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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva sobre todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación crítica a través del distanciamiento. Este volumen, correspondiente al quinto de la serie que recoge su «Teatro completo» y que ha venido publicando Alianza Editorial, incluye dos obras escritas entre 1931 y 1934: La madre -inspirada en la obra homónima de Gorki- y Cabezas redondas y cabezas puntiagudas, una parábola satírica contra los mecanismos del régimen nazi.Traducción de Miguel Sáenz
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Joe Keller és un empresari d'èxit que ha fet fortuna durant la Segona Guerra Mundial fabricant peces d'avió, tot i que arrossega un passat turmentós marcat per la desaparició del seu fill Larry i la mort de vint-i-un pilots a causa d'unes culates defectuoses. El seu soci va ser condemnat a presó i l'amor que naixerà temps després entre els fills respectius obrirà velles ferides i traurà a la llum secrets que desencadenaran la catàstrofe. Arthur Miller escriu una tragèdia contemporània al voltant de la culpa que qüestiona els valors del somni americà alhora que exalta la força de l'idealisme juvenil per construir un món nou sobre la runa del mercantilisme capitalista.
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Representada en casi un centenar de teatros enmás de veinte países, donde ha cosechado un éxito inaudito, Terror aborda sin tapujosel abrumador problema ético al que se enfrenta el ser humano en situaciones límite, invitándonos a una reflexión profunda sobre el valor y el precio de la libertad. Cada vez que se produce un atentadoterrorista en un país occidental, provocando un sentimiento general de pánico y estupor en la sociedad, surge inevitablemente un dilema difícil de resolver: ¿estamos dispuestos a sacrificar nuestra libertad individual en aras de la seguridad colectiva? ¿Cuál es elcamino correcto para preservar la democracia? Como oficial de la Fuerza Aérea de Alemania, Lars Koch debe intervenir en una situación de emergencia: unterrorista ha secuestrado un avión de Lufthansa y pretende estrellarlo contra el Allianz Arena de Múnich,donde en ese momento setenta mil espectadores asisten a un partido de fútbol internacional entre las selecciones de Alemania e Inglaterra. Contraviniendo lasórdenes de sus superiores, y consciente de la responsabilidad que deberá asumir por su terrible acto, Kochderriba el aparato para impedir la masacre en el estadio, causando la muerte de las ciento sesenta y cuatro personas que viajaban a bordo. Así pues, eljuicio al que se somete al infortunado piloto es elnúcleo de la primera obra teatral del célebre abogadocriminalista alemán Ferdinand von Schirach. Con unatrama sencilla pero contundente, el autor de superventas como Crímenes y Culpa nos conmina atomar partido como miembros del jurado popular que deberá dictar una sentencia de tintes dramáticos y consecuencias inquietantes. La crítica ha dicho...«Terror es teatro en su máxima expresión.»The Sunday Times «Una historia tan compleja que seguirás pensando en ella muchodespués de que se falle la suerte del acusado.»The Times «Von Schirach se nutre del legado del drama clásico como un foro donde considerar los dilemas humanos más acuciantes.»Financial Times
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Un vespre d’intensa pluja, una dona més aviat rude i un jove especialment immadur arriben per motius d’entrada inexplicables a la remota cabana on viu en Salvador, El Sibarita de la Pluja, un vell entranyable tocat per un misticisme singular.A conseqüència de les condicions meteorològiques i de la geografia de l’indret, els tres personatges queden aïllats i han de conviure onze dies en aquell petit univers que ha creat en Salvador: una roca encimbellada on medita, una esplanada amb un gos enterrat a qui parla, una passera submergida que potser el riu s’ha endut i una cabana amb infinitat de cites d’autors il·lustres gravades a les bigues del sostre.Amb el pas dels dies, sorgiran tensions, es teixiran complicitats, es descobriran secrets del tot inesperats i, sobretot, es faran reflexions sobre la joventut i la vellesa, la inadaptació, la fugida, la solitud, el límit de la bogeria, la convivència amb la natura, la saviesa, la creativitat, el pas del temps, la mort… I la recerca contínua en un món en canvi constant.
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En el ámbito de su Galicia natal, poéticamente recreada a través de la alquimia del recuerdo, sitúa Valle-Inclán DIVINAS PALABRAS (1919). Escrita con plena libertad creadora, aunando una querencia medieval con las corrientes vanguardistas de la época, sobrepasa los límites del drama para ofrecer un texto de lectura imaginativa, sensorial y profunda. Una sucesión de retablos, protagonizados por seres marginados, en los que la avaricia y la lujuria desencadenan la trama: la pugna entre Marica del Reino y Mari-Gaila por la posesión de un enano lisiado que arrastran por ferias y romerías, y el adulterio de esta última con un farandul trashumante. Al final, un halo de piedad cruza la escena, que se cierra con las divinas palabras con las que el sacristán perdona a su mujer. El reconocido hispanista Gonzalo Sobejano desvela en su introducción las claves de una obra que califica de complejamente exclamativa, en la que la unión de lo trágico y lo cómico se resuelve en un diálogo a gritos, reflejo de la fórmula que el propio Valle-Inclán concretó para el teatro español.
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Un grup d'amics es reuneix cada dimecres per a sopar. Però amb una condició ben peculiar: cadascú ha d'anar acompanyat d'un idiota, i aquell que porte l'idiota més idiota de tots, guanya. Pere Canut és un dels del grup, i un amic li recomana portar Francesc Pinyol. Com que encara no el coneix, Pere decideix invitar-lo a sa casa, un fet que, a la llarga, es convertirà en uns dels pitjors malsons de la seua vida.
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La vida dels habitants de la petita localitat nord-americana de Grover's Corners transcorre com a qualsevol altre lloc del món: neixen, creixen, s'enamoren, es casen i moren. L'aparent senzillesa de la seva existència es converteix en un cant als petits esdeveniments quotidians i en una colpidora reflexió sobre la consciència de viure. Amb aquest text, Thornton Wilder construeix una obra coral i sobre el pas del temps, guardonada amb el Premi Pulitzer de Teatre l'any 1938.
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El teatro reunido de una de las escritoras más sagaces y punzantes de la literatura contemporánea. Este volumen reúne el teatro de Yasmina Reza, tanto las principales obras traducidas y estrenadas en español como una pieza inédita hasta ahora en nuestro idioma. En todas ellas deslumbra la capacidad de la autora para escrutar los comportamientos humanos, detectar las flaquezas, hurgar en las contradicciones...Tres amigos reunidos en torno a un cuadro que puede ser, según se mire, una obra maestra o una tomadura de pelo, dos matrimonios que se citan para resolver civilizadamente un incidente protagonizado por sus hijos, pero acaban perdiendo los papeles, cinco actores que ensayan una obra y confiesan sus dudas, una pareja que discute en el aparcamiento de un restaurante... Situaciones que pueden resultarnos familiares se van torciendo hasta mostrar en carne viva todo aquello que preferiríamos que continuara oculto.Con la fuerza de los diálogos y un humor inclemente, la autora nos obliga a mirarnos en el espejo para reconocer que la vida puede ser tan placentera como cruel. Pocos dramaturgos contemporáneos han sabido retratar el alma humana con la contundencia y lucidez de Yasmina Reza.
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¿Quién no querría volar hasta Nunca Jamás? Solo hay que tomar la segunda estrella a la derecha y todo recto hasta la mañana. Una vez allí los sueños se hacen realidad: sirenas, hadas, piratas... Pero toda aventura tiene un precio: luchar con tu propia sombra. Perderte. Morir. Incluso crecer...
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Una mirada a los desastres de la guerra de Troya (y de todas las guerras) a través de la historia de amor de Aquiles y Patroclo. No estoy aquí para contar la guerra de Troya. Esta es la historia de mi carne, allí donde coincidieron la muerte y el amor.Tomando como punto de partida el canto XVI de la Ilíada, el dramaturgo Alberto Conejero, ganador del Premio Nacional de Literatura Dramática en 2019, nos brinda una aproximación personal e íntima al poema de Homero, una nueva mirada vivida y contada desde un personaje secundario en el relato habitual, tan discutido como fascinante y misterioso: Patroclo, el «más amado» por Aquiles.En mitad de tanto fuego que enlaza diversas épocas y donde aparecen referencias y citas de, entre otros, Safo, Pedro Lemebel, Anne Carson o Luis Cernuda es un alegato antibelicista y una muestra más de la impotencia del arte ante la guerra, un oratorio por las víctimas que habla de conceptos como el poder, la pasión, la violencia o la patria.La obra es también un intento de contar la historia de otro modo, que es imaginar el futuro de otro modo. El rescate de una alegría posible. El canto de un personaje que aquí es, ante todo, carne enamorada y deseo. Un deseo libre y disidente.Porque yo no estoy aquí para hablar del «compañero devoto», ni «del más querido entre los soldados», yo estoy aquí para reventar los eufemismos, para hablar del amante insaciable.
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És 26 de juny de 1424 i un grup d'homes està reunit en un castell. Redacten una llei per a combatre un nou crim que assola el territori: algunes persones van de nit amb les bruixes a fer el mal a les cases dels dorments i causen la mort de nens. Aquesta llei, la primera legislació coneguda a tot el món contra les bruixes, apareix a Catalunya. Som, doncs, una dels bressols de la creença en les bruixes i del fenomen que s'estendrà durant tres-cents anys: la cacera de bruixes. Però, per què van néixer les bruixes? Com es va estendre la cacera? I més: qui eren les persones que van habitar el nostre passat? Aquestes són algunes de les preguntes que busquen resoldre sis investigadores encarregades de conservar quaranta-dos documents històrics procedents de judicis per bruixeria ocorreguts en la nostra terra.
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Quatres dels onze textos teatrals que Natalia Ginzburg va escriure entre 1965 -any que, empesa per un repte personal, va iniciar-se en la dramatúrgia-, i 1967. Amb un estudi introductori de la mateixa traductora, Meritxell Cucurell-Jorba, ens endinsem en una de les escriptores italianes més interessants del segle XX, comparada, en el cas del teatre, amb Beckett i Pinter. Com la seva narrativa, el teatre de Ginzburg retrata, punyent, una societat aferrada a les seves tradicions i que es resisteix a obrir-se a la nova realitat social.
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Dentro de la amplia galería de personajes que a lo largo de las obras de William Shakespeare (1564-1616) encarnaron las más universales y comunes pasiones que mueven la naturaleza humana, Otelo ha pasado a representar el hombre destruido por los celos. Sin embargo, el tema crucial y más general de la obra es la desconfianza. Movida por este veneno que se esparce por sus diálogos e impregna las relaciones entre parejas, ya sean hombres y mujeres, ya jefes y subordinados, esta tragedia sigue resultando, hoy como ayer, una lectura tan subyugante como poderosa.
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Una obra maestra de una de las plumas más certeras de la literatura española. Edición de José María Díez Borque, Catedrático de Literatura Española de la Universidad Complutense de Madrid Peribáñez y el Comendador de Ocaña reúne todas las cualidades que hicieron de Lope de Vega una de las grandes figuras de la literatura europea. El rechazo de los preceptos de la poética aristotélica, la concepción del teatro como entretenimiento y el conocimiento preciso de los mecanismos del drama alcanzan aquí su muestra más ajustada e intensa. Estas son algunas de las razones por las que no es solo recomendable para adentrarse en la obra de Lope de Vega, sino también en el teatro español del Siglo de Oro. Esta edición incluye una introducción que contextualiza la obra, un aparato de notas, una cronología y una bibliografía esencial, así como también varias propuestas de discusión y debate en torno a la lectura. Está al cuidado de José María Díez Borque, catedrático de literatura española de la Universidad Complutense de Madrid.
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El amor de Don Perlimplín (1931) -prohibida por la censura-, El público(1933), Así que pasen cinco años (1931), Diálogos y Declaraciones .Segundo volumen que agrupa farsas, comedias, piezas chispeantes oamargas, que muestran la trayectoria hacia futuros clásicos de laenvergadura de Bodas de sangre y Yerma .
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Juliano el Apóstata, el emperador filósofo que, renegando del cristianismo, sueña con restaurar el mundo pagano, ejerció una fuertesugestión sobre la fantasía de numerosos escritores. Ibsen hace de Juliano un desafortunado rebelde que, debatiéndose ent
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Haizea vuelve a casa de su madre para las vacaciones de verano, el 10 de julio de 1997. Justo en el momento en el que se abrazan efusivas, los informativos anuncian que ETA acaba de secuestrar a Miguel Ángel Blanco. De aquí en adelante, las cuarenta y ocho horas del secuestro se narran desde la televisión y por la ventana de una casa común, a través de los pequeños conflictos entre una madre que ha criado en soledad a una hija furiosa con el mundo. El acontecimiento trágico irá dinamitando los reproches, provocará a las dos en soledad y sacará a relucir sus mayores temores, esos que solo se confiesan con la muerte llamando a la ventana. El país entero movilizándose hará que ambas decidan, silenciosamente, aceptar todo y dejar el miedo aparte. El acontecimiento histórico del secuestro y asesinato de Miguel Ángel Blanco, queda cristalizado a través de la relación materno-filial. Un texto que propone mirar a los acontecimientos sociales y políticos desde la vulnerabilidad, nombrando cómo nos afectan irremediablemente, antes que buscar un enemigo al que hacerle culpable de nuestro dolor íntimo.
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És l'aniversari d'Oriol i també l'últim dia de la seua vida tal com l'ha viscuda. Son pare, sa mare i Marcel, el seu amic de l'institut, són convidats a un sopar on res és el que sembla, on el temps és un amfitrió més, on milers de preguntes busquen respostes sense èxit aparent. Però la consciència de l'amor, el desig de començar una vida nova o la revelació d'alguns secrets obriran la porta a aquestes respostes i, amb elles, la llibertat.
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Dos obras maestras de uno de los dramaturgos más grandes de la literatura universal.Molière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, llevó a escena la crítica de su sociedad en un momento en que Luis XIV pretendía hacer de su corte un espacio de civilidad, el cambio que quería imprimir a su reinado tuvo en el dramaturgo un agente que reprobaba por primera vez desde el escenario costumbres como el poder omnímodo de los padres sobre los hijos, la falta de libertad de las mujeres a la hora de elegir marido o la hipocresía tanto religiosa (El Tartufo) como social (Don Juan). Las preciosas ridículas le ganó el favor de Luis XIV, el rey vio en el comediógrafo una posibilidad para difundir desde el escenario nuevos comportamientos sociales que ayudaran al cambio que pretendía. La comedia ridiculiza el movimiento de las «preciosas», que trataban, desde los salones aristocráticos, de imitar el lenguaje de esos ambientes. El éxito fue tan inmediato y rotundo que hizo de Molière en ese momento un «colaborador» de las intenciones reales. Con Los enredos de Scapín el dramaturgo volvía, tras El Tartufo, Don Juan y El misántropo, a la comedia-farsa, con un criado enredador que heredaba la comicidad de la commedia dell'arte. Sus intrigas logran cumplir los deseos de sus «protegidos», dos jóvenes enamorados que solo quieren salvar su amor, burlando los intereses matrimoniales de los padres.
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Este volumen reúne dos textos singulares que han saboreado las mieles del escenario de la mano del propio autor.''Asesinato de un fotógrafo'' es un festín de obsesiones del género detectivesco clásico y el noir más cinematográfico. Las andanzas de un detective solitario que observa con sonriente melancolía la ausencia de agarraderas en la que vivimos.''Castroponce'' es un alegato en favor de la creación por encima de cualquier discusión histórica. Un supuesto simposio en un pequeño pueblo de la llanura castellana sirve de pretexto para exponer desbordantes ideas sobre teatro político.
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Representantes en la Tierra de una irrealidad llamada Dios: un diálogo clarificador en la sala de espejos.El papa y un cardenal, amigos de juventud, mantienen un diálogo en el que no faltan críticas a determinadas actuaciones de la Iglesia. La figura de la joven Hermana Teresa romperá el esquema del debate. Su identidad provoca un zamarreo emocional en los interlocutores. La charla íntima continuará después entre ellos, rompiendo verdades consolidadas que son sustituidas por su mero reflejo. Una conversación entre hombres de poder, que saben...
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Ignacio Amestoy, Premio Nacional de Literatura Dramática, presenta aquí dos nuevas obras, una tragedia y una tragico-media, con prólogo de Jorge Urrutia: ''Te quiero, Miguel'' dramatiza la pasión amorosa del poeta Miguel Hernández y Josefina Manresa, un amor que será angustioso durante la Guerra Civil y agónico tras la victoria franquista, hasta llegar a la tragedia. Muestra de su teatro documento (que ya empleó en ''Gernika, un grito. 1937'' o ''Dionisio Ridruejo. Una pasión española'', nº 162 y 184 de esta misma colección), Amestoy rescata el diálogo entre los protagonistas y finalmente el grito hecho teatro de una mujer a la que la muerte de su amante arranca del mundo. ''Aquiles tiene un problema'', siguiendo a Javier Gomá, plantea la equivalencia entre la actitud del héroe troyano en los brazos protectores de su madre y la de muchos jóvenes actuales en los más o menos confortables hogares de sus progenitores. Las tensiones del Banco Central Europeo, el trajín de los iPad de Apple, Hegel, Bruselas o el Central Park neoyorquino serán el moderno escenario de sus batallas. Ignacio Amestoy Egiguren pertenece, con Alonso de Santos, Cabal y Sanchis Sinisterra, a la denominada Generación del 82, o de la Transición. Es doctor en Estudios Teatrales (UCM), profesor titular de Literatura Dramática en la RESAD, de la que fue director, y secretario general del Círculo de Bellas Artes. Galardonado en dos ocasiones con el Lope de Vega, en 2002 se le concedió el Premio Nacional de Literatura Dramática por Cierra bien la puerta, pieza que forma, con Rondó para dos mujeres y dos hombres, Chocolate para desayunar (ambas en el no 368 de esta colección espiral/teatro) y De Jerusalén a Jericó, una tetralogía sobre la mujer en el siglo xxi.
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«Fuck me es una obra desgarrada, irreverente y frontal. Teatro hecho desde el dolor, buscando la luz que nace de la destrucción de uno mismo, de saber que todo acto de escarnio de lo propio es también el deseo de ser amado, consolado. Camino estrecho, solitario. Un camino que Marina Otero nos muestra desde la distancia de una persona rota, adulta, que mira su infancia cuando hacía bailes y coreografías en casa de su abuelo y se mira ahora después de tantas guerras, de tantos años ofreciéndose en escena, de intentos de suicidio, de luchas contra todo, de haber odiado lo fácil y lo amable como si fueran traiciones. Un camino que, al mismo tiempo que muestra la fuerza de la rabia, tiene la capacidad impúdica de decir en un momento: “Miren cómo estoy. Quedé dura y no de merca, esto es pura tensión por el esfuerzo de querer agradar. Lo único que quiero es que me quieran, porque yo no me quiero”». Pablo Caruana Kill me es la continuación de Fuck me. Entrando en el cliché de la crisis de los cuarenta empecé a filmar cada cosa que hacía: con el corazón abierto las 24 horas registraba todo. Hasta que un día colapsé, me dieron un diagnóstico psiquiátrico y decidí hacer con eso mi próxima obra. Convoqué a cuatro bailarinas con trastornos mentales y a Nijinsky, para hacer una obra que hable sobre la locura por amor. Pero vamos a decir que el tema es sobre salud mental para que entre en la agenda inclusiva del mercado del arte. Porque esa es mi condena, tener que hacer obras que se vendan y así mantenerme viva en el mundo (del teatro). Marina Otero
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Es un texto clave para estudiantes y profesionales del arte de la actuación, desde su aparición en Nueva York en 1933, convirtiéndose en una herramienta imprescindible.ActuaciónLas seis primeras leccionesEs un texto clave para estudiantes y profesionales del arte de la actuación en la actualidad, habiéndose convertido, desde su aparición en Nueva York en 1933, en una herramienta imprescindible. Los anglosajones lo llaman “el manual”. Escrito de forma dialogada entre el maestro y la joven estudiante sirven para explorar la técnica de la interpretación. Generaciones de actrices y actores se han enriquecido con la visión ingeniosa y aguda que Boleslavsky tiene sobre el oficio de la actuación. Estas seis ''lecciones'', obras de teatro en miniatura sobre la concentración, el recuerdo de la emoción, la acción dramática, la creación del personaje, la observación y el ritmo, condensan el desafío que enfrentan todos las actrices y actores. Esta obra clásica sobre la actuación revela la vitalidad y la pertinencia de la línea de trabajo y del legado de Constantin Stanislavsky mostrando con claridad, y de una manera amena y directa, las posibilidades de la utilización de estas ideas en la enseñanza del teatro contemporáneo.
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Grooming, una de las obras de Paco Bezerra más premiadas a nivel internacional, La desconocida, uno de los debuts de nuestro cine más sorprendentes de los últimos años. Una misma fábula contada de dos formas distintas a partir de mimbres comunes: internet, un chantaje, un parque de una ciudad, una farola, el encuentro de un hombre adulto con una adolescente: «Usted no tiene dieciséis años», dice ella. Él responde: «Dices eso porque todavía no me conoces». ¿Qué quiere el hombre? ¿Y ella? Empieza la intriga, también el miedo. Entramos en el tenebroso mundo de las parafilias, de lo inconfesable. Acompañamos 'Grooming' del guion de la película basada en dicha obra de Paco Bezerra. La película ha contado al frente de su reparto con dos actores ganadores del Goya como Monolo Solo y Eva Llorach, y una de las actrices jóvenes más prometedoras de nuestro país, Laia Manzanares. Aborda temas de actualidad come el ciberacoso sexual a menores a las parafilias, todo ello envuelto en una potente denuncia social.
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El bosque mágico es el espacio escogido por varios enamorados para buscar refugio y libertad. Pero una noche de verano aparece Puck, el duende malicioso, provisto de un poderoso filtro de amor con el que jugarà a confundir a los amantes creando equívocos muy divertidos.
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Molière era el seudónimo que utilizaba Jean-Baptiste Poquelin (París, 1622-1673) para firmar sus obras. No solo fue un gran dramaturgo sino también un gran poeta y actor, llegando a interpretar muchas de sus propias creaciones. El personaje central de El enfermo imaginario es Argan, un hombre sano que se cree enfermo, y que pasa su vida rodeado de médicos. Tal es su obsesión, que pretende casar a su hija Angélica con uno de ellos. Esta se niega, pues está enamorada de un joven que acaba de conocer. Antoñita, la criada de la casa, urde un plan para evitar la boda.
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El texto con el que Angélica Liddell hizo temblar el Palacio de los Papas en la inauguración del Festival de Aviñón, la muestra teatral más prestigiosa de Europa.Y aquí estamos intentando arreglar lo que no tiene arreglo, sobre el amor, sobre la muerte, sobre el miedo y sobre el arte.¿Qué haréis cuando ya no os quede tiempo? ¿Qué haréis cuando ya no existan ni los machos ni las hembras, ni las falsedades ni las apariencias, sino solamente mierda y vejez, y no podáis poner en juego ningún tipo de fama, ni de influencia, ni de belleza, ni de grandeza ni de orgullo, ni de vanidad, ni de poder? ¿Qué pasará cuando cada mañana os cueste más prepararos para existir? ¿Qué pasará cuando vestirse y asearse sea una tarea de extenuante cumplimiento? ¿Cómo evitaréis los pequeños derrames que poco a poco irán fulminando vuestra memoria, vuestra inteligencia, vuestra prepotencia y vuestra lucidez? ¿Qué pasará cuando se os olviden las palabras y las cosas, y sintáis manchas blancas en el cerebro, y estéis solos, completamente solos y desvalidos, y enfermos, y vuestro aspecto sea desagradable y repulsivo, por mucho que os lavéis, por mucho que os afeitéis, y nadie, absolutamente nadie quiera pasar un día entero con vosotros? ¿No sabéis que la juventud solamente le otorga cosas a la juventud? Entonces, ¿a quién pediréis misericordia cuando estéis a merced de todos y de cualquiera, y no tengáis nada más que pedir? ¿Cómo sabréis que habéis llegado a la demencia si es imposible saberlo, si es imposible distinguir entre lo real y lo irreal? ¿Qué pasará cuando un desconocido os lleve donde no queréis ir? ¿Gritaréis?¿De verdad no os da miedo?
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La última obra de MaiakovskiEstrenada el 30 de enero de 1930 en Leningrado y el 16 de marzo en Moscú, esta obra será la última de Maiakovski, y el motivo directo de su suicidio pocos días después, el 14 de abril.Su sátira del burocratismo, de la charlatanería, la fanfarronería o del oportunismo que el sistema soviético venía propiciando, redoblada su crítica con un complejo y futurista juego de espejos, no fue bien recibida ni por el público ni por la crítica ni por las autoridades.
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Salvo contadas excepciones, el teatro breve no ha gozado hasta hace poco de la atención y consideración que merece, lo que contrasta con la favorable acogida que el público siempre le dispensó. En la actualidad, superados ciertos prejuicios críticos (como el de confundir breve con «menor») y abordado desde nuevas perspectivas, no solo en su producción textual, sino en su contexto dramático, se ha puesto de relieve su valiosa aportación a la historia de nuestro teatro. Pero tan importante como su reivindicación crítica resulta el gran interés que ofrece como valiosísimo instrumento didáctico para fomentar el interés y el gusto por la lectura, puesto que con la dramatización de este tipo de obras se consigue más fácilmente implicar a los alumnos en una lectura cooperativa y participativa, al tiempo que se favorece en gran medida el perfeccionamiento simultáneo de varias destrezas ahora tan descuidadas: la dicción, la entonación, la expresividad verbal y gestual, etcétera. En este volumen se incluye un conjunto de doce piezas de teatro en un acto en el que se ha pretendido ofrecer un amplio y variado repertorio de esta especie dramática en nuestra literatura a través de los autores más representativos. En la elección de autores y obras se ha tenido en cuenta, sin menoscabo del interés particular de cada pieza, que constituyan hitos significativos en el dibujo de una trayectoria razonablemente completa de este género imprescindible, a través de sus principales fases -raíces folclóricas y carnavalescas, dignificación literaria cervantina, artificiosidad barroca, costumbrismo dieciochesco y decimonónico y nuevas orientaciones de la época actual- y tendencias, con especial atención -por ser la más característica y abundante, por lo menos hasta épocas recientes-, a la de carácter cómico, en sus diversos registros y tonalidades.
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La presente antología incluye: El rey Lear, Macbeth, La tempestad, El sueño de una noche de verano, Mucho ruido por nada y Ricardo II. En la poesía y el teatro de Shakespeare se unen felizmente el pensamiento y el vigor expresivo formando una rica gramática de las emociones. Sea en comedia, tragedia, tragicomedia o drama histórico, Shakespeare alcanza una fascinante variedad y crea personajes memorables como Macbeth, Hamlet o Falstaff, considerados como arquetipos inconfundibles de afectos y pasiones. Cuatro siglos después de su muerte, es el autor más estudiado, representado y traducido de la literatura universal, y su contemporáneo Ben Jonson ya predijo su permanencia al afirmar que su obra no era para una época, sino para todos los tiempos. «Nadie ha conseguido aún ser postshakespeareano.» Harold Bloom «En realidad, es Shakespeare quien nos ofrece un mapa de la mente. Es Shakespeare quien inventa la psicología freudiana. Freud encuentra la forma de traducirlo a un supuesto vocabulario analítico.» Harold Bloom
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La maga Baldraga, la bruixa Maduixa i el bruixot Pebrot s'han de presentar a les proves per a assistir a un curs de bruixots d'abast internacional i només hi anirà qui haja fet la malifeta més gran. Per això, la Bruixa Major els ha convocat enmig del bosc: els posarà a tots a examen. El que no saben és que dos parells d'ulls els observen d'amagat.
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LA COMEDIA NEGRA DE UNO DE LOS MÁS QUERIDOS AUTORES DE LA NOVELA POLICIACA EN ESPAÑOL «No me ofrezcan vivir en un gran velero, o en un palacio romano, o en un ático de Manhattan: yo quiero vivir en una novela de Domingo Villar».Enric González «Domingo Villar definió su obra teatral como una comedia. El espacio, perfectamente detallado en una acotación ad hoc al principio de la pieza, nos permite concretar un poco más el género: comedia de salón, quizás, o incluso comedia burguesa. Pero la trama, basada en una intriga sobre la falta de inspiración del protagonista y su voluntad de desaparecer aprovechando un muerto muy oportuno, nos orientan a la comedia negra. Como sea, el ritmo rápido, el enredo más o menos complicado, y la intención de hacer reír mediante la comparecencia de gags e ingeniosas líneas de diálogo que hacen entrar y salir a los personajes de su tendencia al estereotipo convierten esta pieza de Villar en una obra tan interesante dramatúrgicamente como divertida para el público. Eso es Síbaris: un refugio definido en la pieza como una tranquila playa de Grecia, esa que figura en los sueños de evasión de cada espectador que, como su protagonista, también necesita un lugar donde huir de la vida cotidiana que, absurdamente, avanza esquivando esa verdad que solo aportan los sueños y las artes». Del prólogo de Inma López Silva
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Una recopilación de tres obras de teatro en las que Walcott cuenta la historia de los nativos de las Indias Occidentales durante más de cuatrocientos años de guerras, conquistas y rebeliones. Este volumen contiene tres obras: la primera de ellas, Henri Christophe, es una meditación de Shakespeare sobre la influencia corruptora del poder, mientras que la segunda, Tambores y banderas, es un espectáculo de la historia desde la era de los descubrimientos con Colón hasta 1833. La tierra haitiana es un largo drama histórico sobre la esclavitud, la rebelión, el asesinato, la codicia y las luchas por el poder que han fertilizado con sangre la tierra haitiana.
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En ''Los cabellos de Absalón'', Calderón de la Barca desarrolla la historia bíblica de Amón y Tamar, añadiendo al relato primitivo no pocos elementos de su propio ingenio a fin de convertirlo en un argumento representable ante el público español de los siglos de oro. Esta edición lleva a cabo un minucioso rastreo filológico de fuentes y testimonios con tal de fijar el texto de la obra y depurarlo de los insertos y modificaciones que, ajenos a la voluntad de Calderón, se habían venido transmitiendo desde que fuera dado a imprenta por primera vez. El resultado es un texto muy diferente al que la tradición había recogido hasta ahora, e inaugura nuevas perspectivas para el análisis de su contenido filosófico, político y de crítica social.
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La tragedia romántica más señalada de la literatura en inglés.Escrita originalmente en 1892, esta obra de William Butler Yeats retoma una vieja leyenda franco-inglesa -que a su vez remite a la del sacrifico de Alcestis de la mitología griega- para abordar, con tintes propios de la cultura popular irlandesa, la cuestión de la adversidad y la redención.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
