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Libros de arte
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Las mariposas han cautivado a la gente durante miles de años, cautivando la imaginación humana durante tanto tiempo que están profundamente entrelazadas con nuestra cultura e historia. Butterfly profundiza en este amor perdurable por las mariposas, polillas y orugas, llevando a los lectores en un viaje a través de continentes y culturas para descubrir las infinitas maneras en que artistas e imágenes a lo largo de la historia, desde el antiguo Egipto hace más de 4000 años hasta la actualidad, se han inspirado en estos etéreos insectos.Con más de 250 entradas, cada una representada con una magnífica imagen a gran escala, este extenso estudio visual abarca una amplia gama de estilos y medios, incluyendo pinturas, ilustraciones botánicas, esculturas, fotografía de naturaleza, libros infantiles, textiles y joyería. Combinadas ingeniosamente para resaltar los contrastes y similitudes que invitan a la reflexión, independientemente de la época, las imágenes muestran mariposas y polillas —desde la morfo azul y la monarca hasta la polilla calavera— en todas las etapas de su ciclo vital. Los vibrantes colores del clásico infantil de Eric Carle, La oruga muy hambrienta, complementan la alegría de un collage de mariposas del artista pop británico Peter Blake, mientras que la figura de la diosa Mariposa de Obsidiana, tallada en piedra en el México del siglo XIV, coincide a la perfección con la de una polilla al caer, capturada en una hermosa fotografía en blanco y negro del artista japonés Chuji Yasui.Los artistas destacados incluyen: María Berrio, Peter Blake, Lee Bontecou, ??Alexander Calder, Caroline Cheng, Rebecca Coles, Salvador Dalí, Mat Collishaw, Jean Dubuffet, M. C. Escher, Gyoshu Hayami, Sheila Hicks, Damien Hirst, Frida Kahlo, René Lalique, Iela Mari, Wardell Milan, Berthe Morisot, Maria van Oosterwijck, Gabriel Orozco, Man Ray, Yinka Shonibare y Vincent van Gogh, entre otros.Los asesores incluyen: Dr. Giovanni Aloi, Dr. David G. James, Dra. Ivonne Garzón Orduña, Profesora Naomi Pierce, Tamar van Riessen y Nate MossIncluye textos de Dr. David G. James, Tamar van Riessen y Nate Moss y textos adicionales de: Dr. Giovanni Aloi, Sara Bader, Matthew Biggs, Anita Croy, Jennifer Elias, Diane Fortenberry, Carolyn Fry, Catherine Ingram, Rebecca Morrill, Nate Moss, Tamar van Riessen, Hannah Silver, James Smith, David Trigg y Martin Walters
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Las mascaronas eran mujeres de madera emplazadas en las proas de los barcos. ¿Por qué estaban allí, en un lugar en donde no había mujeres?Miles de mujeres esculpidas en madera poblaron las proas de los barcos hasta bien entrado el siglo XX. La gran mayoría desaparecieron en naufragios o desguazadas. Muy pocas se conservan. No existe en la historia del arte nada parecido: ¿qué otras figuras han sido tan condenadas al martirio del desastre? ¿A qué otros productos artísticos se les solicitó semejantes proezas?Hablamos de figuras sujetas a las máximas exigencias: con las pupilas bien abiertas, tenían que ser capaces de prever los peligros, de espantar las amenazas, de proteger a naves, cargamentos y tripulaciones, de representar a naciones, reyes, armadores y comerciantes, de recordar al hogar. Se les solicitó entrega abnegada en el matrimonio con su barco y con los hombres que había dentro. Y, al mismo tiempo, cada una de ellas estaba atada a una biografía precisa, al rostro concreto de una mujer, de una madre, una esposa o una hija, pero también al universo viril, patriarcal, mercantil y colonial del capitalismo marítimo.¿Qué función tenían en un espacio exento de mujeres de carne y hueso? Las mascaronas reflejan toda una política de género que las moldea y las inclina en las proas, y que da testimonio de un conjunto de patrones míticos, morales, religiosos, productivos, reproductivos, sexuales y laborales confeccionados en el mar sobre el cuerpo social femenino y que lo infectaron todo también en tierra. La historia de estas figuras, hoy tristemente pintarrajeadas en los museos, nos puede ayudar a comprender el modo en el que lo femenino se constituyó como política iconográfica de la modernidad.
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La exposición Oro tejido con paja es el resultado de una invitación por parte del equipo de La Casa Encendida a la comisaria Beatriz Alonso a trabajar con artistas activos en España que, debido a su fecha de nacimiento, anterior a 1965, no pudieron aplicar a la convocatoria de Generaciones, destinada a artistas menores de 35 años. La muestra presenta la obra de Elena Mendizabal y Joan Rom, dos artistas cuya práctica es principalmente escultórica, muy activos en sus respectivos contextos, el País Vasco y Cataluña, en las décadas de los años ochenta y noventa del pasado siglo. La exposición reúne una selección de sus trabajos más recientes, algunos inéditos, en diálogo con una pieza de una etapa más temprana. Con textos de Beatriz Alonso, Caterina Almirall, Oihana Garro, Manel Clot, Elena Mendizabal y Joan Rom.
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Desde el principio de la historia de la humanidad, lo único que nos ha definido es nuestro talento para fabricar cosas, desde tecnología básica y objetos cotidianos, como cuencos y hachas de mano, hasta inventos de alta tecnología, como aviones supersónicos, dispositivos inteligentes y vehículos exploradores de Marte. Los objetos dicen mucho de una civilización, nos cuentan cómo vivían nuestros antepasados, en qué creían y qué valoraban. Una momia de bronce de un gato nos muestra hasta qué punto los antiguos egipcios valoraban a sus felinos compañeros, mientras que un tigre mecánico de juguete nos cuenta la historia de las crecientes tensiones entre un sultán indio y los colonizadores europeos. Civilización expone un tesoro escondido de fascinantes artefactos –desde la prehistoria al presente, desde lo ordinario a lo extraordinario– revelando la historia de las civilizaciones del mundo a lo largo de los años.
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¿Es el verde un color querido? Las respuestas a esta pregunta están divididas. En Europa, aproximadamente una de cada seis personas tiene el verde como color favorito, pero a casi la misma cantidad, tanto hombres como mujeres, les disgusta el verde. El verde es un color ambivalente, por no decir ambiguo: símbolo de vida, savia, suerte y esperanza por un lado, y por otro, asociado al veneno, la desgracia, el diablo y sus criaturas. Verde. Historia de un color recorre la larga historia social, artística y simbólica del verde en las sociedades europeas, desde la antigua Grecia hasta nuestros días. Subraya hasta qué punto este color, que durante mucho tiempo ha sido difícil de producir y aún más difícil de fijar, no es sólo el de la vegetación, sino también, y sobre todo, el del destino. Químicamente inestable, el verde se ha asociado simbólicamente a todo lo transitorio: la infancia, el amor, la suerte, el juego, el azar, el dinero. No fue hasta el Romanticismo cuando se convirtió definitivamente en el color de la naturaleza, luego de la salud, la higiene y finalmente de la ecología. Hoy, Occidente le ha confiado la misión imposible de salvar el planeta. La presente edición aporta la representación de distintas tonalidades de verde para acompañar la lectura fascinante de la historia de este color. «La atractiva historia cultural del color verde de Pastoureau aborda la historia del arte y la teoría del color... Sus anécdotas son perspicaces, las referencias en ocasiones deliciosamente esotéricas y aporta a este sustancial debate una mayor relevancia contemporánea». Publishers Weekly
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En motiu del Mil·lenari s'ha fet una reedició d'aquest llibre, escrit pel que va ser director del Museu de Montserrat, ara ja jubilat. És un resum de l'art i de la història de Montserrat, que explica els fets més importants que han configurat la vida i la fesomia de Montserrat, monestir i santuari, al llarg de la seva història ja mil·lenària. Il·lustrat amb moltes fotografies.
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Y, por otro lado, ¿qué revela el poshumanismo sobre la arquitectura que hacemos? Este libro documenta un proceso de investigación alrededor de estas cuestiones, y sugiere una hipótesis para pensar sobre ellas. Defiende que estamos ante un nuevo Romanticismo, un espíritu de trabajo y posicionamiento crítico que reconoce las interdependencias entre personas, animales, astros, tecnologías y minerales, entre otras y todas las partes que constituyen el cosmos, y que este espíritu se articula en una práctica interespecie. Los artefactos compilados en este libro —proyectos de arquitectura, textos literarios, aparatos tecnológicos, réplicas de fenómenos naturales, materiales de construcción, productos, obras de arte o de diseño, maquetas o prototipos— reflexionan sobre nuestra interdependencia con otros lugares, especies, materias e inteligencias.Textos de Mariana Pestana, Anna Bertmark, Bernardo Gaeiras, Carlos Pastor, Fernanda Costa, Katerina Iglezaki, Mariana Simões, Mathilde Gouin, Valentina Demarchi, Coletivo FIELD, Coletivo Frame, KWY.studio, Studio Ossidiana, SUPERFLEX
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John Berger deia que l'art no serveix per explicar el que és misteriós, però sí que serveix per descobrir-ho. En aquest llibre Josep M. Fonalleras comparteix amb el lector el que ha vist abans i després de la mirada a les obres d'art que l'acompanyen. «El Pantheon és una construcció humana, com aquell art de Rafael que suplanta la natura, va més enllà de l'evidència, crea un nou referent. S'interroga i ens interroga, forma part de les nostres vides i ens obliga a una mirada diferent. Compartida o solitària. Sortint del Pantheon, em penso que encara es pot anar al Settimio a menjar uns espaguetis amb sostre de tòfona blanca i un polsim de pecorino. No es pot exigir res més. Ni a l'art ni a la vida»
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El monte Fuji ha sido durante mucho tiempo un elemento central del imaginario cultural japonés, y nada lo ha representado con más virtuosismo que la histórica serie de xilografías Treinta y seis vistas del monte Fuji de Katsushika Hokusai (1760-1849). El famoso grabador documenta el Japón del siglo XIX con un talento y devoción excepcionales, y rinde homenaje al campo, a las ciudades, a la gente y a su serena belleza natural. Producida en la cima de la ambición artística de Hokusai, la serie es una obra fundamental del ukiyo-e que le valió el reconocimiento mundial como maestro indiscutible de su oficio.Los grabados ilustran la obsesión de Hokusai con el monte Fuji y el florecimiento del turismo doméstico a finales del período Edo. Del mismo modo que la vista de la montaña era muy apreciada por los viajeros que se dirigían por la carretera Tōkaidō a la capital Edo (Tokio en la actualidad), el monte Fuji se erige como telón de fondo infalible de cada una de las escenas de la serie. Hokusai captura el paisaje distintivo y el encanto provincial de cada escenario con colores vívidos y detalles exquisitos. La serie, que incluye la famosa estampa La gran ola de Kanagawa (también conocida como La gran ola), es un tesoro de la historia del arte internacional apreciado en todo el mundo.Esta edición XL, una de las pocas reimpresiones de toda la serie, rinde homenaje a los llamativos colores y las composiciones de Hokusai con un cuidado y magnitud sin precedentes. Encuadernada siguiendo la tradición japonesa, Treinta y seis vistas del monte Fuji reúne las 36 estampas originales y otras 10 que el propio artista añadió posteriormente. El presente volumen presenta una imagen encantadora del Japón preindustrial y es un monumento impresionante al arte de la xilografía.
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Man Ray (1890-1976) fue un artista modernista y erudito que cultivó artes tan diversas como la pintura, la escultura, el cine, la confección de grabados y la poesía. Pero fue su obra fotográfica, con sus desnudos, imágenes de moda y retratos, la que escribió un nuevo capítulo en la historia de la fotografía.A través de una extensa colección, tanto de sus obras más famosas como de otras menos conocidas, esta monografía ofrece una vívida perspectiva de la polifacética práctica de Man Ray y su legado fotográfico. Siga la trayectoria de Man Ray desde sus inicios artísticos en Nueva York hasta su papel protagonista en la vanguardia parisiense. Allí participó en la primera exposición surrealista con Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró y Pablo Picasso, y creó obras tan emblemáticas como Noire et blanche (Negra y blanca) y Le Violon d'Ingres (El violín de Ingres). Mediante numerosos ejemplos de naturaleza muerta y retratos, entre otros, observamos cómo Man Ray experimentaba constantemente con nuevas técnicas, convirtiendo la fotografía, más allá de su dominio documental, en una expresión etérea y poética a través de la exposición múltiple, la solarización y su particular marca de fotogramas que bautizó con ingenio como ''rayogramas''.
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La teoria i la historiografia de l'art són disciplines que cal tractar conjuntament, ja que una no pot explicar-se sense l'altra. Teoria i historiografia de l'art a la Catalunya del segle XIX dona una visió panoràmica d'aquestes dues especialitats, àmpliament estudiades als Estats Units i a Europa, però només tractades de manera fragmentària a Catalunya. El llibre que tens entre les mans analitza les obres dels principals historiadors de l'art catalans del segle XIX, especialment aquells que la literatura havia oblidat. Per fer-ho, té en consideració els fonaments teòrics i metodològics sota els quals els artígrafs van concebre els seus textos, de manera que aquí no s'hi trobarà l'enumeració dels seus encerts o desencerts, sinó un examen exhaustiu del procés que va seguir la història de l'art per convertir-se en una ciència.
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C'est une grande date dans l'histoire de l'art que celle où la peinture cesse d'avoir un rôle cérémonial ou décoratif, mais commence, sans parti pris, à braquer sur la réalité un objectif intelligent. En ce sens, l'artiste hollandais n'est plus une volonté qui exécute un plan préconçu et qui lui subordonne les moyens et les mouvements, c'est un œil qui choisit et qui saisit, c'est un miroir qui peint, tout ce qu'il fait est le résultat d'une réflexion.
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¿Qué secretos esconden las serpientes en los cuadros renacentistas? ¿Por qué el fuego representa tanto la destrucción como la redención? ¿Qué mensaje transmite realmente un simple espejo en una pintura medieval? Desde el Paleolítico hasta el arte contemporáneo, los símbolos operan como puentes entre lo visible y lo invisible, pero sin las claves adecuadas, nuestra experiencia artística se reduce a una contemplación superficial. En un mundo saturado de imágenes, hemos perdido la capacidad de leer los símbolos que dan profundidad al arte. Esta guía esencial desentraña el fascinante universo de significados ocultos que condensan las obras.
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El arte de Assassin's Creed Shadows celebra y narra la primera incursión de la aclamada serie en la era del Japón feudalJapón, 1579. En el ocaso del turbulento periodo Sengoku, Naoe -una adepta Asesina shinobi de la provincia de Iga-, y Yasuke -un poderoso samurái africano de renombre histórico- emprenden un viaje en el que descubren su destino compartido. A lo largo del camino, se les unen y enfrentan carismáticos personajes, aprenden a dominar gran variedad de armas y útiles de defensa, y atraviesan dinámicos y espectaculares paisajes -todos los cuales son explorados en este completísimo tomo. Dark Horse Books y Ubisoft han unido esfuerzos para crear un libro de arte en la tradición del mundialmente reconocido Brotherhood (Hermandad), con el objetivo de satisfacer e inspirar a los Asesinos shinobi y samuráis de todas las generaciones.
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Una valiosa y estimulante colección de ensayos, críticas y entrevistas de la influyente autora de Todo sobre el amor.«Debe haber una revolución en nuestra forma de ver, en nuestra forma de mirar». En esta colección de ensayos, críticas y entrevistas, bell hooks responde a los diálogos vigentes sobre la producción, la exposición y la crítica del arte y de la estética en un mundo cada vez más preocupado por la política de identidad. La autora comparte su propia experiencia con el poder transformador del arte a la vez que explora temas que van desde el arte en la educación hasta la política del espacio o la imaginación como herramienta revolucionaria, y desde su perenne preocupación por la lucha liberadora, hooks analiza la política visual en el marco de cómo el arte puede ser una fuerza empoderadora y revolucionaria dentro de la comunidad negra. A través de diálogos con artistas como Carrie Mae Weems y Alison Saar, y del estudio de la obra de Jean-Michel Basquiat y Félix González-Torres, Pensar el arte se presenta como una obra generosa y expansiva que no deja de cobrar relevancia desde su primera publicación en 1995. Esta obra es una guía esencial para comprender la contemporaneidad, y un texto fundamental para cualquier lector interesado en crear y fomentar una cultura artística democrática.
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Drawing the Body, el tercer título del exitoso autor Robert Osti, es un libro muy accesible que presenta una forma atractiva y sistematizada de dibujar la figura humana, desde representaciones estáticas, estructurales y anatómicas hasta formas realistas y expresivas.Con un texto mínimo y esencial, el libro está organizado como un cuaderno de bocetos con abundantes imágenes y ejercicios prácticos. Se incluyen demostraciones paso a paso que incluyen ilustraciones originales del autor, fotografías de figuras humanas y referencias históricas del arte de viejos maestros.Esta hermosa y utilitaria guía es indispensable y atraerá a artistas, estudiantes de arte y cualquier persona interesada en la representación artística y científica de la figura y la anatomía humanas.
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L'exposition Ubu peintre. Alfred Jarry et les arts permet une confrontation d'artistes aux expressions aussi éloignées que celles d'Émile Bernard, Pierre Bonnard, Max Ernst, Georges Rouault, Charles Filiger, Pablo Picasso, Le Corbusier, Jean Dubuffet, Enrico Baj, Joan Miró ou William Kentridge. Elle met en lumière l'imaginaire de Jarry et les métamorphoses d'Ubu, de sa création jusqu'à nos jours.
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Maya Goded Colichio es una reconocida fotógrafa y cineasta documental mexicana, cuyo trabajo se centra en temas como la violencia de género y la vida de comunidades marginadas. A través de su obra, explora las complejidades y desafíos que enfrentan las mujeres en la sociedad mexicana.El rastro de la serpiente combina fotografía, poesía, testimonio y ensayo para dar forma a un viaje íntimo, político y espiritual.A través de imágenes, relatos orales, archivos históricos y reflexiones filosóficas, El rastro de la serpiente se convierte en un canto colectivo de resistencia. Entre sus páginas resuenan las voces de mujeres que, a pesar del despojo, cuidan la vida, sanan, cantan y recuerdan.El diseño del libro es verdaderamente único, compuesto por tres cuadernillos que se entrelazan. Los dos primeros están diseñados para ser leídos simultáneamente, guiando al lector hasta el tercer cuadernillo en el centro.Maya Goded nos conduce por territorios heridos—desde el desierto de Atacama hasta las selvas de Chiapas—donde el cuerpo de la tierra y los cuerpos de las mujeres son escenario y testigo de violencias históricas, extractivismo y olvido. Este proyecto nace de una búsqueda personal: la autora explora su linaje materno y su historia familiar, marcada por guerras, migraciones y abusos, estableciendo paralelismos con las experiencias de mujeres indígenas, mineras, curanderas y defensoras del territorio. La serpiente, símbolo ancestral de transformación y sabiduría femenina, se convierte en el hilo conductor de esta narrativa en espiral, que abraza lo cíclico frente a la lógica lineal y patriarcal del progreso destructivo. El libro es un acto ritual de memoria, duelo y renacimiento—una propuesta ecofeminista que reimagina la relación entre humanidad y naturaleza desde la raíz, desde lo femenino, desde la serpiente.
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Visit the world’s most comprehensive and compelling museum in a single book – the ultimate gallery in your own home.Housing the finest art collection ever assembled, this classic format of Phaidon’s bestselling The Art Museum offers the ultimate museum experience without the boundaries of space and time. The rooms and galleries that live within this volume display more than 1,600 artworks, expertly selected from the original collection, including paintings, sculpture, textiles, photographs, installations, performances, videos, prints, ceramics, manuscripts, metalwork, and jewelwork.The artworks included were carefully selected by a team of 28 curators, critics, art historians and artists who contributed their expertise to create this revolutionary 'virtual' museum. These experts came from such institutions as: the Metropolitan Museum of Art, New York, The British Museum, London, the Museum of Fine Art, Boston, the J. Paul Getty Museum, Malibu, the University of California, Berkley, LaTrobe University, Melbourne, the School of African and Oriental Studies, University of London, and the Courtauld Institute of Art, London.Works originate from the Palaeolithic era to the present and come from all around the globe and include both iconic and lesser-known pieces. This extraordinary book takes the reader on a tour around the world and through the ages, presenting the finest examples of human creativity within its covers – a dream museum without the boundaries of walls.
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Del lienzo al plato: la historia del arte contada a través de la gastronomía. Una naranja en un bodegón puede contar un conflicto geopolítico y la imagen de una copa de vino tiene la capacidad de convertirse en la puerta de entrada a un mundo de significados simbólicos antiguos. La representación de una sopa puede explicar un mundo, una cosmogonía, una forma de vida. La gastronomía ha impregnado toda la historia del arte. Lo que comemos y cómo lo hacemos habla de nosotros, al igual que los platos, los ingredientes y los utensilios que encontramos en las pinturas o el hecho de que el cocinero lleve una chaquetilla blanca, un delantal de rayas o una camiseta negra. Ahí están nuestra historia y nuestra cultura, como lo ha estado en otros tiempos y otros lugares en los que la comida, la bebida y la forma de relacionarse alrededor de la mesa estuvieron siempre presentes, cargados de la capacidad de contar historias.
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Continúa la saga Dragonlance (D&D).Han pasado los años. Caramon y Raistlin han entablado amistad con personajes tan dispares como un kender, un enano y un semielfo, quien, a su vez, conoce a Kitiara, hermanastra de los jóvenes Majere. Una primavera, Raistlin recibe una misiva del Cónclave de Hechiceros en la que lo emplazan a acudir a la Torre de la Alta Hechicería de Wayreth, donde deberá someterse a la Prueba. Los dioses requieren una espada bien templada para la guerra que se avecina contra las fuerzas del Mal, y Par-Salian quiere que esa espada sea Raistlin.
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Ramón dibujante. El lápiz atrevido es un amplio recorrido por una de las facetas menos conocida y estudiada del escritor vanguardista Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1888-Buenos Aires, 1963), la de su labor como dibujante de sus propios artículos y libros y, sobre todo, de su creación más singular en el campo de la literatura, las greguerías. Eduardo Alaminos López ha estudiado en estas páginas los hitos más relevantes de aquella forma compulsiva y singular de dibujar que tenía Ramón así como su manera de entender y reflexionar sobre la naturaleza de sus dibujos: sus comienzos en la revista escolar El Postal (1901-1903), sus ilustraciones en el periódico La Tribuna (entre 1920 y 1922), en los libros que definen su personal y diferenciador ismo, el ramonismo, desarrollado en libros «ilustrados por él» como Variaciones Iª Serie (1922), Ramonismo (1923), Caprichos (1925), Gollerías (1926) y Trampantojos (1947), pero sobre todo en Las Greguerías ilustradas (1930-1935), cima de su obra dibujística, así como la presencia del dibujo en la tertulia de Pombo y en los dos libros dedicados a ella (1918 y 1924). Este ensayo trata de responder a varias preguntas, entre otras, a: ¿por qué acompañó Ramón buena parte de sus escritos con dibujos propios? ¿Por qué sus dibujos obedecen al deseo de amplificar y aclarar lo escrito y funcionan como una llamada de atención al lector? ¿Por qué obedecen a una necesidad interna para ir más allá de lo estrictamente literario? ¿Por qué el dibujo afloró en su obra como una parte integrante más de su humorismo? La contestación a estas y otras preguntas desembocan en lo que el autor ha llamado, tras estudiar y glosar muchos de aquellos dibujos, su «poética gráfica», caracterizada, en palabras de Ramón por «lápices, tallos de iniciativas, para diseñar el mal dibujo». Un libro que descubrirá al lector muchas de las claves de los dibujos realizados por Ramón Gómez de la Serna para «ilustrar» sus artículos y libros, faceta del escritor poco conocida.
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Esta guía es el resultado de una investigación llevada a cabo en más de 150 museos de todo el mundo con el objetivo de analizar el grado de sostenibilidad de las instituciones museísticas.Con un enfoque esencialmente práctico, este compendio recoge un total de 33 medidas, agrupadas en fichas, que cubren la práctica totalidad de la dimensión medioambiental y social de la sostenibilidad, y cuyo objetivo es mostrar un camino inspirador a los museos. Acercarse a ellas, conocerlas, nos lleva a apreciar las enormes posibilidades que se despliegan ante cada institución, así como el reto que supone implantarlas.
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En esta conferencia pronunciada en Bruselas en 1934,el ''jefe de obras'' del surrealismo explica el cuando y el porqué nació el movimiento, qué pretende conseguir y cómo.
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Cuaderno con resúmenes ilustrados y propuestas didácticas para conocer el Museu de la Tècnica de Manresa, un gran edifcio construído a mediados del siglo XIX para recoger y almacenar el agua de la Sèquia para su distribución posterior en la red de consumo de Manresa, como parte del plan para hacer llegar agua clara hasta el interior de las casas manresanas. Se explica la evolución industrial de la ciudad de Manresa, desde la época medieval, pasando por la época de la manufactura y llegando a la ciudad industrial. La guía recoge también los diferentes procesos de la cintería hasta la situación actual y muestra un itinerario para el agua y la industria manresana. Incluye un glosario y actividades didácticas.
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Un recorrido riguroso, exhaustivo y ameno por los estilos artísticos que se sucedieron en Europa durante el siglo XIX: romanticismo, eclecticismo, realismo, impresionismo, simbolismo, modernismo, así como la arquitectura de hierro y cristal y la escuela de Chicago,creadora de los primeros rascacielos. Una época de grandes genios como Delacroix, Gauguin, Renoir, Van Gogh, Rodin, Eiffel o Gaudí. Con este nuevo título de la serie Breve historia del Arte descubrirá todos losmovimientos artísticos que se sucedieron en Europa alo largo del siglo XIX, una de las épocas más interesantes de la Historia Contemporánea. Desde los grandesacontecimientos político-económicos como el colonialismo o la unificación de Italia y Alemania, a los convulsos sucesos que tuvieron lugar en España tras la muerte de Fernando VII (de las guerras carlistas, la subida al trono de Isabel II y su destronamiento hastala restauración borbónica pasando por la I República), todos los movimientos artísticos: Romanticismo, Realismo, la arquitectura ecléctica y la de hierro y vidrio, Impresionismo, Puntillismo, Simbolismo y Modernismo se tratan en esta Breve Historia. Grandes artistas como Delacroix, Gericault y Eiffel en Francia, Friedrich en Alemania, Paxton en Inglaterra, los grandesmaestros impresionistas franceses y españoles, los artistas que abrieron el camino a la pintura del sigloXX (Cezanne, Gauguin, van Gogh), el escultor Rodin yel genial Gaudí exhiben su obra a lo largo de las páginas de este título, imprescindible para adquirir una información completa sobre esta época tan importante del Arte y la Historia. En un estilo ágil y ameno yde una forma rigurosa Carlos Javier Taranilla de laVarga conocerá en detalle a los grandes maestros de la época a lo largo de todos los campos de la creaciónartística: arquitectos, escultores y pintores, tantoen Francia (donde surgieron la mayoría de los estilos) como en las principales naciones de Europa (Inglaterra, Alemania, Italia) incluida España. Una obra imprescindible para comprender los fu
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Un impresionante libro de arte que abarca más de 3000 años Una selección de obras de arte para los que desean aprender más: cómo pintaba Miguel Ángel los desnudos, qué es el cubismo o cómo surgió la abstracción. Un libro que apasionará a todos los amantes del arte. Con obras de todo el mundo y de los periodos más importantes. Con explicaciones de los símbolos, los detalles y las técnicas para entender cada obra. Desde los frescos el Antiguo Egipto hasta Joan Miró o Banksy. En este maravilloso libro de arte encontrarás: -Obras de todo el mundo. -Elementos clave como la composición, el color, la técnica y el simbolismo. -Más de 450 artistas de numerosas culturas diferentes. -Abarca todos los periodos y movimientos artísticos importantes. -Sitúa las obras en su contexto histórico. Repleto de información y lleno de inspiración, este libro te muestra las mejores pinturas y esculturas de todos los tiempos. Es el libro de consulta definitivo para todos los amantes del arte.
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Daniel Romaní és periodista i escriptor. Ha publicat assaigs, novel·les juvenils i diverses obres per donar a conèixer el patrimoni català. Col·labora regularment al diari Ara.
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Estamos ante la guerra cultural más virulenta de todas, la que se libra en un museo del siglo XIX, gestionado por personas del XX para un público del XXI. ElPrado es aún, doscientos años después, una institución en la que se silencia a la mujer artista, se ignoraa las visitantes y se defiende un pensamiento de género (raza y clase) que justifica la dominación de unsexo sobre el otro. Esta no es una historia del artetradicional, es una guía compuesta por ausencias, vejaciones, eufemismos, silencios o tergiversaciones hacen desaparecer a la mitad de la población, sala trassala, con una violencia soterrada y a la vista. También es una historia contra la ceguera, contra el mitoy contra los genios, un relato sobre las condicionespolíticas y sociales que determinan la creación artística.
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Art (in)útil reflexiona al voltant de la idea d'artista emergent i institució cultural com a ens legitimador. El contingut d'aquest marc només és la punta de l'iceberg sobre la mediatització cultural entre art, artista i institució, però serveix per entendre com s'inicia l'artista en un circuit i quins mecanismes es fan servir per absorbir-lo. Així és com s'allunya l'art de ser una eina política crítica de pensament, i es converteix en producció i, per tant, en un producte més del context postfordista. A partir del canvi de paradigma sobre la idea d'exposició amb l'objectiu de donar visibilitat a obres -una visibilitat necessària perquè arribin a ser art-, Daniel Gasol es pregunta si l'artista s'adapta a la producció institucional que s'entén com a art. L'autor també valora si, per contra, és l'exposició institucional la que dota el treball d'una importància hipotètica, amb la conseqüència indirecta de generar legítimament creacions confrontants de semblança formal i conceptual. Gasol explora l'existència de diversos tipus de creació o contextos que projecten què ha de ser art, així com sobre què considerem art emergent o obra expositiva. També qüestiona les institucions adients per exhibir produccions artístiques, i com el sistema del capital i laboral afecta la creació i l'exposició d'art. -------------------------------------------- És útil, l'art? Què ens porta a decidir què consumim? ¿Relacionem inconscientment que una obra artística és millor per tenir un volum d'audiència elevat i per aparèixer als mitjans de comunicació? Són els artistes realment lliures a l'hora de crear o estan sotmesos a certs paràmetres i s'hi adapten?
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Una escuela que tuvo que hacer frente a la cruda realidad y a la oposición de una sociedad que, aunque muy abierta en teoría, cerró filas al ver aquellas ideas llevadas a la práctica. Si alguien sufrió en mayor medida el menosprecio de sus congéneres y los perjuicios del fracaso, fueron las mujeres artistas que llenaron con su vitalidad y talento la escuela. Como en todas las historias, hay partes que han llegado a nuestros días y otras que se han ocultado. En este libro hemos intentado dar cuenta de todas ellas y arrojar luz sobre aquellas protagonistas que habían quedado relegadas a un anonimato forzoso. Womanhaus es nuestro homenaje a ellas.
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'En Ruskin, la paradoja, el capricho, el gusto personal y exclusivo se hace convincente, se eleva y se hace hasta inspiración celeste a fuerza de dominar el procedimiento demostrativo, con sedicencias y seducciones.''''Ruskin no es nunca un teórico, cuenta con pisar el paisaje que alaba, con entrar en él, lo ve todovivo, asequible, tibio, móvil y por eso en las cosasmás petrificadas encuentra la brisa que fuera con ellas, la luz que las anima y las adentra.ö
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En este libro se muestra que el fundamento de la actitud crítica en filosofía -tanto en el criticismo kantiano, como en la crítica marxista, así como la llamada ''teoría crítica de la Escuela de Frankfurt''- procede en realidad de la crítica artística y literaria,y no al revés. Por ello también, este libro se afanaen buscarle un fundamento de legitimidad a la crítica, así como en establecer su alcance y sus límites.
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Una historia ilustradísima de cómo guardamos lo que transportamosCarteros y reinas, peregrinos y amas de casa, militares, veraneantes y corredores: todos llevan algo con ellos. No solo dinero, teléfono o llaves, sino también gemas, granadas o galletas para perros... Un bolso, cartera o maletín también es una parte importante del atuendo para algunos. Por su ropa y accesorios, puedes adivinar lo que hace una persona, si es alguien importante, si es pobre o rico. Es por eso que muchas personas también usan bolsos para mostrar quiénes son. Y, a menudo, para mostrar que no son cualquiera.La interesante historia de Joanna Bojanczyk se complementa con divertidas ilustraciones de Adam Wójcicki, en las que puedes ver no solo las bolsas, las maletas y las mochilas, sino también a sus dueños y lo que llevan con ellos.
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El cuerpo es últimamente centro de interés creciente de las ciencias humanas. Sus secretos están lejos de ser completamente desvelados. Estudios recientes insisten en que el cuerpo tiene una historia y que esta historia abarca apariencia y profundidad, deseo y poder, caída y apoteosis, vida y muerte. Este es el contexto en el que el presente libro pretende adentrarse, apelando a los instrumentos del historiador de las imágenes. Hasta hoy, el comentario estético tradicional se ha situado esencialmente en el terreno de las apariencias, escamoteando la confrontación con lo que las supera, lo visible no es únicamente cuestión de superficie. El cuerpo es una representación, inseparable de la mirada que lo elabora y de los ''media'' que lo exhiben, indisociable de su propio envoltorio cutáneo (maquillajes, incisiones, armaduras, velos, adornos) y traducido por palabras, letras, películas de color, bloques de mármol, pantallas de proyección. Este libro estudia el papel que desempeñan en la construcción del imaginario del cuerpo las creencias, los efectos de conciencia, los gustos estéticos, los deseos, los caprichos, las obstrucciones y los temores.
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Libro-disco con pinturas a tinta de Juan Manuel Uría y música de Ángel Unzu.El libro-disco Impromptu es un fascinante encuentro entre dos lenguajes poéticos: la pintura y la música. Las sugerentes pinturas de Juan Manuel Uría y la inspirada música de Ángel Unzu, 60 pinturas a tinta y 21 temas musicales improvisados con el guzheng, junto con una serie de “pentagramas intervenidos” y algunas notaciones musicales manuscritas, hacen de Impromptu una maravillosa obra de arte.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
