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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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El teatro de Casona trata de crear en el espectador un revulsivo ético basado en la moral occidental y en los mandamientos cristianos laicizados: sus obras pueden considerarse autos, no sacramentales, cargados de enfrentamientos entre virtudes y pecados capitales, dentro de la más depurada concepción evangelizadora. De ahí esa sensación que el lector o espectador posee, a veces, de hallarse en una clase de teología sin theos, en una clase de antropología filosofal a pequeña escala. La barca sin pescador es un buen ejemplo de crítica de aquellos que siempre están dispuestos a saltarse las normas morales para conseguir sus objetivos.
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Obra de teatro del autor Serge Berbel. Autor, director, traductor teatral. Licenciado en Filología Románica y Francesa por la Universidad Autónoma de Barcelona, 1986. Profesor de Literatura Dramática en el Institut de Teatre de la Diputació de Barcelona, desde 1988. Tiene escritas más de quince obras, entre las que destacan: Minim.mal Show, Elsa Schneider, Tàlem, Caricias y Després de la pluja. Sus obras han sido estrenadas en catalán en varios teatros de Barcelona y Catalunya, y en castellano en Madrid y otras ciudades españolas. Algunas obras suyas han sido traducidas a otros idiomas y algunas estrenadas: portugués, finlandés, alemán, francés, inglés, danés, sueco, ruso. Carícies es su obra más estrenada, además de en España, en Portugal, Argentina, Chile, Uruguay, Colombia, Francia, Italia, Alemania, Croacia.
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Con un estilo ágil y desenfadado, diálogos rápidos ygran conocimiento de la carpintería teatral, nos cuenta cómo Lope de Vega desveló en La Dorotea su apasionada relación juvenil con Elena Osorio, su gran amor.En Lope y sus Doroteas, Lope, ya cláerigo, redacta estas memorias con su hija —llamada «sobrina»—, Antoñita, por la que bebe los vientos. Pero la niña, enamorada de un Tenorio real, se le subleva. Lope tendrá a su lado a su «más que ama de llaves», Lorenza Sánchez.En la obra hay amor y desamor, celestineos y conquistas…, y el inevitable relevo generacional. En escenaestán desde el emergente Calderón hasta el teatrero Felipe IV. Mucha vis comica, y una excelente introducción al mundo final de Lope.
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Este volumen recoge, en rigurosa edición bilingüe acargo de Simon Breden, las piezas más señeras que produjo el Unity Theatre en defensa de la causa republicana. En todas ellas se trata de concienciar al público británico de la trascendencia internacional de la Guerra Civil, y ganarle así para una causa que con losacuerdos de no-intervención no dispuso de todo el apoyo extranjero que sus defensores habrían deseado.Enlas obras aquí reunidas predomina, aparte de la vocación propagandista, la búsqueda de fórmulas teatralesinnovadoras que dejen atrás, cuando menos parcialmente, el naturalismo, y sean capaces de lograr la comunión artística e ideológica con el público. La selección preparada por Breden incluye las piezas ¡En guardiapor España!, España, Antes de Guernica, Comité de ayuda para los insurgentes, Madrileñas, La lucha continúa, Una única batalla y Tierra pisoteada.En los años30 se consolidan en el Reino Unido numerosas iniciativas civiles en las que se mezcla la militancia política izquierdista con un activismo cultural ciertamenteentusiasta. De entre todas ellas, con frecuencia relacionada
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Juan Ignacio y José Ángel son dos cuarentones, dos «perdedores» que ven cómo su vida se desliza entre el sofá y el televisor— Hasta que deciden «ponerse las pilas». En ese mismo momento, la cosa se descontrola y todo salta por los aires, desencadenando una gozosa comedia sobre lo absurdo del éxito: una inigualable parodia sobre el esfuerzo, salpimentada por un gran desbarajuste con multitud de sorpresas e invitados inesperados (el fontanero del Titanic, Grace Kelly, Hitler, Manson, Chuck Norris...). Presentamos ahora una adaptación —para que la lectura sea más ágil— del texto que fue llevado al teatro por Pánico Escénico (la compañía de Álex de la Iglesia) y Elemental Films, con la participación de Enrique Martínez (Juan Ignacio) y de Manuel Tallafé (José Ángel). Este texto, que ya ocupa un lugar especial entre los absurdos más desopilantes, está condenado a convertirse en un clásico del humor.
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Como sucede casi siempre en las comedias de Lope de Vega, Yo me entiendo tiene como tema el amor entre jóvenes. En un pueblo de Florencia, dos hermanas, Belisa y Florela, aman al mismo joven, Carlos. Este quiere a Belisa, pero la acusa de haber despertado el amor de Alejandro, el duque de la ciudad, un hombre que solo persigue el placer. Los celos desencadenan la acción de la obra y un final sorprendente.La atribución de esta comedia extraviada a Lope de Vega ha seguido un tortuoso camino hasta que por fin el profesor Donald McGrady, tras un largo proceso de investigación que atestigua en su prólogo, ha conseguido despejar las dudas sobre su autoría. Un hallazgo filológico indiscutible que se suma a la lista de obras recuperadas de Lope y que supone una celebración de primer nivel para las letras españolas.
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La desaparició de Wendy. Una companyia de teatre està a punt de començar la representació infantil de l'obra Peter Pan, però un problema amb els decorats els obliga a fer un canvi sobtat de repertori i distorsionar una mica l'argument.
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L'home de l'aigua (1958) és la història d'un home bo que lluita amb la terra i la natura amb què conviu i estima, com ho fa també amb els seus veïns i les seues supersticions. L'entrada en escena d'un personatge femení amb certs aires de misteri hi introdueix l'amor i el conflicte. Una trama d'ara i de sempre que és capaç de captivar-nos per la seua humanitat.
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Antonio y Cleopatra, última tragedia de amor de Shakespeare, es la única en la que el tema amoroso está fatalmente ligado a la lucha por el poder. Laacción se despliega en una continua alternancia entre Roma y Alejandría como extremos opuestos del mundoantiguo y símbolos del conflicto de Antonio entre sudeber romano y su pasión egipcia. Escrita hacia 1607, parece que en ella Shakespeare se hubiera propuesto enfrentarse a las tendencias neoclásicasya iniciadas en su época y desafiar la racionalidadde lectores y espectadores. Pues, si osado es el amorde los protagonistas, el estilo y la estructura de la obra no lo son menos. Sea o no, como se ha sugerido, una obra experimental, Antonio y Cleopatra es sin duda diferente, y no es de extrañar que se la haya llamado la tragedia gozosa de Shakespeare: no lloramos la pérdida trágica que nos presenta, sino que su final nos agrada y satisface. Fue Coleridge el primer poeta que se sintió hechizado por elestilo de Antonio y Cleopatra, singularmente por la audacia de sus aciertos expresivos. Sin embargo, hubo que esperar al siglo XX para que sea generalmente reconocida: T.S. Eliot la proclamó, con Coriolano, el mayor logro artístico de su autor, y, según Harold Bloom, si alguien quiere ver lo que Shakespeare era capaz de hacer, y en una sola obra, lo puedeencontrar en ésta.
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Sergi Belbel es uno de los dramaturgos contemporáneos más importantes en catalán y español. En su teatro predominan la parodia, el humor negro y lo cómico, aunque siempre ahonda en las relaciones interpersonales y en los problemas cotidianos de la gente. Belbel es capaz de presentar situaciones extremas con una naturalidad asombrosa a partir de una sucesión de escenas con un alto valor artístico y llenas de suspense. Varias de sus obras han sido llevadas al cine por el director Ventura Pons y, recientemente, Si no te hubiese conocido ha tenido una versión en formato de serie gracias a DiagonalTV, TV3 y Netflix. En El tiempo de Planck, miembros de una familia afrontan la futura muerte de su padre, cada uno a su manera. En Forasteros (melodrama familiar en dos tiempos), vemos a madres, padres e hijos que luchan por mantener la memoria de sus parientes ausentes. En Móvil (comedia telefónica digital, madres e hijos, durante un atentado terrorista, se enfrascan en enredos por intentar comunicarse unos con otros. En la Toscana cuenta la historia de una pareja que compone un paraíso falso alrededor del recuerdo de unas vacaciones absolutamente ideales. En Fuera de juego conocemos a personajes que, ante un momento de crisis económica, deberán tomar caminos inesperados. En Si no te hubiese conocido (fantasía romántica cuántica en once escenas y un epílogo), después de la pérdida de su familia, el protagonista viaja a un universo paralelo para poder darle a su familia un destino diferente. Las rosas de la vida (gamberradas para dos actrices, dos actores y un perro) nos presenta personajes que divagan al conversar, que discuten cosas sin razón y que ríen y lloran sin motivo aparente.
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A classic of 20th-century theatre, Ariel Dorfman's Death and the Maiden ran for a year in the West End, was a hit on Broadway and was filmed by Roman Polanski starring Ben Kingsley and Sigourney Weaver.A woman seeks revenge when the man she believes to have been her torturer happens to re-enter her life.Death and the Maiden was given a first reading at the Institute for Contemporary Art in London in November 1990. After a workshop production staged in Santiago, Chile, in March 1991, the play had its world premiere at the Royal Court Upstairs, London, in July 1991, transferring to the Main Stage at the Royal Court in October.The play then transferred to the West End, at the Duke of York's Theatre, in February 1992.Death and the Maiden won the 1992 Olivier Award for Best New Play.
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Gènova, estiu del 2001. La ciutat del Ragazzo viu la vulneració de drets humans més gran que ha vist Europa des de la Segona Guerra Mundial mentre els líders del G8 hi celebren una cimera. El destí d'aquest jove antiglobalització quedarà marcat per sempre quan decideix participar en una acció pacífica de desobediència civil per reclamar que un altre món és possible. ''Ragazzo'' és un crit a la vida i a la importància de la memòria col·lectiva que ens parla de les històries en minúscula i les contradiccions d'aquells herois que mai no haurien volgut ser-ho.
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Ricardo Bastid comenzó a escribir una obra de teatro tras su llegada a Buenos Aires en 1957, pero enseguida se concentró en un tríptico sobre guerra, posguerra y exilio compuesto por el relato Contramina, la novela testimonial Puerta del Sol y la novela de artista Los años enterrados. La censura que sufrieron estas narraciones lo llevó además a participar en debates transatlánticos sobre libertad de expresión y posibilismo teatral. Cuando retomó el proyecto dramático en 1965-1966, su forma de entender la creación y el sistema literario era ya muy distinta. El resultado de todo ello es una tragedia ambientada durante la II Guerra Mundial en un país ocupado por las tropas alemanas. A lo largo de tres actos, varias personas recluidas en el sótano de una casa aldeana se ven forzadas a confrontar sus relatos personales para ofrecer una confesión o una delación a los miembros de la Gestapo, quienes amenazan con fusilar al resto de rehenes del pueblo antes de la medianoche. A través del espacio y el tiempo escénico, Mientras sale la luna continúa aquella alegoría de la existencia como inhumación colectiva con nuevas reflexiones sobre la violencia y la espiritualidad contemporáneas. Drama ambientado en la II Guerra Mundial. Un alegato humanista contra los totalitarismos y la represión. Ricardo Bastid (Valencia, 1919-Buenos Aires, 1966) descubre muy pronto el compromiso político y la creación artística. Todavía adolescente, combate como voluntario republicano en la Guerra Civil y, tras la derrota, se oculta de la persecución policial en casas de familiares. A mediados de los años cuarenta participa de la movilización estudiantil madrileña, lo cual se traduce en casi tres años de prisión junto a compañeros del antifranquismo. Al recibir la libertad condicional, retoma su carrera de pintor y frecuenta las tertulias de Lisboa y Sésamo. Una nueva detención desemboca primero en una huida hacia París el verano de 1956 y meses más tarde en el definitivo desembarco en Buenos Aires. Allí compagina trabajos estables en las editoriales Losada, Fabril y Códex con otras colaboraciones puntuales como conferenciante, periodista o traductor, al mismo tiempo que desarrolla su obra plástica y literaria, de la que solo trascendió su novela Puerta del Sol. Uno de sus manuscritos inéditos, el de la novela Los años enterrados, ha sido recuperado para la colección Biblioteca del Exilio de la editorial Renacimiento en 2021. Pablo Allepuz. Investiga las relaciones entre arte y autobiografía en la España contemporánea. Es doctor en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Óscar Chaves. Investiga la incidencia de la violencia política en la cultura visual de la España contemporánea. Es doctor en Historia por la Universidad Complutense de Madrid.
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Lo fingido verdadero es en su primer acto un drama histórico sobre el ascenso del emperador Diocleciano, una comedia de capa y espada en el segundo, y se cierra como una comedia de santos que va mucho más allá de la mera pieza hagiográfica. Esta sorprendente mezcla de géneros teatrales se convierte en manos de Lope una sólida obra que casi es una puesta en práctica de la declaración teórica que es el Arte nuevo de hacer comedias.Poco leída en su época, Lo fingido verdadero es hoy una obra celebrada por la crítica, entre otras razones, por su unidad temática a pesar de su diversidad expositiva, por la complejidad del personaje de Ginés, y, sobre todo, por su cuidada construcción del mecanismo del teatro dentro del teatro, que bascula entre la ficción y la realidad.
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Podría pensarse que el interés que despierta la obra Coriolano en la época contemporánea se debe a su carácter eminentemente político. Añadiríamos que quizá sea la más inteligente también. La obra enfrenta a dos fuerzas irreconciliables: el general Cayo Marcio Coriolano, con su odio y desprecio al pueblo, y este manipulado por los tribunos populares. La lucha se agudiza y se convierte en un apasionante juego de espejos dentro del marco turbulento de una ciudad dividida por el odio social y político. Coriolano, después de luchar por su país, quiere ser cónsul, pero necesita los votos de los ciudadanos. Un hecho que se aviene mal con su carácter que le llevará al destino trágico del héroe. Felizmente, no podemos hacernos una idea cabal de hacia cuál de los dos bandos se inclina la voluntad del autor. Y esa indefinición permite que la obra interese al público más amplio. La traducción de Eusebio Lázaro refleja certeramente el estilo lacónico cortante ''de piedra y bronce'' del texto más brillantemente razonado de Shakespeare.
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«No vamos a guardar silencio porque tenemos memoria. El teatro es un arte de la memoria», señalaba Juan Mayorga. En este volumen, Helena Tornero demuestra cómo la memoria perdura en cada uno de nosotros y trasciende en nuestra cotidianeidad, directa o indirectamente. En estas obras, palpitan las guerras, las crisis políticas, la aprensión y la muerte. «Apaches» gira en torno a las diferentes estrategias que tienen los humanos al gestionar las emociones, especialmente el miedo, a partir de cómo un niño lee historias, imagina y se entretiene en un mundo que ha perdido toda normalidad. «Búnker» tiene lugar en un espacio cerrado donde dos hombres intentan averiguar por qué han sido detenidos. «No hables con extraños» es una obra fragmentada con nueve historias basadas en distintos sucesos históricos como las desapariciones forzadas o el abuso a mujeres. «Fascinación» nos habla de la memoria de la impunidad a través de los ritmos y movimientos de unos cuerpos que intentan bailar a pesar de sus miedos y prejuicios. «Mañana» nos muestra una reflexión sobre el amor en los tiempos del capitalismo.
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EL SÍ DE LAS NIÑAS, comedia de crítica social, es considerada la obra maestra de Moratín. Doña Irene, viuda y madre de Paquita, concierta el matrimonio de su hija con don Diego, un rico solterón. La aparición de don Carlos, sobrino de don Diego, vendrá a frustrar los planes de la viuda.
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La poesía de Miriam Reyes escarba en lo oscuro. No necesita saber lo que busca ni entender lo que encuentra, pero no puede parar de escarbar: todo huele a tierra y a sangre. Su escritura parte del cuerpo –una propiedad que la posee, un refugio que la deja a la intemperie– y de esa tierra que acumula en las uñas y en los zapatos. Su lenguaje es afilado y sirve para hacer incisiones, pero también para jugar y recoger la ceniza, para desgarrar y remendar. Niega lo que afirma para no ser rehén de ninguna certeza. No sabe, busca. Vivir es extraño, como sentirse lejos de quien está muy cerca. Después de tantos años todavía se asombra de esa extraña manera de estar viva, de esa necesidad de traducción.
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Cuando deje de llover es la historia de cuatro generaciones de una misma saga familiar que se mueve por Europa y Australia entre 1959 y 2039. Es un potente drama que viaja al corazón de los lazos familiares y muestra una inmensa empatía hacia el ser humano y su complejidad, con sorprendentes toques de humor, poesía yesperanza. Las cosas que sé que son verdad presentaa Bob y Fran, una pareja que ha trabajado duramente toda su vida para ofrecer a sus hijos las oportunidades que ellos nunca tuvieron. Ahora que sus hijos tienen su propia vida es el momento de relajarse y disfrutar. Pero el cambio de las estaciones del año, como metáfora de las transformaciones que ocurren en la vida, traerá verdades ocultas que nos harán cuestionarnossi quizás en las familias el amor que se da es excesivo.
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«El alcalde de Zalamea» es una de las obras más populares de Calderón de la Barca y contiene todos los grandes ingredientes de la literatura universal: venganza, pasión, crimen, honor, orgullo, justicia, lucha de clases... Esta universalidad unida a la maestría en la dramatización es lo que hace de esta obra publicada en 1651 un clásico imprescindible, un texto sorprendentemente actual pese a haber sido escrito hace más de tres siglos.
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Durant la tardor de 1830 el poeta A. S. Puixkin es va veure confinat en la propietat familiar de Bóldino, al sud-est de Nijni Novgorod, quan es dirigia a Moscou, on l'esperava la seva promesa i on hi havia tancada l'entrada per quarantena degut a una epidèmia de pesta. Aquella tardor a Bóldino va resultar extraordinàriament productiva. Entre altres obres, allà va néixer un cicle de quatre miniatures teatrals, conegudes com a «petites tragèdies»: Mozart i Salieri, El convidat de pedra, El festí en temps de pesta i El cavaller avar. Es tracta de quatre obres de contingut filosòfic i psicològic entorn de tipus literaris universals, en diàleg amb les versions europees anteriors sobre el tema corresponent, el fil conductor és l'anàlisi d'una passió i l'enfrontament entre una figura paterna i una de filial. L'enveja com a pulsió que acaba empenyent a l'assassinat, l'amor que provoca el trencament de les normes de comportament ètic imposades per la societat, la rebel·lió, l'instint del risc, la provocació sacrilega, i l'avarícia que provoca la confrontació entre pare i fill... Són les passions que suren a les pàgines d'aquestes petites tragèdies>> Més enllà de morals, filosofies i interpretacions, convidem el lector que es deixi seduir per l'elegància, la lleugeresa, el laconisme i la profunditat de reflexió que s'amaga al fons de les escenes i paraules aparentment més simples. Que, en definitiva, es deixi seduir per Puixkin.
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Este número doble dedicado al teatro rinde tributo a la figura de Federico García Lorca y a su poemario Poeta en Nueva York. Dramaturgo y obra son la metáfora perfecta, la imagen en la que sintetizar la relación de lo hispano, las artes escénicas y la Gran Manzana. Los autores invitados a este especial son dramaturgos y tienen en común, además de la lengua y su amor por el teatro, a Poeta en Nueva York como parte de su acervo cultural. Todos ellos tienen un lugar asignado dentro de las diez partes en que se divide la obra original, de la que reinterpretan imágenes, temáticas o poemas. Así, el lector encontrará, en estas páginas, géneros dispares: escenas, narraciones, prosas poéticas, apuntes, ensayos breves, fragmentos de obras. Al igual que García Lorca representó en él la ciudad moderna y sus conflictos: capitalismo, explotación, sexualidad, negritud, discriminación y deshumanización, en estas páginas se representa una metrópolis en tiempos posmodernos. Páginas incómodas que, cien años después, repiten temas y argumentos e invitan a la reflexión y al cambio.
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Durante una fría noche de marzo, Koharu confiesa a sus hijos que ha matado a su marido, un hombre maltratador que había convertido en un infierno la vida de los jóvenes. Quince años después, y tras haber cumplido su condena en prisión, la madre vuelve al hogar, a la empresa familiar: Taxis Inamaru. El reencuentro resulta difícil para todos: la felicidad por recuperar al ser querido no diluye por completo el rencor ni la culpa, ni puede hacer olvidar todos los años de ausencia.
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El musical Scaramouche és una comèdia com el moviment de les espases, àgil i ràpida. Aquest espectacle ha estat concebut com una obra que vol reivindicar la cultura i l'entreteniment. Ambientat dins el context de la Revolució Francesa, ens farà reflexiona
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Marta Buchaca siempre explora la ambivalencia entre el drama y la comedia describiendo e intercalando las intensas emociones de los momentos trágicos de nuestra vida con los sucesos más hilarantes. Temas como el suicidio son tratados con humor en «Litus», donde un joven está más preocupado por la ruptura con su pareja que por el trágico final de su amigo, «Rita», donde dos hermanos se plantean la necesidad de abandonar lo que tanto aman, «Kramig», que retrata el día a día de una pareja que está esperando un bebé, «Losers», una comedia romántica sobre el descubrimiento del amor, «Playoff», una tragicomedia que transcurre en un vestuario de un equipo de fútbol femenino, y «¿Cuánto me queda?», una comedia en la que un hombre al que solo le queda un mes de vida quiere asegurarse de que su mujer sea feliz cuando él muera. «Solo una vez» es la obra que quizá explora con mayor seriedad, y sin tanto humor, el maltrato que sufre una mujer por parte de su pareja.
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Si poc cobrem, res pagarem!, és l'actualització d'una obra del 1974, que no ha perdut vigència. Amb diàlegs hilarants farcits de denúncia, tracta un llarguíssim reguitzell de temes d'actualitat: des de la fusió de bancs o la deslocalització de la indústria fins a la desviació d'ajuts públics als paradisos fiscals, des dels mecanismes d?autoprotecció de la casta política i la saturació o la mala administració de la sanitat pública fins als desnonaments dels habitatges i les hipoteques i els lloguers abusius, o la incomprensió de tants marits masclistes envers la càrrega de responsabilitats que assumeixen les mullers.
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Una comedia del autor de de la distopía ''Nosotros''Conocido sobre todo por su novela distópica de 1921 Nosotros, Zamiatin (1884-1937) fue también autor de relatos y de obras de teatro, caso de esta comedia, estrenada en 1925, en la que juega con la fanfarronería y la presunción de la sociedad rusa y, por extensión, soviética.Por su inconformismo y su sentido de la sátira, pronto quedará censurado y relegado en su país del que, no obstante, podrá salir en 1932. Zamiatin puede considerarse uno de los primeros disidentes soviéticos.
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En 1925, la editorial George G. Harrap & Co. de Londres encargó al ilustrador y vitralista irlandés Harry Clarke el que sería, en su propia opinión, el mejor de sus trabajos, y probablemente uno de los más curiosos: el poema dramático Fausto, de Johann Wolfgang von Goethe, obra cumbre de la literatura universal. La virtuosa ejecución de las más de setenta imágenes que iluminan esta tragedia deslumbra por su perturbador estilo vanguardista. Las estampas de Clarke, realizadas hace casi un siglo, convierten la lectura del gran poeta alemán en una nueva experiencia estética y literaria. Libros del Zorro Rojo presenta el primer libro de la tragedia, que desarrolla el pacto diabólico entre Mefistófeles y Fausto, y la lucha de este junto a Margarita por la suerte de sus almas.
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La rebelión del pueblo de Fuente Ovejuna ante los excesos de Fernán Gómez, comendador de Calatrava, aparece mencionada en varias crónicas históricas. Lope de Vega se inspiró en una de ellas para crear su conocidísima y celebradísima obra teatral, que tenía como trasfondo político las luchas de la nobleza por un poder que había iniciado la transición de un régimen feudal atomizado a la implantación de una monarquía más sólida.En manos de Lope, el texto cobra una complejidad y un interés excepcional, en el que lo literario trasciende lo ideológico y en el que son fundamentales los debates sobre el orden establecido, la honra, el sentimiento de comunidad y el amor.
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A Júlia li han diagnosticat la malaltia d'Alzheimer. La imminència del desenvolupament de la malaltia, com també les reaccions de la seva família i coneguts, la conduiran, després del terrabastall emocional que suposa una notícia com aquesta, a prendre una sèrie de decisions imprescindibles per a viure plenament el temps de consciència que li resti. Un text molt vitalista que transmet un bri d'esperança davant la irreversibilitat i que ens parla de la identitat, de la valentia i del coratge.
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Itsaso Arana, Violeta Gil y Celso Giménez, los componentes de La tristura, llevan más de quince años trabajando alrededor de las artes escénicas, tratando de generar «situaciones humanas» dentro y fuera del escenario como en estas tres obras que os presentamos. En CINE acompañamos a Pablo en la búsqueda de su identidad. Los orígenes ocultos y los secretos de su biografía se funden con la historia de los niños robados en España. Future Lovers presenta las inquietudes de seis adolescentes ante un mundo que sienten ajeno mientras intentan crear un refugio donde sus comportamientos no sean condenados. La obra consigue que el espectador se reconozca en los personajes y se cuestione si sus expectativas y sus sueños juveniles lograron cumplirse finalmente. Con un lenguaje metateatral y un dispositivo que juega con el documental, Renacimiento, explora los casi 50 años de democracia española, mientras acompañamos a los personajes de la obra a través de la trastienda de los montajes y desmontajes de una compañía de teatro cualquiera. Una obra que nos recuerda que, sin importar cómo hayamos llegado hasta aquí, la vida empieza, de nuevo e imparablemente, ahora mismo. «La tristura era un atentado contra la idea de individualidad, una vida opinable y comentable. Hablaban en plural, casi no bebían, toda la vida era obra. Durante un tiempo vivieron todos juntos. Todo les parecía poco, el teatro no era suficiente. De hecho, sigue sin serlo». Del prólogo de Sabina Urraca «La historia de La tristura es la del siglo xxi español, la del teatro último. Una de las aventuras más obsesivas, arriesgadas y, en el buen sentido de la palabra, pretenciosas de nuestro teatro». Pablo Caruana, El País « un trabajo hondo y capaz de encontrar el equilibrio entre la búsqueda y el hallazgo, entre nuevas narrativas y compromiso político, que reta al espectador a hacer su trabajo sin caer en el hermetismo. Lo moderno es amar». David Montero, El Diario [sobre CINE]
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Mientras limpian una de las habitaciones de un prestigioso hotel de cinco estrellas, dos mujeres recuerdan tres disparatadas historias que se desarrollaron en esa habitación, donde los protagonistas son tres mujeres de 'vida alegre' y -sus parejas- tres hombres con sus propios problemas. En tono de humor, se van desvelando los caracteres de cada uno de los personajes, sus deseos y sus necesidades, que parecen muy alejados del lugar donde se desarrollan los hechos. Con diálogos fluidos y la maestría literaria de Juan José Alonso Millán, la lectura de esta obra -una de sus más aplaudidas y reconocidas- es una garantía de diversión, en la que al lector le será muy difícil contener la risa.
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Identitat, exili, desarrelament, memòria, recerca dels orígens, responsabilitat i violència marquen amb ferro roent l’obra de Mouawad. La sang de les promeses ens parla de l’instant en què ens adonem que aquell sentiment sobre el qual ens hem construït és una mentida. I ens demana què som, quant d’horror som capaços de patir i infligir, i si hi ha esperança malgrat el dolor. La sang de les promeses ens condueix a una catarsi a partir del mite i dels drames del nostre temps.
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Teatre anarquista. Aquest volum recull les sis peces teatrals conservades de Felip Cortiella, juntament amb les seves traduccions catalanes de dues obres cabdals del teatre europeu, Els mals pastors d'Octave Mirbeau i Rosmersholm de Henrik Ibsen -conside
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Parte de la producción dramatúrgica de Antonio Álamo está marcada por el minucioso y casi obsesivo examen de los mecanismos y las alucinaciones del poder en los más diversos ámbitos y estancias. Pese a ello, los engranajes que mueven la acción de estas obras, a partir de singulares, irónicas y certeras intuiciones dramáticas, tienen siempre un carácter íntimo. Este volumen recoge sus principales exploraciones en este terreno. En «Los borrachos», somos testigos de la celebración privada del lanzamiento de la primera bomba atómica por parte de sus creadores, «Los enfermos» nos cuenta las azarosas aventuras de un cadáver famoso, el de Adolf Hitler, en «Yo, Satán», el autor imagina a un papa que, valiéndose del dogma de su infalibilidad, pone en aprietos a la institución que representa, y del que se acaba sospechando que pudiera estar endemoniado, «Cantando bajo las balas» nos deja asistir al primer acto franquista de la historia narrado por un cadáver, el de Millán Astray, descontento y angustiado con el lugar que le ha concedido la historia, en «Grande como una tumba», el fantasma de un artista recorre las distintas escenas de un mundo que agoniza y se hunde sin remedio, y, por último, «El bebé salvaje», la única obra inédita y no estrenada, fija su mirada en un capítulo vergonzoso de la vida de Karl Marx, un hombre que, soportando circunstancias muy adversas, nunca renunció a su derecho a pensar ni a beber, y que, como dijo Bernard Shaw, realizó la mayor proeza que puede llevar a cabo un escritor: cambió la mentalidad del mundo.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.