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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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PREMI DE TEATRE CIUTAT D'ALZIRA PALANCA I ROCA Què fan, en una casa vella que té un pati amb una figuera, un invàlid en cadira de rodes, una cega i un sordmut? No, no és cap acudit macabre. Tampoc és una pel·lícula o una novel·la d'intriga. Però Iceberg permet humor i misteri perquè és un calidoscopi de fragments vitals que, amb molt poques peces, sembla haver estat encaixat perfectament per un guionista sorneguer de cinema negre per a sorprendre'ns al màxim. És una faula actual sobre uns personatges en decadència i a la deriva, sobre la mentida, la veritat, l'aparença, la realitat, el canvi de valors, la deshumanització...
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Es una colección compuesta por grandes clásicos de laliteratura universal, pensada principalmente para estudiantes del ciclo de secundaria. La mayoría de lostítulos incluye una breve introducción histórica y literaria, una presentación del autor y de la obra, lasnotas más relevantes en el texto escogido y una propuesta de actividades para el aula.
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Aunque en España se considera que las dos obras representativas de Calderón son La vida es sueño y El alcalde de Zalamea, para la historia del teatro universal su obra clave es El príncipe constante. La importancia de este drama histórico parael teatro europeo la tienen tres personajes esenciales en el teatro contemporáneo: el alemán Goethe, el ruso Meyerhold y el polaco Grotowski. No hay ninguna otra obra de Calderón que haya resultado tan esencial para la renovación del teatro universal, desde el Teatro Espectáculo de Goethe en Weimar, la Biomecánica deMeyerhold y el Teatro Pobre de Grotowski. El texto teatral de Calderón nos muestra el camino hacia el heroísmo a través de la extenuación física y la resistencia paciente frente a la tortura. Nos muestra también(tema muy calderoniano) la defensa de la libertad como experiencia y elección individual consciente frente a las imposiciones de la Razón de Estado.
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Friedrich Schiller comenzó a escribir ''Los bandidos'' cuando apenas tenía diecisiete años y era alumno de la Academia Superior Militar. Esta institución, máxima expresión de un absolutismo ilustrado en su versión más represiva, acogía en su seno a los jóvenes más capacitados del reino, rigurosamente seleccionados para ser formados en carreras técnicas y administrativas, con el fin de crear una reserva de talentos destinados a trabajar en los más altos puestos del estado. Los incidentes que se produjeron durante el estreno de la obra y la insostenible situación que le creo al autor llevaron a Schiller a dar el amargo paso del autoexilio y abocaron, sin embargo, a ''Los bandidos'' a una carrera teatral imparable. ''Los bandidos'' se inscribe en las tendencias dramatúrgicas de la Ilustración y del ''Sturm und Drang'', con un lenguaje provocativo y en ocasiones soez. Pero también tiene muchos rasgos extemporáneos que están en claro contraste con esas dos tendencias: la falta de naturalidad y espontaneidad, el patetismo que a veces roza el ridículo, rasgos escénicos regresivos que combinados con las más radicales manifestaciones fundamentan y configuran el rango extraordinario de esta historia de dos hermanos enemigos y antagónicos, unidos, sin embargo, por el enfrentamiento con el padre.
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Casona, crítico siempre de los males de la sociedad civilizada -delmundo urbano- utiliza el tema del suicidio como telón de fondo delasunto central: la felicidad e infelicidad en dos hermanos, en dos seresa quien el destino se muestra con doble faz, como Jano. La justicia oinjusticia nada tiene que ver con el corazón ni con los sentimientos quepresiden las relaciones entre los humanos. En la obra todo sirve a unaidea central: la exaltación de la vida, el rechazo del suicidio. No haynada que lo justifique porque fuera está la naturaleza, encarnada en laprimavera, con toda su potencia, con toda su savia que reanima losdeseos de gozar.
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Presentamos una edición de «El burlador de Sevilla y convidado de piedra», de Tirso de Molina, un gran clásico del teatro del siglo de oro español, en que aparece el mito de don Juan. Tal como apunta la profesora Lola Esteva de Llobet, la autora del estudio introductorio de esta edición, «uno de los grandes aciertos del teatro de Tirso es la creación de caracteres y de perfiles psicológicos en la configuración de los personajes, consiguiendo una variada galería de caracteres individuales [...]. Respecto a don Juan, Tirso se muestra inmisericorde, no obstante, la popularidad y desfachatez del libertino sevillano le convierten en mito».
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Inspirado en el bohemio Alejandro Sawa, Luces de bohemia, el magistral esperpento de Valle-Inclán, narra las últimas horas de la vida de Max Estrella, un «hiperbólico andaluz, poeta de odas y madrigales» ya anciano, miserable y ciego que gozó en algún mom
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Antes de arrojarse por la ventana del cuarto piso de su edificio, la octogenaria Helene Engel tiene una última voluntad: entregar un misterioso manuscrito a uno de sus vecinos. Es lo único que escribió en vida, una confesión extraordinaria titulada Mine-Haha que narra la vida de una joven huérfana desde su nacimiento hasta la pubertad. Sus primeros años los pasa en un orfanato mixto, en el que los niños mayores se hacen cargo de los recién nacidos abandonados a las puertas del lugar, y más tarde en una institución exclusivamente para niñas en la que el modo de vida es rutinario y rígido: las jóvenes se dedican a la gimnasia, al teatro, a las artes y a la danza, pero en ningún caso se trata de una existencia idílica. Algo hay de inquietante entre los muros de ese hospicio: las jóvenes sufren un aislamiento absoluto y se ven sometidas a una disciplina física rigurosa por parte de sus maestras. Todo ello con el fin de protagonizar su peculiar debut una vez alcanzada la pubertad.
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¿Qué relación hay entre voluntad y fe? ¿Qué hace que algo sea verosímil? ¿Qué papel ocupa la voluntad en la sugestión? El dramaturgo y director de escena Pablo Messiez escribe y dirige La voluntad de creer, una obra que toma como punto de partida Ordet, la película de Dreyer, para aproximarse a la muerte y la resurrección. Como protagonista encontramos al menor de una familia de hermanos que sostiene ser Jesús de Nazaret. Sus hermanas consideran que ha enloquecido por exceso de lecturas de Kierkegaard.Un texto teatral que desea sobre todo poner el foco en el rol del espectador como dador de sentido, condición que solo será posible en tanto se cuente con la voluntad de creer. Sin olvidar que, como dice el personaje de Paz, la hermana poeta, nadie cree solo.Con apéndice en forma de álbum fotográfico de Juan José Rodríguez.
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Sobre las tablas tres hombres: un narciso, un conservador, un tibio. Irrumpe en escena una pintura moderna, provocativa, indescifrable y cara. Así es ella, igual de blanca que las gélidas rubias de Chandler a las que nadie puede acercarse demasiado porque se encuentran lejos, siempre distantes, sumidas en la lectura de La tierra baldía u otra obra semejante. Por supuesto, la lógica tribal que rige la amistad del cerrado grupo de observadores convertirá la nueva pieza en el enemigo perfecto.El diálogo se enredará entonces como una espiral para remover las aguas límpidas de una amistad que pronto se enturbia con los rencores, miedos y ansiedades que van aflorando a la superficie. De este modo, mucho más que cuestionar el mercado o sopesar cómo se adquiere el gusto, Arte trata sobre todo aquello que no nombra directamente. Y me recuerda que hablar de pintura es la forma más rápida de conocer a la gente y que el arte es el detector de mentiras más eficaz.María GainzaIlustración de cubierta Antrios
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Cuando Dios Padre inventó la eternidad, no imaginó que podría llegar a hacérsele bastante pesada: siempre lo mismo y, sobre todo, siempre la misma música celestial. Hasta que un día el azar le obligó a buscar un músico que renovase la caduca armonía eterna. Entonces descubrió que otros dioses y algunos humanos ingeniosos habían desarrollado a lo largo de los siglos muchas posibilidades de jugar con los sonidos. Quedó maravillado con lo que pudo escuchar e inmediatamente quiso contratar para su paraíso al músico capaz de componer una música eterna, así es que convocó unas oposiciones que resultaron históricas por la calidad de quienes se presentaron a ocupar el prestigioso puesto para lo que quede de eternidad.La farsa imaginada por Pepe Rey se mueve entre las bromas y las veras, resultando tan recomendable para chicos como para grandes. El viejo ideal horaciano de ''enseñar deleitando'' se materializa en un texto entre erudito y burlón sazonado con humor inteligente.
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En «Medida por Medida», la risa y la náusea son elementos que van a desempeñar papeles cruciales. La risa es el contrapunto de lo que técnicamente podríamos denominar «náusea» (el proceder de los personajes del estamento del Poder). Risa y náusea forman así dos bloques complementarios, quedando afianzado cada uno por la eficacia del otro. Difícilmente podríamos tolerar la presencia de la náusea sin el equilibrio estético que aporta la risa. Difícil sería también advertir la presencia de una sin la respuesta de la otra. La referencia bíblica del texto nos informa de que estamos ante una obra de venganza. No soportar la felicidad de los demás, castigar con la muerte a los otros por sentir lo que uno mismo siente, juzgar a los demás por lo que uno mismo podría ser juzgado. Es la venganza del impotente, del hipócrita. Por eso, la sola idea de dos jóvenes que se aman -Juliet y Claudio- no puede ser asumida por los responsables de restablecer el orden moral en Viena. Pero Shakespeare siempre lo arregla todo, siempre encuentra una fórmula de salida, cuando los caminos teatrales que nos conducen al odio parecen cerrarse.
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Joan y Laia, una joven pareja en crisis, viajan desdeBarcelona hasta un pequeño pueblo del sur para asistir al entierro del padre del primero, del que nada hasabido en toda su vida. Cruzarán el país para unir las piezas de un relato del que inevitablemente formanparte. Una historia ocurrida antes del nacimiento deJoan y que tiene como escenario las últimas minas deplomo de Jaén. En la tierra rojiza del sur esperan otros hombres y mujeres para contarnos su historia: Emilia, Antonio, Beatriz y Samuel. Ahora tan sólo quedan una pequeña piedra y una carta como herencia aún ininteligible. Éstas son las pistas que Joan y Laia seguirán para tratar de comprender la geometría familiary así quizá poder empezar de nuevo.
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William Shakespeare, dramaturgo y poeta inglés, ha sido considerado uno de los más grandes escritores de todos los tiempos. Su andadura como dramaturgo comenzó tras su traslado a Londres, donde rápidamente adquirió fama y popularidad en su trabajo. Si bien algunos de sus poemas están entre los grandes de la poesía anglosajona, ha sido su actividad como dramaturgo la más reconocida. Su obra es un exquisito compendio de los sentimientos, el dolor y las ambiciones del alma humana, donde destaca la fantasía y el sentido poético de sus comedias, y el detalle realista y el tratamiento psicológico de los personajes en sus grandes tragedias.
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Luces de bohemia es considerada la obra más representativa del esperpento , un género en el que Valle-Inclán presenta personajes grotescos y animalizados, similares a títeres o máscaras, con argumentos violentos y desagradables y una visión ácida y crítica de la naturaleza humana. Un singular retrato de la bohemia canalla y genial que proliferó a principios de siglo XX en ciudades como Madrid, en el contexto de una España convaleciente de los recientes desastres militares y los horrores de la Primera Guerra Mundial. (Edición de María Teresa Pasero Montero)
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Dentro de la producción dramática de Lope de Vega, esta comedia se enmarca en el llamado ciclo de senectute, comprendido entre 1627 y 1635. Setrata de un periodo convulso para el autor, quien, acosado por desgracias y enfermedades familiares, buscaba sin conseguirlo una relación de mecenazgo o un puesto en la corte. Uno de los rasgos más característicos de su producción de estos años es el cultivo de lamateria palatina, a la que pertenece La boba paralos otros y discreta para sí, una obra dotada deuna comicidad más mesurada que la de etapas anteriores y de una ambientación basada en los conflictos quesurgieron en el seno de la nobleza italiana por el ducado de Urbino, a principios del siglo XVI. En estedesdibujado ducado italiano, a medio camino entre lafantasía y la historia, vive nuestra protagonista, Diana, una joven audaz y criada en el campo que, tras descubrir que es hija natural del duque de Urbino, sefinge boba con el objetivo de reclamar el título de duquesa que le corresponde legítimamente. Para conseguirlo, tendrá que sortear las asechanzas de su prima Teodora, su rival en la carrera por el ducado, y actuar con astucia en una corte representada en la comediacomo un nido de cortesanos codiciosos e hipócritas.
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Marina está sola en medio del mar a bordo del Peter Pan. Acostumbrada a viajar en el asiento de copiloto y a no decidir ni el rumbo ni las maniobras de su propia vida, realiza una travesía hacia Tánger con el fin de cumplir el último deseo de su pareja. Pero Óscar ya no está aquí para guiarla y el viaje se convertirá en una auténtica odisea. Los sueños recuperados, la lucha contra los elementos, la pelea por la libertad y el recuerdo de Óscar hacen a El síndrome del copiloto heredera del espíritu de El viejo y el mar, La Odisea, Cinco horas con Mario y Magnolias de acero en su reverso más luminoso. Adaptación teatral libre de la novela Mujeres que compran flores «Una historia que llega. Todo es tan cercano, tan auténtico que duele. Un recordatorio de lo mucho que podemos conseguir si nos arriesgamos. Una lectura para recordar». Papel en blanco «Se trata de una historia emotiva y tremendamente sentimental, con un texto plagado de frases hermosas, motivantes y reflexivas». Regina Sotorrío, Diario Sur «Una emocionante adaptación del best seller Mujeres que compran flores». Revista Godot
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Molière (1622-1673), nascut Jean-Baptiste Poquelin, va ser actor, dramaturg, director d'escena i productor i se'l reconeix com un dels més grans autors de teatre de la literatura universal. Transformador del gènere de la comèdia, les seves obres satiritzen amb gràcia i perspicàcia insuperables la societat francesa, les passions humanes i els costums del moment i li valen un immens èxit popular que no li impedeix esdevenir també el comediògraf protegit de Lluís XIV. I ala seva mort, de la fusió de la seva companyia i la de l'Hotel de Bourgogne sorgeix la Comédie , la traducció de les seves obres al català, tot i haver començat al segle XVIII, ha estat irregular i insuficient. Per celebrar el quart centenari del naixement de Molière, reunim en un volum les traduccions de Miquel Desclot de les seves obres Amfitrió, El banyut imaginari, Don Juan, Les melindroses ridícules, i n?incloem tres que ha emprès especialment per a aquesta ocasió: dues de les sàtires més serioses de l'autor, El Tartuf i El misantrop, i la comèdia-ballet El burgès gentilhome. Amb el virtuosisme, la riquesa expressiva i la musicalitat que li són característics, Miquel Desclot dona unes versions fidels i memorables en vers i en prosa, una extraordinària reivindicació del comediògraf més important des d'Aristòfanes.
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Amb Els dos cavallers de Verona, una de les seves primeres obres, escrita entre 1591 i 1595, Shakespeare va iniciar el gènere de la comèdia romàntica, en què ell mateix hauria de descollar després amb algunes de les seves peces més celebrades. Després de basar-se -com en moltes altres de les seves obres- en llegendes urbanes, aconsegueix barrejar el toc anglès, animat a la recerca dels proscrits. Una excel·lent obra de l'autor, que ens mostrarà els seus inicis i ens permetrà fer una autoavaluació de la seva evolució a la comèdia romàntica.
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La mezcla de lo serio y lo cómico constituye uno de los puntales característicos de la comedia española que bien supo anotar Lope de Vega en su Arte nuevo de hacer comedias. Una combinación que traspasaba los límites del drama escrito para conformar la médula de lafunción teatral desde el siglo xvi hasta el xix, donde en alternancia con la obra principal ?una obra seria? se incluían piezas breves ?obras cómicas? entre jornada y jornada. En este ensayo, el autor nos acercaa la cultura teatral peninsular desde la perspectivaburlesca. El estudio diacrónico de la parodia en laliteratura dramática española de los siglos xviii, xix y principios del xx es, pues, el objeto de análisisy estudio de este capítulo de la historia del teatroen España, cuyo compendio encontramos en el Manolo (1769), de Ramón de la Cruz, y La venganza de don Mendo (1919), de Pedro Muñoz Seca, que abren y cierran dicho ciclo. De carcajadas, complicidad con el auditorio, excelencia artística y diálogo con los clásicos ?un diálogo de broma? es de lo que trata este libro. Habla de esta forma de entender los escenarios, desde la modestia de unos textos humildes cuya única pretensión era hacer reír al espectador con lo que antes lohabía hecho llorar. Porque era ahí, en esos contrastes entre lo alto y lo bajo, en esas caricaturas del teatro grande, hipérboles llenas de bobos, simples, graciosos, pícaros, gitanos, ridículos antihéroes ?gentes siempre marginales?, donde se refugiaba una parte de la esencia misma de la tradición escénica peninsular, tan presente desde sus mismos orígenes celestinescos. Finalmente, este libro se propone como un ensayode catálogo abierto, que se acompaña de una cronología que atiende no solo a los grandes movimientos literarios de estas dos centurias, sino también a las importantes transformaciones en el sistema de producciónque sufre el espectáculo dramático en ambos siglos ysu epígono hasta las primeras décadas del xx, esto es, la fractura de los dogmas neoclásicos, la apariciónde la burguesía como público y el teatro por horas.
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Nos encontramos ante una reescritura rebelde de Las bacantes de Eurípides. En esta versión el escenario se convierte en el salón de una casa en un lugar indeterminado del Japón contemporáneo y por él desfilan un ama de casa asidua a los happening bars, una bestia a la que esta mujer creó a través de inseminación artificial, el coro atormentado de las almas de las vacas lecheras y hasta un perro papillón comprado por capricho.
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Con la creación del personaje de Ubú, Alfred Jarry (1873-1907) dio forma genialmente al emblema del ser humano egoísta, mediocre, despreciable y mezquino que suele abundar en las fangosas aguas del poder y pulular en ellas siempre atento a su medro y a su perpetuación, sin importar quien caiga en el camino. Situada ficticiamente en Polonia (lo que equivale, a decir del autor, a «en ninguna parte» y en todas), «Ubú rey», obra bufa, sátira implacable y guiñolesca válida para todo tiempo y lugar, se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes clásicos de la literatura que brillan como perpetuo azote de los que mandan y de los que aspiran a mandar. La presente edición incluye varios textos fundamentales que aportan datos relevantes sobre los primeros pasos de la obra y la dramaturgia del autor. Versión de Wenceslao-Carlos Lozano
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El futur. La noia jove coneix l'home estranger. Podria no haver passat, però passa. L'home estranger fuig del seu passat. La noia jove fuig del seu futur. L'home estranger vol anar a Estocolm per trobar-se amb algú, però hi ha problemes. De burocràcia. I de fronteres. L'home elegant assaja un discurs. La dona sueca parla en futur. La noia jove s'acaba de treure el carnet de conduir i vol fer alguna cosa perquè el seu pare s'enfadi de veritat. I justament fa tres dies que l'home elegant s'ha comprat un cotxe nou.Tota aquesta història podria no haver passat, però passa. Ha passat. Passarà. El futur és aquella cosa que, quan arriba, deixa d'existir. Es pot fugir d'allò que encara no existeix? Existeix la síndrome d'Estocolm?
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El 25 d octubre de 1971 se celebrava el norantè aniversari de Picasso. L artista malagueny era considerat el gran exponent universal de la modernitat artística i emblema de l exili i la resistència antifranquista. Palau i Fabre havia esdevingut el gran biògraf Picasso. A més dels llibres que li va dedicar i publicar aquell any, Palau i Fabre li volgué fer un regal: l'obra de teatre ''Homenatge a Picasso''.
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El castigo sin venganza se ha convertido con pleno derecho en un clásico esencial de nuestro teatro.Inspirada en un caso real, El castigo sin venganza es una pieza trágica sobre el amor, el honor y el peso de las convenciones sociales. El duque de Ferrara, acostumbrado a llevar una vida disoluta, contrae matrimonio con Casandra a la que no tarda en abandonar para seguir con sus correrías nocturnas. Mientras, entre la joven esposa y Federico, el hijo bastardo del duque, va creciendo el amor que los arrastrará a un inexorable destino.Empeñado en que nadie le discutiera su trono como el mejor autor teatral de la época, un sexagenario Lope de Vega puso todo su empeño en dotar a esta obra de una gran riqueza temática, rítmica y formal centrada en sus tres personajes protagonistas. El resultado es un de las mejores tragedias del teatro europeo.
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L'obra tracta de la vida del Rei Enric VIII des de la seva situació conjugal amb la seva primera esposa Caterina d'Aragó fins al baptisme de la seva filla Isabel I, la mare del qual va ser Ana Bolena. El seu regnat va acabar quan ell tenia només 66 anys, abans de ser coescrita aquesta obra. A la trama principal, la religió és l'oficial a Anglaterra, encara que cal esmentar que l'argument finalitza sense cap referència explícita. A tota l'obra es troben diàlegs relacionats íntimament amb temes polítics i religiosos, condemnes a La Torre, confabulacions, etc.
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Este lujoso estuche recoge la edición de Akal de la obra completa de Federico García Lorca bajo la dirección de Miguel García-Posada. En él se incluyen todas las obras de poesía, teatro y narrativa con las que el genial escritor malagueño ha deleitado a todos los públicos: mitificado, exaltado, idealizado y, a veces, en siniestra contrapartida, grave, indecentemente vilipendiado, encontrará aquí el lector la obra completa de un autor cuya popularidad inmensa no ha dañado jamás su calidad.
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Mantener los textos en su integridad no es respetarlos, sino lastrarlos con el peso del tiempo, pero alterarlos sustancialmente y hacerlos irreconocibles es una práctica que debe ser declarada. Pasar un texto nuevo como una simple adaptación del original de otro autor es inadecuado. Todos los escritores se inspiran unos en otros. Pedro Víllora nos presenta en este libro algunas adaptaciones que son deudoras de la pragmática, cada una responde a necesidades diferentes que han exigido soluciones y procedimientos distintos. Desde el «Auto de los Reyes Magos» hasta Lope de Vega y Calderón de la Barca, desde Molière hasta Ibsen pasando por Pardo Bazán, Musset, Maupassant o Lovecraft, el autor nos introduce en un mundo de reescrituras demostrando que es uno de los principales artífices en nuestro país en este ámbito.
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Puños narra la lucha por la reconquista de una misma.La trama se va desvelando como un edificio construido de manera que toda su parte interior se pueda ver desde un solo punto. Es decir, una especie de panóptico que permite observar, a modo de partitura, una historia de amor tóxica, desde el momento inicial del encuentro hasta la ruptura, contada desde la perspectivade una mujer que busca un sentido a la relación queha vivido. Tres voces (Tú, Yo, El) con sus respectivas fugas y choques que hacen latir corazones, palabrasy cuerpos en cinco movimientos cardinales: Oeste, Norte, Sur, Puntos y Este.
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«Hay cosas encerradas detrás de los muros que no pueden cambiar porque nadie las oye». Una novia no acude a su boda. Una campesina no logra quedarse embarazada. Una viuda impone a sus cinco hijas su riguroso luto. Las mujeres que protagonizan estos dramas rurales buscan a la luz de la luna un arroyo en la tierra árida del matrimonio, la maternidad y la viudedad, pero solo desentierran violencia, soledad y silencio. La Trilogía rural de Federico García Lorca, compuesta por Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) y La casa de Bernarda Alba (1936), es uno de los mayores hitos de la literatura española. En las miradas que ha ilustrado Javi Cohen para esta edición brilla como en las propias obras la pasión, la venganza, la culpa, la desesperación y, por encima de todo, la represión de la mujer en la España rural de principios del siglo XX. «Lorca es un pozo sin fondo». - Ian Gibson
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Michel Marc Bouchard es uno de los dramaturgos más prestigiosos de Canadá. En esta edición de Teatro reunido, avalada por el autor y traducida por Helena Tornero, se recogen seis de las obras más celebradas de sucarrera y con las que ha cosechado grandes éxitos depúblico y crítica a nivel internacional. Su teatro ha sido representado en los principales coliseos latinoamericanos. Cuenta con numerosos premios y ha sido llevado al cine en varias ocasiones. Su obra, de una fuerte intensidad dramática, pivota entre el deseo y la violencia así como entre la confrontación de dos mundos, el rural y el urbano. Ha sido traducido al inglés, al italiano, al alemán, al portugués y al japonés. En 2018, Punto de Vista Editores publicó Historia de una oca. Este volumen contiene: Flor de lis o ensayo de un drama romántico Las musas huérfanas El caminode los pasos peligrosos. Tragedia de carretera Tom en la granja Cristina, la reina hombre La divina ilusión
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Con motivo del centenario del nacimiento de Arthur Miller, reunimos enun volumen las cinco piezas teatrales más importantes del dramaturgo:Todos eran mis hijos (1947), Muerte de un viajante (1949), Las brujas deSalem (1952), Panorama desde el puente (1955) y Después de la caída(1964). En las obras que integran este volumen, Miller abordó lasconflictivas relaciones entre padres e hijos, y entre maridos y mujeres,así como la necesidad de vivir según unos principios morales y de asumirla responsabilidad social e individual que a cada hombre le toca, y entodas ellas supo reflejar las frustraciones de la sociedadcontemporánea.
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Sergi Belbel es uno de los dramaturgos contemporáneos más importantes en catalán y español. En su teatro predominan la parodia, el humor negro y lo cómico, aunque siempre ahonda en las relaciones interpersonales y en los problemas cotidianos de la gente. Belbel es capaz de presentar situaciones extremas con una naturalidad asombrosa a partir de una sucesión de escenas con un alto valor artístico y llenas de suspense. Varias de sus obras han sido llevadas al cine por el director Ventura Pons y, recientemente, Si no te hubiese conocido ha tenido una versión en formato de serie gracias a DiagonalTV, TV3 y Netflix. En Calidoscopios y faros de hoy, se desarrollan las vidas y los pensamientos de André Gide y Virginia Woolf, y de una pareja actual que, en principio, poco tiene que ver con ellos. Elsa Schneider nos muestra las historias trágicas de tres mujeres acosadas por problemas familiares que se tornan insostenibles. Tàlem (lecho conyugal) desnuda las relaciones entre parejas incapaces de entablar acercamiento alguno. En Caricias, presenciamos la ausencia total de relaciones interpersonales y una búsqueda desesperada por hallar un poco de afecto en una gran ciudad que puede ser cualquiera. En Después de la lluvia, la rutina y las insatisfacciones de varios trabajadores adictos a la nicotina los pondrán al filo de la desgracia. Morir (un instante antes de morir) expone las diferentes formas de morir de manera imprevista o de evitar la muerte. En La sangre, observamos la marginación y la descomposición social de los individuos a través de un secuestro político.
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El Mundial Magazine fue el último empeño de un Rubén Darío declinante. El comienzo de la guerra, el final de la publicación de esta revista y la muerte del poeta nicaragüense (1916) certifican el fin de toda una época y también la clausura de ese gran movimiento de fin de siglo, el rico y variado modernismo, que viene a coincidir con la llamada Belle Époque, un momento histórico caracterizado por el consumismo, el auge económico y la apoteosis de la diversión. Todo ello focalizado en París, la capital del mundo, el paraíso de la moda, del arte, de la bohemia, de la prostitución.Mundial Magazine (1911-1914) fue un proyecto de extraordinaria calidad, a la altura de los empeños cosmopolitas de la ciudad universal por antonomasia (París). En esta obra se recuperan las crónicas teatrales aparecidas en esta publicación y se contextualiza lo que fueron esos años, en esa Ciudad de la Luz donde vivió Darío, así como muestra las realidades escénicas francesas y españolas, pues éstas también aparecen reseñadas a partir de octubre de 1913 y firmadas por el gacetillero Ricardo J. Catarineu (conocido por su pseudónimo de Caramanchel), a la altura del singular guatemalteco Enrique Gómez Carrillo que se encargó de las novedades parisinas.
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Com a resultat d'aquesta intensa activitat teatral naix Estem fins als...!, una obra protagonitzada per adolescents que mira contínuament amb ull crític el món dels adults. S'hi creuen les vides de joves mancats d'afecte i comprensió en una edat crítica. Els veiem viure els seus amors, els seus somnis, el seu malestar, la marginació i l'anonimat, les il·lusions i els temors. Però tot això en clau de comèdia, que facilita la digestió del seu drama i ofereix al lector alternatives davant del desànim.
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Alain Badiou és un dels filòsofs francesos més influents del moment. La seva obra, rica i polifacètica, formada per nombrosos escrits filosòfics, assagístics, teatrals i de pensament polític, ho demostra. La seva filosofia té el propòsit d'exposar i desplegar el potencial de la innovació, la revolució, la invenció i la transfiguració radical de cada situació. A diferència de molts filòsofs actuals, Badiou pensa que no hem arribat a la fi de la filosofia sinó que aquesta ha de fer un pas més cap endavant, que ha de continuar aquest camí interminable del qual no podem sortir si no volem abdicar la nostra condició d'humanitat. Per això, l'absència de filosofia representa el retorn sense remei a l'animalitat. El llibre que teniu a les mans és el text d'una conferència feta en un seminari dedicat a l'actualitat del marxisme. L'àmbit acadèmic francès ha estat un indret important de recepció i de renovació del pensament de Marx, i no tan sols per part dels més coneguts, Sartre i Althusser —aquest per la transcendència de la seva obra completa focalitzada en el pensament marxista—, sinó també per la contribució d'altres filòsofs. Badiou n'és un, encara que des d'una perspectiva força crítica, recull l'herència del pensador alemany i en desenvolupa una prospectiva original que la fa atractiva al lector interessat per les alternatives que la filosofia proposa a la realitat present.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.