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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Ara és aquella hora que clareja, i es sol surt amb simfonia de porcs que grunyen i trenquen es paisatge amb un esqueix que separa sa vida de sa mort, es ser des no ser. I fins i tot qui no té ànima, qui viu inconscient, amb sa inconsciència des bestiar, plany es comiat des sentiments, la fi des seus dies i de sa llum. Fitorada final. Centúries de dolor senyen sense dubtes es camí definitiu d’un acorador cap as seu inevitable destí.
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'El eco de la culpa'' es un drama teatral en un acto que explora el peso de la memoria y las heridas abiertas por la violencia política. En el escenario sobrio de una ermita, un ex miembro de ETA recién salido de prisión y el hijo de una de sus víctimas se enfrentan en un tenso diálogo que oscila entre la rabia, el arrepentimiento y la imposibilidad del perdón. A través de silencios cargados de significado y una atmósfera opresiva que envuelve cada gesto, la obra invita a reflexionar sobre el dolor heredado, la memoria colectiva y los límites de la reconciliación. En un tiempo en que el relato corre el riesgo de diluirse entre equidistancias y falsificaciones, ''El eco de la culpa'' reivindica la necesidad de nombrar las cosas por su nombre. Frente a la tentación contemporánea de confundir responsabilidades o de ocultar bajo consensos ambiguos a quienes provocaron el dolor, este texto sitúa a cada cual en su lugar: hubo víctimas y hubo verdugos. Y es precisamente en esa claridad —incómoda, pero necesaria— donde la obra encuentra su propósito moral.
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Mai havíem vist el Jordi Prat i Coll amb la franquesa i intimitat amb què se'ns mostra en aquest llibre que ara teniu a les mans. Aquest és un material difícil de classificar i sense rei que el governi. Podria ser un diari personal, un assaig, una carta fragmentada o un recull d'aforismes anòmals -per no fer-se mal- d'algú que cerca escriure alguna cosa a la vora de la vida que l'ajudi a guarir-se. És un quadern sense marcs, amb un ordre trencat que no nega la deriva, prenyat d'allò que és profund i superficial, tràgic i còmic, miserable i feliç.
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Federico García Lorca, Obra Completa V. Teatro 3. Cine. MúsicaTeatro imposible: Diálogos El público Así que pasen cinco años Comedia sin título CINE Viaje a la Luna. Música: Colección de canciones populares antiguas Dos melodías del «Romancero gitano» Canciones del teatro Música para La Barraca Granada. Apéndices: Diálogos Teatro inconcluso Música
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La Tempesta, de William Shakespeare. Traducció i pròleg Salvador Oliva. De la col·lecció Obres De William Shakespeare de Vicens Vives.
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La historia de Horacio abarca su historia y la de todo lo que lo rodea: su mujer y sus seis niñas, un único hijo malencarado y grosero, cuñadas a raudales, un hermano escritor y otro hermano comerciante, un cuñado médico, sus dos vacas y los terneros que crecen en ellas, los naranjos de su finca que dan sombra a un Volkswagen de dudoso pasado pero adquirido legítimamente, y las docenas de antigüedades cuidadosamente guardadas, algunas de ellas auténticas obras de arte y todas muy valiosas para él solo por el hecho de pertenecerle. Mientras la vida les sucede con rotundo e inevitable humor a estos personajes conmovedores, Horacio enfrenta sus últimos días con serenidad, ironía y una vitalidad que se resiste a lo que le depara el destino.En este relato desbordante de vitalidad, desde el principio hasta el irreversible final, están presentes el poder de la naturaleza y la fuerza de las relaciones familiares que todo lo superan. Tomás González, con su prosa depurada y precisa, construye una novela brillante sobre el apego a los objetos, los vínculos, los cuerpos y la tierra. La historia de Horacio es una celebración callada de lo que se va y de lo que queda, un retrato íntimo del tiempo que pasa y de la obstinada necesidad de vivir con plenitud incluso en la despedida.
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Dues veus que es busquen, una altra que irromp. Es parlen i es retenen en un temps sense temps. Amb Mai no ens separarem (Og aldri skal vi skiljast), Jon Fosse construeix una peça d'una simplicitat radical: una llengua nua, inconfusible, feta de silencis, ritme i repeticions, on les paraules tornen, varien i s'endinsen, deixant entreveure una experiència íntima i quasi hipnòtica on allò que no es diu pesa tant o més que les paraules dites.
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La influència de Harold Pinter ha estat determinant en la dramatúrgia catalana de les últimes dècades. Vint-i-cinc anys d’evolució creativa separen els textos que presentem en aquest volum, amb tot, l’essència de la poètica el•líptica i alhora compromesa del premi Nobel es manté incòlume en tots dos. Si Vells temps (1971) presenta el conflicte que provoca en un matrimoni la visita d’una antiga amiga, Cendres a les cendres (1996) parteix del diàleg entre un home i una dona al voltant d’un antic amant. Es tracta de dues peces sobre la memòria líriques i melancòliques, que destil•len una gran dosi del misteri pinterià.
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Valle-Inclán escribió esta historia siguiendo una idea de Jacinto Benavente: que los grandes autores escribieran teatro infantil que atrajera también a los mayores, algo que se ve plasmado efectivamente en esta obra maravillosa para lectores y espectadores de cualquier edad. Según el crítico Harold Bloom, una obra maestra en literatura suele caracterizarse por una belleza extraña.
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La Editorial Losada, que ha publicado la mayoría de las obras de este deslumbrante escritor francés –Premio Nobel de Literarura en 1957–, presenta, en un solo volumen, El malentendido y Calígula, dos de las más importantes obras de su producción teatral.
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La danza de los muertos (1901), fiel reflejo de las obsesiones del autor (amor y matrimonio, vida-muerte, conflictos personales y padecimientos de conciencia). Las Obras de cámara: Tormenta, El solar quemado, La sonata de los fantasmas y El pelícano las escribió Strindberg en 1907 para el Teatro Íntimo, que fundó con el joven director A. Falck. Para él precisamente concibió estas audaces “obras de cámara” que desconcertaron a la crítica y al público, por tratarse de piezas en un solo acto, en las que quedan borrados los perfiles de sus dramatis personae.
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Con Molière suben al escenario preocupaciones que nunca antes lo habían hecho, dando sentido nuevo a una comedia de costumbres cuyo objetivo principal ya no esun divertimento simple, sino que suma, a esa reflexión sobre hechos de la vida social, una carga burlonay crítica que afecta a la vida moral. Aunque la lección de ambas ''Escuelas'' sería parecida: el amor es un gran maestro ''que vuelve inventivo'' y enseña a superar cualquier impedimento a la niña más ignorante,frente a los defensores de la rigidez moral opuestosal cambio en los usos sociales, La escuela de lasmujeres supone, sin embargo, un salto cualitativoen el terreno escénico, no sólo respecto a La escuela de los maridos, sino también a la construcción de la comedia como género, superando el esquematismo de la farsa italiana y dando a la comedia el estatuto de pieza mayor.
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En una de las obras más conocidas de Hieronymus Bo
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Enmig d'una etapa de canvis a casa seva, marcada per la separació dels seus pares, la seva ment es veu envaïda per un cúmul de pensaments que li impedeixen sentir-se feliç. Però el destí li té preparada una sorpresa: coneixerà en Bigotets, un gat misteriós que es convertirà en el seu guia en un viatge inesperat cap al seu món interior.
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«La adaptación teatral de ''Moby Dick'' fue para mí una aventura de obsesión y entusiasmo que sin duda llegó hasta los ensayos y el montaje final. Todo el mérito es por supuesto de Herman Melville, cuya obra, más allá de las tinieblas y los fondos marinos, sigue siendo un llamamiento a la reconciliación y el humanismo, cada vez más necesarios. El protagonista de ''Moby Dick'' no está claro. Se puede leer como el relato de Ismael, el de Ahab o el de la propia ballena, y también como un tratado sobre la vida en el planeta tierra en general. Esta versión comienza con la frase ''Es un hombre raro, el capitán, pero te gustará, no tengas miedo'', y ahí de alguna manera se mostraba el camino. Creo que solo Andrés Lima podía plasmar la ambición del libro original, reconducida sobre el papel a lo que era prácticamente un monólogo de Ahab/Josep Maria Pou apoyado en intervenciones puntuales de otros personajes (Ismael, Pip, etc.) y todo ello en el contexto de un envolvente marco de acción y efectos puramente teatrales». Juan Cavestany
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La aportación de Calderón a la comedia nueva de Lope alcanza su cumbre en esta obra, tanto en la creación de caracteres y tratamiento del honor, como en el arranque inmediato de la historia nacional. Esta edición ofrece el texto de la edición príncipe, restituyendo a la obra su candor y autoridad original.
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Con este libro quiero hacer llegar al lector mis investigaciones sobre los orígenes del teatro coreano y su evolución hacia formas más contemporáneas de dramaturgia. Desde una perspectiva académica y etnográfica, reflexiono sobre las relaciones entre el teatro coreano y el teatro occidental, y cómo poner en práctica a través de mi propio trabajo artístico este diálogo entre oriente y occidente.Durante mis estudios en España era constantemente interpelada sobre la historia, la evolución y la realidad del teatro en Corea. Esta obra contribuye a dar a conocer, en español, el mundo de las artes escénicas orientales, y más concretamente el teatro coreano. Además, facilitará a los profesionales, investigadores y a la sociedad en general, tener una perspectiva más global del teatro, en lugar de una percepción reduccionista concentrada en las formas de representación europeas. Al mismo tiempo, mi formación como directora de teatro me ha permitido poner en práctica los resultados de esta investigación y compartirlos con el público. Este tipo de estudio, donde la observación participante y la construcción de la identidad del propio sujeto investigador son fundamentales, puede servir como modelo y apoyo para otros investigadores e investigadoras con identidades híbridas que estén inmersos en procesos de creación cultural entre dos mundos.
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Ambientada en la vida cotidiana de una pequeña ciudad inglesa, esta comedia despliega enredos, burlas y equívocos con ritmo vertiginoso. Dos mujeres ingeniosas y decididas se confabulan para poner en su sitio a un fanfarrón seductor que subestima su inteligencia. A partir de cartas duplicadas, celos mal administrados y disfraces oportunos, la obra celebra la astucia femenina, ridiculiza la vanidad masculina y satiriza las costumbres sociales. Lejos del drama histórico, Shakespeare privilegia el humor directo, la acción coral y el lenguaje chispeante. El resultado es una pieza ligera y eficaz, pensada para el escenario y el público, donde el castigo cómico restaura el orden y afirma la complicidad comunitaria sin moralismos severos ni solemnidad excesiva, propios del teatro isabelino.
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Ocho testimonios reales, recopilados por Amnistia Internacional, de mujeres que ha sufrido la violencia machista, convertidas en piezas teatrales por la italiana más traducida del mundo.
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Las tres obras dramáticas que se publican en este volumen tienen como tema principal la guerra civil española. La primera de ellas -«Tanto tienes cuanto esperas»- critica la denominación de «cruzada» que el bando nacional quiso otorgar a la guerra civil española y aboga por la separación del poder político y religioso, como defendió Santa Catalina de Siena en su época. Por su parte, «La hija de Dios» nos traslada al verano de 1936 e invita al lector a tomar partido contra los enemigos del pueblo en un conflicto más cruel que el protagonizado por Hécuba, reina legendaria de Troya. Por último, «La niña guerrillera» se ambienta en los años posteriores a la II Guerra Mundial, imaginando en la lucha de los maquis un desenlace más esperanzador para quienes sucesivamente van recogiendo el testigo de la doncella que fue a la guerra y de la protagonista bergaminiana. Bergamín utiliza textos de obras anteriores -cartas, tragedias, romances- y mezcla prosa y verso para actualizar una guerra que vivió en primera persona, pero que contiene una gran carga histórica y literaria. Tres obras para repensar la guerra civil española de la mano de uno de los pensadores y escritores más lúcidos de aquella época. José Bergamín (Madrid, 1895-Fuenterrabía, 1983). Escritor de la llamada «Generación del 27» que se exilió tras la guerra civil española. Más conocido en su faceta de ensayista, creador de aforismos, pensador y editor, en los últimos años también se le ha valorado como poeta, faceta de la que resulta buena muestra la antología Voces del eco, publicada en esta misma editorial. Aunque su labor como dramaturgo sea la más olvidada, Bergamín es todo un «hombre de teatro», género que cultivó a lo largo de toda su vida. María Teresa Santa María Fernández (Santiago de Compostela, 1967). Doctora en Filología Española, dedicó su tesis al teatro escrito durante el exilio de José Bergamín. Sus líneas de investigación se centran en la dramaturgia española contemporánea, con especial atención a la actualización de los mitos grecolatinos en la escena del teatro del exilio y el estudio de obras dramáticas a través de herramientas de las Humanidades Digitales.
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Jean Racine (1639-1699) es una de las altas personificaciones del genio francés, su obra es la más acrisolada y pura. Puede decirse que quien no aprecia a Racine no entiende íntimamente a Francia. La obra dramática de Racine se compone de once tragedias: La Tebaida (1664), Alejandro (1665), Andrómaca (1667), Británico (1669), Berenice (1670), Bayaceto (1672), Mitrídates (1673), Ifigenia (1674), Fedra (1677), Ester (1689) y Atalía (1691).
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Este segundo volumen reúne ocho de las últimas obras de Josep Maria Miró, que indagan en nuevos retos como el gran formato, la autoficción o su primer texto para un único intérprete. Con ellas cosecha destacados reconocimientos como el Premio Nacional de literatura dramática. «La travesía» cuenta la historia de la hermana Cecília, quien abandona el proyecto humanitario en una zona de conflicto bélico después de que una niña brutalmente agredida fallece en sus brazos. En «Cúbito», dos hijos regresan a casa y encuentran instalado como ayudante de su madre a un conocido joven de su edad, los hermanos viven con recelo y perplejidad la presencia de este intruso. En «Olvidémonos de ser turistas», las vacaciones de una pareja barcelonesa les confrontará con el episodio más doloroso de sus vidas. «Tiempo salvaje» transcurre en una pequeña población que verá amenazada su tranquilidad cuando aparecen varias pintadas con el mensaje «Volveremos para violar a vuestras mujeres». En «El cuerpo más bonito que se habrá encontrado nunca en este lugar», el hallazgo del cadáver de un joven de diecisiete años nos permitirá conocer a algunos habitantes de ese lugar y un oscuro pasado lleno de secretos. En «La habitación blanca», Carles, Laura y Manel se reencuentran con la maestra que les enseñó a leer y escribir cuando eran niños, este encuentro resultará inquietante y trastornador para cada uno de ellos. «Restos del fulgor nocturno» es una autoficción donde el autor escribe una nueva obra a partir de «Lo fingido verdadero» de Lope de Vega y dialoga con conceptos como ficción, representación, familia, disidencia e ideología. Finalmente, en «El Monstruo», Santi y Berta se reencuentran con alguien que desapareció hace casi dos décadas tras protagonizar uno de los episodios más oscuros y turbios ocurridos en el pueblo donde viven.
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És la mort el final de tot, o més aviat el començament? Tractada ambhumor i tendresa, però també dramàticament, la mort és protagonista deLa visita, juntament amb una parella de vells que assisteixen a latragèdia inevitable de qualsevol vida. Tot el dolor del món i alhoratota la rebel·lia es condensen en aquest text que ens ofereix un retratple de sarcasme i humanitat del pas del temps i del castell de cartes onnaufraguen totes les vanitats.
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Mauthausen. La voz de mi abuelo recupera la historia de Manuel Díaz, exiliado republicano superviviente de los campos nazis. Este monólogo, construido a partir del testimonio real que él mismo grabó antes de morir, nos cuenta su periplo vital desde la sublevación de Franco en 1936 hasta su liberación del campo de concentración de Mauthausen en 1945, tras cinco años allí como prisionero. La voz del abuelo Manuel nos habla de la guerra civil y su paso por el ejército republicano, del exilio, de los campos en Francia y, sobre todo, de Mauthausen: la cantera, Gusen, los partidos de fútbol, los negativos del fotógrafo Francesc Boix, la comida llena de gusanos, los piojos, el frío, el recuento, los andrajos, las muertes por agotamiento, las ejecuciones... Manuel lo relata con la calma y la sencillez del que ha presenciado la atrocidad. Sin alharacas. Sin dramatismos. Sin concesiones. Esta edición se completa con la reconstrucción del testimonio original de Manuel Díaz, con una entrevista a Pilar G. Almansa e Inma González, creadoras de la pieza, y con un estudio introductorio de Alba Saura-Clares.
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Este libro coral es fruto del estudio y la discusión colegiada entre sus autores a lo largo de tres años. Se trata, a la vez, de un libro de crítica (literaria, audiovisual) y de teoría poética. Nuestro objeto de estudio es el universo ficcional de Patria (Aramburu, 2016 HBO España, 2020) y, al hilo de las necesidades de ese estudio particular, hemos revisado e inventado las categorías necesarias para una adecuada interpretación de las obras. Por ejemplo: utilizamos la noción de ''mímesis de vigencias sociales'' -entre ellas, la del silencio- para profundizar en el modo en que la serie y la novela nos permiten revivir y comprender la enrarecida atmósfera que se respiraba en el País Vasco durante los años del terrorismo. La recepción cultural de la inspiradora obra de Aramburu, las lecturas de la novela y de la serie televisiva y la reflexión teórica sobre los mundos posibles poéticos aparecen hermanados en estas páginas con dos objetivos: primero, contribuir a la gran conversación sobre el terrorismo de ETA y segundo, aportar una metodología para explorar y aprovechar el valor especulativo y práctico, las posibilidades de reflexión ética y social, de los mundos posibles poéticos.
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El estreno en 1835 de «Don Álvaro o la fuerza del sino» supuso, en medio de disputas y polémicas, el afianzamiento del drama romántico en España, que se prolongará hasta 1844, año del «Don Juan Tenorio» de Zorrilla. Apoyándose en leyendas andaluzas, Ángel Saavedra, Duque de Rivas (1791-1865), muestra en esta obra su gusto por las situaciones extremas y por los contrastes, y define el prototipo de héroe romántico -gallardo, valiente, apasionado, entregado a un exaltado ideal amoroso, víctima de la intransigencia, los prejuicios sociales y el viejo concepto del honor, y perseguido por un destino aciago-, a quien únicamente el suicidio permite reafirmar su libertad individual y exteriorizar su rebeldía y nihilismo. En la introducción se da cuenta asimismo de la importancia que también desde el punto de vista formal tiene para la literatura española este drama que en 1862 inspiró a Verdi su famosa ópera «La forza del destino».
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Con la creación del personaje de Ubú, Alfred Jarry (1873-1907) dio forma genialmente al emblema del ser humano egoísta, mediocre, despreciable y mezquino que suele abundar en las fangosas aguas del poder y pulular en ellas siempre atento a su medro y a su perpetuación, sin importar quien caiga en el camino. Situada ficticiamente en Polonia (lo que equivale, a decir del autor, a «en ninguna parte» y en todas), «Ubú rey», obra bufa, sátira implacable y guiñolesca válida para todo tiempo y lugar, se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes clásicos de la literatura que brillan como perpetuo azote de los que mandan y de los que aspiran a mandar. La presente edición incluye varios textos fundamentales que aportan datos relevantes sobre los primeros pasos de la obra y la dramaturgia del autor. Versión de Wenceslao-Carlos Lozano
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Hombre de vida asendereada y de múltiples ocupaciones por razón, sobre todo, de su voluntad de ascender en la escala social, Pierre-Augustin Caron, más conocido como Beaumarchais (1732-1798), dejó, con todo, dos obras dramáticas magistrales: El barbero de Sevilla (1775) y Las bodas de Fígaro (1781). En El barbero de Sevilla, como nos explica en su introducción Mauro Armiño, el genio del autor consiguió hacer de una intriga y unos personajes trillados una comedia absolutamente original en la que destaca la fuerza que supo imprimir a todos los personajes, pero sobre todo al conde Almaviva y especialmente a Fígaro, heredero del criado de la comedia clásica que alcanza la categoría de protagonista en igualdad de condiciones que su antiguo amo, y en el que cristaliza una de las grandes creaciones de la tradición dramática europea.
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Especialmente estimada por Federico García Lorca, «El público» es la más transgresora y vanguardista de sus obras dramáticas, y expresa de manera desgarrada y violenta su visión del deseo, de la homosexualidad y de la verdad en el teatro. Escrita a partir de su viaje a Nueva York, el estallido de la Guerra Civil y el asesinato del autor impidieron que llegara hasta nosotros la versión definitiva de esta obra, de la que sólo se ha conservado un borrador autógrafo, reproducido fielmente en esta edición. Completa el volumen el único acto de la obra inconclusa «El sueño de la vida», otra importante obra experimental de Lorca conocida hasta ahora como «Comedia sin título». Especialmente estimada por García Lorca, «El público» es la más transgresora y vanguardista de sus obras dramáticas, y expresa de manera desgarrada y violenta su visión del deseo, de la homosexualidad y de la verdad en el teatro. El estallido de la Guerra Civil y el asesinato del autor impidieron que llegara hasta nosotros la versión definitiva de esta obra, de la que sólo se ha conservado un borrador autógrafo, reproducido fielmente en esta edición. Completa el volumen el único acto de la obra inconclusa «El sueño de la vida», también conocida como «Comedia sin título». Edición de Antonio Monegal
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La casa vacía es una obra que habla del duelo migratorio, que no solo sufren quienes se van, sino también quienes se quedan, especialmente los menores, las hijas e hijos a quienes cuidarán las abuelas. La autora narra las vivencias de tres mujeres de una misma familia. Dalia, la madre, está en Cuba al cuidado de su nieta. Mariana, la hija mayor, vive desde hace veinte años en España. Yania, la hija menor, está emprendiendo el camino desde Cuba hacia Estados Unidos. Tres mujeres que se comunican de manera constante ante la imposibilidad de estar juntas. Solo pueden encontrarse en los recuerdos, el único espacio que les queda disponible para compartir como familia.
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Aquesta antologia recull quatre dels textos més rellevants del teatre britànic dels darrers anys que, amb una veu autoral singular, segueixen la tradició del ''new writing'', influenciats per mestres del passat com Beckett i per autors més recents com Crimp, Kane o Churchill. Combinen forma i contingut per transmetre cosmovisions compromeses del món i una crítica de la identitat britànica.
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Escrita probablemente hacia 1635, La vida es sueño corresponde a un momento de inflexión en la comedia del Siglo de Oro, que comienza a aspirar al favor de los cortesanos y adopta argumentos filosóficos y de mayor aliento que los propios de las comedias de capa y espada. En ella, Pedro Calderón de la Barca (1600-1681) construye una pieza doctrinal y didáctica de impresionante vigor teatral y alta calidad literaria. Como señala Domingo Ynduráin, el drama de Segismundo pone de relieve el conflicto producido por la dimensión temporal del hombre en el orden perfecto de la Creación porque establece una contradicción o conflicto entre el libre albedrío y la omnisciencia divina, todo ello a través de un ensamblaje de elementos modélico que alumbra, en definitiva, una de las cumbres universales del teatro del siglo XVII.
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Ella no creía en el matrimonio por amor. A él solo le importaba su invernadero y mantenerse fuera de la sociedad. ¿Serán capaces de mantenerse firmes en sus ideales?A pesar de ser la mayor de sus hermanos, entre los planes de Elizabeth no encajaba un matrimonio inminente. Tenía claro que, a largo plazo, era lo lógico para una mujer de su clase, y en ese siglo, pero, al igual que estaba convencida de ello, también sabía que nunca se casaría por amor. Había presenciado el sufrimiento de su madre tras la muerte de su padre, y se juró a sí misma que jamás se enamoraría.Con lo que no contaba, era con los tejemanejes de su abuelo.De la noche a la mañana su futuro la situó lejos de Londres para casarse con... ¿el duque de Peachwood?Un hombre que, desde el fallecimiento de su esposa e hijo, en extrañas circunstancias, no había vuelto a aparecer en sociedad. Se había recluido en el campo y no se relacionaba con nadie.Su única obsesión, según los cotilleos de los salones londinenses, eran los melocotoneros que tenía en su invernadero.
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Màrcia i Ramon fa ja 5 anys que cuiden Mirko, el nen bosnià que han adoptat, però hi ha alguna cosa en Mirko que no està del tot bé, al seu voltant no paren de passar coses estranyes, situacions pràcticament miraculoses: caminar sobre les aigües, multiplicació de pots de Nocilla... Però és relament Mirko un nen que fa prodigis? El diàleg de la jove parella sobre el Mirko desenvoluparà en una obra d'un humor descarnat i satíric. Un humor que s'hi barreja amb la crítica social però sense cap tipus d'intenció moral o moralitzadora. Carn humana és una de les obres més divertides i punyents dels últims anys que ha merescut el Premi Palanca i Roca de Teatre 2022.
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Representada en casi un centenar de teatros en más de veinte países, donde ha cosechado un éxito inaudito, Terror aborda sin tapujos el abrumador problema ético al que se enfrenta el ser humano en situaciones límite, invitándonos a una reflexión profunda sobre el valor y el precio de la libertad. Cada vez que se produce un atentado terrorista en un país occidental, provocando un sentimiento general de pánico y estupor en la sociedad, surge inevitablemente un dilema difícil de resolver: ¿estamos dispuestos a sacrificar nuestra libertad individual en aras de la seguridad colectiva? ¿Cuál es el camino correcto para preservar la democracia? Como oficial de la Fuerza Aérea de Alemania, Lars Koch debe intervenir en una situación de emergencia: un terrorista ha secuestrado un avión de Lufthansa y pretende estrellarlo contra el Allianz Arena de Múnich, donde en ese momento setenta mil espectadores asisten a un partido de fútbol internacional entre las selecciones de Alemania e Inglaterra. Contraviniendo las órdenes de sus superiores, y consciente de la responsabilidad que deberá asumir por su terrible acto, Koch derriba el aparato para impedir la masacre en el estadio, causando la muerte de las ciento sesenta y cuatro personas que viajaban a bordo. Así pues, el juicio al que se somete al infortunado piloto es el núcleo de la primera obra teatral del célebre abogado criminalista alemán Ferdinand von Schirach. Con una trama sencilla pero contundente, el autor de superventas como Crímenes y Culpa nos conmina a tomar partido como miembros del jurado popular que deberá dictar una sentencia de tintes dramáticos y consecuencias inquietantes.La crítica ha dicho...«Terror es teatro en su máxima expresión.»The Sunday Times «Una historia tan compleja que seguirás pensando en ella mucho después de que se falle la suerte del acusado.»The Times «Von Schirach senutre del legado del drama clásico como un foro donde considerar los dilemas humanos más acuciantes.»Financial Times
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
