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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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La família d'en Jaume i la Rosa, i les seves tres filles, la Maria, la Carme i la Lluna, amaga un secret, com totes les altres. Però no tots els secrets són iguals, alguns són més foscos que d'altres. I els que amaga en Jaume són d'aquells que deixen cicatrius tan profundes que mai no es curen del tot.Mitjançant una estructura polièdrica única, l'obra descabdella aquests fets ocults mentre ens submergim en els darrers trenta anys de la vida familiar dels protagonistes.
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¿Qué es la patria? ¿Quiénes son los míos? ¿Cuáles son nuestras razones? ¿Por qué valen más que las de los otros? ¿Quién se beneficia de ese negocio? ¿Tengo el derecho de matar a alguien por defender un trozo de tela polvorienta cosida a un mástil? ¿Se puede volver después de atravesar esa línea? ¿Se puede volver? Esta obra de teatro cuestiona todas las narrativas identitarias que inflaman las pasiones hasta el delirio.
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Un vespre d’intensa pluja, una dona més aviat rude i un jove especialment immadur arriben per motius d’entrada inexplicables a la remota cabana on viu en Salvador, El Sibarita de la Pluja, un vell entranyable tocat per un misticisme singular.A conseqüència de les condicions meteorològiques i de la geografia de l’indret, els tres personatges queden aïllats i han de conviure onze dies en aquell petit univers que ha creat en Salvador: una roca encimbellada on medita, una esplanada amb un gos enterrat a qui parla, una passera submergida que potser el riu s’ha endut i una cabana amb infinitat de cites d’autors il·lustres gravades a les bigues del sostre.Amb el pas dels dies, sorgiran tensions, es teixiran complicitats, es descobriran secrets del tot inesperats i, sobretot, es faran reflexions sobre la joventut i la vellesa, la inadaptació, la fugida, la solitud, el límit de la bogeria, la convivència amb la natura, la saviesa, la creativitat, el pas del temps, la mort… I la recerca contínua en un món en canvi constant.
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Última obra teatral escrita en solitario por William Shakespeare (1564-1616), «La tempestad» pertenece a la serie de piezas de este autor que funden el ámbito de lo real con lo mágico y lo maravilloso. La trama gira en torno a Próspero -duque y mago, quien, traicionado y depuesto, tiene que exiliarse, con su hija Miranda, en una isla desierta en la que pasará doce años- y su relación con el genio Ariel y el bestial Calibán, personajes todos que se cuentan entre las grandes creaciones del dramaturgo. El examen de la relación entre realidad y ficción -«estamos tejidos de idéntica tela que los sueños»-, así como entre el hombre y mago y las criaturas a las que libera, pero también somete, otorgan a esta obra un lugar entre las más universales del autor inglés.
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Durante una fría noche de marzo, Koharu confiesa a sus hijos que ha matado a su marido, un hombre maltratador que había convertido en un infierno la vida de los jóvenes. Quince años después, y tras haber cumplido su condena en prisión, la madre vuelve al hogar, a la empresa familiar: Taxis Inamaru. El reencuentro resulta difícil para todos: la felicidad por recuperar al ser querido no diluye por completo el rencor ni la culpa, ni puede hacer olvidar todos los años de ausencia.
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Segons part de l'obra Enric VI de William Shakespeare. És una obra històrica que tracta sobre la lluita de l'imperi anglès per mantenir el seu poder militar i polític, sobre els territoris que havia obtingut anteriorment el rei Enric V a França. Aquesta obra representa, amb algun trastorn en l'ordre lineal, els fets ocorreguts en aquest primer regnat d'Enric VI, incloent algunes de les lluites internes entre els Lords anglesos i la conseqüent pèrdua de la meitat dels seus territoris francesos.
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Por primera vez se reúnen en un volumen las cinco obras que Pablo Remón ha escrito hasta la fecha para la compañía La_Abducción. En apenas cinco años, a partir de su debut en 2013, la trayectoria de Pablo Remón le ha llevado a ocupar un lugar destacado como autor dentro del panorama teatral en castellano. Cinco obras que pueden leerse casi como novelas que combinan lo cotidiano con lo extraordinario, el humor con la gravedad dramática, la Historia con las historias minúsculas. Así, un joven de provincias está convencido de que los extraterrestres han abducido a su padre, un guionista vende su alma a una productora de cine para cumplir su sueño, un político condenado por la Justicia regresa a su tierra para sacar en procesión al santo del pueblo, la intrahistoria de la familia de un general franquista sirve de pretexto para desmitificar la transición española. Y casi siempre, de fondo, la meseta como espacio y motivo narrativo, paisaje y estado de ánimo cada vez más vacíos, símbolo de un éxodo hoy casi olvidado. Obras, en definitiva, construidas sobre el deseo y la pulsión de continuar narrando para sacar a la luz lo que somos y lo que podríamos ser. Como dice el autor: «La mejor manera de contarnos, de explicarnos dónde estamos, como individuos y como sociedad, sigue siendo contar una (o mil) historias».
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PREMI DE TEATRE CIUTAT D'ALZIRA PALANCA I ROCA Què fan, en una casa vella que té un pati amb una figuera, un invàlid en cadira de rodes, una cega i un sordmut? No, no és cap acudit macabre. Tampoc és una pel·lícula o una novel·la d'intriga. Però Iceberg permet humor i misteri perquè és un calidoscopi de fragments vitals que, amb molt poques peces, sembla haver estat encaixat perfectament per un guionista sorneguer de cinema negre per a sorprendre'ns al màxim. És una faula actual sobre uns personatges en decadència i a la deriva, sobre la mentida, la veritat, l'aparença, la realitat, el canvi de valors, la deshumanització...
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Besos para la bella durmiente es una obra llena de fantasía e imaginación en la que el autor, con humor y poesía, nos traslada a un mundo mágico, basándose en la tradicional historia de la bella durmiente.¿A quién va dirigido el libro Besos para la bella durmiente?Se trata de una obra pensada para lectores de todas las edades, adaptando la clásica historia de la Bella Durmiente a un formato accesible y atractivo para un público amplio. El humor y los personajes entrañables la hacen ideal para niños y jóvenes, mientras que la profundidad de la adaptación y la calidad literaria la hacen disfrutable para adultos. Su formato teatral la convierte en una opción ideal para representaciones escolares o familiares.Temas que trata el libro Besos para la bella durmienteBesos para la bella durmiente retoma el cuento popular de La Bella Durmiente, pero lo hace con una perspectiva renovada y llena de humor. Se exploran diversos temas, entre ellos:Adaptación de cuentos clásicos: El libro se basa en la historia de La Bella Durmiente, pero la reimagina con una trama y personajes modificados, ofreciendo una versión fresca y original del cuento tradicional. Se mantiene la estructura y ambientación, pero se introducen elementos nuevos y se modifica el desenlace.El amor y el desamor: El amor es un tema central, explorado desde diferentes perspectivas. Se muestra el amor romántico, pero también el amor familiar y la amistad. La obra contrasta el amor verdadero con las apariencias y las expectativas sociales.El humor y la parodia: El texto está repleto de humor y parodia, utilizando recursos como el verso y la rima para generar situaciones cómicas y divertidas. Se parodian los estereotipos de los cuentos de hadas, ofreciendo una visión irónica y desenfadada.La magia y la fantasía: La obra mantiene la ambientación mágica y fantástica del cuento original, con hadas, encantamientos y elementos sobrenaturales. Sin embargo, estos elementos se presentan de forma lúdica y accesible, evitando el tono oscuro o aterrador.La ruptura de estereotipos: La obra desafía algunos de los estereotipos presentes en los cuentos de hadas tradicionales. Los personajes no se ajustan a los roles convencionales, y la trama se aleja de los finales predecibles.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Besos para la bella durmienteAún no hay opiniones o críticas sobre Besos para la bella durmiente.
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Representantes en la Tierra de una irrealidad llamada Dios: un diálogo clarificador en la sala de espejos.El papa y un cardenal, amigos de juventud, mantienen un diálogo en el que no faltan críticas a determinadas actuaciones de la Iglesia. La figura de la joven Hermana Teresa romperá el esquema del debate. Su identidad provoca un zamarreo emocional en los interlocutores. La charla íntima continuará después entre ellos, rompiendo verdades consolidadas que son sustituidas por su mero reflejo. Una conversación entre hombres de poder, que saben...
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Ignacio Amestoy, Premio Nacional de Literatura Dramática, presenta aquí dos nuevas obras, una tragedia y una tragico-media, con prólogo de Jorge Urrutia: ''Te quiero, Miguel'' dramatiza la pasión amorosa del poeta Miguel Hernández y Josefina Manresa, un amor que será angustioso durante la Guerra Civil y agónico tras la victoria franquista, hasta llegar a la tragedia. Muestra de su teatro documento (que ya empleó en ''Gernika, un grito. 1937'' o ''Dionisio Ridruejo. Una pasión española'', nº 162 y 184 de esta misma colección), Amestoy rescata el diálogo entre los protagonistas y finalmente el grito hecho teatro de una mujer a la que la muerte de su amante arranca del mundo. ''Aquiles tiene un problema'', siguiendo a Javier Gomá, plantea la equivalencia entre la actitud del héroe troyano en los brazos protectores de su madre y la de muchos jóvenes actuales en los más o menos confortables hogares de sus progenitores. Las tensiones del Banco Central Europeo, el trajín de los iPad de Apple, Hegel, Bruselas o el Central Park neoyorquino serán el moderno escenario de sus batallas. Ignacio Amestoy Egiguren pertenece, con Alonso de Santos, Cabal y Sanchis Sinisterra, a la denominada Generación del 82, o de la Transición. Es doctor en Estudios Teatrales (UCM), profesor titular de Literatura Dramática en la RESAD, de la que fue director, y secretario general del Círculo de Bellas Artes. Galardonado en dos ocasiones con el Lope de Vega, en 2002 se le concedió el Premio Nacional de Literatura Dramática por Cierra bien la puerta, pieza que forma, con Rondó para dos mujeres y dos hombres, Chocolate para desayunar (ambas en el no 368 de esta colección espiral/teatro) y De Jerusalén a Jericó, una tetralogía sobre la mujer en el siglo xxi.
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Como sucede casi siempre en las comedias de Lope de Vega, Yo me entiendo tiene como tema el amor entre jóvenes. En un pueblo de Florencia, dos hermanas, Belisa y Florela, aman al mismo joven, Carlos. Este quiere a Belisa, pero la acusa de haber despertado el amor de Alejandro, el duque de la ciudad, un hombre que solo persigue el placer. Los celos desencadenan la acción de la obra y un final sorprendente.La atribución de esta comedia extraviada a Lope de Vega ha seguido un tortuoso camino hasta que por fin el profesor Donald McGrady, tras un largo proceso de investigación que atestigua en su prólogo, ha conseguido despejar las dudas sobre su autoría. Un hallazgo filológico indiscutible que se suma a la lista de obras recuperadas de Lope y que supone una celebración de primer nivel para las letras españolas.
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Escuadra hacia la muerte, una pieza fundamental del teatro español del siglo xx, es la obra primeriza de «un veinteañero que aun no había terminado el servicio militar» llamado Alfonso Sastre. Ambientada en Rusia durante una supuesta Tercera Guerra Mundial, narra las tribulaciones de una escuadra militar que es enviada al frente. Estrenada en 1953, y celebrada de inmediato, Escuadra hacia la muerte es señalada, acusada de antimilitarismo por el Alto Estado Mayor del Ejército español, y prohibida, aunque esto no impidió que en los años más duros de la dictadura fuera representada cientos de veces. Pepitas presenta ahora la edición que el autor consideró definitiva, acompañada de algunos documentos esenciales.
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Molière era el seudónimo que utilizaba Jean-Baptiste Poquelin (París, 1622-1673) para firmar sus obras. No solo fue un gran dramaturgo sino también un gran poeta y actor, llegando a interpretar muchas de sus propias creaciones. El personaje central de El enfermo imaginario es Argan, un hombre sano que se cree enfermo, y que pasa su vida rodeado de médicos. Tal es su obsesión, que pretende casar a su hija Angélica con uno de ellos. Esta se niega, pues está enamorada de un joven que acaba de conocer. Antoñita, la criada de la casa, urde un plan para evitar la boda.
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Hombre de vida asendereada y de múltiples ocupaciones por razón, sobre todo, de su voluntad de ascender en la escala social, Pierre-Augustin Caron, más conocido como Beaumarchais (1732-1798), dejó, con todo, dos obras dramáticas magistrales: El barbero de Sevilla (1775) y Las bodas de Fígaro (1781). Comedia calificada de inmoral y prohibida expresamente por el rey Luis XVI, en Las bodas de Fígaro volvemos a encontrar a los personajes de El barbero de Sevilla, pero inspirados ahora por una visión de la sociedad corrosiva, aunque a la vez divertida y alegre, que aúna «frivolidad y razón». Plagada, en efecto, de burlas e invectivas contra todas las bases en que se sustentaba el Antiguo Régimen, la obra -estrenada tras múltiples peripecias en 1784- conoció un éxito clamoroso que Mozart iba a potenciar componiendo, con libreto de Da Ponte, la genial ópera del mismo título: desde entonces, la obra sigue ocupando un lugar indiscutible en la historia del teatro y de la ópera.
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Quan la famosa cantant Lucrècia comença a rebre missatges amb amenaces, la policia es troba d'all. més perduda. Qui li pot recriminar que adapte els poemes d'Ausiàs March?
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Edición de Josep Maria Sala Valldaura.Numerosos contemporáneos afirmaron que en el siglo XVIII no se iba al teatro «por la comedia sino por los sainetes» y que la representación de la obra principal se tomaba «como mero pretexto para los mismos». Transidos de realismo, al arrimo de los problemas sociales y políticos y de las preocupaciones de actualidad, en los sainetes de Ramón de la Cruz se desarrolla la nueva concepción del teatro que abre el camino a la comedia moderna. Para ofrecer una imagen completa y orgánica de la labor del gran sainetero madrileño, J.M. Sala Valldaura edita aquí las piezas más célebres de don Ramón y una amplia muestra de otras menos conocidas o inéditas, partiendo en cada caso de los testimonios más fidedignos y significativos y tomando muy en cuenta las copias con apuntes y acotaciones que permiten la lectura más propiamente teatral de las obras.
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Las tres piezas de teatro que se incluyen en esta Obra completa presentan a mujeres jóvenes que se tienen que enfrentar a un mundo lleno de violencia, alcoholismo y exclusión, reflejando la dura cotidianidad de los barrios obreros de los años setenta y ochenta donde la precariedad y el paro de la era Thatcher hacía estragos. En The Arbor, Rita, Sue and Bob Too (obra que fue adaptada al cine) y Shirley el universo de Andrea Dunbar se muestra al completo: el vecindario en decadencia, el padre maltratador que se tambalea borracho desde el pub local y la hija adolescente y descarada que intenta escapar de esa vida. El prólogo de Ángel Mirou nos da una perspectiva más amplia sobre la fugaz pero intensa experiencia vital de Andrea Dunbar. «Pero Andrea tenía algo que no tenían otras chicas: talento. Andrea era una chica de quince años que acababa de dar a luz a un bebé muerto cuando descubrió el mundo del teatro. Tuvo la fortuna de dar con un profesor en su instituto que adivinó en ella una inteligencia que no encajaba en los patrones medidos por los exámenes de la enseñanza secundaria británica. El profesor le encargó como ejercicio escribir una pieza teatral». -Ángel Mirou En Barrett descubrimos a Andrea mientras veíamos el documental The Arbor tumbados en el sofá. No pudimos esperar ni un segundo para recopilar sus tres obras de teatro y hacer este libraco.
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Mencionada apenas en los Evangelios, la figura de Salomé atrajo ya desde la Edad Media la imaginación de los artistas figurativos. Sin embargo, fue sobre todo a partir del siglo XIX, y especialmente en el último cuarto de este siglo y el primero del XX, cuando alcanzó un lugar preeminente en el imaginario artístico moderno como figura en la que confluyen belleza y maldad, esplendor y lujuria, así como esa exacerbación de los sentidos cuya búsqueda es tan propia de la época. Escrita originalmente en francés en 1891 durante un larga estancia en París, Oscar Wilde aunó en Salomé la visión clásica transmitida por Flaubert en obras como «Salambó» o «Herodías» con la mirada decadente llena de oros bizantinos del pintor Gustave Moreau, para alumbrar una obra magnífica en la que laten la violencia y la sexualidad. En su prólogo, Mauro Armiño da cumplida cuenta de los múltiples antecedentes y peripecias de esta polémica obra a lo largo del tiempo. La presente edición se acompaña de los dibujos realizados para la edición inglesa (1894) por Aubrey Beardsley. Traducción y prólogo de Mauro Armiño
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Antón Paulovich Chejov es el gran analista de la vida social y política rusa en las últimas décadas del siglo XIX. Por sus más conocidas comedias: El tío Vaina, La Gaviota y El jardín de los Cerezos, constantemente representadas en los teatros del mundo, no es exagerado asegurar que puede clasificársele como creador del teatro contemporáneo.
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Romeo y Julieta, de William Shakespeare (9788467016901).Ángel-Luis Pujante destaca en esta edición la fuerza poética y retórica de Romeo y Julieta. Los juegos de palabras, la coexistencia de prosa y verso, de lo culto y lo coloquial, de lo lírico y lo dramático contribuyen a intensificar los contrastes de la acción. Clara Calvo ofrece en el Apéndice una rica documentación complementaria y unas sugerentes propuestas que ayudan a enriquecer la lectura de esta obra capital de la literatura universal.
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Parte de lesiones reúne cinco ficciones teatrales de María Velasco cuidadosamente escogidas, todas ellas estrenadas entre 2014 y 2021:Escenas de cazaLa espuma de los díasLíbrate de las cosas hermosas que te deseoLa soledad del paseador de perrosTalaré a los hombres de sobre la faz de la tierraY un apéndice que recoge tres textos breves a modo de rasguños, esguinces, torceduras. Es decir: Agora(fobia), Suite TOC Núm. 6 y FAM.Diferentes mundos en uno solo de una autora de culto que transitan entre lo narrativo y lo dramático, lo sintomático y lo patológico, la curiosidad, el gozo. Un despliegue de múltiples vértices para abordar sin rodeos qué sentidos atraviesan hoy cuestiones como la familia, la tradición, el duelo, el dinero, la intimidad, la autocensura o el colonialismo en las relaciones sentimentales…Así, con un humor, a veces sombrío, y una inteligencia cortante, María Velasco escribe historias abiertas en canal en las que conviven tanto los extremos como su punto medio, momentos de reflexión y de furia. O, como lo expresó Alejandra Pizarnik, con cuya poética dialoga este libro: «He aquí lo difícil, caminar por las calles y señalar el cielo o la tierra».
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La obra refleja las inquietudes, angustias, ilusiones y aspiraciones de la juventud española en la década de 1980. En el garaje de un chalet situado a las afueras de una ciudad española indeterminada, se reúnen un grupo de muchachos que apenas acaban de superar la adolescencia. En ese escenario tendrán ocasión de conversar sobre los temas que les preocupan.
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Cimbelino és una de les grans obres del període final de William Shakespeare. L'obra va ser ja en el seu moment una de les preferides de grans escriptors com Bernard Shaw (que fins i tot va rescriure l'obra al seu deliciós Cymbeline refinished), Tennyson o Lytton Strachey. Recentment redescoberta per la crítica anglosaxona, en ella Shakespeare desplega ja els recursos dels quals es va servir per a les seves altres dues obres de suprema maduresa: La tempesta i el Conte d'Hivern. Les tres juntes formen el gruix dels anomenats romanços shakespereans, obres noves en què experimenta amb nous recursos i formes dramàtiques. A Cimbeli observem el gust per la sofisticació i les ostentació imaginatives portades a l'extrem: l'artifici teatral en la forma més joiosa. Ambientada en una Britània preromanitzada vagament irreal, les convencions del conte de fades, les intrigues pel poder i el tema etern de la gelosia i la fidelitat amorosa s'entreteixeixen amb virtuosisme genial fins a arribar al veritable gran final de l'última escena: en només quatre-cents versos se succeeixen més de vint revelacions d'identitat i escenes de reconeixement. Abans, però, els personatges (i l'espectador/lector amb ells) hauran presenciat prodigioses aparicions divines, visites de fantasmes, enverinaments i batalles. Presideix totes les peripècies la bella figura d'Imogènia, princesa de Britània, que sobresurt per dret propi a la supèrbia galeria de personatges femenins imaginats per Shakespeare i que per a Wordsworth era, ni més ni menys, «la dona per sobre de totes les dones de Shakespeare».
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En Pedro y el Capitán (1979), tenso diálogo entre víctima y verdugo que se desarrolla en una sala de interrogatorios, el escritor uruguayo Mario Benedetti aborda «una indagación dramática en la psicología de un torturador» a la que una objetividad rigurosa aleja del maniqueísmo. «Esta pieza dramática -advierte el autor en el prólogo- no escenifica el enfrentamiento de un monstruo y un santo [...]. La distancia entre uno y otro es, sobre todo, ideológica, y es quizá ahí donde reside la clave de otras diferencias, que abarcan la moral, el ánimo, la sensibilidad ante el dolor humano, el complejo trayecto que media entre el coraje y la cobardía, la poca o mucha capacidad de sacrificio, la brecha entre traición y libertad.»
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No ha sido el teatro lo que convirtió a Mercè Rodoreda en la voz femenina más poderosa de la literatura catalana de todos los tiempos y, sin embargo, su delicadeza, su estilo sinuoso, su sensibilidad también laten en estas obras. Cuatro piezas incluye esta edición, en realidad, cuatro mundos completamente diferentes: Doña Florentina y su amado Homero, nos invita al salón de unas vecinas, amigas tiempo atrás, donde Zerafina, la criada, al fin ha encontrado su lugar en el mundo, por otro, los vagabundos de El maniquí nos describen el ambiente de marginación en que viven y nos recuerdan que, pese a todo, tienen derecho a soñar en una vida pasa, tal vez inventada, pero mucho mejor, El hostal de las tres camelias nos propone una mirada al drama rural, protagonizado por unos personajes, paradójicamente, típicos pero no tópicos, desde el punto de vista de una sordomuda que se ve obligada a hablar, y, finalmente, en Un día nos adentramos en escenarios que reconocemos como propios de Rodoreda: la casa barcelonesa de Teresa Goday, a quien aquí nos presenta con el nombre de Caterina. Como en el conjunto de su obra narrativa, Rodoreda observa atentamente el comportamiento de sus personajes, reflexiona sobre su condición de manera desinhibida, y entre la risa y la alegría puede devenir en dolor y llanto conmovedor, o viceversa. En suma, este Rosas de fuego es una joya no sólo de la dramaturgia, sino de la literatura en general, y al fin el lector puede disfrutar de una nueva edición con una maravillosa traducción en español.
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És 26 de juny de 1424 i un grup d'homes està reunit en un castell. Redacten una llei per a combatre un nou crim que assola el territori: algunes persones van de nit amb les bruixes a fer el mal a les cases dels dorments i causen la mort de nens. Aquesta llei, la primera legislació coneguda a tot el món contra les bruixes, apareix a Catalunya. Som, doncs, una dels bressols de la creença en les bruixes i del fenomen que s'estendrà durant tres-cents anys: la cacera de bruixes. Però, per què van néixer les bruixes? Com es va estendre la cacera? I més: qui eren les persones que van habitar el nostre passat? Aquestes són algunes de les preguntes que busquen resoldre sis investigadores encarregades de conservar quaranta-dos documents històrics procedents de judicis per bruixeria ocorreguts en la nostra terra.
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Gènova, estiu del 2001. La ciutat del Ragazzo viu la vulneració de drets humans més gran que ha vist Europa des de la Segona Guerra Mundial mentre els líders del G8 hi celebren una cimera. El destí d'aquest jove antiglobalització quedarà marcat per sempre quan decideix participar en una acció pacífica de desobediència civil per reclamar que un altre món és possible. ''Ragazzo'' és un crit a la vida i a la importància de la memòria col·lectiva que ens parla de les històries en minúscula i les contradiccions d'aquells herois que mai no haurien volgut ser-ho.
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Quatres dels onze textos teatrals que Natalia Ginzburg va escriure entre 1965 -any que, empesa per un repte personal, va iniciar-se en la dramatúrgia-, i 1967. Amb un estudi introductori de la mateixa traductora, Meritxell Cucurell-Jorba, ens endinsem en una de les escriptores italianes més interessants del segle XX, comparada, en el cas del teatre, amb Beckett i Pinter. Com la seva narrativa, el teatre de Ginzburg retrata, punyent, una societat aferrada a les seves tradicions i que es resisteix a obrir-se a la nova realitat social.
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La vida dels habitants de la petita localitat nord-americana de Grover's Corners transcorre com a qualsevol altre lloc del món: neixen, creixen, s'enamoren, es casen i moren. L'aparent senzillesa de la seva existència es converteix en un cant als petits esdeveniments quotidians i en una colpidora reflexió sobre la consciència de viure. Amb aquest text, Thornton Wilder construeix una obra coral i sobre el pas del temps, guardonada amb el Premi Pulitzer de Teatre l'any 1938.
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¿Quién no querría volar hasta Nunca Jamás? Solo hay que tomar la segunda estrella a la derecha y todo recto hasta la mañana. Una vez allí los sueños se hacen realidad: sirenas, hadas, piratas... Pero toda aventura tiene un precio: luchar con tu propia sombra. Perderte. Morir. Incluso crecer...
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La maga Baldraga, la bruixa Maduixa i el bruixot Pebrot s'han de presentar a les proves per a assistir a un curs de bruixots d'abast internacional i només hi anirà qui haja fet la malifeta més gran. Per això, la Bruixa Major els ha convocat enmig del bosc: els posarà a tots a examen. El que no saben és que dos parells d'ulls els observen d'amagat.
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En ''Los cabellos de Absalón'', Calderón de la Barca desarrolla la historia bíblica de Amón y Tamar, añadiendo al relato primitivo no pocos elementos de su propio ingenio a fin de convertirlo en un argumento representable ante el público español de los siglos de oro. Esta edición lleva a cabo un minucioso rastreo filológico de fuentes y testimonios con tal de fijar el texto de la obra y depurarlo de los insertos y modificaciones que, ajenos a la voluntad de Calderón, se habían venido transmitiendo desde que fuera dado a imprenta por primera vez. El resultado es un texto muy diferente al que la tradición había recogido hasta ahora, e inaugura nuevas perspectivas para el análisis de su contenido filosófico, político y de crítica social.
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La cisma de Ingalaterra lleva a escena la desventurada historia de los turbios amores de Enrique VIII y Ana Bolena, casada en secreto con el monarca después del repudio del rey de su esposa Catalina, a través de una serie de acontecimientos desastrosos parala corona que terminan con la separación de la Iglesia de Roma y la proclamación de la Iglesia anglicana.Una lección de los peligros de la falta de autodominio y de no medir la responsabilidad de los actos de uno mismo sobre la colectividad.
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Else & Henry es una obra sobre el amor entre dos personas que va más allá de los límites de la muerte. Else, el amor de su vida, ruega a Henry que acabe con su dolor, precipitando su muerte. ¿Lo hará Henry? ¿Lo harías tú?
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Del laberinto en el que estuvo sumida la Castilla del siglo XV surgió otro, ahora en verso, que Juan de Mena presentó en 1444 al entonces monarca Juan II como un plan de acción política para la reforma del reino. Ese ''Laberinto de Fortuna'' constituye una pieza mayor en el canon de la literatura española, que se mueve entre las últimas inercias medievales y un primer Renacimiento propiamente hispánico. Mena lo concibió con una conciencia humanística y una decisiva dimensión experimental. En su afán por imitar la epopeya clásica, diseñó una lengua poética que se alejaba del uso común para dotar al castellano de una dignidad pareja a la del latín. Su éxito fue enorme y se mantuvo en el tiempo, como muestran los numerosos manuscritos en los que la obra nos ha llegado, los comentarios de Hernán Núñez o el Brocense o su presencia, aún viva, en la polémica gongorina. Esta edición crítica y modernizada pretende ofrecer una lectura clara y accesible de ese ''Laberinto'', que se presenta como un desafío sugestivo y extraordinario para los lectores del siglo XXI.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
