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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Conmemoramos el centenario del estreno de la primera obra de teatro de Federico García Lorca, El maleficio de la mariposa. El maleficio de la mariposa es una preciosa fábula en la que el poeta granadino nos pone en la piel de una
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Dos rodamons, Vladimir i Estragó, es reuneixen alpeu d’,un salze esperant l’,arribada d’,un personatge desconegut, Godot. Sobre aquestargument tan simple, Samuel Beckett planteja, des dels paràmetres de l’,anomenat teatre de l’,absurd, els interrogants que turmenten l’,home mentre dura el seu pas pel gran circ del món. Desde la seva estrena a París el 1953, Esperant Godot s’,ha convertit en un punt de referènciaclau del teatre i de la cultura contemporanis.
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Las raíces directas del teatro actual se encuentran en la obra de Henrik Ibsen (1828-1906), quien no sólopuso los cimientos de la escena moderna, sino que dioexpresión a muchos de los problemas del mundo contemporáneo. Uno de los temas que están presentes a lo largo de todo su teatro -la mujer como ser capaz de elegir libremente- llega a su cima en la Nora de '' Casa de muñecas '' (1879) y en la protagonista de '' Hedda Gabler '' (1890). Si la primera obra fue causade uno de los mayores escándalos en la historia del teatro occidental, la segunda ofrece el retrato de unacompleja psicología femenina encarnada en su protagonista, una mujer capaz de sacrificar todo en aras desu independencia. Prólogo de Alberto Adell
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Rasi está muy contenta porque unos animales amigos suyos han ido al colegio para hacer algo muy especial. Pero todo se complica cuando aparece la gran enemiga de Rasi: la urraca Paca. ¿Qué busca esta urraca? ¿Y para qué se habrán acercado al colegio Rasi y el resto de animales?
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Carles & Belisa és un retaule musical que evoca els preparatius, el desembarcament i l'estada a Mataró de la reina Elisabet Cristina de Brunsvic, esposa de l'arxiduc Carles d'Àustria, l'any 1708, en plena Guerra de Successió. La ciutat, que ignora que tres anys més tard s'haurà rendit al bàndol borbònic, ara es declara austriacista i es desfà per cuidar fins al darrer detall i fer-se digne de tan memorable visita.
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Don Juan Tenorio es un excelente mecanismo teatral cuyo protagonista habla, escribe y se enomora teatralmente. Es esa condición esencialmente dramática del personaje de Zorrilla lo que permite conectar con el público desde la primera escena.
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Som en plena commemoració del 40 aniversari de «La Gesta», una fita en la història del futbol anglès, quan l'equip considerat la Ventafocs d'una competició europea va aconseguir guanyar, finalment, en un partit memorable i els seus jugadors es van convertir en els «11 prínceps». Sovint, però, les llegendes tenen més de mite que de realitat, perquè cal recordar que la història l'escriuen els vencedors... 11 prínceps és una reflexió agredolça, amb diàlegs ràpids i incisius, sobre les gestes històriques i els mites i llegendes que creem a partir d'aquestes.
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A principios del siglo XXI, una virulenta epidemia provocada por el bioterrorismo ha dividido al mundo en dos comunidades: la de los nox, seres de la noche, eternamente jóvenes, inteligentes, fuertes y sanos, y la de los curios, aquellas personas que sobrevivieron a la pandemia, pero que siguen siendo vulnerables al virus, y que ahora viven en guetos. En una de estas aldeas aisladas hace años asesinaron a un nox y, desde entonces, sus habitantes han sufrido un embargo que por fin va a concluir. Lamentablemente, con el restablecimiento de las relaciones entre nox y curios, regresan los prejuicios y los viejos rencores. Tomohiro Maekawa ha sido galardonado con un gran número de premios, tales como el Premio Yomiuri o el Kinokuniya y algunas de sus historias han llegado a la gran pantalla.
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Lope de Vega, apesadumbrado tras la muerte de Marta de Nevares, recibe la inesperada visita de dos mujeres tan llenas de secretos como de aspiraciones literarias: Ana Caro y María de Zayas. Su llegada reaviva los recuerdos de una mágica noche de San Juan que compartieron años atrás, cuando la sombra de la edad aún quedaba lejos... Entre la realidad y la ficción, INVENTANDO A LOPE nos invita a jugar con lo que realmente pasó y con lo que jamás llegó a suceder. Una comedia dramática inspirada en textos y documentos de sus protagonistas cuyo argumento, lleno de humor, amor, poesía y guiños a la literatura barroca, es un sentido homenaje a las voces clásicas de nuestros Siglos de Oro. A quienes, en cualquier tiempo y lugar, nos han hecho amar el teatro. Y la vida.
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Martí, a les acaballes de la seua vida, es decideix a pintar el seu últim autoretrat. L’ autoretrat que tancarà la sèrie en què fa anys que treballa, i el més complex de tots, perquè en aquest quadre ha de reflectir tota la seua vida sense amagar-ne res: cal pintar els moments de llum i els de foscor, aquells que es vol recordar i aquells que normalment no s’ exposen mai.Autoretrat és una obra que incita a reflexionar sobre la dificultat de definir-se completament a un mateix, una obra que explora els límits de la identitat amb agilitat i intel·ligència.
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Más que una biografía del famoso boxeador, es un reflejo de la España franquista de finales de los 70, esa que ya aspiraba a ser europea. «No existe una biografía de Urtain, así que tuve que hacer mucho trabajo de documentación: hemeroteca, vídeos y recuerdos, muchas veces contradictorios, de quienes le conocieron. La historia que se conoce es la del hombre inocente, fortachón y sano, que es engañado por gente codiciosa que fabrica un mito para luego engañarle, robarle y abandonarle. Pero nosotros hemos intentado hacer una historia que esté más allá de la del juguete roto. Esta función habla de un hombre que fue dueño de sus actos y que fue consciente de su camino. Algo que convierte su historia en mucho más trágica».
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En Las canciones, texto escrito a partir de personajes y situaciones de Antón Chéjov, un grupo de personas se reúne para escuchar diversas músicas. Y lo que en principio parecía un acto inofensivo, termina por transformarlos.Pablo Messiez escribe esta obra para excitar el sentido del oído, ese sentido siempre abierto, el primero. Nos propone escuchar el mundo y escuchar su música, contra la que ningún párpado protege puesto que, como dice Quignard, ningún párpado se cierra sobre la oreja.Con epílogo en forma de conversación entre el dramaturgo y director de escena Pablo Messiez y el director y guionista Carlos Marqués-Marcet.
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Situado Valle-Inclán en la encrucijada nacional e internacional tras la Primera Guerra Mundial, observa que por todas partes prevalece lo grotesco. La tragedia nuestra no es tragedia , le dice Max Estrella a Don Latino en Luces de bohemia , lo que da como resultado ùañade Max Estrellaù el esperpento , una invención artístico-literaria que es atribuida a Goya. Esa tragedia que no es tragedia es la tragedia del español que vive sin grandeza, sin heroicidades, sin altura de miras, en un momento en el que España se hallaba fuera de las corrientes sociales, políticas, económicas e ideológicas de su entorno europeo: España es una deformación grotesca de la civilización europea . Solo con la forma estética del esperpento, basada en la deformación sistemática, puede representarse la tragedia no tragedia de España. Pero en Luces de bohemia , el esperpento que en un principio iba a girar en torno a un bohemio, un marginado, se topa con la realidad y su protagonista toma conciencia de ella, dando sentido y proyección estética y social al esperpento.
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Las Novelas ejemplares que presentamos en esta edición (Rinconete y Cortadillo, El licenciado Vidriera, La ilustre fregona, El casamiento engañoso y El coloquio de los perros) no solo son las más conocidas, sino que ofrecen un muestrario suficiente y representativo de los temas, motivos y valores que más apasionaron a Miguel de Cervantes, como la defensa de la justicia y de la libertad individual, el motivo de una realidad que dependerá siempre de la perspectiva, la importancia de la autenticidad y la coherencia entre obras y pensamiento, etc.
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Planteada como una crónica sentimental de la guerra civil desde la memoria republicana, tiene mucho de ajuste de cuentas con la Historia, pero también con nuestra propia época, con el teatro español y con la trayectoria personal de su autor. Esta edición
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Dos rodamons, Vladimir i Estragó, es reuneixen al peud'un salze esperant l'arribada d'un personatge desconegut, Godot. Sobre aquest argument tan simple, Samuel Beckett planteja, des dels paràmetres de l'anomenatteatre de l'absurd, els interrogants que turmenten l'home mentre dura el seu pas pel gran circ del món. Des de la seva estrena a París el 1953, Esperant Godots'ha convertit en un punt de referència clau del teatre i de la cultura contemporanis.
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Abú Magrib ens conta l'odissea d'un jove magribí que travessa l'estret de Gibraltar amb una pastera amb l'esperança de poder construir-se, treballant, un futur millor i més lliure. El seu és un testimoni de l'explo-tació -sobretot laboral i sexual-, de la marginació, del dolor i de la injustícia que oprimeixen els «sense papers». Aquest text denuncia, sense maniqueismes ni idealismes, l'anomenat «Primer Món», que, més sovint del que seria desitjable, tracta i valora les persones com si foren mercaderies. I és, alhora, un viatge iniciàtic pels racons d'una condició humana atrapada per l'estrangeria permanent de les nostres vides.
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HAMLET, la obra más conocida de Shakespeare, es en realidad una pieza llena de lagunas e indefiniciones. Una obra enigmática y misteriosa, en la que cada personaje es un artista de la simulación. El propio Hamlet es un ser en continua transformación. En él caben la ceremoniosidad, la cortesía y la reflexión, junto a la pasión, la burla, el enigma o la posibilidad de la locura. En el castillo de Elsenor, en un ambiente que emana corrupción y desconfianza, claustrofóbico y hostil, se alternan escenas solemnes y reveses irónicos, al tiempo que se agita una corte de personajes cuyo sentido último será llevar a Hamlet a vencer su tensión interna y cumplir la venganza por la muerte de su padre. El magnífico estudio de Ángel-Luis Pujante que precede su traducción analiza el carácter incoherente e incierto de la tragedia y sitúa el atractivo de una obra tan compleja y rica en ese halo de misterio que suscita la duda, requiere la meditación y que la ha convertido en uno de los grandes mitos de Occidente.
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Cada cançó és un record, la música del primer bes i també la de l'últim, les paraules d'amor que un capvespre d'abril ens van ajudar a enamorar algú, sense saber que després l'hauríem de suportar la resta dels nostres dies. Això suposant que aconseguírem enamorar-lo... Besos és molt més que una excel·lent diversió, com ressalta La Van-guardia, és una mostra d'humor intel·ligent que ha captivat milers d'espectadors i que ha rebut l'aplaudiment unànime de la premsa. «Té moments realment esplèndids» (El Periódico). «Una hilarant comèdia musical d'humor» (El Mundo). «Una dutxa d'aigua fresca i un èxit, més que cantat, cantadíssim» (Avui).
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Alguna vegada, gaudint d'una novelúla, una pelúlícula o una obra de teatre, no has tingut la sensació que estaven contant una part de la teua vida? Eixe és un dels poders de la ficció, posar-nos al davant un espill deformat per a mostrar-nos els nostres desitjos cobejats, el que som, el que sentim i, fins i tot, allò en què ens podem arribar a convertir en el futur. En definitiva, mostrar-nos la nostra ànima i fer-nos reaccionar.
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El mercader de Venecia y Como gustéis pertenecen al grupo de las llamadas «comedias románticas» de William Shakespeare. En ellas, con el amor como motor principal de la acción, los protagonistas alcanzan la solución feliz en un mundo alternativo de fantas
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Lectura Prescriptiva de Literatura per a les PAU 2020-2022 a la Comunitat Valenciana. Ara bé, més enllà de l'acció concreta que desenvolupen, totes dues ens proposen temàtiques i reflexions universals. Quant a l'escriptura, som davant obres que responen a models molt diferents, tot i que tenen en comú un treball amb el subministrament de la informació que les fa esdevenir molt atractives, de la mà d'un joc constant d'enganys i de sorpreses.Rodolf Sirera és un dels grans autors vius en llengua catalana, amb una producció ja molt extensa iniciada a finals dels anys seixanta del segle passat. Aquestes dues obres editades s'inscriuen en un moment en què Sirera assaja amb diferents gèneres i formes teatrals, de manera que són una bona mostra d'una de les seues constants com a creador: la voluntat d'experimentar amb el llenguatge teatral i amb els seus límits.A l'edició en paper: Estudi preliminar, propostes de treball i comentaris de text a cura de Ramon X. Rosselló, professor de la Universitat de València, especialista en teatre contemporani en llengua catalana.
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La clásica obra sobre los amantes más famosos de la historia literaria, en una preciosa edición en tapa dura. El tiempo no ha cerrado las heridas de los Montesco y los Capuleto, dos familias de Verona enemistadas por antiguos pleitos cuyo origen ya casi nadie alcanza a recordar. Con el odio llegó la violencia, y con la violencia, las primeras víctimas inocentes. Pero del odio nació también el amor entre dos jóvenes predestinados a la desventura: Romeo y Julieta. La suya es una de las historias más populares de todos los tiempos, a la vez que su trágico desenlace se ha convertido en un hito de la literatura universal, «pues jamás hubo tan triste suceso como este de Julieta y de Romeo».
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Sabemos de la capacidad que tiene la ficción para inventar realidades y examinar el mundo que vivimos. También de la necesidad de la industria audiovisual de enganchar a una audiencia global al tiempo que busca conectar con colectivos minoritarios. Los pálidos, relato de una crisis y de un combate, tiene lugar en una sala de guion, allí donde se fabrican historias y se dan pulsos entre criterios y egos. Un equipo de guionistas, coordinado por el veterano Jacobo, trata de levantar una exitosa serie cuyo último capítulo, sin embargo, ha resultado un fiasco: millones de seguidores volcaron su decepción y furia al punto de generar una controversia mayúscula. Jacobo, entre la espada y la pared, propone a María, una joven activista de clase baja, que se una al equipo. A partir de aquí, Lucía Carballal despliega un conjunto de voces que se mueven en arenas movedizas mientras se preguntan: ¿quién escoge en realidad las historias que nos cuentan? «Tener una voz propia, ser especial, marcar la diferencia..., son obsesiones de los personajes de esta obra, pero también de nuestro tiempo, quizá como acto reflejo ante el terror a quedar obsoleto y por tanto al margen». Lucía Carballal
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Obres que van ser maleïdes mentre l'autor era viu, però que als ulls del lector/espectador del segle XXI adquireixen una nova dimensió i permeten gaudir d'una experiència poc habitual: descubrir un nou vell autor i, en tot cas, apreciar de manera global la magnitud i la qualitat variada i polièdrica del dramaturg estatunidenc més prolífic del segle xx.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva ante todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió lacompañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este séptimo volumen dela serie que recoge su «Teatro completo» incluye dospiezas escritas entre 1938 y 1939: '' Vida de Galileo '' y '' Madre Coraje y sus hijos '' . Traducción de Miguel Sáenz
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La teniente Teresa Fernández trabaja muy duro para lograr ascender en el ejercito. Ha hecho de su trabajosu prioridad vital. Por eso, cuando su desempeño llama la atención del teniente coronel Castaño, recien llegado a la base, no puede menos que sentirse halagada. Sin embargo, lo que empieza como admiración profesional pronto se tornará en unas muestras de afecto quesobrepasan los límites marcados por Teresa. Ante eltono cada vez más íntimo y acechante de su superior,nuestra protagonista deberá elegir entre guardar silencio o denunciar lo sucedido, aunque eso suponga arriesgarse a perder todo por lo que ha luchado. Una guerra invisible lleva al campo de la literatura dramática el acoso sexual y laboral que sufren muchas mujeresen el seno de instituciones patriarcales como el ejercito, y las consecuencias que puede tener para las víctimas la denuncia de estas prácticas.
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«Naturaleza trans» relata la historia de tres chicas trans de la frontera entre Uruguay y Brasil. Mediante una audaz exploración de las identidades no normativas, a través de la performance y la narrativa personal, la historia desentraña la complejidad de vivir más allá de la categoría del género binario. La obra fusiona elementos del teatro documental y el ritual, invitando al público/lector a ser testigo de una transformación colectiva, donde lo individual se entrelaza con lo social en una lucha constante por la visibilidad y la aceptación. «Muñecas de piel» nos habla sobre la explotación sexual a partir del hallazgo del cadáver de una joven, un suceso real que nos sumerge en un universo de dolor, culpa y cuestionamiento. Esta obra -que generó una gran polémica y acabó en los juzgados uruguayos al abordar un tema tan delicado como la explotación sexual de menores- se convierte en un poderoso testimonio artístico que invita a reflexionar sobre las sombras de nuestra sociedad y el papel del teatro como catalizador de cambios sociales. Acompañan a cada obra las bitácoras de la autora, que nos permiten conocer de primera mano su proceso de gestación.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva ante todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación crítica a través del distanciamiento. Este tercer volumen de la serie que recoge su «Teatro completo» incluye cinco piezas escritas entre 1928 y 1930: «La ópera de cuatro cuartos», «Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny», «Vuelo sobre el océano», «Pieza didáctica de Baden sobre el acuerdo» y «El consentidor y el disentidor». Traducción de Miguel Sáenz
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Un grup d’actors es prepara per assajar una obra de Pirandello quan, de sobte, irrompen a l’escenari sis personatges de carn i ossos que han estat rebutjats pel seu autor i clamen la necessitat de viure i representar el seu drama. Pirandello convida el lector a ser testimoni d’allò que normalment no té ocasió de conèixer al voltant de l’experiència teatral i, en un dels seus textos més cèlebres, posa damunt la taula les principals inquietuds de la seva obra literària, com la impossibilitat de comunicació de l’ésser humà, la identitat múltiple de cada individu o la reflexió sobre la relació entre l’art i la vida.
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Existe una disciplina terapéutica llamada constelaciones familiares. Entre personas desconocidas se hurga en el inconsciente para sacar la mierda a la luz. Y sale mucha mierda. Ancestros asesinados brutalmente, vidas truncadas porque sí, abusos... Aquí hubo una guerra civil. Una herida infinita que supura dramas como el que la actriz Tefi de Paz rescata en esta obra. La del Circo Anastasini que tuvo la mala suerte de programar una función justo el 18 de julio de 1936 en Lodosa, Navarra. ¿No sabes qué pasó en esa fecha? Puf... Mal día para reír. Mal día para ser un payaso. Mal día para casi todo, menos para matar. Gran parte de esta familia circense fue asesinada y enterrada en un campo perdido a la intemperie. Allí quedaron sus restos hasta que las manos de un hombre rascaron la tierra. Alguien que se negaba a pasar página. Hay algo peor que la muerte, y es el olvido. Por eso el personaje inventado por Tefi se llama así, Olvido Flores. Porque los muertos necesitan que los recuerden para seguir vivos entre los que los amaron. Y que les lleven flores frescas.A eso se dedica esta mujer creadora, a hacer justicia con los olvidados por la historia, a rescatar el arte, el espíritu de las familias que montaban su carpa allá donde les dejaran. «Solo queríamos haceros reír», parece que dicen desde sus tumbas. Olvido Flores es una dama de la guadaña que llega para recordarnos el privilegio de estar vivos desde historias como la de este circo que, al final, también es nuestra historia.
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La obra de teatro que escribió Milan Kundera tras la invasión rusa de Checoslovaquia.«Los libros de Milan Kundera son tan divertidos, transparentes, experimentales y sofisticados que me hechizan por completo». Adam Thirlwell, The Guardian En 1972, el joven director de teatro francés Georges Werler fue a ver a Milan Kundera a Praga y a su regreso consiguió, pese a los controles de la frontera, introducir en Francia el manuscrito de su obra de teatro Jacques y su amo. Kundera la había escrito después de la invasión soviética, cuando toda su obra, pasada y futura, había quedado borrada de las letras checoslovacas. En esta muy libre variación sobre Diderot, Kundera rinde un homenaje al escritor y filósofo francés que le ayudó a sobrevivir en un periodo tan difícil. Tres historias de amor se entrecruzan durante el viaje que emprenden Jacques y su amo: la del amo, la de Jacques y la de Madame de la Pommeraye, tres historias que se entremezclan polifónicamente, donde cada una es, a su vez, variación de la otra, y juntas conforman una comedia sobre los problemas existenciales de la pasión amorosa, los celos, la venganza y el destino.
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«Y tú, ¿volverías a tener dieciséis años?». Ali, Dylan, Naima y Rober son cuatro jóvenes que se conocieron en el peor momento de su vida: justo después de querer quitársela. Todos ellos intentaron suicidarse cuando rondaban los dieciséis y ahora, a sus veintipocos, el hospital donde estuvieron internados les propone colaborar en un taller con adolescentes en su misma situación. Acuden con ganas de ser útiles y, a la vez, con miedo de que las grietas se abran y se liberen de nuevo los fantasmas. Monstruos cotidianos de los que apenas se habla. Vidas invisibles —las suyas y las nuestras— que no protagonizan titulares ni ocupan espacio en los medios. Realidades que no existen porque no se nombran y que, sin embargo, todos compartimos. Y es que, aunque nos empeñemos en negarlo, aquellos #malditos16 siguen viviendo bajo el adulto que fingimos ser.
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Grandes Clásicos Literatura Random House nos trae una preciosa y cuidada edición de una de las tragedias más célebres de Shakespeare ilustrada por de Tià Zanoguera. El rey Lear es el mayor logro de Shakespeare y una de las obras más radicales que ha dado la literatura occidental. Lear es un viejo rey que decide de pronto dividir su reino entre sus tres hijas pidiéndoles a cambio que les expresen su grado de amor. Goneril y Regan se deshacen hipócritamente en halagos y Cordelia, la pequeña y favorita, contesta que no dirá nada, una respuesta que desata la furia de su padre y el principio de un viaje hasta lo más hondo de la condición humana. Desnudo ante el mundo, Lear se verá despojado de sus dominios, de su autoridad, de su cordura y de lo que más ha querido. Nada hay en esta obra que no sea interrogado. Cuando se cumplen cuatrocientos años de la muerte de Shakespeare, publicamos una nueva edición y traducción de esta magna tragedia al cuidado del editor y crítico Andreu Jaume.
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Este volumen recoge las obras completas de una autora imprescindible, Sarah Kane. Blasted (Devastados), Skin (Skin, una película de 10 minutos), Phaedra’s Love (El amor de Fedra), Cleansed (Purificados), Crave (Ansia) y 4.48 Psychosis (4.48 Psicosis) fueron escritas a lo largo de los cinco últimos años de la autora, que se suicidó con tan solo 28 años. La obra de Sarah Kane pone en escena preocupaciones que apelan a lo más íntimo del ser humano. El universo temático de su obra abarca desde inquietudes metafísicas o el tratamiento de los grandes universales hasta cuestiones relativas a los estudios del trauma, la identidad o el propio proceso creativo y, aunque cada una de sus obras es, literalmente, un mundo, es posible reconocer en ellas, sin embargo, una serie de paisajes que se reiteran: la muerte, el amor, la enfermedad y la violencia.
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MAGIA, pieza teatral que Chesterton escribió a partir de un relato que hoy anda perdido, se estrenó en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres. La obra entonces alcanzó las 165 representaciones. Bernard Shaw fue sin duda el principal impulsor para que Chesterton se decidiera a escribir teatro y fue quien posteriormente lo elogió hasta el punto de situar a su amigo dentro de la tradición prestigiosa de Shakespeare. En Magia, en palabras de Felipe Benítez Reyes, encontramos a un Chesterton en toda la pureza de su método: un arranque misterioso, el desenmascaramiento, digamos, de ese falso misterio, una situación trivial, y de repente, el ascenso a un mundo especulativo, abstracto y paradójico en el que se enredan los dogmas y las dudas, la esencia y la apariencia, lo real y lo extraordinario, de modo que la trama se aleja de la linealidad y deriva en espiral, con todas las asimetrías de un discurso que crece en torno a sí mismo satisfecho de sí mismo, orgulloso de su poder. Desde el principio de la obra las palabras comienzan a tejer una tela de araña, territorio verbal, donde van quedando atrapados los sofismas, las tergiversaciones y los sinsentidos, los axiomas paradójicos, todo lo que siempre y sólo es ya propio y único de Chesterton.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
