'autodeterminació de Catalunya de l'1 d'octubre del 2017, basats en tres principis: deu minuts de duració, cap escenografia i implicació de fins a tres actors. El projecte, en què van participar Esteve Soler, Victòria Szpunberg, Marc Artigau, Marta Galán, Guillem Clua, Lali Álvarez, Llàtzer Garcia, Cristina Clemente, Clàudia Cedó, Helena Tornero i Sergi Belbel, reafirma el paper social del teatre i renova el model del teatre d'urgència, capaç d'enregistrar la història i la realitat immediata i sensibilitzar el públic. Tanmateix, la iniciativa i els seus resultats transcendeixen el context en què s'han concebut i es projecten en una dimensió global, perquè reflecteixen principis socials, humanitaris i polítics universals.
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El presente volumen reúne dos obras maestras de Lope de Vega, El perro del hortelano y La dama boba. Edición de Ismael López Martín profesor de literatura y doctor en Estudios Filológicos y Lingüísticos por la Universidad de Extremadura. Lope Félix de Vega Carpio es uno de los dramaturgos más celebrados de la literatura universal. En España renovó la forma de hacer teatro a finales del siglo XVI y principios del XVII, creando una comedia nueva que cosechó los éxitos del público y del lector y sentó las bases del drama contemporáneo. La dama boba y El perro del hortelano son dos comedias de 1613 que pertenecen a lo que ha venido en llamarse «comedia urbana». Se trata de dos de las obras más conocidas del Fénix de los Ingenios, en las que se analiza el tema de amor, el del honor y el de las relaciones paternofiliales.La presente edición está a cargo de Ismael López Martín, profesor en el departamento de didáctica de las lenguas y de las ciencias humanas y sociales de la Universidad de Zaragoza y especialista en teatro español. Su estudio introductorio y el aparato de notas que ha diseñado constituyen una aportación fundamental. Edición de Ismael López Martín
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Aceite y Sal es una obra literaria metáfora de un colmado, una despencilla, un hanut donde una acude a por un avío y quien dice un avío dice una historia. En el conjunto de relatos se refieren las vidas y el sentir donde germinan las letrillas del cante hondo.Aceite y Sal son ingredientes imprescindibles en un guiso. Son monedas de cambio que quitan el hambre. Sal en las heridas, aceite en las cicatrices. En aceite, antes que en pringue, y en sal Andalucía ha conservado el bagaje que no le cogía en la memoria. Puro Neovanguardismo andaluz, traiga usted pan y moje.Se trata del primer libro de la colección Un tiro al aire, un laboratorio de experimentación literaria, una ruptura de silencio, una válvula de escape a la cartografía de emociones que atraviesan lo cotidiano, un lugar donde se abre el aire para respirar. En esta colección, del revoleo de las alegrías cantadas por Camarón se abre un camino, una brecha por donde mirarnos las unas a las otras.
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Malgrat l'extensió de la seva obra, tant pictòrica com literària, el que ha transcendit més de Rusiñol és el personatge que ell mateix es va crear i que li va donar una popularitat que encara perdura. Un personatge, però, que sovint amaga el veritable Rusiñol. Llegint les seves proses, hi trobem fragments on ens confessa les seves inquietuds, els seus anhels, les seves pors, les seves il·lusions, el seu concepte de l'art, la seva filosofia, i també les seves addiccions, i tot seguit s'hi entreveu un altre Rusiñol, un Rusiñol tocat per una malenconia vital, perseguint l'ideal, ferit per les drogues i l'alcohol, sovint més solitari del que la gent creu, perdut en el seu propi personatge, incomprès pels contemporanis. Un Rusiñol, al capdavall, més interessant i complex que el dels ''duros a quatre pessetes''. ''Cap al tard'' és un recull d'aquestes proses, les més íntimes i definidores de Rusiñol, triades per l'actor Ramon Madaula per fer-ne un muntatge teatral que es va estrenar l'any 2007, amb la direcció de Sílvia Munt. El volum es clou amb ''La casa del silenci'', un text de Rusiñol, publicat el 1901 després d'una cura de desintoxicació de la morfina, i que no va ser mai inclòs en la seva obra completa.
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José María Alvarez, reconocido estudioso de Shakespeare ahora presenta esta traducción de El rey Lear. Este rey Lear es fruto de su amistad con el actor Eusebio Lázaro, que se la propuso para su representación enEspaña. Por esa razón, cuando José María Alvarez sededicó a traducirlo tuvo muy en cuenta «la escena», lo que sucede en el teatro, y considerando que no es texto fácil para un lector no especializado y lo difícil que resulta poder asistir a una representación deesta obra, ha estado muy atento a insertar explicaciones de la puesta en escena, a gestos o entonaciones-tras un considerable estudio de lo que sobre El reyLear habían establecido Granville Barker o sir John Gielgud, Jan Kott y otros- que facilitaran a ese lector una mejor comprensión de la obra.
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Hikikomori és una paraula japonesa per a designar un jove, generalment adolescent, que, incapaç d'assolir les metes rígides traçades per la societat, reacciona aïllant-se'n. En aquest llibre, ambientat al Japó, trobarem un retrat àcid del buit que, en el món desenvolupat actual, impera en la vida de molts joves i del procés d'autodestrucció que alguns emprenen. Hikikomori (L'era del buit) va resultar guanyador del XXII Premi de Teatre Ciutat de València.
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A Els companys (1888) August Strindberg descriu la relació d'un matrimoni d'artistes. Axel i Bertha són una parella d'artistes joves, moderns i paritaris. S'esforcen per viure com a companys en termes d'igualtat qüestionant la societat en què viuen o trencant-ne les normes, però la companyonia és posada a prova quan cadascú lliura la seva obra per a participar en una prestigiosa exposició. Ella hi és admesa, mentre que ell és refusat. La lluita que abans era contra la societat restrictiva, convencional, es transforma en una lluita aferrissada entre la parella. En aquesta obra els arguments de l'època a favor i en contra de la igualtat entre els sexes surten de la boca dels protagonistes en un diàleg trepidant que no ha perdut la força trencadora i polèmica.
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La dama boba ha sido una de las piezas dramáticas de Lope de Vega que ha mantenido una estimación y valor permanentes en el género de capa y espada.Dentro de una sencillez de trama y una comicidad espontánea, el amor se erige en fuerza motriz de la acción y es capaz de abrir el entendimiento de Finea, la dama boba, que a través de su enamoramiento se afirmaa sí misma y logra sus objetivos galantes, en contraste paralelístico con su culta hermana Nise.
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El castigo sin venganza destaca en el canonde las lecturas indispensables del teatro de Lope deVega. Amor, muerte y honor son los tres grandes ejesque mueven la acción de la obra y que desencadenan el ''castigo'' del título. Secreto férreamente guardado, este castigo y su singular ''sin venganza'' nos sitúan ante una toma de conciencia de una nueva forma de comedia y de un espectador que la admira y la aplaude.
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En mayo de 1920 un emigrante italiano llamado Salsedo sale «volando» por una ventana del edificio del fbi en Nueva York: este es el episodio que Dario Fo utiliza como pretexto para escribir Muerte accidental de un anarquista, una de sus obras de teatro de mayor éxito. La «muerte accidental» a la que alude irónicamente el título es en realidad la del anarquista Giuseppe Pinelli, que el 15 de diciembre de 1969 «cayó» desde la ventana del cuarto piso de la jefatura de Policía de Milán, tras ser sometido a un interrogatorio de varios días en relación a los célebres atentados de Piazza Fontana. Las circunstancias de la muerte, poco claras al inicio, posteriormente fueron atribuidas a un «brote» sufrido por Pinelli, y el caso se archivó. Estrenada el 10 de diciembre de 1970 en una antigua fábrica en Milán, la obra retrata a un «loco cuerdo» que casualmente se encuentra en la jefatura de Policía por impostor y que, con su capacidad de fabulación y lucidez -en la tradición de los bufones de la corte o del fool de Shakespeare-, acaba por desmontar el falso relato policial del suicidio.
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Escritor ganador del Premio Princesa de Asturias de las LetrasClaudio es un estudiante de diecisiete años que se sienta en la última fila. No habla, no participa, no es problemático, no destaca ni por arriba ni por abajo, salvo en Matemáticas. Cada clase se le hace más insoportable hasta que Germán, el profesor de Lengua y Literatura, manda escribir una redacción sobre el último fin de semana. A partir de este momento, Claudio empieza a transformarse en alguien que observa, imagina y escribe la vida de otros en un relato por entregas para un solo lector. Ese relato compartido por el discípulo y el maestro se convierte, poco a poco, en un juego cada vez más peligroso para ellos y para quienes los rodean. Un juego que se disputa en dos tableros: el de la vida y el de la literatura.Desde su estreno en 2006, El chico de la última fila lleva 26 producciones realizadas en todo el mundo y ha sido adaptada un al cine por François Ozon, con guión de Mayorga, con el título En la casa, Concha de Oro en el Festival de San Sebastián en 2012.La obra ha sido escogida en 2018 dentro del plan de fomento a la lectura en varios institutos de secundaria.
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Primera tragedia de una proyectada «trilogía dramática de la tierra española», '' Bodas de sangre '' fue terminada por Federico García Lorca en 1932. Exaltadacomo fruto representativo de «la nueva España», es decir, de la renovación cultural que traía consigo la II República, fue también considerada por la crítica,desde el momento de su triunfal estreno en Madrid y Buenos Aires (1933), como una cumbre del teatro español de todos los tiempos.
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Teatre reunit (2010-2021). Aquest volum aplega algunes de les obres que Joan Yago ha escrit al llarg d'una dècada, de vegades en solitari i sovint en estreta complicitat amb la seva companyia, La Calòrica. Des de la comèdia, els seus textos s'acosten a les debilitats de la societat que estem construint entre tots, les injustícies que conviuen amb un sistema que s'anomena democràtic i la responsabilitat que pertoca a cadascun de nosaltres de canviar les coses. Temes com el capitalisme, la monarquia, el sistema neoliberal, el canvi climàtic, la precarietat laboral o la insatisfacció de tota una generació viuen sota les obres de Yago, com si fossin una terra malalta que el dramaturg dinamita des de sota, capgirant l'ordre establert, fent-los treure el cap i remenant-ho tot, posant les coses de manifest.
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Los sueños constituye una de las obras fundamentales del Siglo de Oro español.Los sueños es una obra de lectura imprescindible si se quiere tener una idea de los extremos a los que llega el arte literario de Quevedo y del Siglo de Oro español. Es una pieza de sátira aguda en la que desfilan todos los estados y oficios del mundo, con sus tachas, abusos y engaños, descubiertos y condenados por la expresión ingeniosa acerada y la burla más feroz. Con la libertad que da la visión onírica, Los sueños componen una galería de caricaturas inigualadas y exploran todo tipo de juegos lingüísticos en denuncias que van de la risa a la amargura más violenta. Modelo de numerosas sátiras posteriores, esta obra queda en la historia de la literatura y cultura españolas como una cima cuya dificultad es sólo un atractivo más.
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«No vamos a guardar silencio porque tenemos memoria. El teatro es un arte de la memoria», señalaba Juan Mayorga. En este volumen, Helena Tornero demuestra cómo la memoria perdura en cada uno de nosotros y trasciende en nuestra cotidianeidad, directa o indirectamente. En estas obras, palpitan las guerras, las crisis políticas, la aprensión y la muerte. «Apaches» gira en torno a las diferentes estrategias que tienen los humanos al gestionar las emociones, especialmente el miedo, a partir de cómo un niño lee historias, imagina y se entretiene en un mundo que ha perdido toda normalidad. «Búnker» tiene lugar en un espacio cerrado donde dos hombres intentan averiguar por qué han sido detenidos. «No hables con extraños» es una obra fragmentada con nueve historias basadas en distintos sucesos históricos como las desapariciones forzadas o el abuso a mujeres. «Fascinación» nos habla de la memoria de la impunidad a través de los ritmos y movimientos de unos cuerpos que intentan bailar a pesar de sus miedos y prejuicios. «Mañana» nos muestra una reflexión sobre el amor en los tiempos del capitalismo.
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A les darreries del segle XIII, Marco Polo, un jove florentí, acompanyà el seu pare en el segon viatge que aquest feia a la cort del gran Khan a la Xina. Durant vint-i-quatre anys va recórrer tot el continent asiàtic, fins aleshores desconegut per a una Europa feudal i rural tancada en si mateixa des de feia segles. En retornar va dictar els records del seu viatge a Rustichello di Pisa. El fruit seria el Llibre dels viatges de Marco Polo, en el qual, de forma precisa i apassionada, es descriuen totes les meravelles que els fascinats ulls de Marco Polo van poder veure durant la seua llarga estada en aquelles llunyanes contrades. Ben aviat el text seria conegut com el Llibre de les meravelles, i despertaria l'interés dels lectors per conéixer un món que, de sobte, ampliava considerablement les seues dimensions. La versió que presentem del Llibre dels viatges de Marco Polo es basa en una traducció que es conserva en la nostra llengua, feta per un autor anònim en la segona meitat del segle XIV. Al llarg de les seues pàgines podem viure un viatge fascinant i descobrir totes les meravelles d'un immens continent com si fórem autèntics viatgers del segle XIII.
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En Luces de bohemia nos propone Valle-Inclán un recorrido por el Madrid sombrío de principios del siglo XX, de la mano del poeta ciego Max Estrella y su perro, el buscavidas Don Latino. El prisma desde el que el autor concibe la obra es el esperpento, que consiste en la deformación sistemática de la realidad, y la degradación de una situación, hasta que llega a ser ridícula. Valle-Inclán hace una crítica feroz de todos los eslabones de una sociedad enferma, uniendo a los personajes en un grotesco baile de máscaras, donde se tratan los más altos temas filosóficos, artísticos y metafísicos, que resultan tan profundos como risibles, mientras la muerte flota en el ambiente, impregnando con su aroma los rincones de ese Madrid hambriento, corrompido y cansado.
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Sin duda una de las más famosas y mejores obras de William Shakespeare (1564-1616), '' El mercader de Venecia '' se estructura en torno a la anécdota del fracaso de un aval y la sanguinaria reclamación del usurero Shylock, y la relación amorosa entre el noble Bassanio y Porcia, rica y hermosa huérfana. Pese a estar teñida del antisemitismo propio de la época, el judíoShylock se revela como uno de los grandes tipos shakespearianos y el personaje de más fuste y vigor de laobra. Y si las tres parejas de amantes que acaban felizmente unidas en el último acto representan el ladoamable del drama, para nuestros tiempos -apunta en suprólogo Vicente Molina Foix- son los personajes delarruinado y derrotado Shylock y de Antonio, '' el mercader de Venecia '' , tan desdichado al final con suganancia como el judío con su pérdida, los auténticosprotagonistas del mismo.
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La obra más emblemática de Pedro Calderón de la Barca. Edición de Enrique Rull, profesor de literatura española de la Universidad Nacional de Educación a Distancia El gran teatro del mundo demuestra la pericia de Pedro Calderón de la Barca en géneros dramáticos tan diferentes como el auto sacramental, la comedia filosófica y el drama de honor. Representado y traducido innumerables veces, en todo tiempo y lugar, este auto sacramental ha superado los condicionamientos estéticos de la época en que fue escrito para extender con fuerza un mensaje conocido desde los clásicos latinos: la vida no es más que una representación en la que nuestro papel está determinado y en la que lo importante es «obrar bien». Esta edición al cuidado de Enrique Rull, profesor de literatura española de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, incluye una introducción que contextualiza la obra, un aparato de notas, una cronología y una bibliografía esencial, así como propuestas para fomentar el debate en torno a la lectura.
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Cnemó és un vell morrut, garrepa i rondinaire que viu recl.s a la seva finca només amb la filla, fins i tot la dona l'ha deixat, exasperada, per anar-se'n a viure amb el fill que havia tingut d'un matrimoni anterior. Amb tot, l'atzar, sempre tan esgarriacries, fa que S.strat, un jove de casa bona, caçant en les terres del malcarat, vegi la noia i se n'enamori bojament. Com calia esperar, el vell es nega a donar-l'hi per muller, per., després d'un seguit de trifulgues, l'esquerperia li serà castigada d'una manera ben alliçonadora. També coneguda ?ja a l'antiguitat? amb el nom d'El misantrop, aquesta comèdia presenta l'arquetip d'un personatge altiu i br.fec que, per via de les adaptacions llatines, acabà influint en l'obra mestra de Molière.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
