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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Sólo veinte pinturas y ocho dibujos pueden atribuirse con toda seguridad al pintor flamenco Hieronymus Bosch, El Bosco (aprox. 1450-1516), pero gracias a sus visiones fantásticas se ha convertido en uno de los artistas de culto más relevantes de la historia. Transcurridos 500 años desde su muerte, sus obras siguen siendo motivo de inspiración para investigadores, artistas, diseñadores y músicos, nombres de grupos de death metal y vestidos de diseño.Esta edición ofrece el universo inquietante de El Bosco al completo en un formato compacto. Con desplegables y una atención especial por los detalles, conocemos las facetas compositivas del artista y las creaciones más fascinantes e inquietantes salidas de su desbordante imaginación. Estas páginas reviven sus seres híbridos, sus escenas dantescas, su contexto religioso y moral, y sus versiones pictóricas de refranes y modismos. La sucesión de imágenes se complementa con los textos de Stefan Fischer, historiador del arte y experto en la figura de El Bosco, que desvela al lector los temas y las influencias más relevantes de estas obras de arte crípticas e hipnotizantes.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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En la quinta entrega de sus célebres lecciones de anatomía artística, Michel Lauricella aplica su conocida fórmula pedagógica a la mecánica de las articulaciones y su materialización en formas óseas y musculares.· Cerca de 400 dibujos de las articulaciones y los movimientos que estas posibilitan -como la flexión, la extensión y la rotación- organizados en cuatro apartados: cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores. · Descripción visual en formas sintéticas y mecanicistas a partir de una reducción delas articulaciones a tipos simples, como la esfera y la bisagra. · Recursos para enriquecer el dibujo de observación y facilitar la práctica del dibujo de imaginación inspirando formas imaginarias, híbridas o fantásticas que traten de mantener siempre la relación entre función y forma.
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Un paseo por el mundo de las relaciones sentimentales, del enamoramiento al desengaño, pasando por rupturas dramáticas que rompen el corazón en mil pedazos, algo de sexo, fiestas y alcohol para olvidar. Al final, de nuevo el amor, quizá esta vez sea el
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Andy Warhol (Pittsburgh, Estados Unidos, 1928) es sinlugar a dudas uno de los artistas más relevantes y conocidos del siglo XX. Este volumen, que acompaña a la exposición homónima en Barcelona, Madrid y Málaga,subraya la forma en que Andy Warhol capturó el «cultoa la mercancía» desde los inventos industriales delsiglo XIX.
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Guía de bolsillo con los principales movimientos, edificios, elementos y materiales. Una nueva e innovadora introducción a la cuestión del arte moderno y contemporáneo. Con una estructura sencilla, el libro examina cincuenta obras clave desde los primeros ejemplosdel modernismo hasta el arte contemporáneo. Accesible, conciso y profusamente ilustrado, este libro explica cómo y por qué se desarrolló el arte moderno, quiénintrodujo innovaciones, en qué consistieron y dóndey cuándo tuvieron lugar. Incluye un gran número de imágenes representativas de la historia del arte moderno y contemporáneo y revela las distintas técnicas quese emplearon para crearlas. Desmitifica la jerga técnica y proporciona a los lectores una profunda comprensión y un amplio disfrute del arte moderno y contemporáneo, desde finales del siglo xix hasta el momentoactual.l libro se divide en cuatro capítulos: 'Movimientos', 'Obras', 'Temas' y 'Técnicas'. Se pueden leerde forma sucesiva o independiente unos de otros. Elcapítulo dedicado a las obras, por ejemplo, presenta50 obras esenciales que han tenido una relevancia enel mundo del arte a nivel mundial. Las remisiones enla parte inferior de cada página muestran las conexiones con las otras secciones del libro, mientras que en los cuadros informativos se abordan las principalesaportaciones y el contexto biográfico de cada artista.
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En las escuelas de bellas artes, en las academias, así como en el proceso individual de estudio de cada pintor o escultor, el dibujo del rostro y de la figura humana se ha considerado siempre una base indispensable. El maestro Giovanni Civardi dedica un nuevo libro al dibujo de la cabeza y el rostro humanos. Esta vez con el recurso de la cuadrícula, el procedimiento más sencillo y antiguo, y el que más respeta la práctica del dibujo manual, para reproducir en distintas dimensiones una imagen plana (dibujo o fotografía).
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Oslo, otoño de 2011 Un mes después de los atentados del 22 de julio, Rebekka y Fariba empiezan el instituto. Fariba se apunta a las Juventudes del Partido Laborista, mientras que Rebekka intenta involucrarse en el musical que prepara el grupo de teatro, pasar tiempo con Daniel, el chico del pelo rizado, y disfrutar de las fiestas, de las clases y de los amigos. El problema es que Rebekka no hace otra cosa que pensar en lo que sucedió. Llamada perdida es una novela gráfica sobre los atentados terroristas, sobre la vida después de ellos y sobre todas aquellas personas a las que echamos de menos sin haberlas conocido siquiera.
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La primera monografía completa dedicada al innovador artista neoconceptual Tavares Strachan, una de las voces más audaces, polifacéticas y relevantes del arte contemporáneo global.Tavares Strachan se ha consolidado como un creador indispensable cuya práctica, abierta y sin límites disciplinares, ofrece perspectivas críticas sobre temas sociales y políticos urgentes. A través de la arqueología, la historia, la geografía, la ciencia y la climatología extrema, Strachan construye exposiciones alegóricas de escala monumental que confrontan el colonialismo, el desplazamiento cultural, las limitaciones mortales y las grandes aspiraciones de la humanidad.Fruto de rigurosas investigaciones y de colaboraciones con líderes de opinión mundiales, sus proyectos han dejado una huella imborrable en el panorama internacional:• La Primera Cena: Su colosal escultura para la Royal Academy de Londres, convertida en una de las obras de arte más aclamadas y visitadas en el año 2024.• Plataforma BASEC: La fundación del Bahamas Aerospace and Sea Exploration Center en su ciudad natal, Nassau, uniendo arte y ciencia.• Proyecto ENOCH: El lanzamiento al espacio en 2018, en colaboración con el LACMA, de un satélite que orbitó la Tierra durante tres años para rescatar del olvido la historia de Robert Henry Lawrence Jr., el primer astronauta negro de la historia.¿Qué incluye este volumen exclusivo?Diseñado en estrecha colaboración con el propio artista y formando parte de la prestigiosa Serie de Artistas Contemporáneos de Phaidon, este libro ofrece una inmersión total en su universo:• Una conversación profunda con Tavares Strachan que desvela sus procesos creativos y conceptuales.• Ensayos y contribuciones textuales de destacados escritores y expertos internacionales como Emma Dabiri, Gavin Delahunty y Michele Robecchi.• Una visita guiada al estudio del artista a través de fotografías encargadas en exclusiva para esta edición.• Una cronología completa y detallada de la fascinante carrera de Strachan.Publicada por Phaidon Press, esta oportuna monografía es una pieza de colección imprescindible para museos, galerías, coleccionistas y cualquier apasionado por el arte que define e interpela el clima cultural de nuestro siglo.
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En Vincent Van Gogh la relación entre la existencia y el trabajo, entrela enfermedad mental y la creación ha proporcionado material para unalarga tradición de interpretación, especialmente psicoanalítica. En estecontexto, Massimo Recalcati pone en relación la melancolía y la pinturarespecto a la autonomía del arte a propósito de la obra del famosísimopintor. Así, el autor nos va mostrando cómo las pinturas de Van Goghconstituyen el esfuerzo extremo de dibujar, a través de la luz y elcolor, directamente lo absoluto, la cosa misma. Pero la consagración delarte, que al principio lo había salvado de la melancolía original, serevela como lo que lo sumerge en las profundidades de la locura.«Le debemos a Recalcati una profunda renovación de los estudiospsicoanalíticos en Italia.»Roberto Esposito, La Repubblica«El libro de Recalcati recorre la vida del pintor, rastreando susesfuerzos por encontrar una posible inscripción simbólica. Su pintura esel último intento de alcanzar lo absoluto a través de la luz y delcolor.»
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Las obras de Vincent van Gogh (1853-1890) se cuentan entre las más conocidas y alabadas del mundo. En lienzos como Los girasoles, La noche estrellada, Autorretrato con oreja vendada y en muchos otros cuadros y dibujos llegamos a identificar a un artist
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En el panorama del Quattrocento italiano Piero Della Francesca es uno de sus maestros más originales, una isla en el territorio de frontera que es la segunda mitad del siglo XV. Desde la edición original de esta obra en 1927 se han publicado centenares de ensayos y monografías sobre el artista, pero el de Longhi sigue siendo la pieza fundamental de todo estudio sobre el pintor.
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Un viejo amigo mío de provincias, un tal Leonardo, nacido en un pueblecito cerca de Florencia, Vinci... Era un hombre muy curioso... se pasaba las horas observando las plantas... dibujar un árbol es el primero de los cuatro libros dedicados a los históricos talleres de Bruno Munari. Con la simplicidad, humor y poesía que le caracterizan, el artista italiano nos habla sobre la forma y estructura de los árboles para mostrarnos cómo dibujarlos: dónde poner sus alocadas ramas, cuántos troncos dibujar, cómo se ven transformados por la acción del viento...
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Este libro se centra en la Semana Santa de Úbeda, Fiesta de Interés Turístico Nacional desde 1980. Explora su rico patrimonio escultórico, la influencia del Concilio de Trento (1545-1563) en la iconografía cristiana y la evolución de los temas pasionistas a lo largo de la historia. También analiza las bases literarias de las representaciones cristíferas y marianas. Además, estudia las imágenes titulares de las hermandades de la Semana Santa de Úbeda y las influencias en su creación. En resumen, esta obra ofrece una inmersión en la rica tradición iconográfica y artística de esta celebración.
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DOMINA EL ARTE DEL MANGA CON ESTA GUÍA DE DIBUJO P
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Los artistas emergentes más excitantes del mundo contemporáneo û quién es quién y qué viene después- elegidos por la nueva generación de expertos.Presentamos los 100 artistas nacidos después de 1980 que han sido más votados por un extenso panel de expertos como aquellos que están haciendo y harán las obras más interesantes. Son las estrellas del futuro y aquellos que venderán a altos precios. Algunos elegidos son : Lawrence Abu Hamdan, Farah Al Qasimi, Korakrit Arunanondchai, Firelei Báez, Meriem Bennani, Amoako Boafo, Danielle Brathwaite-Shirley, Jordan Casteel, Jesse Darling, Jadé Fadojutimi, Louis Fratino, Lauren Halsey, Kudzanai-Violet Hwami, Joy Labinjo, Lina Lapelyte, Carolyn Lazard, Ad Minoliti, Tyler Mitchell, Toyin Ojih Odutola, Ima-Abasi Okon, Thao Nguyen Phan, Christina Quarles, Tschabalala Self, Paul Mpagi Sepuya, Shen Xin, Avery Singer, Martine Syms, Salman Toor, Zadie Xa Los expertos trabajan en instituciones como Baltimore Museum of Art, Bellas Artes Projects (Manila), ESPAC (Mexico), The Factory Contemporary Arts Centre (Ho Chi Minh), KW Institute for Contemporary Art (Berlin), MoMA (NY), Museo de Arte Moderno (Medellín), Museums Victoria (Melbourne), RAW Material Company (Dakar), Sharjah Art Foundation, Studio Museum in Harlem (NY), Tai Kwun Contemporary (Hong Kong), Tate Modern (Londres), Whitechapel Gallery (Londres), Whitney Museum of American Art (NY), and X Museum (Beijing)
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Ajuntament Barcelona
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El presente libro aborda la idea del pensar.Generalmente se considera que sabemos aquello que pensamos acerca de una idea determinada, pero quizá no sabemos aciencia cierta qué hacemos, cómo lo vamos haciendo ocómo hemos llegado a ello. Un interesante ejercicio psicológico, educativo, social, acerca de hacer, pensar y sentir. En definitiva, qué se piensa y qué se siente al ir pensando o al ir sintiendo.
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Esta colección realiza un recorrido exhaustivo y totalmente ilustrado a través de los grandes creadores de todos los tiempos y los testimonios artísticos que han dejado las principales culturas, en un papel de gran calidad y un formato manejable. Este volumen está dedicado a Leonardo da Vinci.
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* El surrealismo surgió como un movimiento literario y artístico dado a conocer por el poeta francés André Breton en 1924, con el Manifiesto surrealista. * Los artistas surrealistas ahondaron en el inconsciente y gozaron con yuxtaposiciones de raros obj
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Este volumen explora la producción artística de LygiaClark durante la primera década de su carrera, en lase dedicó a la creación de pequeñas pinturas en blanco y negro y de esculturas, constantemente experimentando con nuevas técnicas, gracias a lo que llegó a ser una importante figura de la vanguardia brasileña.
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¡Vuelve el trepidante manga de Rei Hiroe! Un grupo de cinco asesinas trajeadas están sembrando el terror en Roanapura, matando a varios objetivos cuyo único punto en común es que son hombres altos de color. Chang decide tomar el toro por los cuernos y, al ver el interés de Rock en el asunto, lo contrata para liderar la investigación. La única pista que tiene es que las asesinas han fijado una fecha: el 19 de septiembre de 1989.
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Si te gustan las piezas únicas impresas a mano, el tacto de los papeles singulares, el olor a tinta y el aura especial de las cosashechas artesanalmente, ¡móntate una imprenta en la cocina! Utilizarás papel de aluminio como plancha de impresión, aceite v
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* Una guía nítida, clara y, sobre todo, orientada alarte griego y romano, desde la evolución de la escultura hasta las técnicas detalladas de la pintura de vasos y murales. * La fuerza de los logros creativos delos griegos y su legado adaptado por los romanos a través de explicaciones, obras, artistas, disciplinasy tendencias. * Las emociones de los artistas que crearon el arte por primera vez en Grecia y Roma, que desafiaron la sabiduría tradicional para explorar nuevas ideas. Durante más de dos mil años, el arte de Grecia y Roma ha sido el de referencia para la civilización occidental. Este libro ofrece información sobre los orígenes de las atrevidas innovaciones de aquellosque exploraron nuevas ideas, con información sobre los grandes esfuerzos de escultores y pintores para retratar, por primera vez, tanto las complejidades de la forma humana como la riqueza de sus emociones. Losestragos del tiempo han destruido tanto, que parece que el arte griego y romano hubiera consistido únicamente en impresionantes ruinas y fragmentos rotos. Perola realidad es muy diferente. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras característicasy una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria paradisfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de unávido galerista, un aficionado a leer cómodamente enel sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Vinculado, como otros grandes historiadores del arte europeo, al fecun do Instituto de Londres Rudolf Wittkower (1901-1971) se distinguió por sus ejemplares estudios sobre la arquitectura y la escultura del Rena cimiento y el Barroco: Architectural Principles in the Age of Humanism (1949), Gian Lorenzo Bernini (1955), Art and Architecture in Italy 16 00 to 1750 (1958). La escultura, edición póstuma de una serie de confe rencias pronunciadas en la Universidad de Cambridge en 1970-1971, no e s una historia de la escultura occidental ni un manual de técnicas, si no una indagación en un campo menos explorado: la interacción de proce dimientos de trabajo y principios formales, interacción que en el caso de la plástica determina, de manera más esencial y tangible que en ot ras artes, el carácter final de la obra y la formación de los estilos individuales y colectivos. Mediante el análisis atento de obras y test imonios directos, Wittkower ofrece una comprensión más profunda de la escultura de cualqui
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Taller de dibujo abarca desde los materiales y las técnicas básicas hasta inspiradores proyectos paso a paso que le ayudarán a entrenar su visión artística y a desarrollar sus habilidades plásticas.
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Taller de acrílico abarca desde los materiales y las técnicas básicas hasta inspiradores proyectos paso a paso que le ayudarán a entrenar su visión artística y a desarrollar sus habilidades plásticas. Las sencillas explicaciones de los principios básicos de la pintura con acrílicos le animarán a abordar todo tipo de temas, desde simples estudios a paisajes y retratos, y las ilustraciones de «Evolución de la imagen» aportan una visión general de los proyectos en un solo vistazo. Las galerías de obras de arte contemporáneo le enseñan cómo se han acercado los artistas consagrados a distintos temas y técnicas. Taller de acrílico aporta un enfoque nuevo a la plástica, ayudándole a conseguir los mejores resultados.
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Este libro realiza un recorrido por una amplia variedad de estilos y procedimientos empleados por reconocidos artistas contemporáneos y los pone al alcance de todo amante del arte de la acuarela. Descubre texturas, aplicaciones, combinaciones de materiales y aprende a manchar, emborronar, rasgar y arrugar. Atrévete a cortar, pegar, estampar y coser tus piezas sin miedo. Los contenidos de este libro son válidos para artistas de todos los niveles, recoge propuestas de estilo y técnicas que podrás incorporar a tu propio proceso de trabajo. Este título ofrece ideas originales y versátiles que van desde la aplicación del color, las capas, la combinación de otros medios como la fotografía o el bordado, las manchas o el uso del pincel en seco, por nombrar solo algunas ideas de estas ochenta y cinco acuarelas.
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Pintor, escultor, escritor, cineasta y un auténtico showman, Salvador Dalí (1904-1989) fue uno de los personajes más exhibicionistas y excéntricos del siglo XX. Pionero en introducir en el arte las ideas del psicoanálisis freudiano, es célebre en parti
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“Desde arriba, Barcelona es como otra ciudad. Hay otra luz, otros colores, otros ritmos, otros sonidos, otra gente... ” Miguel Herranz se pasea cuaderno en ristre por las azoteas, miradores, terrazas y balcones de Barcelona y nos desvela los secretos y la belleza de esa otra ciudad desconocida que, por estar sobre nuestras cabezas, pocas veces conocemos. Entre la ilustración detallista y la premura del urban sketching, Miguel Herranz nos ofrece una crónica urbana ilustrada de Barcelona, los relatos de vida de una ciudad vista desde lo alto: desde panorámicas de sus barrios que caen al mar, hasta la vida íntima de sus característicos terrats, y los detalles de sus múltiples aleros, gárgolas, chimeneas y bosques de antenas. Un paseo secreto por una Barcelona desconocida.
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KAWS es uno de los artistas contemporáneos más populares y reconocidos, cuyo alcance va mucho más allá del mundo del arte y se extiende a los ámbitos de la moda, la música y la cultura popular en general.KAWS, que comenzó su carrera como grafitero en la década de 1990, ha ampliado su repertorio a la pintura, la escultura, el dibujo, el diseño de productos y la realidad aumentada, formando juntos una visión artística que une todas estas prácticas. KAWS ha colaborado con algunas de las marcas internacionales más destacadas, como Uniqlo, Comme des Garçons, Supreme, Nike, Dior, sacai, General Mills y muchas más.El libro incluye imágenes del estudio del artista realizadas por Jason Schmidt y una selección de dibujos preparatorios inéditos de KAWS, así como obras que abarcan toda su carrera, desde sus primeros días de graffiti hasta sus juguetes de vinilo altamente coleccionables, complejas pinturas abstractas y esculturas públicas monumentales.Este libro, profusamente ilustrado y en el que se recogen los estudios más importantes sobre su obra realizados hasta la fecha, es un estudio definitivo sobre la vida y la carrera de este extraordinario artista.
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El estudio más completo hasta la fecha sobre los proyectos fotográficos contemporáneos dedicados a la Guerra Civil española, que reúne más de 120 catálogos, libros fotográficos y fotolibros.Una obra de referencia interdisciplinar, que combina fotografía, estudios de la memoria, cultura visual e historia contemporánea, enriquecida con conversaciones con hispanistas y curadoras especializadas.Durante los últimos veinticinco años, los fotógrafos han comenzado a dar voz a una memoria silenciada que generaciones anteriores no pudieron o no quisieron expresar. Aunque no vivieron la Guerra Civil en primera persona, la herencia de un pasado traumático resuena en sus cuerpos y en sus imágenes. Sus miradas se construyen desde los silencios familiares, la desmemoria institucionalizada y la ausencia de referentes, así como desde la distancia de quienes crecieron en democracia. Estas fotografías no buscan reconstruir el pasado, sino hablar del presente y de cómo sus ecos siguen activos hoy. Este doble volumen presenta los resultados de una investigación y curaduría exhaustivas dedicadas a la recuperación, catalogación, análisis y difusión de los proyectos fotográficos sobre la Guerra Civil publicados entre 1999 y 2025. Las más de 120 publicaciones recopiladas integran el Archivo de Memoria Fotográfica de la Guerra Civil, expuesto en diversas ciudades de España y Europa, con especial atención al fotolibro de creación fotográfica contemporánea.
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L'exposició Tina Modotti (Údine, 16 d'agost de 1896-Ciutat de Mèxic, 5 de gener de 1942) recupera la figura d'aquesta artista a qui s'ha anat coneixent de mica en mica des de la dècada de 1970. A més de posar èmfasi en la seva relació amb Espanya, la mostra realitza per primera vegada una reconstrucció sense fissures de la figura de Modotti, tant en la seva faceta d'artista/fotògrafa com en la de revolucionària/militant antifeixista. Gràcies a l'extens treball de recerca de la comissària de la mostra, Isabel Tejeda, i a causa de l'escassa producció de la fotògrafa, l'exposició que avui presenta la Fundació MAPFRE reuneix al voltant de 240 fotografies al llarg d'un recorregut cronològic que es divideix en quatre seccions. S'exposen majoritàriament còpies d'època i una extensa mostra de material documental. A més, es presenten obres de fotògrafs del seu entorn proper com Edward Weston, així com una de les pel·lícules que Modotti va protagonitzar a Hollywood. El catàleg de l'exposició recull les fotografies i el material documental exposats, a més dels assajos de la comissària Isabel Tejeda i diversos autors, Jorge Ribalta, Rosa Casanova, David Caliz, Laura Branciforte, Claudi Natoli, Eva M. Vives.
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La historia del siglo XX muestra que hasta prácticamente los años sesenta, cuando emerge la contestación gay, lésbica y trans en las calles, la representación de la diversidad sexual se mueve en líneas generales en el ámbito privado, en la ocultación, en la vergüenza. No obstante, diversas manifestaciones artísticas lograron abrirse paso, en determinados círculos y sin llegar al gran público, para que los artistas pudiesen expresar su identidad sexual con la discreción obligada por la moralidad imperante.Es el caso de Duncan Grant, Romaine Brooks o Claude Cahun en la primera mitad del siglo pasado. El pudor se rompió a lo largo de los años setenta con el surgimiento de colectivos homosexuales que irrumpen en la vía pública tanto en Nueva York como en París, Santiago de Chile o Barcelona. Paralelamente, algunos artistas como Robert Mapplethorpe, censurado por los sectores más conservadores y ultrarreligiosos, mostraba en sus imágenes una sexualidad inconcebible para la sociedad mojigata. Los años ochenta y noventa afianzaron el retorno de las políticas sexófobas al convertir el sida en una condena moral.En esos tiempos tan duros emerge la denominada teoría queer y una pléyade de artistas inconformistas ponen de manifiesto sus deseos heterodoxos, sus formas de vida alternativas a la familia nuclear. El binomio de género (hombre/mujer, masculino/femenino) es puesto en tela de juicio, como puede verse en el espacio abierto del arte, donde las transgresiones adquieren fuerza y visibilidad. Un mundo perseguido ofrece un completo panorama de la diversidad sexual en las manifestaciones artísticas del siglo xx, en el que el título alude tanto al deseo de conseguir una vida en la que prime la libertad y el respeto a la diferencia como la realidad de que la diversidad sexual ha sido –y sigue siendo– amordazada, patologizada y condenada por las leyes y las normas sociales.
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Durante su carrera como uno de los ilustradores más solicitados de Estados Unidos, Andrew Loomis (1889-1959) impartió clases en la Academia Americana de Arte de Chicago, y en 1939 codificó sus lecciones en su primer manual, Diversión con un lápiz, que en solo cuatro años llegó a seis ediciones. Durante las dos décadas siguientes Loomis profundizó su obra con una serie de libros de instrucciones aún más exitosos que siguen siendo el patrón oro para los artistas hasta nuestros días. Ilustración creativa se considera la obra magna de Loomis. Dirigida principalmente al ilustrador de nivel profesional, se divide en siete secciones: Línea, Tono, Color, Contar la historia, Crear ideas, Campos de la ilustración y Experimentación y estudios. Un libro repleto de instrucciones, consejos, experiencias privilegiadas e increíbles ilustraciones.
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El presente libro ofrece una reflexión sobre el arteatravés de sus «derivas», es decir, los movimientosque anidan en la creación y que hacen que en el arteactual quepan todas las maneras. A lo largo de sus capítulos no sólo se considera la creación propiamentedicha sino también la disciplina de la Historia del arte,sus límites y la necesidad de plantear nuevos métodos y estrategias de lectura. Y ello a partir de unmodode entender el conocimiento a través de intercambiosde saberes entre disciplinas –afines o no–, enlugarde querer encapsularlo en un único y delimitadocampo.Son estos saberes reticulares los que explican las mencionadas «derivas», que, partiendo de un núcleo central que podría resumirse en un análisis de lateoríay la historia del arte global de las dos últimas décadas, se diversifican en múltiples visiones nojerárquicas que dan cuenta de los contextos en los que se generan y operan. En definitiva, este texto desarrolla una serie de «líneas de fuga» que, desde la crítica dearte, los Estudios Visuales, el concepto dearchivo oel de globalización, tanto convergen comodivergen buscando un movimiento continuo y, en últimotérmino, generan un espacio común desde el que reconocer que tanto o más importante que el arte que nuestro momento global concibe, lo es la manera de analizarlo, de narrarlo, de comunicarlo y de hacerlo extensible a una audiencia activa y participativa.
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Demasiados artistas se encuentran en una rutina frustrante: incapaces de vender sus cuadros colgados en galerías y atascados en proyectos que no pueden terminar o abandonar, utilizan cualquier excusa para evitar trabajar en el estudio. La autora, Carol Marine, sufría ese bloqueo del pintor, hasta que descubrió la pintura diaria. La idea es simple: hacer arte (normalmente pequeño), a menudo (la frecuencia depende de cada uno) y, si se desea, publicarlo y venderlo en Internet. Hoy, Marine figura entre los mejores y más célebres pintores diarios, y es la comisaria de la popular galería online dailypaintworks.com. En este libro revela los consejos y trucos que la ayudaron -tanto a ella como a otros pintores diarios- a tomar el pincel y crear un trabajo hermoso, abundante y comercializable. Con un tono alentador y ejercicios útiles, Marine te enseña a: * Dominar la composición y el valor. * Tener confianza en cualquier medio (incluida la pintura al óleo, la acrílica, la acuarela y otras). * Elegir los temas sabiamente. * Fotografiar, publicar y vender tu arte en línea. * Conectar con el creciente movimiento de pintores diarios en todo el mundo.
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