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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Se reúnen aquí los últimos poemas escritos durante los dos postreros años de su vida por Nâzim Hikmet, el poeta que, en palabras de Charles Dobzynski, «estaba poseído por la utopía que asociaba los sueños de Rimbaud y de Marx: cambiar la vida y transformar el mundo». Su influencia entre los poetas de todo el mundo fue inmensa, desde que en Occidente comenzaron a conocerse los poemas que lograban traspasar las barreras de las sucesivas prisiones en las que consumió quince años largos de su vida, durante los cuales escribió algunas de las páginas más extraordinarias de la poesía del siglo xx... En el mundo hispánico son muchos los poetas que valoraron su poesía, desde Neruda y Nicolás Guillén a Gamoneda, Blas de Otero, Gabriel Aresti, Joan Brossa, Pere Gimferrer...
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La rica tradición del folclore japonés nos ha legadonumerosas historias que aún perviven en el imaginariocolectivo nipón y se han convertido en un modo amenode descubrir una cultura fascinante. Con el telón defondo de un pasado mítico, presentamos una colecciónde hermosos cuentos impregnados de la esencia del Japón mágico, un mundo en el que la fantasía, el exotismo y la imaginación son sus pilares fundamentales.Narrados a la luz de la lumbre de padres a hijos desde hace siglos, estos cuentos han llegado hasta nuestrosdías conservando intacta su belleza y su magia y atrapando la imaginación de generaciones de lectores, tanto de los más pequeños como de los adultos.
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Las siguientes páginas, igual que los días peores, tienen olor amarillento, desgastado. Color de gusano y de hielo sucio.Los poemas que aparecen en Días Peores no pretenden ser poemas bellos. No se pretende contentar a nadie, ni ser leídos por más ojos que no sean los míos. Pero, últimamente, su misión es la de volar lejos de mí, es la de abandonarme. Escribir sobre la aflicción, el cansancio, el hastío o el miedo al paso del tiempo lleva intrínseca la voluntad de ser compartida. Porque si no, dentro, en la oscuridad, se pudre y no deja avanzar al ser que lo soporta.
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Esta amplia selección de poemas, realizada por el propio autor para Pre-Textos, es el primer libro de Christian Lehnert que se traduce al español.
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Darío Quesada Hurtado, también conocido como el Marinero de los versos, traza en Mi cantar vuelve a plañir la travesía íntima de un joven poeta que zarpa en el inicio de la adolescencia, surca las aguas inciertas del primer amor y encalla. A partir de ahí buscará un refugio en la contemplación y la reconciliación con el mundo a través de la poesía, donde se cobijará su alma. Esta obra es un regreso al dolor que canta, al amor que se recuerda, una expresión lírica de la memoria, el deseo y la pérdida. A través de sus páginas, el lector respirará el aliento clásico de los Poemas de fresa, la fragilidad sentimental de los Poemas de cristal, la reflexión literaria de Un himno gigante y extraño, la reconciliación con la naturaleza de los Poemas del olivo y el eco persistente de un sentimiento en Allá donde muere el mar. Hay cantos que no cesan, por eso resucita un verbo casi olvidado, «plañir», para mostrar que aún es posible llorar cantando.
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Régimen del mar es una exploración poética de la pérdida, la memoria y la persistencia del afecto en el tiempo. A partir del fallecimiento de su abuelo, Fabio Carreiro construye un libro íntimo y reflexivo que interroga la muerte no como final, sino como punto de partida para una búsqueda más profunda: la de la identidad, el recuerdo y la huella emocional que permanece.Los poemas alternan escenas de duelo con evocaciones personales, y retoman temas ya presentes en su anterior obra, Casa de los volcanes: la soledad, la melancolía, el vínculo entre lo vivido y lo que se transforma en palabra. El mar, en este régimen lírico, no es solo paisaje, sino símbolo de lo que se mueve, se borra y regresa.Con una voz contenida y precisa, Carreiro ofrece un libro que no busca respuestas definitivas, sino que se detiene en las preguntas que nos acompañan cuando el tiempo se vuelve memoria.
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Antonio Cabrera (Medina, Sidonia, Cádiz, 1958) es profesor de Filosofíay reside actualmente en la localidad castellonense de La Vall d'Uixó. Almargen de poemas iniciales, ha publicado dos cuadernos (Autorretrato,1987, y Ante el invierno,1996) y una breve selección de sus poemas bajoel título La mano que escribe (Málaga Digital, Málaga, 1998) . Hatraducido el volumen Poesía y ontología, de Gianni Vattimo (Universidadde Valencia, 1993), y es autor de diversos artículos en torno acuestiones de estética filosófica.
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El dispositivo de la Antología poética de la especie humana, por tanto, es muy interesante: esta edición «revisada y ampliada» es la corrección hecha por Aute Oltre de otra selección preparada por un tal Ashkät Sheeram, erudito extraterrestre de la Universidad Cuadrofónica de Pnakhothia que había encontrado los últimos testimonios poéticos de la humanidad extinta para después traducirlos, anotarlos, mistificarlos y, en suma, publicarlos. (Del epílogo de Xaime Martínez) En el principio era el verbo / el logos que todo lo une, la ley lógica / el que dio nombre a los pájaros y a Odiseo / el material que hizo al hombre, hombre / caballo al caballo / y nos permitió domarlo para recorrer las llanuras del mundo y llevar así la palabra / la ley universal / el mito sobre el que construimos la ciudad primera / quizás la única, porque allí ya estaba todo / el cohete y la serpiente / la culpa y la manzana / la ley cuántica / que alumbró la senda y trajo aquí a los héroes / y colgó en el poema los frutos / para que nunca los alcancemos
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Neu, fang, rosada, constel·lació (Articles, treballs, apunts sobre la poesia de Joan Vinyoli) aplega col·laboracions de premsa, pròlegs i altres textos que Jordi Llavina ha anat publicant els últims mesos sobre el seu poeta de capçalera.
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Kairós es una colección de poemas escritos y reunidos por el autor entre los años 2022 y 2024. Las poesías no tienen un hilo conductor en particular, sino que bailan en soledad y tan solo tratan de reflejar los sueños y vivencias que el autor entiende que son propios de la humanidad. Los sentires que se plasman a lo largo de la obra tienen que ver con el amor en sus diversas facetas. El miedo por el desgaste de solidaridad entre las personas, la angustia del sufrimiento y la celebración del acto poético son otros de los sentimientos que podemos entrever en su lectura.Sus textos intentan contar historias con cierto significado, sin olvidar el componente estético y la musicalidad de los versos.Como escribió Oscar Wilde: «El que vive más de una vida más de una muerte ha de sufrir».En resumen, en este poemario se ofrecen en bandeja el hígado y el corazón, porque la vida se nutre de momentos que nos convierten en inmortales incautos que solo saben morir a ratos con la vana esperanza de que realmente la sabiduría humana sea algo más que la última frase del conde de Montecristo: Confiar y esperar.Quizá la última pretensión de una obra poética sea la de una sociedad más justa. Tal vez. Quién sabe.
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Poesia esparsa i inèdita
L'obra de Pere Ribot és d'un gran interès i d'una gran qualitat formal. A banda dels vuit llibres publicats, Ribot té força obra poètica no recollida en cap volum, dispersa entre l'Arxiu Municipal de Vilassar de Mar, l'Arxiu Comarcal de la Selva i el fons personal de Josep Montsant. Com a reivindicació del llegat i la figura literària i cívica que representà aquest poeta, l'edició d'aquest volum ofereix al públic una mostra representativa d'aquesta poesia esparsa que, tal com destacà el crític Albert Manent, conreà amb una gran regularitat i dignitat al llarg de la seva vida.
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Els llibres perduts
'Els llibres perduts'' són dos llibres de Blai Bonet que no es varen publicar mai: ''Oh Calvary, Calvary'' per problemes amb la censura i ''El Jove'' per problemes editorials. Davant la impossibilitat d'editar-los, el poeta va decidir desfer-los: una part en va quedar inèdita i una bona part va ser repartida entre llibres posteriors, sovint amb molts de canvis. ''Oh Calvary, Calvary'' va guanyar el Premi Carles Riba 1962 i, malgrat que s'hagi dit sovint, no és una primera versió de ''L'Evangeli segons un de tants'', només comparteixen cinc poesies. D'altra banda, ''El Jove'' de 1971 és un llibre completament diferent d'''El Jove'' publicat el 1987. Sense malentesos, doncs, el lector trobarà en aquest volum dos llibres a descobrir. Aquests dos reculls es podran llegir ara per primera vegada com els va concebre l'autor: les poesies incloses en altres aplecs es mostren en la seva forma original i per primera vegada dialogant amb les altres poesies que integraven els seus llibres. Completen el volum el pròleg amb què Blai Bonet havia pensat encapçalar ''El Jove'' i la transcripció de l'expedient de censura d'''Oh Calvary, Calvary''. Blai Bonet (Santanyí, 1926 - Cala Figuera, 1997), poeta, novel·lista i crític d'art. Fill de família humil, va ingressar al seminari, però va haver d'interrompre els estudis eclesiàstics a causa de la tuberculosi. Bonet va escriure des del risc i la revelació, i la seva obra explora el cos, la fe, el desig, la malaltia i la paraula amb una intensitat extrema que trenca convencions formals i temàtiques. La seva obra poètica, amb títols com ''El Color'', ''L'Evangeli segons un de tants'', ''El poder i la verdor'' o ''Nova York'', n'és el centre i la manifestació més radical.
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Existe una disciplina terapéutica llamada constelaciones familiares. Entre personas desconocidas se hurga en el inconsciente para sacar la mierda a la luz. Y sale mucha mierda. Ancestros asesinados brutalmente, vidas truncadas porque sí, abusos... Aquí hubo una guerra civil. Una herida infinita que supura dramas como el que la actriz Tefi de Paz rescata en esta obra. La del Circo Anastasini que tuvo la mala suerte de programar una función justo el 18 de julio de 1936 en Lodosa, Navarra. ¿No sabes qué pasó en esa fecha? Puf... Mal día para reír. Mal día para ser un payaso. Mal día para casi todo, menos para matar. Gran parte de esta familia circense fue asesinada y enterrada en un campo perdido a la intemperie. Allí quedaron sus restos hasta que las manos de un hombre rascaron la tierra. Alguien que se negaba a pasar página. Hay algo peor que la muerte, y es el olvido. Por eso el personaje inventado por Tefi se llama así, Olvido Flores. Porque los muertos necesitan que los recuerden para seguir vivos entre los que los amaron. Y que les lleven flores frescas.A eso se dedica esta mujer creadora, a hacer justicia con los olvidados por la historia, a rescatar el arte, el espíritu de las familias que montaban su carpa allá donde les dejaran. «Solo queríamos haceros reír», parece que dicen desde sus tumbas. Olvido Flores es una dama de la guadaña que llega para recordarnos el privilegio de estar vivos desde historias como la de este circo que, al final, también es nuestra historia.
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Las cuatro partes en que La vida nueva se divide dan lugar al espacio textual para una particular forma de expresar la poesía desde una condición femenina. Este aspecto fundamental Martha Cerón lo desarrolla por medio de una particular relectura de la cotidianidad, a través del despliegue de mecanismos poéticos: el poder mitoligizante de la metáfora, el simbolismo, cierta matizada ironía, la imagen de estirpe surrealista, el recurso a la tradición literaria de Occidente, sobre todo en el largo poema que configura la tercera parte. Pero vale subrayar que La vida nueva no se trata de la mera aceptación del rol tradicional de la mujer o los estereotipos que hoy continúan debatiéndose a fondo y que también en el libro se cuestionan, sino de la posibilidad de leer y experimentar aspectos de la vida cotidiana a través de la poesía. El resultado de estas operaciones no es la confrontación radical ni el desengaño o la queja, pero tampoco una idealización ciega, al margen de una mirada crítica, sino de la posibilidad de redención de la mujer, a través de una mujer nueva que aparece en la propia historia personal, ello en virtud del poder transfigurador de la lectura y la escritura.
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Kala Ghoda
Durant prop de dues dècades, la rutina creativa d'Arun Kolatkar va consistir a asseure's en una taula de la cafeteria Wayside Inn, al barri de Kala Ghoda, al sud de Bombai, i observar amb atenció amorosa la vida que es desplegava sobre l'illot de trànsit que es veia des de la finestra. El resultat és ''Kala Ghoda Poems'', una simfonia urbana, un autèntic retaule on tenen cabuda tots els éssers que habiten la ciutat, sobretot els més marginals. Allò que interessa el poeta és la narrativa callada dels humils, les microhistòries que s'amaguen sota la pell lluent de la gran ciutat i que no sabem -o no volem- veure. La lent poètica de Kolatkar treballa com una lupa que enfoca els aspectes aparentment insignificants i els engrandeix davant nostre convidant-nos a descobrir el miracle de la quotidianitat. Com s'ha dit de l'Ulisses de Joyce, també llegint aquesta simfonia urbana que és ''Kala Ghoda Poems'' podríem reconstruir la ciutat de Bombai si mai desaparegués. La veu de Kolatkar és crítica alhora que compassiva, antièpica i antidogmàtica com poques, sempre intel·ligent i dotada d'una profunda empatia fins i tot envers allò que denuncia. Sovint s'hi percep un toc surrealista no exempt d'humor i tendresa. Aquesta és la primera vegada que un llibre de l'autor es tradueix al català. Arun Kolatkar neix a Kolhapur (Maharashtra, l'Índia) el 1931, en el si d'una família hindú molt humil. Després d'estudiar art, s'estableix a Bombai, on treballa com a publicista i on entaula amistat amb altres creadors -pintors i poetes- compromesos amb la renovació del panorama cultural. El seu tarannà eclèctic el duu a buscar inspiració tant en la cultura popular (en el moviment devocional bhakti) com en la contracultura dels anys seixanta (n'és una prova l'amistat amb Allen Ginsberg). Escriu indistintament en anglès i en marathi. Publica el primer llibre de poemes, ''Jejuri'', als quaranta-quatre anys, amb què obté el Commonwealth Poetry Prize. No publica cap altre llibre en anglès fins poc abans de morir, quan veuen la llum ''Kala Ghoda Poems'' i ''Sarpa Satra''. Mor a finals del 2004, a la seva vila natal. El 2010 apareix ''Collected Poems in English'', que el consagra com una veu fonamental de la poesia contemporània.
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Otelo es el arquetipo de hombre celoso, susceptible, incapaz de sobrellevar la más improbable presunción de que sea burlado por su esposa Desdémona. Shakespeare lo presenta como esposo ingenuo, cándido, frente a la perversidad de su enemigo Yago. De ahí hasta el nacimiento de la sospecha que ha de convertirlo en homicida, el drama desarrolla toda la complejidad psicológica que hace de esta tragedia directa, limpia, sin concesiones cómicas, una obra maestra.
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Tras la segunda guerra mundial Inglaterra entró en estado de shock. La lenta reconstrucción de las ciudades y la economía, la descomposición de imperio y la afluencia migratoria alteraron para siempre la fisonomía de la isla. La poesía no fue ajena a las presiones psicológicas, económicas, culturales y sociales de su tiempo. Como una antena muy sofisticada (y algo enigmática) recogió el malestar, el pesimismo, la soledad y la fealdad de la época: la Inglaterra verde y campestre de Worsdworth o Tennyson se vuelve gris y urbana en los poemas de esta generación. Claro que partiendo de un sustrato común cada uno de estos poetas ofrece visiones muy distintas y sofisticadas de su tiempo. Así los dos poetas principales de esta generación alcanzan posiciones casi confrontadas: Philip Larkin segrega su pesimismo cultivando un conservadurismo de ideas perfectamente adaptado a los tiempos (oficinas, coches, entretenimiento barato), con un lenguaje preciso, casi expurgado de lirismo, mientras que Ted Hughes despliega una visión salvaje de la caza, los animales y la naturaleza, asediada por las ciudades y la rutina de las oficinas, con un lenguaje expresionista y telúrico. Abran y lean este catálogo de visiones (poéticas), unas veces fantásticas, otras veces mordaces, sobre la misma sociedad fría, gris, mecanizada, solitaria, y apática en la que en buena medida seguimos viviendo.
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El mundo de Joaquín Sabina es real y matizado porque surge de la melancolía para desembocar en los impulsos irónicos. Joaquín resulta convincente porque su mundo personal es fruto de una experiencia coleciva, recuerdo de unos años en los que había que correr para escapar de la mediocridad, la sopa triste, la moral de las mesas de camilla y los argumentos asumidos a golpe de secretos de renunc ...
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América y paisaje explora la encrucijada entre el mito americano, el paisaje y la identidad personal. A través de sus textos, Yániz teje una narrativa lírica que oscila entre lo íntimo y lo universal, lo concreto y lo abstracto, suscitando un diálogo entre el individuo y el vasto paisaje americano, que se eleva a la categoría de arquetipo postmoderno. Yániz profundiza en la mitología americana, evocando figuras icónicas como Georgia OKeeffe y explorando temas como la migración, la frontera y la transformación del territorio, manteniendo una capa introspectiva, entrelazando reflexiones personales con observaciones sobre el arte, la naturaleza y el lenguaje. A lo largo del poemario, Yániz demuestra una gran habilidad para fusionar referencias culturales diversas, desde la literatura clásica hasta el arte contemporáneo. Sus versos incorporan múltiples idiomas y juegan con la forma, creando un tapiz poético rico y multifacético. El libro explora temas como la soledad, el cambio, la búsqueda de identidad y la relación entre el ser humano y su entorno. Yániz utiliza el paisaje americano como un lienzo sobre el que se proyecta el yo poético, convirtiendo el desierto, las autopistas y los espacios urbanos en metáforas de la experiencia humana. ''América y paisaje'' se distingue por su enfoque innovador de la poesía contemporánea. Yániz combina una sensibilidad poética con una aguda conciencia de las complejidades sociales y culturales del mundo que nos rodea. Su obra refleja una voz joven pero madura, invitando al lector a contemplar las intersecciones entre el mito, la realidad y el proceso de significar nuestras experiencias, ofreciendo una perspectiva fresca y provocativa sobre temas eternos.
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¿Quién eres? De pequeño, siempre vi la casa de mi abuela llena de retales de tela. Es una gran costurera -para mí la mejor- y de forma continua estaba rodeada del resto del telar que sobraba de cualquier prenda. Se formaba un aura mística entre su silla, su presencia y el cortejo de hilos a su alrededor. De igual forma que mi abuela no sería ella sin todos sus harapos, siento que la vida de cada uno es exactamente igual. Todos tenemos un aura que nos envuelve, construida de todo lo que somos, pero también de lo que fuimos dejando atrás, nuestros retales. Creemos que nos definen los logros, las victorias, los aciertos, pero realmente somos el eco de cada error, de cada miedo vencido, de todo lo que un día decidimos soltar. Quedan en este poemario expuestas todas mis costuras: mi familia, mi casa, mi dicotomía personal entre la ciencia y el arte, el amor, la vida, mi vida. Yo sé que soy quien soy gracias a todos los retales que escribí con el corazón en mi puño. Pero, ¿sabe usted quién es?
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María Beneyto (Valencia, 1920-2011), quien, según Vicente Aleixandre, fuera «la mejor poeta joven del momento», desarrolló en los años 50 y 60 una carrera plagada de galardones, tanto en poesía (Valencia 1953, accésit al Premio Adonáis 1955, Ciutat de Barcelona 1956, Ausiàs March 1976...), cuanto en narrativa (Revista Ateneo 1955, Valencia 1959, Ciudad de Murcia 1968...). Imprescindible en todas las antologías de poesía de postguerra, el año 1965 Plaza & Janés editó su Poesía 1947-1964. Autora de una amplia obra principalmente en castellano, pero también en valenciano, evolucionó del realismo social de su primera etapa a otra más intimista y surreal. En 1992 recibió el Premi de les Lletres de las Generalitat Valenciana. «Entrañable poesía, desgarradora y fiel poesía la de esta mujer que, sufridora de desolación y amargura, declara conmovedoramente su terquedad de amor frente a la vida». Leopoldo de Luis «Hay en la poesía de María Beneyto un dolor sincero, una angustia, una tristeza de la época [...] a la altura de José Hierro, de Blas de Otero». Max Aub «... todo ello escrito de un modo directo, desnudo, impecable. Sin sombra de retórica». Guillermo Díaz-Plaja
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En el 40.º aniversario del accidente nuclear de Chernóbil, Gonzalo Jiménez Varas escribe sobre ello en este ecopoemario.Las grandes catástrofes nucleares que han marcado nuestra historia reciente, desde las intencionadas de Hiroshima y Nagasaki hasta los accidentes de Fukushima o Chernóbil, han dejado una huella indeleble no solo en la memoria política y científica del siglo XX, sino también en su imaginario poético. Frente a la devastación que supone la radiación, la mutación y el silencio que en ocasiones ha seguido a la hecatombe, la literatura ha ofrecido un espacio de duelo, denuncia y reflexión sobre los límites de lo humano y lo natural. Con todo el conocimiento de un experto en la materia como Gonzalo Jiménez Varas, profesor de Ingeniería Nuclear en la Universidad Politécnica de Madrid, aunque también estudioso de la literatura contemporánea, tocado además por el don de la poesía, este libro se sitúa en una larga tradición poética o ecopoética de la narrativa del desastre. Los poemas de Chernóbil: zona de exclusión (Maresía, 2026) se muestran cercanos a los detalles de su desarrollo porque están escritos por alguien que ha pasado años estudiándolos. No hay sino oxímoron desde la concepción misma de esta obra, que logra la belleza mirándose al espejo de la destrucción. Lo ominoso y la hermosura se dan la mano en estas páginas. El desastre no es solo un acontecimiento histórico, sino una forma de habitar el mundo después del fin. En una época como la nuestra, marcada por nuevas crisis energéticas y climáticas, este libro nos recuerda que el lenguaje sigue emulando un territorio radiactivo, ese espacio donde es posible que las heridas del pasado continúen emitiendo su luz invisible.
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Visions de la Palestina
Com s'afirma en la introducció d'aquest volum, Visions de la Palestina. Notes d'un pelegrinatge (1908) és, a més de la darrera producció original de Miquel Costa i Llobera, «una fita en l'experimentació formal i en el quefer poètic del líric pollencí: el millor Costa s'hi manifesta en les imatges i la bellesa dels versicles, i en el ritme que no és el de sempre però que és un vibrant ritme poètic». Ara, amb motiu de l'Any Costa i Llobera i després de tornar a posar en circulació les edicions crítiques de les seves Horacianes (1906) i de Líricas (1899), recuperam aquesta «rara i bella flor d'una planta sense rebrots ni esqueixos» que «mereix un lloc d'honor dins la república de les lletres», amb introducció de Gabriel de la S. T. Sampol i amb una edició a cura de Carles Cabrera.
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Este libro nació de las sombras de mi partido corazón, cuando perdí la cordura de este mundo tan tuyo y tan mío. Es la herida de mi alma somnolienta, es el latido que me impulsó a escribir. Es el demonio que vigila la soledad de la poeta, son esos versos de agua y sal. Este libro es la razón por la cual mi vida continúa. Es mi punto débil aunque escribir siempre ha sido mi suerte, mi duende. Gracias por tenerlo en tus manos, pues te romperá solo por darle una oportunidad. «Estos versos que habéis leído, que duelen y escuecen, que queman e incomodan, son la voz de una niña sensible, asustada pero valiente a la vez, la verdad de una chiquilla que no entendía un mundo que de pronto se volvió oscuro y amenazador, el grito contra un monstruo que la oprimía y fustigaba, que la llevaba al límite sin tregua.» FLORS MORENO
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Los versos de Santiago Galán Álvarez en Todas las estructuras rotas relatan con gran sensibilidad y sutileza el asentamiento interior de pilares y cimientos de antiguas estructuras, perdidos en una naturaleza desconocida y salvaje que los ha convertido en ruinas. Las palabras restauran los pedazos, los ladrillos son reutilizados en busca de una nueva estabilidad.Alrededor de todo fluye el agua como corriente conductora entre las escenas, limpiando lo que el tiempo ha atrofiado, mientras la luz produce efectos de claroscuro en la arquitectura emocional de torres que se alzan sobre el campo abierto.Desde una intimidad cotidiana en constante alteración, esta poesía nos trae la música de partituras vertidas que nos vuelven más conscientes de un futuro frente al que poder mantenernos como un material robusto.
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Bijuteria
L’estrena de la prometedora poetessa Juana Dolores Una nit tornant de festa, la hiperconsciència de la pròpia condició de mortal travessà Juana Dolores Romero, que començà a escriure poemes. Diu: «A Bijuteria supero el pànic de morir perquè l enamorament és més poderós que el destí de classe, de gènere, de sexe, de morir-se.» Bijuteria és el recull de poemes guanyador de la 56ª edició del Premi Amadeu Oller per a Poetes Inèdits.
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Galaxies i Nebuloses és el tercer llibre sobre l'univers, cosa que ens fascina des de l'origen dels temps. La poesia és la nau, el telescopi que s'introdueix al Cosmos i ens fa reflexionar sobre el nostre univers interior, sobre la nostra vida a la Terra que caldria que cuidessim mës ja que és la nostra casa.Un cop més l'autora fa una simbiosi entre poesia i ciència que esperem pugui seduir les persones amb la seva lectura i estimar la poesia en un món cada cop menys humà i robotitzat.Galaxias y Nebulosas es el tercer libro sobre el uni-verso, algo que nos fascina desde el origen de los tiempos, La poesía es la nave, el telescopio que se introduce en el Cosmos y nos hace reflexionar sobre nuestro universo interior, sobre nuestra vida en la Tierra a la que deberíamos cuidar más, ya que es nuestra casa.Una vez más, la autora hace una simbiosis entre poesía y ciencia que, esperamos, pueda seducir a las personas con su lectura y amar la poesía en un mundo cada vez menos humano y robotizado.
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César Antonio Molina (A Coruña) es licenciado en Derecho y en Ciencias de la Información. Se doctoró “Cum laude” con un trabajo de investigación sobre La prensa literaria española, publicado en tres volúmenes. Profesor de Humanidades y Periodismo en la Universidad Carlos III de Madrid, lo fue en la Universidad Complutense de Teoría y Crítica Literaria. Tiene medio centenar de libros publicados. En Sobre la inutilidad de la poesía, Nostalgia de la nada perdida, Sobre el Iberismo o En honor de Hermes, se aúnan sus ensayos sobre la poesía y la narrativa del siglo XX. También es larga su labor como Comisario de exposiciones, director de relevantes instituciones culturales como el Círculo de Bellas Artes de Madrid o el Instituto Cervantes, periodista (responsable durante más de una década de las páginas de Cultura y del suplemento Culturas de Diario 16). Los cuatro primeros tomos de sus memorias de ficción llevan por título: Vivir sin ser visto, Regresar a donde no estuvimos, Esperando a los años que no vuelven y Lugares donde se calma el dolor. Fuga del amor fue su primer libro de relatos. En la actualidad es Ministro de Cultura.
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Dies d'aire
Dies d'aire, juga amb el famós títol del qualificat com a millor poema llatí medieval: Dies irae, que al·ludeix a l'Apocalipsi, en especial al sisè dia. Dies d'ira, vet aquí la traducció que, tan sols fent ballar dues lletres, de la irae llatina esdevé aire perquè la Pilar es nega a cedir paraula a la ira, tres lletres que també es troben en el seu nom, una emoció, la ira, que d'alguna manera tots portem a dins, perquè és la passió més ''ombrívola i desenfrenada'' diu Sèneca. Cap calamitat ha costat més a l'ésser humà que la ira. Si volem considerar els efectes i estralls que ens ha causat, és inevitable fer referència a l'esclat d'ira que s'està produint ara mateix sobre tants indrets, amb ciutats devastades per les bombes, amb poblacions que han de fugir espantades en cerca de refugi a d'altres països. Guerres i desastres ambientals que repercuteixen a nivell global perquè el planeta és molt petit i tremola tota la carcassa econòmica i social creada en els darrers setanta-cinc anys. ''Pot semblar que aquest demà és avui'', diu l'autora referint-se a les diferents formes de manifestació de la ira ''però em nego a escriure a destemps''.
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Qué privilegio tener una mano que desde niña se columpia en las palabras! De una orilla a otra de la página, de arriba abajo, letra tras letra mariposea, colegiala perpetualigera o pensativa entre dos cuerdas desilencio ode vacío, mientras fuera en el parque se estánfirmes como la A los columpios: como la mano listos a recomenzar. «Privilegio»,Eduardo Mitre Eduardo Mitre nació en Oruro, Bolivia, en 1943. Cuando era niño, su familia se mudó a Cochabamba, ciudad en la que cursó estudios de Derecho enla Universidad Mayor de San Simón. Se doctoró en Literatura Latinoamericana porla Universidad de Pittsburgh. Ha enseñado en Columbia University, Dartmouth College y, desde el 2000, enseña en Saint Johns University, Queens, Nueva York. EsMiembro de Número de la Academia Boliviana de la Lengua correspondiente de laReal Academia Española. Pre-Textos ha publicado su Obra poética I (1965-1998) quecomprende los siguientes títulos: Morada (1975), Ferviente Humo (1976), Mirabilia (1978), Desde tu cuerpo(1984), La luz del regreso (1990) y Camino de cualquier parte (1998). La misma editorial ha publicado suslibros posteriores: Elparaguas de Manhattan (2005),Vitrales de la memoria(2008). Al paso del instante (2010), La última adolescencia (2015). La editorial Cormier, de Bruselas, dioa la luz dos antologías bilingües de su poesía: Mirabilia (1983) y Chronique d?un retour (1994). Varios de sus poemas han sido traducidosal inglés, italianoy portugués. En su obra crítica figuran: Vicente Huidobro: Hambre de espacio y sed decielo (2ª edición,2015), El árbol y la piedra (1988),De cuatro constelaciones (1994), El aliento en la hojas (1998), Pasosy voces (2010) y Las puertas del regreso (2016), unaantología crítica sobre la experiencia del retorno enla poesía hispanoamericana, publicadapor la editorial boliviana Plural. Ha traducido delfrancés una selección de poemas de Adolfo Costa du Rels, Poemas (1988) y una antología de poetas belgas: Urnas y nupcias(México, 1998). Fue colaborador de la revista Vueltay actualmente lo es de Letras Libres y Cuadernos Hispanoamericanos.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.