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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Cuba, años setenta y ochenta del siglo XX. Un joven alcanza la mayoría de edad en un momento crucial de la historia de su país. Dividido entre los ideales de su madre comunista y de su padre contrario al régimen ‒con el acuciante deseo de huir de la isla‒, busca encontrar su propia identidad en un mundo, tanto personal como colectivo, en crisis y convulso.Premio Nacional de Literatura en Cuba, Diez millones indaga, así, en su historia más reciente desde 1970, cuando Fidel Castro proclama «el año de la zafra» con el objetivo manifiesto de mejorar la situación económica del país. Un relato insólito y descarnado, construido con materiales de primerísima mano y por medio de un tejido de narraciones, diálogos, monólogos, donde se intenta lo más arriesgado en literatura: partir de uno mismo para hablar a otros, a todos, y arañar, sin concesiones, la costra de la vida cubana del último medio siglo. Una ficción que mira hacia atrás para mirar hacia delante.Completa el volumen, Discurso de agradecimiento, una suerte de continuación de Diez millones, un pase de cuentas a una vida provocado por el encierro durante la pandemia, la política y la vida, el tiempo y la memoria.«Celdrán apela a un lugar del yo hasta ahora inédito en la narrativa cubana». Reina María Rodríguez
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La acción tiene lugar en una casa. Nadia llega del teatro. Su marido ysu hija están preparando la mesa para una cena. Nadia acaba departicipar en una sesión de hipnosis dirigida por un mago desconocido yaparentemente torpe. Durante el número, el Mago la ha hecho volar sobrelos tejados de la ciudad. Lo que parecía un pasatiempo, se hacomplicado: Nadia ha vuelto transformada se comporta y habla de unaforma extraña: ¿y si en realidad no ha vuelto y sigue en el escenario,con los ojos cerrados, junto al mago? En este caso, ¿quién es entoncesesta mujer que se parece tanto a Nadia? ¿Puede alguien desdoblarse yestar en dos sitios a la vez? «Es como si Mayorga, a través de supalabra teatral, nos deshipnotizara de la hipnosis real que sufrimosdiariamente». Pepe Viyuela
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Mauthausen. La voz de mi abuelo recupera la historia de Manuel Díaz, exiliado republicano superviviente de los campos nazis. Este monólogo, construido a partir del testimonio real que él mismo grabó antes de morir, nos cuenta su periplo vital desde la sublevación de Franco en 1936 hasta su liberación del campo de concentración de Mauthausen en 1945, tras cinco años allí como prisionero. La voz del abuelo Manuel nos habla de la guerra civil y su paso por el ejército republicano, del exilio, de los campos en Francia y, sobre todo, de Mauthausen: la cantera, Gusen, los partidos de fútbol, los negativos del fotógrafo Francesc Boix, la comida llena de gusanos, los piojos, el frío, el recuento, los andrajos, las muertes por agotamiento, las ejecuciones... Manuel lo relata con la calma y la sencillez del que ha presenciado la atrocidad. Sin alharacas. Sin dramatismos. Sin concesiones. Esta edición se completa con la reconstrucción del testimonio original de Manuel Díaz, con una entrevista a Pilar G. Almansa e Inma González, creadoras de la pieza, y con un estudio introductorio de Alba Saura-Clares.
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Este libro coral es fruto del estudio y la discusión colegiada entre sus autores a lo largo de tres años. Se trata, a la vez, de un libro de crítica (literaria, audiovisual) y de teoría poética. Nuestro objeto de estudio es el universo ficcional de Patria (Aramburu, 2016 HBO España, 2020) y, al hilo de las necesidades de ese estudio particular, hemos revisado e inventado las categorías necesarias para una adecuada interpretación de las obras. Por ejemplo: utilizamos la noción de ''mímesis de vigencias sociales'' -entre ellas, la del silencio- para profundizar en el modo en que la serie y la novela nos permiten revivir y comprender la enrarecida atmósfera que se respiraba en el País Vasco durante los años del terrorismo. La recepción cultural de la inspiradora obra de Aramburu, las lecturas de la novela y de la serie televisiva y la reflexión teórica sobre los mundos posibles poéticos aparecen hermanados en estas páginas con dos objetivos: primero, contribuir a la gran conversación sobre el terrorismo de ETA y segundo, aportar una metodología para explorar y aprovechar el valor especulativo y práctico, las posibilidades de reflexión ética y social, de los mundos posibles poéticos.
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¿Existe una lectura correcta de un texto clásico? Pienso que no, que justamente un clásico es aquel que permite infinitas lecturas, y que es por tanto inagotable. Volvemos a los clásicos porque nos siguen interpelando. Volvemos a Chéjov porque nos habla no tanto de allí (la Rusia prerrevolucionaria) y entonces (finales del siglo xix), como del aquí y el ahora. Cada lectura de un clásico es una nueva prueba, una nueva pregunta que se lanza al texto. Según lo que preguntes, según donde pongas el foco, contesta cosas distintas. Cada lectura que hacemos hoy de un clásico es una conversación con el texto original. Si es así, ¿por qué deberíamos preguntar a un texto solo de una manera? Mi acercamiento es doble. Dos miradas distintas, dos reflejos de mi interés y de mi amor por el Tío Vania original. Ahora pueden leerse aquí los dos acercamientos, las dos miradas sobre el clásico. Dos textos que a veces dialogan y otras se contradicen, que contienen fragmentos repetidos, ecos, que a veces permanecen muy cerca del original, y otras se alejan hasta que casi no queda rastro. Dos caminos entre tantos posibles.
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Nueva antología de Miguel Hernández,uno de los grandes poetas españoles del siglo XXIntroducción de Daniel Aguirre OteizaAntología poética ofrece una cuidada selección de los poemas más famosos y recordados de Miguel Hernández, con muestras representativas de todos los poemarios que el escritor publicó en vida: Peritoen lunas,Elrayo que no cesa, Imagen de tu huella, El silbo vulnerado, Viento del pueblo, El hombre acecha y Cancionero y romancero de ausencias. No faltan, además, los poemas menos conocidos, las composiciones que solo vieron la luz póstumamente o incluso un inédito.Como argumenta el catedrático de Harvard Daniel Aguirre Oteiza en su brillante introducción, el conjunto permite apreciar el valor histórico y memorístico que ha ido adquiriendo esta enorme poesía, al tiempo que nos invita a acercarnos a ella con una nueva mirada desde nuestra posición histórica siempre cambiante.Sobre el autor y su obra:«Miguel Hernández cantaba con su voz de bajo y su cantar era como si todos los árboles cantaran. Como si un solo árbol, el árbol de una España naciente y milenaria, empezara a cantar de nuevo sus canciones».Octavio Paz«Recordar a Miguel Hernández, que desapareció en la oscuridad, y recordarlo aplena luz, es un deber de España, un deber de amor. Pocos poetas tan generosos y luminosos como el muchachón de Orihuela cuya estatua se levantará algún día entre losazahares de su dormida tierra».Pablo Neruda«Uno de los más grandes poetas españoles del siglo XX: nos deslumbran la generosidad y la maestría miméticas, la fiesta de metáforas, ritmos y acentuaciones,la lujuria verbal y la cuantiosa cantidad de prestigiosas constelaciones de imágenes».Félix Grande, El País«El poeta necesario».Buero Vallejo«El poeta consumado de la luz, la oscuridad, el alma, el tiempo, la muerte».Willis Barnstone
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Hem convocat vint-i-cinc signatures per celebrar el bon moment de la dramatúrgia catalana d'aquest primer quart del segle XXI. A partir de la iniciativa de la revista Entreacte, recuperem un format sovint oblidat com és el del teatre breu i recollim les peces que han escrit expressament per a l'ocasió algunes de les veus més destacades de la cartellera actual juntament amb una obra de Josep Maria Benet i Jornet, que tanca el volum a tall d'homenatge. El conjunt dels textos, plantejats amb plena llibertat temàtica i d'estil, constitueix un retrat heterogeni que fa d'aquest llibre un compendi únic de dramatúrgia catalana contemporània.
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En los últimos años, el de María de Zayas y Sotomayor se ha convertido en uno de los fenómenos más notables para los historiadores de la literatura y la cultura áurea, con una obra que ha pasado de observarse como una suerte de rareza a convertirse en lectura obligada en planes docentes de ambos lados del Atlántico. Antaño censurada por la violencia de sus obras y su retrato de ambientes opresivos y relaciones prohibidas, además de amenazada triplemente, como mujer, como creadora de tramas escabrosas y como autora de oculta identidad, hoy, sin embargo, son esas mismas coordenadas las que la llevan a aparecer continuamente en debates de actualidad innegable. ''La traición en la amistad'', cuya trama gira en torno a los amores de un grupo de jóvenes, y en particular en torno al deseo que tres mujeres sienten por uno de ellos, es un ejemplo destacado del legado de esta autora, que utiliza la literatura para satirizar y examinar las relaciones amorosas y de género en su tiempo.
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Quatre amics intenten organitzar-se després que l'empresa on treballen els comuniqui l'obertura d'un ERO. La primera idea és lluitar per defensar els seus llocs de treball. Però realment val la pena? I si fessin realitat aquella idea brillant que van tenir anys enrere i esdevinguessin emprenedors? Fairfly és una sàtira agredolça sobre la precarietat de l'economia, els anhels de futur i les ganes de canviar el món: el retrat d'una generació que lluita per tirar endavant en una societat implacable amb els més dèbils. Joan Yago (Barcelona, 1987) és graduat en Direcció i Dramatúrgia per l'Institut del Teatre de Barcelona. Ha escrit obres de teatre com ara Els ocells (2018), Sis personatges - Homenatge a Tomás Giner (2018), El futur (2018), Fairfly (2017), You say tomato (2016), Sobre el fenomen de les feines de merda (2015), Un lloc comú (2014), Bluf (2014), Aneboda (the show) (2014), La nau dels bojos (2012), L'editto bulgaro (2012), Martingala (2012), República bananera (2012) i Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I (2010), entre d'altres. Ha desenvolupat la major part dels seus textos en complicitat amb la companyia de teatre independent La Calòrica. També és guionista de la sèrie Mai neva a ciutat d'IB3 TV.
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La traducción, el texto que ustedes van a leer, muestra el potencial humano que supondría dejar de hablar el idioma de los hombres en un momento de la historia donde ha empezado a ser sustituido por las imágenes y la inteligencia artificial. Dejar de hablar, como dejó de escribir Lord Chandos, protagonista del libro del escritor austriaco Hugo Hofmannsthal, ''La Carta de Lord Chandos'', porque ya no ve que tenga ningún sentido seguir escribiendo si es para no decir nada y se siente desconcertado ante la incapacidad del lenguaje para seguir dialogando con lo que le rodea. La propuesta e interpretación de Joana Preiss nos permite descubrir que también nosotros necesitamos liberarnos del lenguaje impuesto, deseando que, al mismo tiempo, alguien tenga la capacidad de traducir aquello que expresamos sin palabras para comunicar y ser escuchados, ser traducidos, ser comprendidos. La edición que les presentamos está compuesta de cuatro textos que son la traducción en cuatro idiomas del texto original de la obra ''La traducción''. Los cuatro idiomas son catalán, castellano, francés y el lenguaje creado por Joana Preiss, la mujer de lenguaje indescifrable, seguido de un documento fotográfico que nos permite observar la puesta en escena de la obra y las interpretaciones de la autora y el actor Enric Llort. La lectura de ''La traducción'' en el lenguaje de Joana Preiss nos permite recuperar la fascinación que sienten los hombres y mujeres en dar testimonio de sus vidas y escuchar las que otros narran.
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Con Teatro completo se propone cubrir una laguna existente hasta ahora en la literatura dramática del exilio republicano de 1939 y contribuir al conocimiento cabal de un autor cuya obra narrativa y ensayística es, sin embargo, bien conocida entre nosotros. Con máslibertad que en su obra narrativa, Semprún recurre ensu literatura dramática a gran variedad de referencias literarias intertextuales de sus escritores admirados, a las canciones y a la música, en espacios construidos con escenografías mínimas e iluminaciones expresionistas. Un lenguaje escénico, en definitiva, de redoblada capacidad de impacto en la transmisión de las ideas y los valores representados por sus personajes.
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'' El caballero de Olmedo '' figura entre las obras perfectas de Lope de Vega. Historia, leyenda y literatura se han unido con singular maestría en este drama.La historia de un antiguo crimen cometido en el camino de Medina del Campo a Olmedo se convierte en leyenda y cristaliza en los versos de un cantarcillo popular que Lope recogen el momento culminante de la acción: '' Que de noche le mataron / al caballero, / la gala de Medina, / la flor de Olmedo '' . Tales elementos bastaron para construir una trágica intriga de amory celos, fundiendo leyenda popular y tradición cultay adaptándolo todo a la nueva fórmula teatral inventada por Lope. Así nació esta obra bellísima, colmadade intensa emoción lírica y patético dramatismo en laexpresión de angustiosas vivencias y miedos del hombre ante su destino.
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Atribuido a Tirso de Molina y datado en torno a 1630, El Burlador de Sevilla, pese a todas las polémicas y controversias, tiene el honor de ser el primer hito en la fecunda y fascinante vida de un mito universal: Don Juan. En este drama fundacional se encuentran los tres rasgos que caracterizan la estructura donjuanesca: el héroe transgresor, el grupo femenino y la muerte. invariantes míticas que serán desarrolladas, transformadas o subvertidas, siguiendo cauces de las más diversas poéticas, por su larga y copiosa descendencia. Este héroe mítico, nacido en el corazón del Barroco español y mecido por los aires de la Contrarreforma, contiene, aunque todavía en germen, todos los sentidos que irá adquiriendo con el tiempo: el rebelde social, el seductor, el hombre enfrentado a Dios y su esencial e inevitable encuentro con lo sobrenatural, con la muerte.
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La trayectoria de este autor expresa una permanente voluntad de investigación en el teatro español, sobre todo de los aspectos oscuros de la teatralidad. Ñaque es una lúcida reflexión metateatral que viene a demostrar que la esencia del teatro reside en el encuentro entre el actor y el espectador. ¡Ay, Carmela! se convirtió desde la noche de su estreno en uno de los éxitos de los años 80. Se trata de una crónica sentimental, emotiva y entrañable de la memoria republicana de la Guerra Civil, pero también es un cálido homenaje a la dignidad artística.
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José Zorrilla recreó con deslumbrante maestría una figura de la literatura universal de dimensiones míticas: el personaje de don Juan, que nuestro autor bautizó como don Juan Tenorio. Siguiendo la tradición romántica, Zorrilla situó la acción dramática en la Sevilla del siglo XVI, y siguiendo también a sus modelos creó su versión del burlador de mujeres y desafiador de los muertos. Sin embargo, este don Juan de Zorrilla brilla con luz más intensa: doña Inés consiguió hacer de él, hombre sin escrúpulos, un hombre delicado y amante, y al ligar su destino al del pecador, logró su arrepentimiento póstumo.
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En 1634, un año antes de su muerte, Lope de Vega publicó ''La Gatomaquia'', una epopeya burlesca en siete silvas sobre amores gatunos en los tejados de Madrid. La obrita fue un éxito y los lectores reconocieron en ella la mejor épica cómica de nuestras letras. una pareja de amantes se rompe por la intromisión de un galán pudiente. Las escenas incluyen una célebre batalla de gatos, graciosas bravatas y tremendos desafíos. ''La Gatomaquia'' ofrece este humor (cándido y negro) y mucho más: sátira social y literaria, comentarios metapoéticos sobre la digresión o el ornato, y muchas ácidas reflexiones sobre las ambiciones cortesanas del viejo Lope.
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William Shakespeare es en muchos aspectos uno de los autores más fértiles de la literatura universal. Su obra ha dado una innumerable cantidad de reflexiones, aforismos, pensamientos de gran belleza y versos de enorme fuerza poética. Ángel-Luis Pujante, traductor y estudioso de la obra de Shakespeare, ofrece aquí una valiosa selección de sus citas más importantes procurando reflejar la impresionante variedad de registros que exhibe la obra del bardo inglés. «Nadie ha conseguido aún ser postshakespeareano.» Harold Bloom «En realidad, es Shakespeare quien nos ofrece un mapa de la mente. Es Shakespeare quien inventa la psicología freudiana. Freud encuentra la forma de traducirlo a un supuesto vocabulario analítico.» Harold Bloom
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La dictadora es la obra del intraexilio, que describe la vecindad consuetudinaria entre las familias del destierro. Una convivencia que dio lugar a relaciones amistosas o a enemistades que tienen tanto o más que ver con el transcurrir ordinario que con las ideologías. Así, La dictadora recrea el conflicto generacional, intrafamiliar, del que fue testigo la autora, María José de Chopitea, entre (presuntamente) la intelectual Margarita Nelken, dibujada como «la dictadora», y su nieta Margarita Salas, a quien llamaban Cuqui, con quien vivía. Desavenencias entre ambas motivadas por el noviazgo de Cuqui con el hijo del dramaturgo Cipriano Rivas Cherif, quien fuera a su vez cuñado de Manuel Azaña. La familia Rivas Cherif-Azaña y la familia Nelken presentaban dos líneas políticas dispares, que ocasionaron posturas enfrentadas que se perpetuaron en el exilio incluso, cuando ambas familias, en México, vivieran en el mismo portal y la misma escalera. El conflicto familiar surge porque las nuevas generaciones no quieren heredar diferencias pasadas que les impidan vivir su día a día con desencuentros irreconciliables. María José de Chopitea, la narradora del intraexilio, describe en La dictadora el devenir humano, alejado de idealismos, de la comunidad desterrada. María José de Chopitea y Rossel. La escritora del intraexilio, fue una autora, editora y traductora española nacionalizada mexicana en 1946. Necesitamos romper el olvido y silencio en el que permanece su obra en nuestro país para mostrar la importancia testimonial de sus obras Lazos de infancia (1950), Sola (1959), Guieshuba. Jardín del Istmo (1960), La dictadora (1963), e In Memoriam (1965). Ella describe el devenir de la comunidad exiliada en su día a día: el amor, los excesos, las enemistades y la interacción cotidiana de los descendientes, ya mexicanos. Josebe Martínez es profesora titular en la Universidad del País Vasco. Ha sido profesora titular en California State University. Entre sus obras sobre exilio, además de numerosos artículos internacionales, cabe destacar Las intelectuales, de la Segunda República al exilio (2002, Premio Nacional de Investigación Isidra de Guzmán), Escritoras, guerra civil y memoria (2007), Las santas rojas: exceso y pasión en Clara Campoamor, Victoria Kent y Margarita Nelken (2008), la edición de Mada Carreño Los diablos sueltos (2019), la edición de las obras de Margarita Nelken La mujer ante las Cortes Constituyentes y Maternología y puericultura (2021).
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Tast de clàssics Barcino
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Dramaturgia a partir de la transcripción del juicio realizado a «La Manada», construida con fragmentos de las declaraciones de acusados y denunciante. Un juicio en el que la denunciante es obligada a dar más detalles de su intimidad personal que los denunciados. Un caso que remueve de nuevo el concepto de masculinidad y su relación con el sexo de nuestra sociedad. Un juicio que marca un antes y un después.
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La riqueza temática de La vida es sueño, los conflictos morales y afectivos de los personajes ofrecen un testimonio de su época y forjan una unidad artística de una hondura filosófica y una penetración psicológica que hacen de ella una de las piezas dramáticas más perfectas del teatro universal.
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Las Novelas ejemplares que presentamos en esta edición (Rinconete y Cortadillo, El licenciado Vidriera, La ilustre fregona, El casamiento engañoso y El coloquio de los perros) no solo son las más conocidas, sino que ofrecen un muestrario suficiente y representativo de los temas, motivos y valores que más apasionaron a Miguel de Cervantes, como la defensa de la justicia y de la libertad individual, el motivo de una realidad que dependerá siempre de la perspectiva, la importancia de la autenticidad y la coherencia entre obras y pensamiento, etc.
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Edición de Josep Maria Sala Valldaura.Numerosos contemporáneos afirmaron que en el siglo XVIII no se iba al teatro «por la comedia sino por los sainetes» y que la representación de la obra principal se tomaba «como mero pretexto para los mismos». Transidos de realismo, al arrimo de los problemas sociales y políticos y de las preocupaciones de actualidad, en los sainetes de Ramón de la Cruz se desarrolla la nueva concepción del teatro que abre el camino a la comedia moderna. Para ofrecer una imagen completa y orgánica de la labor del gran sainetero madrileño, J.M. Sala Valldaura edita aquí las piezas más célebres de don Ramón y una amplia muestra de otras menos conocidas o inéditas, partiendo en cada caso de los testimonios más fidedignos y significativos y tomando muy en cuenta las copias con apuntes y acotaciones que permiten la lectura más propiamente teatral de las obras.
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Las tres piezas de teatro que se incluyen en esta Obra completa presentan a mujeres jóvenes que se tienen que enfrentar a un mundo lleno de violencia, alcoholismo y exclusión, reflejando la dura cotidianidad de los barrios obreros de los años setenta y ochenta donde la precariedad y el paro de la era Thatcher hacía estragos. En The Arbor, Rita, Sue and Bob Too (obra que fue adaptada al cine) y Shirley el universo de Andrea Dunbar se muestra al completo: el vecindario en decadencia, el padre maltratador que se tambalea borracho desde el pub local y la hija adolescente y descarada que intenta escapar de esa vida. El prólogo de Ángel Mirou nos da una perspectiva más amplia sobre la fugaz pero intensa experiencia vital de Andrea Dunbar. «Pero Andrea tenía algo que no tenían otras chicas: talento. Andrea era una chica de quince años que acababa de dar a luz a un bebé muerto cuando descubrió el mundo del teatro. Tuvo la fortuna de dar con un profesor en su instituto que adivinó en ella una inteligencia que no encajaba en los patrones medidos por los exámenes de la enseñanza secundaria británica. El profesor le encargó como ejercicio escribir una pieza teatral». -Ángel Mirou En Barrett descubrimos a Andrea mientras veíamos el documental The Arbor tumbados en el sofá. No pudimos esperar ni un segundo para recopilar sus tres obras de teatro y hacer este libraco.
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Mi adorado Juan, de Miguel Mihura (9788468213484).De la colección Aula de Literatura de Vicens Vives, para Lengua y literatura de Educación Secundaria Obligatoria.
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Romeo y Julieta, de William Shakespeare (9788467016901).Ángel-Luis Pujante destaca en esta edición la fuerza poética y retórica de Romeo y Julieta. Los juegos de palabras, la coexistencia de prosa y verso, de lo culto y lo coloquial, de lo lírico y lo dramático contribuyen a intensificar los contrastes de la acción. Clara Calvo ofrece en el Apéndice una rica documentación complementaria y unas sugerentes propuestas que ayudan a enriquecer la lectura de esta obra capital de la literatura universal.
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Parte de lesiones reúne cinco ficciones teatrales de María Velasco cuidadosamente escogidas, todas ellas estrenadas entre 2014 y 2021:Escenas de cazaLa espuma de los díasLíbrate de las cosas hermosas que te deseoLa soledad del paseador de perrosTalaré a los hombres de sobre la faz de la tierraY un apéndice que recoge tres textos breves a modo de rasguños, esguinces, torceduras. Es decir: Agora(fobia), Suite TOC Núm. 6 y FAM.Diferentes mundos en uno solo de una autora de culto que transitan entre lo narrativo y lo dramático, lo sintomático y lo patológico, la curiosidad, el gozo. Un despliegue de múltiples vértices para abordar sin rodeos qué sentidos atraviesan hoy cuestiones como la familia, la tradición, el duelo, el dinero, la intimidad, la autocensura o el colonialismo en las relaciones sentimentales…Así, con un humor, a veces sombrío, y una inteligencia cortante, María Velasco escribe historias abiertas en canal en las que conviven tanto los extremos como su punto medio, momentos de reflexión y de furia. O, como lo expresó Alejandra Pizarnik, con cuya poética dialoga este libro: «He aquí lo difícil, caminar por las calles y señalar el cielo o la tierra».
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Antón Paulovich Chejov es el gran analista de la vida social y política rusa en las últimas décadas del siglo XIX. Por sus más conocidas comedias: El tío Vaina, La Gaviota y El jardín de los Cerezos, constantemente representadas en los teatros del mundo, no es exagerado asegurar que puede clasificársele como creador del teatro contemporáneo.
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Aquí duermen ciervos aúna diferentes puntos de vista y lenguajes para abordar la crisis política y humanitaria de la inmigración en Europa. En el verano de2019, el Open Arms permaneció a la deriva frente a la costa de Lampedusa durantediecinueve días. Partiendo de dicho suceso, esta obra ofreceuna reflexión sobre el uso de las redes sociales, laeducación y el derecho a una vida digna. Y lo hace con voluntad poética.
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La obra refleja las inquietudes, angustias, ilusiones y aspiraciones de la juventud española en la década de 1980. En el garaje de un chalet situado a las afueras de una ciudad española indeterminada, se reúnen un grupo de muchachos que apenas acaban de superar la adolescencia. En ese escenario tendrán ocasión de conversar sobre los temas que les preocupan.
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Don Juan Tenorio es sin duda la obra más popular del teatro español del siglo XIX. Su argumento responde plenamente al modelo de teatro romántico de la época: misterio, duelos, desafíos, escenas nocturnas, raptos, enigmas, muerte, el mundo de ultratumba…, La obra está ambientada en el siglo XVI, en Sevilla, y tiene como protagonistas a don Juan, prototipo universal del hombre seductor y libertino, y a doña Inés, que simboliza el amor puro e idealizado del Romanticismo. Desde su estreno en 1844, Don Juan Tenorio, convertido ya en un clásico, se representa todos los años en alguna localidad española.
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Cimbelino és una de les grans obres del període final de William Shakespeare. L'obra va ser ja en el seu moment una de les preferides de grans escriptors com Bernard Shaw (que fins i tot va rescriure l'obra al seu deliciós Cymbeline refinished), Tennyson o Lytton Strachey. Recentment redescoberta per la crítica anglosaxona, en ella Shakespeare desplega ja els recursos dels quals es va servir per a les seves altres dues obres de suprema maduresa: La tempesta i el Conte d'Hivern. Les tres juntes formen el gruix dels anomenats romanços shakespereans, obres noves en què experimenta amb nous recursos i formes dramàtiques. A Cimbeli observem el gust per la sofisticació i les ostentació imaginatives portades a l'extrem: l'artifici teatral en la forma més joiosa. Ambientada en una Britània preromanitzada vagament irreal, les convencions del conte de fades, les intrigues pel poder i el tema etern de la gelosia i la fidelitat amorosa s'entreteixeixen amb virtuosisme genial fins a arribar al veritable gran final de l'última escena: en només quatre-cents versos se succeeixen més de vint revelacions d'identitat i escenes de reconeixement. Abans, però, els personatges (i l'espectador/lector amb ells) hauran presenciat prodigioses aparicions divines, visites de fantasmes, enverinaments i batalles. Presideix totes les peripècies la bella figura d'Imogènia, princesa de Britània, que sobresurt per dret propi a la supèrbia galeria de personatges femenins imaginats per Shakespeare i que per a Wordsworth era, ni més ni menys, «la dona per sobre de totes les dones de Shakespeare».
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Con este libro desembarca en la Biblioteca del Exiliode la Editorial Renacimiento una de las voces más singulares del exilio republicano, el argentino-gallegoLuís Seoane (1910-1979), artista, editor y escritor.Hijo de emigrantes gallegos nacido en Buenos Aires,Seoane se desplazaría de niño a la tierra de su familia para vivir allí dos décadas y acabar exiliándose ala capital argentina. Figura relevante en la modernidad artística argentina de mediados del siglo XX, mantuvo siempre viva la llama de su amor por la culturagaleguista, a la que no paró de contribuir con diferentes iniciativas periodísticas, editoriales y artísticas. Su ciudadanía múltiple fue una puerta abierta acohabitaciones, pero también a alteridades, como lasderivadas de la sensación de desalojo de la historiaproducida, a mediados de los años cincuenta, por doslargas décadas de exilio. En ese momento, Seoane recurrió a la escritura dramática para metabolizar un presente agreste y el resultado son los dos valiosos textos presentados en esta edición, La soldadera (1957)y El irlandés astrólogo (1959), publicados en editoriales porteñas especializadas en teatro, pero siemprecon un ojo apuntando hacia el presente y el pasado desu añorada Galicia. Pablo García Martínez (Arzúa, 1985) es investigador postdoctoral de la Fundación Alexander von Humboldt, con residencia en la Friderich-Alexander Universität (Alemania). Doctor en Culturas Latinoamericanas, Ibéricas y Latinas por la City University of New York (CUNY), ha publicado artículos en el Bulletin of Hispanic Studies, el Journal of SpanishCultural Studies o la Revista Hispánica Moderna, entre otras revistas. Ha presentado su investigación encongresos, así como en conferencias ofrecidas por invitación, organizados en Columbia University, HarvardUniversity, Johns Hopkins University, Oxford University, University College Cork, la Universidad Complutense de Madrid o la Universidade de Santiago de Compostela, entre otros centros de referencia a nivel internacional. Ha comisariado la exposición Modernidades diverxentes. Seoane, Ver y Estimar, activa en la Fundación Luís Seoane entre enero y abril de 2021. Es autorde Un largo puente de papel. Cultura impresa y humanismo antifascista en el exilio de Luís Seoane (2021).
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No ha sido el teatro lo que convirtió a Mercè Rodoreda en la voz femenina más poderosa de la literatura catalana de todos los tiempos y, sin embargo, su delicadeza, su estilo sinuoso, su sensibilidad también laten en estas obras. Cuatro piezas incluye esta edición, en realidad, cuatro mundos completamente diferentes: Doña Florentina y su amado Homero, nos invita al salón de unas vecinas, amigas tiempo atrás, donde Zerafina, la criada, al fin ha encontrado su lugar en el mundo, por otro, los vagabundos de El maniquí nos describen el ambiente de marginación en que viven y nos recuerdan que, pese a todo, tienen derecho a soñar en una vida pasa, tal vez inventada, pero mucho mejor, El hostal de las tres camelias nos propone una mirada al drama rural, protagonizado por unos personajes, paradójicamente, típicos pero no tópicos, desde el punto de vista de una sordomuda que se ve obligada a hablar, y, finalmente, en Un día nos adentramos en escenarios que reconocemos como propios de Rodoreda: la casa barcelonesa de Teresa Goday, a quien aquí nos presenta con el nombre de Caterina. Como en el conjunto de su obra narrativa, Rodoreda observa atentamente el comportamiento de sus personajes, reflexiona sobre su condición de manera desinhibida, y entre la risa y la alegría puede devenir en dolor y llanto conmovedor, o viceversa. En suma, este Rosas de fuego es una joya no sólo de la dramaturgia, sino de la literatura en general, y al fin el lector puede disfrutar de una nueva edición con una maravillosa traducción en español.
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Un vespre d’intensa pluja, una dona més aviat rude i un jove especialment immadur arriben per motius d’entrada inexplicables a la remota cabana on viu en Salvador, El Sibarita de la Pluja, un vell entranyable tocat per un misticisme singular.A conseqüència de les condicions meteorològiques i de la geografia de l’indret, els tres personatges queden aïllats i han de conviure onze dies en aquell petit univers que ha creat en Salvador: una roca encimbellada on medita, una esplanada amb un gos enterrat a qui parla, una passera submergida que potser el riu s’ha endut i una cabana amb infinitat de cites d’autors il·lustres gravades a les bigues del sostre.Amb el pas dels dies, sorgiran tensions, es teixiran complicitats, es descobriran secrets del tot inesperats i, sobretot, es faran reflexions sobre la joventut i la vellesa, la inadaptació, la fugida, la solitud, el límit de la bogeria, la convivència amb la natura, la saviesa, la creativitat, el pas del temps, la mort… I la recerca contínua en un món en canvi constant.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
