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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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En tiempos de Cervantes se solían representar entremeses antes de las obras de teatro. Eran obritas muy breves, hechas para divertir al público y a menudo mejores que la obra principal, y triunfaron en España y en la América española. Los entremeses de Cervantes son geniales, y pese a su brevedad son de una calidad comparable a lo mejor de su obra, se consideran la cuna del teatro cómico universal y resultan especialmente adecuados para ser leídos, pues como se ha señalado, son casi novelas breves. Aquí se han seleccionado algunos de los más divertidos, adaptados para el lector de hoy desde edades tempranas, pero conservando el sabor de los textos originales, sus diálogos, su humor incomparable y su capacidad para retratar con ironía el alma humana en tan breves pinceladas. Miguel de Cervantes (Alcalá de Henares, 1547- Madrid, 1516) es uno de los más grandes escritores de todos los tiempos, y su obra Don Quijote de la Mancha, es considerada por muchos la mejor novela jamás escrita. Una obra extensa y en cierto modo compleja, que todo el mundo conoce pero que muchos no han leído, especialmente los más jóvenes. Para iniciar en la extensa obra de este autor sirven aproximaciones como esta, entremeses que acercan el sabor de Cervantes a lectores de cualquier edad.
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Tercera entrega de la traduccció inèdita de les obres que van ser maleïdes mentre l'autor era viu, però que als ulls del lector/espectador del segle XXI adquireixen una nova dimensió i permeten gaudir d'una experiència poc habitual: descubrir un nou vell autor i, en tot cas, apreciar de manera global la magnitud i la qualitat variada i polièdrica del dramaturg estatunidenc més prolífic del segle xx.
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Rinoceronte (1959) es la pieza más rica y densa de Eugène Ionesco (nacido Eugen Ionescu, Salatina, Rumanía 1909-París 1994). Sin abandonar el espíritu de innovación ni la comicidad de La cantante calva, Ionesco introduce un mito: todos los habitantes de una ciudad mutan paulatinamente en rinocerontes.El animal encarna el fanatismo que “desfigura a las personas, las deshumaniza”. Cuando solamente Berenguer resiste la marea de las bestias feroces, símbolos del totalitarismo, comprendemos que estamos frente a una reflexión sobre la historia. Mientras bestias inmundas correteen todavía en el planeta, siempre habrá héroes dispuestos a decir: “No capitulo”.
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En la obra de teatro El Gé, Emma Demar nos abre las puertas de la casa de Paco, junto al que compartiremos una noche en la que el sexo, el deseo y la soledad se entremezclan bajo los efectos de las drogas. Entre las cuatro paredes de un piso de Madrid, convertido en pista de baile, refugio y campo de batalla, nuestro protagonista busca la conexión física y emocional con otros hombres a la vez que se enfrenta —entre presencias, ausencias, palabras y silencios— a sus propios fantasmas, mientras el chemsex se convierte en catalizador de una realidad marcada por los traumas del pasado.El Gé es un texto crudo y emocionante que nos atraviesa como comunidad. Un texto que no juzga, sino que muestra, no explica, sino que expone. Y deja al espectador —y ahora, al lector— sin la opción de mirar hacia otro lado. Sin la posibilidad de apartar la vista del reflejo que ofrece el espejo.En este mismo volumen encontrarás De Chill. Una guía para la reducción de riesgos y daños del chemsex de Iván Zaro, trabajador social, investigador y activista vinculado a temas de salud sexual, VIH y consumo de sustancias. A través de un enfoque riguroso y accesible, profundiza en las motivaciones que hay tras el chemsex, el papel de las apps de contacto, los efectos y peligros de las drogas más usadas, la responsabilidad compartida o la importancia de poner el consentimiento en el centro de las relaciones sexuales. Una obra que, lejos de romantizar el chemsex, nos advierte de sus consecuencias, al tiempo que rompe el silencio en torno a una práctica en la que el estigma convive con la necesidad de información.
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“Cierta vez, alguien preguntó a Roberto Arlt por qué escribía teatro. Él pensó un momento, como si se tratase de algo inusitado, de una pregunta inesperada, y luego, como si acabase de descubrirlo él mismo, respondió: ‘Es mi modo de plantearle problemas a la humanidad’. Y dado que los problemas suyos eran los del hombre en cualquier punto del universo, nada mejor para expresarlos que el teatro…”, apuntó Mirta Arlt sobre la producción dramática de su padre.En La fiesta del hierro (1940) todo es atroz, desde lo que ocurre hasta cómo ocurre. Su verdadero protagonista es el Baal Moloch, diabólico ídolo sediento de sangre humana. El desierto entra en la ciudad (1953) es la obra teatral póstuma de Arlt, publicada diez años después de su muerte.
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Max Estrella, un anciano poeta ciego, recorre las calles de un Madrid decadente acompañado por su fiel amigo don Latino de Hispalis. Max se enfrentará a la dureza de la vida en una ciudad donde abunda la miseria. En su camino, mantendrá conversaciones que revelarán las injusticias y contradicciones de la sociedad de principios del siglo XX.Una obra cumbre de la literatura española que inaugura el género del «esperpento», caracterizado por una representación deformada y grotesca de la realidad. Esta edición escolar, con análisis del profesor Jesús Peris Llorca, invita a los estudiantes a explorar el estilo único de Valle-Inclán y a comprender su incisiva crítica social.
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En el ciclo que forman El espíritu de la tierra (1895) y La caja de Pandora (1904) Frank Wedekind creó su heroína más famosa, Lulú, un ser de naturaleza vampiresca, la encarnación misma de la femineidad y el sexo, no una pecadora ni un mero producto de su medio social, sino la exaltación de la vida natural y el deseo.El dramaturgo alemán Frank Wedekind nació en Hanover (1864) y murió en Múnich (1918). Su tempestuosa obra fue precursora del expresionismo. Colaboró desde 1896 en la publicación satírico-política Simplicissimus. Sus contemporáneos dejaron numerosos testimonios de su electrizante personalidad.
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En una ciutat d'un país de l'est d'Europa, un taxista i la seva esposa allotgen a casa seva durant una nit una viatgera que no ha pogut agafar el seu vol a causa de la boira. Fa vint-i-cinc anys que ha caigut el mur de Berlín, i els antecedents i les conseqüències d'aquest fet encara són ben presents a les vides de tots tres i d'aquells que els envolten.
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En esta trilogía —«Andante», «Música de invierno» y «Cenizas»—, Lars Norén compone un tríptico implacable sobre la vejez, la memoria y la disolución del yo. Ambientadas en espacios de reclusión -una residencia de ancianos, un paisaje nevado, una habitación en penumbra-, estas piezas abordan el último tramo de la vida como un territorio alucinado donde el lenguaje se fractura, los cuerpos se deshacen y los vínculos tambalean entre la ternura y la violencia. La vejez no aparece aquí como una etapa contemplativa, sino como un campo de batalla donde la conciencia se aferra a jirones de identidad, a recuerdos desordenados y a fragmentos de amor o culpa. Los personajes divagan, discuten, se confunden, se insultan y se cuidan en una atmósfera suspendida, marcada por la repetición, el silencio y lo absurdo. Sin redención ni consuelo, Norén convierte la escena en un espejo implacable que refleja el naufragio del tiempo y la persistencia —porfiada, absurda, a veces feroz— de la vida. Con esta edición, se presenta por primera vez en español una de las cimas de la dramaturgia escandinava contemporánea. El teatro de Norén, radical en su honestidad y en su forma, no busca representar la vejez, sino situarnos en ella: en su penumbra, en su fragilidad repetitiva, en su lógica quebrada. Un texto que exige al lector y al espectador una escucha activa, incómoda, pero necesaria. En una época que margina lo vulnerable y medicaliza la muerte, estas obras reabren preguntas que el teatro —todavía— tiene el coraje de sostener.
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Una dona gran comença a perdre la memòria, i el seu fill decideix dur-la a una residència. Allà, i contra tot pronòstic, mentre els records s'esvaeixen progressivament, tindrà l'oportunitat de viure una intensa —i probablement darrera— història d'amor. Una comèdia commovedora de Marc Artigau i Queralt sobre l'amor i el desig a l'anomenada «tercera edat», sobre els camins erràtics d'una memòria que es desfà com un castell de sorra i sobre aquells que tenen cura, tan bé com saben, de les persones que estimen.
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¿Qué sucede cuando los espacios que habitamos se convierten en prisiones? En este volumen, Luis Bartolomé Herrero nos invita a adentrarnos en tres cerrojos de tierra, lugares cerrados donde la memoria, la violencia y la desesperación cobran vida. Desde una taberna rural anclada en el pasado hasta un desván cargado de fantasmas familiares y un piso en cuarentena que exacerba los miedos, cada obra explora la fragilidad humana y la imposibilidad de escapar de un pasado o un presente opresivo. En sus páginas, los personajes, atrapados en sus propias circunstancias, intentan respirar, recordar, sobrevivir. Con una voz que mezcla el costumbrismo con el humor negro, el autor nos muestra el lado más grotesco y doloroso de la realidad, invitándonos a reflexionar sobre el peso de los recuerdos y la lucha por romper con lo que nos define. Estrenadas por la compañía Catarsis en el Teatro Juan Bravo de Segovia, estas piezas dibujan un mapa íntimo y colectivo de un tiempo que aún nos duele. Son historias que nacen de lo cotidiano, pero que, como los buenos cerrojos, guardan en silencio lo más profundo.
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Esta investigación analiza el teatro físico contemporáneo como vehículo de transformación social en la Colombia del posacuerdo (2016). Mediante un enfoque socio-semiótico multidisciplinar, estudia el dialogismo espectacular y la lucha simbólica en las obras de las compañías bogotanas Varasanta y La casa del silencio.El objetivo es comprender cómo este arte impacta en la identidad y recepción de un público heterogéneo de excombatientes, víctimas, campesinos y citadinos.
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L'obra de Pere Ribot és d'un gran interès i d'una gran qualitat formal. A banda dels vuit llibres publicats, Ribot té força obra poètica no recollida en cap volum, dispersa entre l'Arxiu Municipal de Vilassar de Mar, l'Arxiu Comarcal de la Selva i el fons personal de Josep Montsant. Com a reivindicació del llegat i la figura literària i cívica que representà aquest poeta, l'edició d'aquest volum ofereix al públic una mostra representativa d'aquesta poesia esparsa que, tal com destacà el crític Albert Manent, conreà amb una gran regularitat i dignitat al llarg de la seva vida.
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«Mihura. El último comediógrafo» recorre la trayectoria de Miguel Mihura (1905-1977), marcada por desencantos, desamores, fracasos y algunas glorias tardías. La obra narra la historia del éxito de Tres sombreros de copa, que solo llegó dos décadas después de haber sido escrita. Adrián Perea nos sumerge en la dualidad entre Miguel, el hombre, y Mihura, el escritor, cuyas vidas quedaron irremediablemente ligadas a aquella primera obra.«Observen a estos hijos de puta» es una comedia que arranca con una petición insólita: el presidente de un importante club de fútbol solicita al nuevo presidente del gobierno que los delfines sean reconocidos como animales de compañía. Este absurdo punto de partida desencadena una serie de situaciones que exponen el abuso de poder y la corrupción en ámbitos como el fútbol, la política y el teatro, reflejando cómo estas prácticas se han normalizado en nuestra sociedad.
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Escrito en torno al 50 a.C., ''De rerum natura'', poema compuesto en más más de 7400 hexámetros dactílicos y dividido en seis libros, es una de las grandes obras clásicas. Lleva la doctrina epicúrea hasta sus extremos, con una descarnada modernidad que todavía asombra al lector. Texto impregnado de una poderosa belleza, fue redescubierto en el Renacimiento por Poggio Bracciolini, e influyó notablemente en el pensamiento científico. Según Cicerón, la obra de Lucrecio «testimonia a la vez mucho genio y mucho arte». Para Ovidio, «los poemas del sublime Lucrecio no perecerán más que en el día que el mundo entero será destruido». Fernando Bonmatí y Ángel L. Prieto de Paula han traducido en verso una de las grandes obras literarias de la humanidad, recuperando el espíritu y la musicalidad del texto original, para ofrecer un mundo mucho más atractivo, reconocible y sincero que el que ha tratado de fijar la realidad.
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Coa celebración do seu 75 aniversario, Editorial Galaxia recupera o espírito innovador que demostrou nas súas publicacións dende 1950, traendo ao lectorado de hoxe moitas destas obras que supuxeron unha renovación do mundo cultural galego e, por extensión, tamén da súa sociedade, grazas á Biblioteca 75 anos. O novo volume desta colección conmemorativa é Dar voz ao teatro galego o premio castelao de teatro 1964-1967, cunha introdución Cristina Domínguez Dapena. A Agrupación Cultural O Galo, a primeira asociación cultural da época legalmente constituída, impulsou en 1964 unha importante iniciativa: a convocatoria do primeiro Premio Castelao de Teatro Galego. Na súa primeira convocatoria o premio recaeu na peza Cando morren os farois, de Ángel de la Peña, un coñecido locutor da compostelá Radio Galicia, obra inédita ata a actualidade. Na súa segunda edición o premio foi concedido a Jenaro Mariñas del pola peza A revolta, e na seguinte, a do ano 1966, o premio foi declarado deserto. Na derradeira edición, a de 1967, a obra gañadora foi a peza de Xohana Torres, Un hotel de primeira sobre o río. Estas dúas obras foron publicadas no seu intre pola editorial Galaxia. O que van ler neste volume son, polo tanto, tres pezas de teatro creadas cunha clara vontade de contribuír á lingua e á cultura galegas, escritas con traballo, ilusión, compromiso e respecto. As tres persoas autoras compartían un fondo compromiso co teatro, aínda que cada unha o abordase desde unha perspectiva diferente.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva ante todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió lacompañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este duodécimo y últimovolumen de la serie que recoge su «Teatro completo»incluye ocho piezas en un acto escritas entre 1919 y1939. Traducción de Miguel Sáenz
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![TAKE OFF [Nada de esto tuvo que haber ocurrido]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw5897664f/images/large/1590427.91.jpg?sh=240 "TAKE OFF [Nada de esto tuvo que haber ocurrido]")
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TAKE OFF [Nada de esto tuvo que haber ocurrido] transforma el accidente aéreo de Tenerife de 1977 -la colisión de dos Boeing 747 con 583 víctimas- en una exploración escénica sobre la naturaleza del accidente. No busca recrear el suceso, sino examinar su lógica: cómo una cadena de decisiones, malentendidos y sistemas en tensión puede conducir a la fatalidad. El escenario se convierte en un coro de voces y fragmentos documentales que se entrelazan en capas. Pilotos, pasajeros, controladores y la niebla construyen una dramaturgia coral que oscila entre dato y delirio, memoria y destino. La obra explora la fragilidad del progreso y la belleza trágica del error. El accidente aparece como espejo del orden que lo produce, una grieta que revela la maquinaria invisible del tiempo y la tensión entre técnica, lenguaje y azar.
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Teatro 1989-2014 es una puerta de acceso perfecta al universo deMayorga: veinte títulos ordenados cronológicamente, seleccionados por elautor, desde los más antiguos –hoy muchos de ellos inencontrables– hastalos más recientes, entre los cuales se incluyen tres inéditos. Unasingular trayectoria que pone en escena un mapa donde se trazan lasdistintas geografías que atraviesan su obra a lo largo de veinticincoaños.
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Una de las mejores muestras del período de máximo esplendor poético del dramaturgo inglés.El cuento de invierno es seguramente la penúltima obra de William Shakespeare. Escrita en pleno apogeo poético de su autor, parece que, con ella, hubiera querido burlarse expresamente de todas las convenciones literarias. Porque, si en sus obras Shakespeare tendió siempre a reunir elementos dispares, en ésta se superó a sí mismo. En ella coexisten fantasía y realismo, tragedia y comedia, corte y campo, nobleza y picaresca, antigüedad griega y modernidad isabelina, y contiene, además, un buen número de curiosidades y prodigios, incluida la presencia escénica de un oso y de una estatua que cobra vida. La acción se desarrolla en dos tiempos con un intervalo de dieciséis años y se alterna entre Sicilia y Bohemia. Inspirada en la tragicomedia romancesca, trata las relaciones entre padres e hijos en una trama de pérdida y recuperación, discordia y reconciliación, en la que intervienen elementos sobrenaturales. Dada la importancia que en todas sus divinas comedias tiene el espectáculo y el tratamiento artístico de sus ingredientes, esta obra se distingue, también, por su carácter experimental y aun vanguardista.
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Jean Cocteau (1889-1963) transitó todos los géneros de la literatura: novela, poesía, teatro, ensayo y, dentro de cada uno de ellos, en variantes encontradas, participó también en experiencias musicales, cinematográficas y plásticas. En este volumen de Losada Clásica, se recogen dos de sus piezas más justamente famosas: Los monstruos sagrados, en la cual denuncia a los grandes actores, y La máquina de escribir, donde su consumado talento maneja, afectando parodiarlos, los más violentos efectos escénicos. Silvio D’Amico, uno de los mayores historiadores del teatro universal, supo calificar a su autor: “I’enfant terrible” de la literatura francesa del siglo XX.
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Pericles, príncipe de Tiro es la primera obra del ciclo final que culminaría con La tempestad, en el que reina el mundo de lo maravilloso propio de los libros de aventuras (romances) sobre el trasfondo de los mitos esenciales de la experiencia humana (nacimiento y muerte, amor y pérdida, sufrimiento y regeneración). El largo itinerario del protagonista confluye en la que, según T. S. Eliot, es la mejor escena de anagnórisis jamás escrita.
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Un libro de protesta escrito cuando en España nadie protestaba.Dámaso Alonso (1898-1990) ha definido Hijos de la ira (1944) como «un libro de protesta escrito cuando en España nadie protestaba. Es un libro de protesta y de indagación. Protesta ¿contra qué? Contra todo... Habíamos pasado por dos hechos de colectiva vesania, que habían quemado muchos años de nuestra vida, uno español y otro universal, y por las consecuencias de ambos. Yo escribí Hijos de la ira lleno de asco ante la estéril injusticia del mundo y la total desilusión de ser hombre. Es también un intento de indagación en la realidad del mundo, en su esencia, y de su primera causa [...]: la vida es monstruosa porque es inexplicable [...] De esta doble consideración [...] nacen todos los matices y contradicciones que el lector podrá encontrar en las distintas posiciones respecto de la causa primera». Fanny Rubio, directora del Instituto Cervantes de Roma y reconocida especialista en poesía española contemporánea, ofrece en este volumen una edición enriquecida con anotaciones y comentarios, que facilitan las comprensión de cada uno de los poemas, y con un estudio que analiza el alcance de la revolución literaria promovida por Hijos de la ira.
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Valle-Inclán escribió, en 1920, esta obra, con la que quedó inagurada una nueva manera de ver la realidad, el Esperpento. Person
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Su primera pieza, La cantante calva, estrenada en el Théâtre des Noctambules en mayo de 1950, lo lanza a la fama. Al compás del rotundo posterior éxito de Rinoceronte, ya incorporado a esta colección, los sucesivos estrenos de Ionesco fueron constituyendo otros tantos logros de resonancia internacional. Por eso es que se incluyen en este volumen El Rey se muere y otras tres piezas de indudable fortuna en los escenarios del mundo.
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Un joven mentiroso y seductor. Cuatro mujeres engañadas. Un castigo ejemplar. Un burlador burlado. ¿Sigues pensando que los clásicos son cosa del pasado?
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El balancín chirría. Bajo la escalera y empiezo a correr. Te asomas para mirar la lluvia. Y yo corro entre las vacas que caen. Corro. Qué difícil es hablar del dolor.
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Un aluvión de recursos y efectos escénicos se suceden en esta obra de múltiples personajes y espacios donde la escenografía del drama romántico despliega toda su potencialidad.En manos del duque de Rivas, la palabra adquiere una enorme variedad de matices, trasladándonos con sorprendente habilidad desde los ambientes costumbristas más populares,en que la prosa normalmente asume el protagonismo, a la armoniosa y elegante musicalidad del verso, insuperable en las intervenciones de los personajes protagonistas de la historia. Es, en definitiva, Don Álvaro o La fuerza del sino una preciosa invención escénica pensada para entretener, causar admiración, seducir, provocar, desesperar, emocionar y hacer vivir con intensidad situaciones que la realidad—afortunadamente— no suele ofrecer, aunque sean trágicas. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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En octubre de 1909, Francisco Ferrer, pedagogo, librepensador y fundador de la Escuela Moderna, fue fusilado en Montjuïc tras un proceso militar plagado de irregularidades. Su nombre, borrado de la historia oficial, sigue siendo para muchos desconocido, pese a que sus ideas sobre una enseñanza laica, mixta, crítica y emancipadora marcaron a generaciones de educadores. En esta pieza teatral, el dramaturgo belga Jean-Claude Idée convierte aquel episodio en materia escénica: la voz del acusado, los interrogatorios, las memorias familiares y las heridas de una España dividida vuelven a resonar. Más que una biografía dramatizada, esta obra es un alegato contra el olvido y una reivindicación de la educación como acto revolucionario. Traducida por Pollux Hernúñez, llega por primera vez al lector en español para recordar que la pedagogía también se escribe con pólvora y tiza. Francisco Ferrer: «¡Viva la Escuela Moderna!» se estrenó en París en 2018, y en Bruselas en 2022. Ahora, por primera vez, llega al lector en español en la Colección Mínima Teatro de Punto de Vista Editores, que publica esta versión traducida por Pollux Hernúñez como parte de su compromiso con la memoria, la escena y la palabra crítica.
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Ya definida por García Lorca como aleluya erótica, Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín rezuma erotismo en todas sus páginas. El viejo Perlimplín y la joven Belisa desbordan sus deseos en escena, son personajes cómicos, pero su exacerbada sensualidad les va a llevar a la tragedia del amor carnal, un amor sin sentido..., aunque inexcusable. Poesía y drama se dan la mano en esta breve y bella obra.
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Una tranquil.la urbanització fronterera es disposa a organitzar una celebració que tindra lloc al pavelló municipal, el qual es troba situat a la sortida de la localitat, a prop d'una zona boscosa per on es comenta que transiten persones estrangeres de m
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Poderosa Medea aplega una selecció de poemes de Dolors Miquel que han estat il·lustrats per alumnes de l'Escola Massana de Barcelona. Els poemes triats, amb algunes excepcions, giren entorn del desig amorós i de la sàtira. Les il·lustracions dels poemes que n'han fet els alumnes de la Massana modifiquen, amplien, s'acoblen o desborden els textos, sense reverència, amb llibertat, en un diàleg establert més enllà de generacions, arts o sensibilitats. Ho explica així Dolors Miquel: ''Sang vella, la meva. I sang nova, la d'ells. Un ball de sangs. Indiferenciables. D'aquesta contaminació en surt un llibre que no és només una antologia sinó un espai on la mirada gràfica projectada es converteix en una segona escriptura''. Dolors Miquel (Lleida, 1960) Ha estat reconeguda aquest 2026 amb el Premi Jaume Fuster dels Escriptors en Llengua Catalana per la seva sòlida trajectòria com a poeta, assagista i traductora. És autora d'una vintena de llibres de poesia, entre ells Gitana Roc (2000), amb dibuixos de Víctor Nick i publicat per Llibres del Segle, Sutura o La dona que mirava la tele. D'assaig ha publicat aquest 2026 El pit adormit. Ha traduït al català diverses obres escrites originalment en gallec i en grec, entre d'altres llengües.
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La acción se desarrolla en una ciudad universidad. Sala de estar de un secretario de actas. Apenas amueblada y decorada. Paredes claras, sin tapizar.
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Miénteme, dime que me quieres, ruega Johny Guitar. Los que de corazón se quieren solo con el corazón se hablan, escribió Quevedo. Y sin embargo, López Navia: la razón tiene corazones que el corazón no comprende. ¡Qué difícil es escribir sobre el amor!, exclama Marina Otero en el prólogo a este libro. Entonces, ¿se puede escribir un relato de amor estando enamorada? Y además, ¿por qué lo llaman sexo cuando quieren decir amor? En Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos una mujer llega a la edad media de la vida como una paria emocional en el planeta Tierra. Después de las apps de citas y del sexting, de aprender palabras como ghosting o stalkeo, se siente incapaz de vivir una nueva experiencia erótica. De pronto, la irrupción de un nuevo amor lo revoluciona todo, incluso el lenguaje. Un acontecimiento solo comparable a un avistamiento nocturno, al aterrizaje de un ovni, a un contacto alienígena. Completa el volumen Los trabajos forzados del amor, poemas y aforismos escritos con la contundencia de un látigo desde el amor y el humor, la pasión y la ironía, sobre la agonía del eros y la política de los afectos en este mundo nuestro.
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L'obra de Joan Ramis és la mostra més important de la literatura catalana de segle XVIII, i s'emmarca en el corrent Neoclàssic, que era el vigent a Europa en aquell moment. A diferència de Fontanella (l'altre gran autor teatral de l'època Moderna) les obres de Ramis són fàcilment intel·ligibles per al lector d'avui, tant per la forma com per la llengua, així com perquè l'estil neoclàssic defuig l'obscuritat del primer Barroc. Els temes que toca són universals, l'amor, la justícia, la venjança... i encara avui en dia interpel·len els lectors i els espectadors. Aquesta edició presenta, per primer cop, tot el seu teatre en un sol volum.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
