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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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A raíz del vigesimoquinto aniversario de la mítica serie de animación televisiva Futurama, Matt Groening, su creador (así como de Los Simpsons o de Desencanto), nos presenta aquí los entresijos del desarrollo y la historia de la serie.El mundo de Futurama cobra vida en este libro de arte, con comentarios del creador de la serie, Matt Groening, así como del guionista David X. Cohen y de la productora Claudia Katz.Justo a tiempo para celebrar sus 25 años (el primer episodio en España se emitió en la televisión el 29 de mayo del año 2000), y coincidiendo con su nueva temporada, este libro, el único que existe sobre Futurama, examina las primeras siete temporadas de la serie, que empezó en Fox en 1999. Los lectores podrán saber más del desarrollo y la historia visual de los 150 episodios, incluye además un montón de contenido nuevo, bocetos, dibujos nunca mostrados antes, y una guía completa de episodios.Futurama es una de las mejores series de animación de todos los tiempos. Este libro es su legado visual, imprescindible para cualquier aficionado a la animación y la ciencia-ficción.
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En la China clásica el arte se ha expresado a través de la tinta, el papel y el pincel, y la poesía, la caligrafía y la pintura formaron una unión inseparable llamada las «tres perfecciones».En este libro, la autora hace un recorrido por las diferentes dinastías Imperiales presentando a las mujeres pintoras chinas más importantes cuyas obras han sido seleccionadas por su riqueza y variedad para ser analizadas y contempladas. La vida de estas artistas estuvo íntimamente vinculada a sus orígenes sociales y a tradiciones como el confucionismo que limitaron en gran medida su espacio de actuación. En la soledad de sus hogares o rodeadas de numerosos admiradores, indiferentes a la fama o resueltas a encontrarla, todas llegaron a la madurez técnica y supieron captar el verdadero espíritu de la naturaleza que representaron con una belleza ilimitada y un delicioso estilo poético.Las Grandes Damas de la Pintura China, llegarán al corazón de todos los seres sensibles sin obstáculos y cuando contemplen sus obras, comprenderán inmediatamente los misterios que ante ustedes se revelarán, y su huella será tan fuerte como el trueno que logra romper el arte de pintar en silencio.
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Este catálogo se publica con motivo de la exposición ''José María Yturralde, Una línea de papel'' en el Museo Fundación Juan March de Palma del 18 de febrero al 24 de mayo de 2025 y en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca del 12 de junio al 12 de octubre de 2025.Dedicada al dibujo y los demás trabajos con y sobre papel de José María Yturralde (Cuenca, 1942), la exposición recoge la línea ininterrumpida trazada por el artista sobre el papel desde los comienzos de su carrera artística. Incluye dibujos, maquetas, proyectos y ensayos, cometas, dibujos preparatorios para las diversas series en las que el artista ha ido articulando su trabajo, pruebas de delineación y color, maquetas para carteles, fotografías y sus experimentos con distintas técnicas de impresión, desde los realizados en computadores en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense hasta las recientes impresiones digitales de su serie Enso.
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Catálogo de la exposición en el meam «un lenguaje, dos acentos | retrato de una larga amistad» dedicada a la obra de dos artistas figurativos, kike meana y jaime valero, en la que se podrá ver diversas series creadas por los artistas a lo largo de sus trayectorias como pintores. una exposición con un mismo lenguaje, pero con dos acentos diferentes que ampliarán la visión del espectador sobre las diferentes corrientes del arte figurativo de nuestros días.
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COLORING IS THE NEW BLACK.¡Deja volar la imaginación para poner color a tus mascotas favoritas! Ya sea que estés relajándote en casa o buscando el regalo perfecto, este libro para colorear ofrece la combinación ideal de relax y diversión. Alimenta tu creatividad mientras tu imaginación pone color a las trastadas de tus traviesos compañeros de vida: gatos, perros, periquitos, un cerdo vietnamita, ¡y muchos más! Una experiencia de coloring inolvidable: Ideal para relajarte. Sumérgete en momentos de paz mientras coloreas a estos animales adorables en sus aventuras. Páginas impresas por un solo lado. Colorea sin preocupaciones, sin traspasos (consejo: coloca una hoja debajo si usas rotuladores). Un regalo pensado con cariño. Celebra los momentos especiales de la vida y comparte alegría con amigos, familiares o contigo mismo. Viaja por el mundo desde casa. Siente la emoción de explorar mientras te acurrucas en tu rincón favorito. RELÁJATE Y EXPRESA TU CREATIVIDAD CON ESTA COLECCIÓN DE LIBROS PARA COLOREAR.
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Catálogo editado con motivo de la exposición “Robert Rauschenberg: el uso de las imágenes”, del 3 de octubre de 2025 al 18 de enero de 2026La Fundación Juan March organizó en 1985 la primera exposición individual en España de Robert Rauschenberg. Cuarenta años más tarde, coincidiendo con el centenario de su nacimiento en 1925 y con la colaboración de la Robert Rauschenberg Foundation de Nueva York, esta nueva muestra vuelve sobre el artista para reinterpretar ahora su obra como una práctica esencial y estructuralmente fotográfica. Fotografiar, usar y reusar imágenes fue la manera habitual de trabajar de Rauschenberg. Este libro-catálogo recoge obras de los momentos clave de los cincuenta años transcurridos entre 1949 y 1999, caracterizados por la incorporación de fotografías en sus piezas. La sobrecubierta se ha diseñado en un plástico flexible y traslúcido, que deja transparentar la imagen de cubierta de los fotógrafos Shunk-Kender, y sobre la que se ha serigrafiado el título de la muestra (la serigrafía es una técnica con la que Rauschenberg trabajó abundantemente, también sobre plástico). La contracubierta es un homenaje al artista: en ella se reproduce el primer párrafo de uno de sus escritos, Note on Painting [Nota sobre la pintura], 1963, en el que Rauschenberg reflexiona sobre su proceso de trabajo. En él, el artista añadió, esparcidas por distintas partes del documento, palabras que nada tienen que ver con el tema que está tratando y que dificultan su comprensión: free ice [hielo gratis], ketchup, heated pool [piscina climatizada] o freightways [transporte de mercancías], por ejemplo. El juego en la contracubierta hace que, si se levanta el plástico, estas palabras, impresas en realidad sobre el papel, se independicen del escrito de Rauschenberg esparcidas sobre un fondo negro en un rauschenbergeriano orden aleatorio.
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La atracción que las gemas ejercen sobre el ser humano se remonta a nuestros inicios como especie. Sus colores, sus brillos y su rareza han seducido nuestra mirada y provocado que, desde hace milenios, sean símbolo de todo tipo de virtudes y materialización de tesoros y riquezas. Sus mismos nombres son capaces de transportarnos a lugares lejanos y de evocarnos historias fabulosas: esmeraldas, zafiros, perlas y diamantes pueblan la cultura y las leyendas a lo largo del mundo y adornan a diosas y héroes de las más variadas mitologías. De igual modo que las facetas cristalinas de las piedras preciosas reflejan diferentes puntos de vista sobre la realidad que las rodea, El jardín mineral nos ofrece, mediante una fusión de ensayo, historia del arte y libro de viajes, una visión caleidoscópica, sugerente e inolvidable.
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Entre la semblanza personal y el ensayo, el «relato biográfico» que Agustina Bessa-Luís dedicó a su compatriota y amiga la gran artista María Helena Vieira da Silva es un libro excepcional que reúne a dos creadoras incontestables del siglo XX. Publicado por primera vez en 1982 e inédito hasta ahora en español, Tiempo al tiempo (el título original, Longos dias têm cem anos, alude a lo dilatado de su gestación, de acuerdo con el adagio portugués) es fruto de la estrecha relación que mantuvieron desde que se conocieron a comienzos de los sesenta en la casa lisboeta de otra figura capital, la poeta Sophia de Mello. Tres décadas de trato íntimo y un profundo afecto mutuo le dan especial intensidad a este hermoso texto que refleja dos o incluso tres presencias, pues tanto el marido de la pintora, el también artista Arpad Szenes, como la propia escritora (tan unida a ambos) comparecen igualmente en el retrato. Las reflexiones sobre el arte y la vida de Vieira da Silva se ven reforzadas por la fina inteligencia y el original estilo de Bessa-Luís, siempre denso y elíptico, que persigue a menudo la sorpresa o el salto, el giro inesperado o misterioso en el desarrollo del pensamiento. Su discurso es comentado en los márgenes por la protagonista y a veces replicado por la biógrafa, en una especie de irónico y bienhumorado duelo que reproduce los términos de una conversación memorable.
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Tàpies y yo: una exégesis recíproca es el resultado de la primera edición del Premio Internacional de Ensayo Gesto de ayer, pensamiento de hoy, impulsado en el marco de la colaboración entre el Museu Tàpies y la Cátedra Antoni Tàpies de Arte y Pensamiento Contemporáneos de la Universitat Pompeu Fabra.La antropóloga Rita Laura Segato, autora del ensayo, utiliza la experiencia acumulada en la su larga trayectoria como investigadora para proponer una aproximación inédita al legado del artista Antoni Tàpies.
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LLEGAN A ESPAÑA LOS LIBROS PARA COLOREAR ESCENAS DE HOMICIOS A MANOS DE LOS ANIMALES MÁS ADORABLES Y DESALMADOS. EL CRIMEN NUNCA HABÍA SIDO TAN CUQUI (NI TAN DESESTRESANTE).Animales adorables, un ambiente casi acogedor…, ¿y un toque de crimen? Esta colección es ideal para aliviar el estrés mientras coloreas de escenas de asesinatos. Cada volumen ofrece 40 ilustraciones, tan monas como paródicas, con animales atrapados en situaciones inesperadas y algo sospechosas. Desde un conejo secuestrado hasta un león en un terrible accidente y un gato que huye desesperadamente de zombis, cada página combina con humor la ternura y el crimen de la forma más entretenida. Una mezcla perfecta de lo achuchable y del desenfreno, este libro es ideal para aliviar el estrés, pero también para divertirse en solitario o con aquellos amigos con un sentido del humor perverso. Por supuesto, no es apto para menores ni adultos altamente sensibles. Incluye: - 40 ilustraciones dibujadas a mano de animales encantadores envueltos en escenas del crimen. - Una mezcla única de ternura y humor negro para una experiencia divertida y relajante. - Diseños grandes, llamativos y fáciles de colorear para disfrutar al máximo. - Páginas de una sola cara para evitar que cale la tinta. - Un formato práctico para un fácil manejo. - Ilustraciones en blanco y negro de alta calidad para colorear. PREPÁRATE PARA DEJAR DE LADO LAS PREOCUPACIONES COLOREANDO ESCENAS DE CRIMEN.
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¿Vidente o alquimista, surrealista o moralista, católico o hereje, holandés o flamenco? Quinientos años después de la muerte de El Bosco en 1516 seguimos sin saber quién era Jheronimus Bosch, ni siquiera estamos seguros de su nombre. Y pese a ello, la obra de este mítico pintor sigue despertando admiración y asombro, al tiempo que se suceden las publicaciones de historiadores del arte, novelistas, teólogos, filólogos, psicólogos y filósofos que intentan explicarla. Durante la larga andadura previa a la exposición del V Centenario de Bosch en el Museo del Prado de Madrid, Henk Boom ha seguido el rastro de todas esas interpretaciones y controversias, y a través de diversas entrevistas y el estudio de archivos nos descubre una extraña historia rodeada de mística y misterio. Una controversia que acompaña a El Bosco desde hace ya cinco siglos.
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Hay historias que no se borran, aunque las tapen.Al conocer el caso de un joven desaparecido de su ciudad, el protagonista de esta historia empieza a ver lo que otros prefieren ignorar. Una novela gráfica sobre el olvido como hechizo, la memoria como conjuro y las transformaciones invisibles que nos convierten si no estamos atentos en cómplices de lo que callamos.
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* Una guía para los aspirantes a convertirse en ilustradores de manga a través de una experiencia de aprendizaje divertida e interactiva. * Sonia Leong, artista profesional de manga, enseña a los lectores las técnicas de dibujo, entintado y coloreado, escritura de guiones, creación de mundos de manga y mucho más. * Con páginas de práctica y estimulantes ejercicios que animan a los artistas a dibujar a medida que aprenden. Incluye numerosos consejos creativos, técnicas, ejercicios y proyectos paso a paso. El recurso perfecto para artistas e ilustradores de manga principiantes.
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Focusing on the recent decade of art and activism by one of the most outspoken artists of our time, this edition provides TASCHEN's Ai Weiwei monograph with a comprehensive update. Now exploring 40 years of work, the book ranges from the artist's exile in 80s New York to his latest sculptures, films, and installations championing human rights.
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El escultor Jorge Oteiza (1908-2003) y el pintor Manolo Gil (1925-1957) se conocieron en 1955 en el proyecto de la Universidad Laboral de Tarragona (1952-1957). A partir de ese encuentro nació una estrecha relación personal y un fructífero diálogo artístico e intelectual, solo interrumpido por la repentina muerte del pintor. Esta relación influyó de forma decisiva en ambos artistas, justo en un momento clave de sus respectivas trayectorias. Oteiza estaba inmerso en su Laboratorio Experimental, que marcó su paso a la abstracción geométrica. Por su parte, Manolo Gil atravesaba un período de gran intensidad creativa, tanto en sus elucubraciones teóricas como en sus exploraciones plásticas, mayoritariamente figurativas hasta ese momento. Esta publicación analiza los detalles de ese encuentro profesional, así como el extenso conjunto de más de 50 collages experimentales desarrollador por Gil, que profundiza en el análisis de la composición espacial a partir de la utilización de formas geométricas y que se elaboró en estrecha colaboración con Jorge Oteiza. La publicación reproduce también el poema visual inédito titulado Cambio y dedicado por Gil a Oteiza, además de incorporar un texto analítico realizado por Jon Echeverria Plazaola, investigador y Doctor en Humanidades por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, en el que analiza el desarrollo de esta propuesta artística y su contexto cultural, así como diversos apéndices documentales que permiten acercarse al contexto de arte experimental de la segunda mitad del siglo XX.
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El impacto de la obra de Goya y en particular de los Caprichos (1799) en el arte francés del siglo XIX fue inmenso, duradero y polifacético. Mientras que en España se asociaba a Goya con su producción como pintor de corte, en Francia se le conocía como el autor de los Caprichos, interpretados por los románticos como una sátira de los últimos años del siglo XVIII español. Sin embargo, esta visión pasaba por alto el hecho de que la verdadera modernidad de la obra de Goya radica en su universalidad: como un espejo en el que se refleja la esencia de la humanidad, libre de patriotismo. Lo mismo cabe afirmar también de los monstruos y las brujas, que no son más que reflejos deformados del ser humano. Podría decirse que fue una influencia mutua: Goya contribuyó a modelar el arte romántico francés ''y, de paso, los comienzos del arte moderno'' y los románticos a su vez modelaron su imagen crítica. Este estudio pone en tela de juicio la interpretación establecida del artista aragonés que ha dominado hasta hace poco la bibliografía partiendo de unos estereotipos románticos que, en muchos casos, se han perpetuado hasta la actualidad.
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Clase completa para aprender a dibujar personas llenas de personalidad y vitalidad, empleando distintas técnicas y materiales de dibujo.
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* Versátiles y accesibles, los rotuladores son una herramienta artística esencial tanto para artistas principiantes como experimentados. * Aprenda a manejar su juego de rotuladores y a dominar realmente este medio bajo la experta orientación de la artista y educadora Angela Pan. * 22 proyectos paso a paso que le mostrarán cómo crear impresionantes paisajes y escenas urbanas utilizando sus rotuladores de pintura. El libro empieza con una introducción al uso de los rotuladores, con consejos sobre materiales, selección de colores y mezclas. A continuación, se enseña a dibujar diferentes tipos de flores y árboles, para conseguir dominar la técnica e iniciarse en los proyectos. Entre las propuestas para crear sus obras de arte figuran una montaña nevada, la hora azul en Lisboa, la hora dorada en Florencia, una calle con vistas al monte Fuji, una iglesia en los Dolomitas, el campanario inclinado en Venecia, la catedral de Oporto antes del atardecer o Zúrich en el crepúsculo.
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El volumen Ruth Asawa: Retrospectiva recoge la obra de esta icónica artista norteamericana de raíces japonesas, con motivo de la ambiciosa exposición que le dedica el Museo Guggenheim Bilbao. Asawafue una de las artistas más prolíficas y con más talento de entre las que surgieron en EE. UU. en la posguerra, dueña de un lenguaje exquisito y de una práctica artística muy variada e innovadora. El libro recoge sus conocidas esculturas de alambre, así como sus obras inspiradas en la naturaleza, además de fundidos de arcilla y bronce, papiroflexias, pinturas, dibujos y grabados realizados entre 1947 y 2006. Su obra trasciende las distinciones entre abstracción y representación, figura y fondo, y espacio positivo y negativo, y nos invita a contemplar cómo elementos muy heterogéneos se relacionan entre sí en sus fascinantes obras. Publicado con motivo de la exposición en el Museo Guggenheim de Bilbao, de marzo a septiembre 2026
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Catálogo de la exposición ''Un tiempo elástico'', que reunió una selección de obras de los ganadores del Premio a la Producción Artística, otorgado por Fundación Banco Santander, en colaboración con Open Studio, de 2013 a 2023. La muestra tuvo como objetivo revisar la evolución en el trabajo de estos creadores, así como el contexto sociopolítico y artístico español de la última década. Del 23 de enero al 23 de marzo de 2025 el público pudo contemplar en el Centro de Arte Complutense de Madrid las producciones más recientes de los diez artistas premiados: Belén Rodríguez, Olmo Cuña, Elvira Amor, Pablo Capitán del Río, Jesús Madriñán, Mario Santamaría, Javier Rodríguez Lozano, Mònica Planes, Irati Inoriza y Andrea Aguilera. Además de las fotografías y las fichas de las obras expuestas, el catálogo incluye las conversaciones que la comisaria, Beatriz Alonso, mantuvo con los artistas.
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Andy Warhol fue un incansable cronista de la vida y sus encuentros. Acompañado siempre de una cámara Polaroid, desde finales de la década de 1950 hasta su muerte en 1987 reunió una enorme colección de instantáneas de amigos, amantes, mecenas, famosos y desconocidos, pero también de paisajes, de todo aquello que estaba de moda y de sí mismo. Creado en colaboración con la Fundación Andy Warhol, este libro presenta más de 150 de esas imágenes espontáneas.Se incluyen retratos de famosos como Mick Jagger, Alfred Hitchcock, Jack Nicholson, Yves Saint Laurent, Pelé y Debbie Harry junto a imágenes del entorno de Warhol, de su lujosa vida y sus paisajes, así como bodegones de muñecas Cabbage Patch o sus emblemáticas latas de sopa. Las polaroids, a menudo sencillas e improvisadas, documentan la era de Warhol del mismo modo que hoy Instagram relata la nuestra. Un testimonio único de la vida, el mundo y la visión del maestro de arte pop y de la modernidad.© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
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Joaquín Sorolla (1863-1923) es uno de los grandes maestros de la pintura, célebre por su dominio de la luz y el color. Su producción alcanza las cuatro mil doscientas obras en óleo, acuarela y gouache. Durante más de tres décadas, Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del artista y máxima autoridad de su legado, ha registrado y estudiado sistemáticamente este conjunto para ordenarlo en un catálogo razonado cronológico. Esta primera entrega supone el primer volumen de este proyecto y está dedicada a los primeros años de la trayectoria de Sorolla, representada en las más de mil cincuenta obras que aquí se recogen, muchas de ellas estudiadas y reproducidas por primera vez.
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Los dóciles. Una posible obra de Societat Doctor Alonso
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Antonio Saura, pintor y también escritor, dedicó varios textos a Pablo Picasso que ofrecen las claves parauna nueva lectura del pintor malagueño. Este volumenreúne por primera vez el conjunto de tales textos, entre ellos el feroz, irónico y ya célebre panfleto Contra el Guernica, así como la inédita Carta imaginaria a Pablo Picasso. Este compendio es un análisis crítico y original de la obra de Picasso, realizado por uno de los pintores que no sólo ha entendido con acierto inteligente a Picasso sino que ha sabido superar magistralmente la dificultad de pintar durante y después de Picasso.
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50 años de arte en femenino de la polifacética artista. Artista, compositora, activista y filántropa, las diversas facetas de Yoko Ono confluyen y se entrecruzan en este libro, catálogo una de sus exposiciones más ambiciosas, que se celebra en el MUSAC de León. Un recorrido por su trayectoria artística desde los años 60 hasta la actualidad que supone una ocasión única para revisitar sus contribuciones más destacadas en el ámbito de la performance, la instalación, el cine experimental o el arte conceptual. Sus trabajos, representados aquí con obras que van desde 1964 hasta 2013, recogen una filosofía de vida que sustenta toda su práctica artística, basada en la imaginación, el pensamiento, el proceso, la participación y la conexión humana. En su obra los objetos, textos, sonidos, performances y películas se combinan de innumerables formas con el fin de ampliar los límites de lo que puede ser el arte, las exposiciones y hasta los museos.
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A través de retratos, escenas sociales, fotografías, esculturas e instalaciones inmersivas, Derrick Adams ha desarrollado una práctica artística que visualiza con alegría la vida moderna de los afroamericanos.Influido tanto por la cultura popular como por la historia del arte moderno, la obra de Adams pone en primer plano las experiencias cotidianas de los afroamericanos, capturando momentos de moda de alegría, resiliencia y celebración. Su arte está lleno de color, energía y complejidad, ya sea que represente momentos íntimos y cotidianos o grandes e impactantes declaraciones.La primera monografía de Adams incluye 150 de las obras más significativas de sus treinta años de carrera, junto con cuatro textos recién comisionados a figuras culturales. Repleto de imágenes bellamente reproducidas y presentado en un estuche de tela con una pintura en la portada, este impresionante libro consolida a Derrick Adams como uno de los artistas figurativos más importantes de la actualidad.Ensayos de Hallie Ringle, Salamishah Tillet y Dexter Wimberly, y una entrevista de Sandra Jackson-Dumont
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Desde Homero, los escritores griegos y latinos han descrito lo que veían en las esculturas y pinturas de su época, dando origen a un género literario de alta calidad e imprescindible para reconstruir el diezmado arte grecorromano, que apenas ha sido capaz
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Un libro de diseño de interiores lleno de vida e inspiración que celebra el poder transformador del color en el hogar. Con una amplia variedad de espacios, este libro explora cómo el uso audaz y creativo del color puede aportar energía, calidez y personalidad a cualquier estancia. Desde paletas de colores vivos y alegres hasta tonos sofisticados y ricos, COLOR INTERIOR muestra hogares en los que el color es el protagonista, realzando tanto el diseño como el ambiente de cada espacio. Con habitaciones bellamente fotografiadas, el libro ofrece a los lectores ideas e inspiración sobre cómo incorporar el color en sus propios interiores, ya sea a través de paredes llamativas, muebles o piezas decorativas. También destaca cómo las diferentes combinaciones de colores pueden evocar diversas emociones y atmósferas, ayudando a los propietarios a crear espacios que reflejenverdaderamente su estilo. Tanto si desea alegrar una habitación como transformar por completo la estética de su hogar, este precioso volumen es una guía esencial para crear espacios vitales dinámicos y coloridos.
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Esta guía es obra del grupo de trabajo Museus i Gènere, que tiene como objetivo transmitir una socialización de los géneros que elimine los aspectos negativos y las jerarquías de los modelos vigentes y abra camino al pleno desarrollo de una sociedad igualitaria, democrática y justa en el mundo del patrimonio y de los museos. Así, la guía ofrece algunas pistas de reflexión y algunas propuestas de actuación para aplicar la perspectiva feminista en el trabajo diario en el museo.
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Montelouro es un monte emblemático situado en la entrada de la Ría de Muros y Noia. Es famoso por su forma piramidal y por albergar a sus pies la Lagoa das Xalfas, un espacio protegido de gran biodiversidad. Es un destino clave para el senderismo y la fotografía de paisajes costeros. Este libro recoge 75 acuarelas, a color y doble página, dibujadas por el autor en su cuaderno de campo durante sus visitas a esta zona de la Costa da Morte. En ellas, con maestría, refleja la belleza de la zona. Según el propio autor: “Mi lápiz, mi cuaderno, mi monte. Los colores del día, de las tardes y de la noche. Así surgieron estos bocetos en Fogareiro y Ancoradoiro del 2025 donde tuve la suerte de veranear al pie de las dos laderas de Montelouro.”
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Colorear siempre da paz y tranquilidad, pero si además eliges escenas de estilo Cozy tu relajación se va a multiplicar por mil, porque vas a pintar un ambiente íntimo y encantador en el que estos animalitos te invitan a disfrutar los pequeños placeres campestres, como pasear entre los árboles o ir de pícnic. Colorea lindas escenas de animalitos en la naturaleza.
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El alemán Carl Einstein (1885-1940) fue uno de los primeros y más destacados teóricos de las vanguardias artísticas del siglo XX. Críticos y nada complacientes, sus análisis contribuyeron a delimitar nuestra comprensión del cubismo, del surrealismo o, com
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¿Qué representan los cinco sentidos en la iconografía barroca? ¿Por qué las alegorías y emblemas fueron tan utilizados en la pintura y escultura de este periodo? ¿Qué papel jugó la Contrarreforma en el desarrollo de la iconografía religiosa? ¿Cómo influyó la Iconología de Cesare Ripa en la representación simbólica del Barroco? ¿Qué significados ocultos pueden encontrarse en la pintura de artistas como Rubens, Caravaggio o Velázquez? El Barroco, con su exuberancia visual y su afán de persuasión, erigió un lenguaje simbólico en el que cada imagen, cada gesto y cada atributo poseían un significado preciso. Desde la espiritualidad exaltada de la imaginería religiosa hasta la sutil carga ideológica de los retratos cortesanos, este período se convirtió en una de las cumbres de la representación artística. Carlos Taranilla nos guía en un recorrido fascinante por la iconografía barroca, desentrañando sus códigos y revelando el complejo sistema de símbolos que rige sus composiciones. A través de la pintura, la escultura y las artes decorativas, esta obra ofrece un estudio detallado de las alegorías, los emblemas y las escenas bíblicas, profanas y mitológicas que poblaron los retablos, las bóvedas y los lienzos de la época. Un volumen imprescindible para historiadores del arte, artistas, estudiantes y todos aquellos interesados en comprender los significados ocultos de un arte que transformó la manera de comunicar mensajes a través de la imagen.
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Aprende a dibujar las manos
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Saca, 1504 es un proyecto fotográfico de Manuel Naranjo Martell desarrollado a lo largo de casi una década en torno a la Saca de las Yeguas de Doñana (Huelva, España), hoy Parque Nacional y Patrimonio de la Humanidad. Regulada jurídicamente en 1504 por una ordenanza del Duque de Medina Sidonia, la Saca es heredera de prácticas ganaderas y ecuestres anteriores, vinculadas al mundo de Al-Ándalus y a la gestión histórica de la marisma. El libro sitúa a los yegüerizos como figuras centrales de este rito y los reconoce como antecesores directos de la cultura ecuestre americana. Su conocimiento del caballo y del territorio cruzó el Atlántico junto a los equinos llevados a América en 1493 —caballos de sangre marismeña— y dio origen, con el tiempo, a figuras como el cowboy, el llanero, el charro o el gaucho.Más que documentar un acontecimiento, Saca, 1504 propone una lectura visual de una herencia histórica y cultural compartida entre las tierras del bajo Guadalquivir y América, articulada en torno a un vínculo profundo con el caballo, arraigado tanto en los yegüerizos de Doñana como en las culturas ecuestres de los pueblos nativos norteamericanos, la llamada Horse Nation.
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