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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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La escena mundial emergente del street art: su estilo y el mensaje de una generación unida por un sentido de la responsabilidad social y a la que le mueve la necesidad de proteger el medio ambiente y a las minorías. Veinte estrellas en ascenso cuyas obras imaginativas y técnicamente brillantes las llevan a la vanguardia del género. Entrevistas y análisis meticulosos que le familiarizarán con un ámbito artístico que se halla en un estado de desarrollo continuo e intenso. Estos artistas abordan su trabajo con alegría: son creadores que llenan de energía positiva y felicidad las paredes de las ciudades, y creen en el hecho indiscutible de que el arte puede cambiar el mundo. Entre los artistas destacados figuran el londinense Ben Slow, cuyas tintas negras y rostros profundamente expresivos adornan varios edificios de la capital del Reino Unido, el parisino Ardif, cuyas criaturas híbridas fusionan máquinas con la naturaleza, Inti, cuya obra ha proyectado el imaginario latinoamericano en todo el mundo, y el estadounidense Vince Ballentine, cuya técnica combina elementos de rap y hiphop.
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“Barroc català” ha estat, durant molts anys i de manera injusta, sinònim de decadència i, en el millor dels casos, d’un món desconegut. En canvi, què hi diríeu si, realment, “barroc català” fos sinònim de masies, grans esglésies, retaules, esgrafiats, fonts monumentals, palaus, arquitectura rural, festes tradicionals i que tot això ho tenim aquí, a Catalunya?Aquest llibre es un petit viatge de descoberta per un país més “barroc” del que imaginàvem, i que és el nostre. Una visió panoràmica on s’hi dibuixen campanars esvelts conformant un perfil urbà, unes construccions i infraestructures que en molts casos ens han arribat fins avui, i un llenguatge plàstic i persuasiu com a mitjà de comunicació d’un sistema d’idees i creences, que no està tan allunyat del nostre món d’avui i la importància que hi té la imatge. Des del fulgor del pa d’or dels retaules a una barraca de vinya: la construcció d’un paisatge barroc.
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Una mirada nunca antes vista a los sorprendentes paralelos temáticos entre KAWS y Andy Warhol, dos de los artistas más emblemáticos de nuestro tiempo.Como artistas célebres que se basan en la cultura popular, KAWS y Andy Warhol son conocidos por crear arte accesible más allá de los límites del mundo del arte tradicional. Si bien a primera vista, las obras de ambos artistas a menudo parecen festivas y alegres, comparten una serie de oscuros hilos comunes debajo de la superficie: la tragedia como espectáculo y las meditaciones sobre la muerte y el morir. Cuando se yuxtaponen estos dos audaces trabajos, esa conexión se vuelve explícita y poderosa.Este libro destaca la intersección artística de KAWS y Warhol, presentando sus interpretaciones de la muerte y el desastre, la publicidad, la nostalgia, la abstracción, las calaveras y el autorretrato.La publicación coincide con una importante exposición en el Museo Andy Warhol que viajará internacionalmente y que presenta algunas de las obras más destacadas y análogas de dos de los artistas más populares de todos los tiempos.
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Asociado a la eclosión de los Nuevos Expresionismos en los años ochenta, Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) ha sido después uno de los artistas españoles con más proyección internacional. Su obra, en último término singular, abierta a la experimentación constante, y ya lejos del contexto de sus inicios, se ha expuesto luego en grandes museos de todo el mundo, de Montreal a Tokio, de Ciudad de México a Londres, de Sâo Paulo a París, y de Buenos Aires a Venecia, haciéndolo siempre con un gran reconocimiento, tanto por parte de la crítica especializada como del público. El poeta y escritor Enrique Juncosa (Palma, 1961), amigo de juventud del artista y gran conocedor de su obra, es, por su parte, un destacado comisario de arte con una trayectoria también internacional. Ambos han colaborado a menudo juntos, durante un periodo de tres décadas, en exposiciones y libros. Escritos sobre Miquel Barceló recoge una muy completa selección de los ensayos escritos por Juncosa sobre el artista, publicados desde 1994 hasta hoy, y revisados ahora con motivo de su nueva edición. Los ensayos hablan de pinturas, dibujos, cerámicas, libros ilustrados y grandes proyectos públicos, además de aspectos temáticos específicos, como retratos y autorretratos, o el uso del color blanco. Juncosa, que ha tenido la oportunidad de conocer todos los estudios del artista y ver gran número de sus exposiciones a lo largo de todos estos años, escribe con gran claridad, explorando los temas y la iconografía dominante en la obra de Barceló, y facilitando al hacerlo numerosas claves para su interpretación y disfrute.
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En 2016 el Museo Picasso de Barcelona adquirió el fondo fotográfico de Lucien Clergue relativo a Picasso: cerca de seiscientas fotografías en blanco y negro a las sales de plata, todas ellas copias de época. Este libro presenta, en forma de crónica, una selección de este conjunto: la narración en imágenes que Clergue hizo de Picasso a lo largo de numerosos encuentros que tuvieron lugar en el sur de Francia, donde ambos vivían.Picasso-Clergue es a su vez un álbum de familia y el diario de una amistad.Edición en francés.
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La esencia del arte de dibujar es el arte de observar, y para observar es imprescindible la luz. Nada puede ser observado sin luz, es decir, todo lo que vemos, está sometido a una iluminación determinada. Para aprender a dibujar primero es preciso aprender a utilizar la luz. Ésta ayuda a describir los modelos, pues define la volumetría de los objetos, modela sus superficies y los sitúa en los diferentes planos de la distancia. En el dibujo, la luz no existe sin la presencia de la sombra, lo claro no existe sin lo oscuro es la lucha de estos contrarios y su disposición en el modelo lo que define los diferentes planos y ubica la fuente de luz que ilumina el modelo. El control técnico de la distribución de las luces y las sombras constituye un factor esencial y definitivo que es necesario aprender si queremos dar mayor verosimilitud a la representación. Las sombras sirven para matizar la luz, crear efectos dramáticos e imprimir un determinado ambiente emocional a la obra, son la clave emotiva del dibujo y permiten darle un mayor tratamiento pictórico.
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Aprende a dominar el mejor lenguaje para conectar contigo mismo: el dibujo.Cómo dibujar un cocodrilo es el libro perfecto para descubrir que el arte del dibujo se puede practicar a lo largo de toda la vida. En el fondo, nadie nace sabiendo dibujar, pero solo los que se dedican a ello conocen esta verdad. Con este práctico método, David Peña Toribio (alias Puño) nos devuelve la ilusión por una de las primeras formas de expresión que aprendemos cuando somos pequeños (como escribir, tocar un instrumento o hablar), pero que, por diversas razones, en seguida olvidamos. A lo largo de estas páginas, no solo nos pondremos manos a la obra con lápiz y papel, sino que también vamos a adquirir las herramientas necesarias para pensar, observar y crear. Aunando teoría y ejercicios muy entretenidos, este libro será útil para lectores de todas las edades. Eso sí, con un objetivo en común: dejar los prejuicios sobre nuestras capacidades creativas atrás y disfrutar de nuestras ideas sobre el papel.
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Las obras de Christo y Jeanne-Claude son monumentos de la transitoriedad. Realizados a escala gigantesca, siempre son temporales, concebidos para existir durante un tiempo limitado y provocar impresiones únicas e irrepetibles. “,Desde el más pequeño de los Packages hechos en París a principios de la década de 1960, hasta el delicado patrón formado por cientos de ramas cubiertas con un velo translúcido de tela... en las obras de Christo y Jeanne-Claude no hay nada abstracto, nada imaginado, todo está allí: corpóreo y tangible.”, (Lorenza Giovanelli) A medio camino entre la biografía, el análisis crítico y el catálogo, esta edición actualizada recupera la exitosa Edición de Coleccionista de TASCHEN. El volumen abarca la obra completa de Christo y Jeanne-Claude, desde sus primeros dibujos y fotos de familia hasta sus planes para futuros proyectos. Cientos de fotografías y dibujos repasan la obra de los dos artistas a lo largo de los últimos diez años, entre ellos The Floating Piers y La mastaba de Londres, y trabajos todavía en curso como La mastaba de Abu Dhabi y L’,Arc de Triomphe Wrapped en París. Junto a la exhaustiva documentación fotográfica de Wolfgang Volz, este libro es un homenaje a la obra de dos artistas cuya imaginación ha influido en el paisaje de todos los continentes.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Quilts con aplicaciones inspiradas en diseños clásicos Una manera muy especial de empezar un quilt es rodearse de amigos y seguir los nuevos modelos de dos grandes diseñadoras. Kim Diehl y Jo Morton se unieron por primera vez en el libro Quilts con diseñosespectaculares, publicado en esta misma editorial con gran éxito de ventas, ahora vuelven para compartirmás quilts que reflejan el estilo personal de cada una de ellas. Este libro muestra una nueva colección de 14 quilts con aplicaciones inspiradas en diseños clásicos. Cada bloque se une a otro para lograrunos quilts magníficos, las técnicas de aplicación se explican con detalladas instrucciones paso a paso,con ayuda de fotografías, imágenes y prácticos consejos que facilitan la realización de un perfecto acabado en cada uno de los proyectos. Resultará fácil crearbloques en solitario o en grupo, tanto de los quiltscomo de los Sampler quilts espectaculares tan característicos de las obras de estas reconocidas quilters.
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Cómo plasmas la atmósfera de un cuadro concentrándose en el tipo y dirección de la luz: desde escenas intensamente iluminadas hasta edificios al anochecer. El estudio de la forma y el tono, y el planteamiento de la composición, explicados por medio de la realización paso a paso de tres obras.
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Fernando Botero es un artista con estilo propio. Durante más de seis décadas, la técnica del boterismo colombiano ha fascinado a coleccionistas, instituciones y espacios públicos de todo el mundo por su visión exagerada, rolliza y singular del cuerpo humano. A través de sus corpulentas creaciones, Botero se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos de Latinoamérica, y sus obras se han expuesto en algunos de los lugares más emblemáticos de todo el mundo, como la Park Avenue de Nueva York y los Campos Elíseos de París. Esta edición de la serie Basic Art de TASCHEN ofrece una introducción esencial a esta destacada figura del arte contemporáneo. El libro, que recorre la obra de Botero desde sus primeras caricaturas de animales hasta las últimas esculturas en bronce a gran escala, analiza las diversas influencias del artista, de Paolo Uccello al expresionismo abstracto, y rinde homenaje al ingenio, la ironía, la perspicacia y la agudeza crítica que se ocultan tras las proporciones absurdas de sus composiciones.
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El dibujo de la figura humana nos compromete a nosotros mismos, por completo: atañe a la emoción que sentimos frente al modelo mientras observamos sus características físicas y percibimos, alternándolos con los nuestros, sus estados de ánimo. Quizá, de forma parecida a lo que sucede en el retrato, y con valores aún más sutiles y profundos, observar el cuerpo de uno de nuestros semejantes provoca una especie de mirada también sobre su fluir interior y provoca casi una reflexión o una proyección en él...No sorprende, por tanto, y es bien sabido, que desde los primeros balbuceos del sentir artístico y religioso la representación del cuerpo humano ha constituido uno de los temas más elevados y significativos. El desnudo identifica al hombre en su esencia, quizá con itinerarios diversos en las civilizaciones de Occidente y en las orientales: en las primeras, por ejemplo, parece surgir, como rasgo distintivo, la tensión en el análisis, en la descripción, en la anatomía y en la explicación de lo orgánico, en la composición entre generalidad e individualidad,en las segundas, al contrario, predomina la atención por el fluir vital, por los indicios difuminados pero reveladores de los caracteres más íntimos y esenciales de las energías interiores. Giovanni Guglielmo Civardi nació en Milán el 22 de julio de 1947. Licenciado en Economía, estudió posteriormente en la Facultad de Medicina y en la Scuola del Nudo de la Accademia di Brera, y se dedicó al retrato y a la escultura. Durante más de una década realizó ilustraciones para diarios, revistas y cubiertas de libros. Organizó muestras personales de escultura y amplió sus estudios anatómicos durante frecuentes estancias en Francia y en Dinamarca. Desde hace muchos años dirige cursos de anatomía y de dibujo de la figura humana, y ha condensado su experiencia didáctica en numerosos libros, reeditados con frecuencia. La mayoría de ellos han sido traducidos a varias lenguas (inglés, francés, español, ruso, alemán, japonés, etc.). De 2011 data el Cuaderno de Lourdes, el más reciente de sus apuntes de viaje. Actualmente vive y trabaja en Milán, Casteggio y Niza.
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¿Cómo funcionan las ilusiones ópticas anamórficas? Para ver un objeto pintado plano como un objeto tridimensional, tenemos que engañar a nuestros sentidos y a nuestro cerebro con una serie de trucos y técnicas de dibujo y pintura. Si dibujas primero
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Pasos sencillos para disfrutar pintando paisajes. Un estilo claro, sencillas instrucciones, sugerencias y útiles consejos para la representación del agua en el paisaje, con la ayuda de seis plantillas reutilizables y explicaciones paso a paso.
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La popular artista de Instagram Phoebe Im te enseña el arte del chibi para crear personajes adorables. Aprende a dibujar este popular estilo de anime y manga con este libro que se enfoca en dibujar 75 modelos diferentes, como el oso hormiguero, chinchilla, manati, delfin, el perezoso y muchos mas…, con cuerpos adorables, rollizos y graciosos.
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Con motivo del centenario del nacimiento de Eduardo Chillida, el volumen Universo Maeght, impulsado por el Museo Chillida Leku, propone un encuentro entre el escultor vasco y algunos de los artistas con los que trabajó el histórico marchante Aimé Maeght junto a su esposa, Marguerite. Entre ellos, Alexander Calder, Alberto Giacometti, Pablo Palazuelo, Georges Braque, Julio González, Jean Arp, Barbara Hepworth, Antoni Tàpies, Joan Miró o Marc Chagall. El marchante y mecenas Aimé Maeght, uno de los actores más influyentes en el mundo del arte del siglo XX, supo rodearse de un universo de grandes artistas que se convirtieron en amigos
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El apogeo del expresionismo y los inicios de la pintura abstracta“Los cuadros de Kandinsky, en mi imaginación, están inmersos en las paredes azules del cielo, donde viven en silencio su vida festiva. Ya están ahí, y pronto escaparán de la oscuridad del silencio contemporáneo y volverán a brillar como cometas.'' Así describe Franz Marc (1880-1916) la impresión que le causan los cuadros de Wassily Kandinsky (1866-1944), el amigo con el compartió en Múnich proyectos artísticos, como el almanaque El jinete Azul.
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Marcas personales de infancia, de tierra natal, de lengua materna, nutren los trazos de estos gouaches y bocetos inéditos con los que Marc Chagall honra pasajes del Antiguo Testamento de «esta Biblia soñada cuyas palabras cantan como un poema». Chagall inició en 1931 este monumental trabajo por encargo del consagrado editor y galerista francés Ambroise Vollard, quien, tiempo atrás, le había confiado la creación de los gouaches para Las fábulas de La Fontaine (Libros del Zorro Rojo, 2011). Eligió comenzar su representación bíblica con la creación de Adán, ya que su idea primordial del arte siempre estuvo ligada a la imagen del hombre. Chagall, quien creó sus pinturas durante un período marcado por el antisemitismo y la amenaza de la guerra -circunstancias políticas que se reflejan en su iconografía- concibió a la vez este proyecto como una manera de regresar a los rumores primigenios de su tierra natal y de homenajear a su cultura y a su pueblo. En esta Biblia soñada, resignificó las marcas históricas sobre los textos sacros con el arte deslumbrante de la variedad de técnicas y colores, y la autenticidad de quien dijo: «Por más extraño que parezca, en nuestra época, que, a pesar de sus numerosas realizaciones, considero desquiciada, uno siente la necesidad de escapar a otra dimensión... Hace rato ya que el arte no huele bien: la pureza del alma fue sustituida por una cloaca».
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El dibujo puede ser una afición, un pasatiempo, algo que a uno le gusta. Este libro tiene en cuenta todo eso, pero el objetivo que nos ha movido a prepararlo parte de una idea mucho más ambiciosa: el dibujo expresa una determinada manera de ver las cosas, de sentirlas. Un artista nunca presenta una realidad pura y objetiva. Siempre representa bajo el tamiz de sus sentimientos. El volumen que el lector tiene en sus manos pretende ser una guía, un camino, un compañero siempre fiel e inseparable para la práctica del dibujo. En este libro se tratan todas las técnicas de dibujo y los ejercicios presentan una gran variedad de temas para que nada quede olvidado. Con este importante bagaje esperamos haber logrado poner en manos del dibujante todo aquello que necesita para convertirse en un verdadero artista.
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L'estiu de 1789, al pintor Pere Pau Muntanya i a l'arquitecte Francesc Renart els van encarregar tota una sèrie de dibuixos de la muntanya de Montserrat per il·lustrar un llibre de geografia. El llibre no s'acabà publicant, però s'ha conservat un volum considerable de documentació relacionada amb el projecte editorial.
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Vivimos en una nueva edad barroca: otro periodo de luces y sombras, ingenio y mentiras, ilusionismo y ansiedad. Como entonces, el mundo es un gran teatro, y el individuo, un ser solitario enfrentado a la incertidumbre. La soledad como elección y destino. Este libro se centra, en primer lugar, en la moral de la España del llamado Siglo de Oro, y en segundo en la de nuestra época en general, en muchos aspectos coincidente con la de aquella: individualismo y postureo, falta de imaginación social y sumisión al orden establecido, entrega a la realidad virtual y preeminencia del miedo.Y, a la vista está, otro tiempo de ortodoxias imperiales, desigualdad social y pesimismo colectivo. Después de las crisis con las que se ha abierto el siglo XXI, nada es lo que se pensaba. Mientras tanto, la vida transcurre como en un tiempo detenido: sin esperanza de futuro ni nostalgia del pasado. Decidiendo solos, en la incertidumbre.
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Los niños aprenden a dibujar condivertidas ilustraciones y textossencillos, así se divierten mientras logranunos satisfactorios resultados.Reconocen las formas básicas de las cosasy las componen paso a paso formandoimágenes armónicas. De este modo lospequeños dibujantes perciben de un modoameno el ritmo de la pintura y los sonidosdel lenguaje.Hanne Türk y Rosanna PradellaLa ilustradora Hanne Türk es la creadora del personaje El ratónPhillipp. Sus simpáticas figuras les gustan tanto a niños como aadultos. Rosanna Pradella es ilustradora. En sus cursos y libros haceposible que en unos pocos pasos los niños disfruten dibujando.
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Aprende a dibujar fácilmente, gracias a un método paso a paso muy sencillo, tiburones, ballenas, delfines, focas, orcas y otras especies marinas
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La primera monografía completa dedicada al innovador artista neoconceptual Tavares Strachan, una de las voces más audaces, polifacéticas y relevantes del arte contemporáneo global.Tavares Strachan se ha consolidado como un creador indispensable cuya práctica, abierta y sin límites disciplinares, ofrece perspectivas críticas sobre temas sociales y políticos urgentes. A través de la arqueología, la historia, la geografía, la ciencia y la climatología extrema, Strachan construye exposiciones alegóricas de escala monumental que confrontan el colonialismo, el desplazamiento cultural, las limitaciones mortales y las grandes aspiraciones de la humanidad.Fruto de rigurosas investigaciones y de colaboraciones con líderes de opinión mundiales, sus proyectos han dejado una huella imborrable en el panorama internacional:• La Primera Cena: Su colosal escultura para la Royal Academy de Londres, convertida en una de las obras de arte más aclamadas y visitadas en el año 2024.• Plataforma BASEC: La fundación del Bahamas Aerospace and Sea Exploration Center en su ciudad natal, Nassau, uniendo arte y ciencia.• Proyecto ENOCH: El lanzamiento al espacio en 2018, en colaboración con el LACMA, de un satélite que orbitó la Tierra durante tres años para rescatar del olvido la historia de Robert Henry Lawrence Jr., el primer astronauta negro de la historia.¿Qué incluye este volumen exclusivo?Diseñado en estrecha colaboración con el propio artista y formando parte de la prestigiosa Serie de Artistas Contemporáneos de Phaidon, este libro ofrece una inmersión total en su universo:• Una conversación profunda con Tavares Strachan que desvela sus procesos creativos y conceptuales.• Ensayos y contribuciones textuales de destacados escritores y expertos internacionales como Emma Dabiri, Gavin Delahunty y Michele Robecchi.• Una visita guiada al estudio del artista a través de fotografías encargadas en exclusiva para esta edición.• Una cronología completa y detallada de la fascinante carrera de Strachan.Publicada por Phaidon Press, esta oportuna monografía es una pieza de colección imprescindible para museos, galerías, coleccionistas y cualquier apasionado por el arte que define e interpela el clima cultural de nuestro siglo.
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Un par de sencillos trazos sobre el papel pueden generar algo tan complejo como la ilusión de espacio, un maravilloso efecto de tridimensionalidad que puede sofisticarsehasta el infinito ya sea para intentar reproducir la realidad visible, ya sea para in
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Guía para investigar en la perspectiva y la estructura de lo que se dibuja • La perspectiva atmosférica • La perspectiva lineal central • La perspectiva lineal oblicua • La perspectiva aérea • Estructura • Sombras • Reflejos Giovanni Guglielmo Civardi nació en Milán el 22 de julio de 1947. Licenciado en Economía, estudió posteriormente en la Facultad de Medicina y en la Scuola del Nudo de la Accademia di Brera, y se dedicó al retrato y a la escultura. Durante más de una década realizó ilustraciones para diarios, revistas y cubiertas de libros. Organizó muestras personales de escultura y amplió sus estudios anatómicos durante frecuentes estancias en Francia y en Dinamarca. Desde hace muchos años dirige cursos de anatomía y de dibujo de la figura humana, y ha condensado su experiencia didáctica en numerosos libros, reeditados con frecuencia. La mayoría de ellos han sido traducidos a varias lenguas (inglés, francés, español, ruso, alemán, japonés, etc.). De 2011 data el Cuaderno de Lourdes, el más reciente de sus apuntes de viaje. Actualmente vive y trabaja en Milán, Casteggio y Niza.
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La exposición ''Paisajes pensados” pone en relación algunas pinturas de Ortega Muñoz realizadas hace algunas décadas con fotografías actuales, tomadas por JM Ballester.Con la iconografía del extremeño en mente, Ballester aceptó la invitación de la Fundación Ortega Muñoz y, lanzado a recorrer parecidos caminos y contemplar semejantes territorios, tan sólo impregnado con el espíritu del pintor, ha mirado el territorio y ha sentido una emoción similar. El resultado es una sorprendente cercanía entre las pinturas de uno y las fotografías del otro. No es que esos paisajes de viñedos, trigales u olivares no hayan cambiado en exceso durante las últimas décadas, pues sí lo han hecho, aunque de manera muy sutil debido a la industrialización de la agricultura, sino que el motivo de la aproximación entre las obras de ambos artistas es el haber actuado con una semejante sensibilidad y desde compartidas posiciones de devoción y respeto hacia la naturaleza.Ambos son dos artistas modernos, cada uno a su manera y en su momento. Ballester tiene ese crédito unánimemente reconocido y Ortega Muñoz lo tuvo en su momento, gracias a su acusada convicción y peculiaridad estilística, cuando lo fácil hubiese sido renunciar a sus convicciones para sumarse a las convenciones de lo fugaz y lo decorativo. La Fundación Ortega Muñoz viene desarrollando desde hace ya casi dos décadas una importante labor en torno al pintor nacido en San Vicente de Alcántara destinada a poner en valor la obra artística de Godofredo Ortega Muñoz mediante el estudio y la catalogación de su corpus pictórico.Un esmerado trabajo encaminado a establecer un diálogo con otros artistas de su tiempo y/o actuales, a fin de entender la estrecha relación que mantiene su particular visión del mundo con el espíritu de nuestro tiempo.Dado el carácter fundamentalmente paisajístico de las pinturas realizadas durante las últimas tres décadas de su vida, es pertinente ofrecer, desde una perspectiva actual, diferentes aproximaciones humanísticas a la naturaleza, en particular, la extremeña, por medio de publicaciones poéticas, históricas y ensayísticas.
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The bestselling and critically acclaimed monograph on one of the most influential painters of the twentieth centuryWillem de Kooning was a leading exponent of Abstract Expressionism. MoMA's 2011 de Kooning retrospective drew record crowds, and his prodigious achievements continue to provoke and inspire subsequent generations of artists such as Cecily Brown, Rebecca Warren, and Jonathan Lasker.This is the most wide-ranging and comprehensive monograph available on this artist. Sumptuously illustrated and produced, the book encompasses his major works and periods, including his controversial 'Woman' paintings, as well as a wealth of accompanying sketched and preparatory drawings.An illustrated chronology maps de Kooning's life, career, and work, with photographs from the artist's archive interspersed throughout the book, enriching the reader's understanding of the wider art-historical context of his paintings. Judith Zilczer's critically acclaimed monograph is an essential addition to the libraries of a new audience of readers and de Kooning enthusiasts, offering an unprecedented and compelling examination of his body of work.
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Fruit de diversos viatges a Austràlia als anys seixanta i setanta, el Museu Etnològic i de Cultures del Món de Barcelona conserva a les seves col·leccions municipals un dels millors conjunts de pintures sobre escorça aborigen australiana de tot Europa, que ara s'han estudiat i catalogat. Profusament il·lustrat, aquest llibre dona a conèixer per primer cop una selecció significativa d'aquestes pintures extraordinàries, en un viatge visual que ens transporta des de la pintura tradicional sobre escorça d'eucaliptus fins a la contemporaneïtat més global, crítica i actual.
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Los artistas emergentes más excitantes del mundo contemporáneo û quién es quién y qué viene después- elegidos por la nueva generación de expertos.Presentamos los 100 artistas nacidos después de 1980 que han sido más votados por un extenso panel de expertos como aquellos que están haciendo y harán las obras más interesantes. Son las estrellas del futuro y aquellos que venderán a altos precios. Algunos elegidos son : Lawrence Abu Hamdan, Farah Al Qasimi, Korakrit Arunanondchai, Firelei Báez, Meriem Bennani, Amoako Boafo, Danielle Brathwaite-Shirley, Jordan Casteel, Jesse Darling, Jadé Fadojutimi, Louis Fratino, Lauren Halsey, Kudzanai-Violet Hwami, Joy Labinjo, Lina Lapelyte, Carolyn Lazard, Ad Minoliti, Tyler Mitchell, Toyin Ojih Odutola, Ima-Abasi Okon, Thao Nguyen Phan, Christina Quarles, Tschabalala Self, Paul Mpagi Sepuya, Shen Xin, Avery Singer, Martine Syms, Salman Toor, Zadie Xa Los expertos trabajan en instituciones como Baltimore Museum of Art, Bellas Artes Projects (Manila), ESPAC (Mexico), The Factory Contemporary Arts Centre (Ho Chi Minh), KW Institute for Contemporary Art (Berlin), MoMA (NY), Museo de Arte Moderno (Medellín), Museums Victoria (Melbourne), RAW Material Company (Dakar), Sharjah Art Foundation, Studio Museum in Harlem (NY), Tai Kwun Contemporary (Hong Kong), Tate Modern (Londres), Whitechapel Gallery (Londres), Whitney Museum of American Art (NY), and X Museum (Beijing)
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Una moderna guía de dibujo para estudiantes y aspirantes a artista, ilustrador, creador de personajes y mucho más. Explica conceptos artísticos fundamentales, como la proporción y la anatomía, al tiempo que enseña a dibujar una gran variedad de animales con sus poses y expresiones características desde distintas perspectivas. Cada serie de ilustraciones comprende desde las primeras líneas del boceto hasta el dibujo terminado. Con la depurada técnica de dibujo de la artista y escritora Keilidh Bradley, esta obra se convertirá en un libro de consulta indispensable para dibujantes, artistas y diseñadores durante mucho tiempo. 100 animales de cómic es una colección imprescindible dedicada a todos aquellos artistas que quieren aprender las técnicas para dibujar animales al estilo cómic.
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La mayoría de los manuales de dibujo nos enseñan cómo dibujar o pintar lo que vemos: bodegones, paisajes, retratos... ¿Qué sucede, en cambio, cuando queremos crear una imagen realista de algo que solo existe en nuestra imaginación? Este libro muestra los métodos más eficaces utilizados por los artistas, desde el Renacimiento hasta nuestros días. Convirtamos nuestras ensoñaciones en reales obra de arte. «Realismo imaginativo de Gurney es una mina de oro para artistas que quieren crear imágenes evocadoras, impactantes, que deleiten al espectador con ricos elementos visuales de otro mundo». -Erik Tiemens, artista conceptual, La guerra de las galaxias: Episodio II y III. «Gurney ha recopilado distintos métodos de enseñanza y prácticas de pintura sacados tanto de su propia experiencia como de la historia del arte, en particular de finales del siglo XIX, y ha puesto estos valiosos conocimientos a nuestro alcance». -Dennis Nolan, profesor de ilustración, Hartford Art School. «Realismo imaginativo es una obra de referencia indispensable y perfecta que ayudará a los creadores visuales de cualquier disciplina a dar vida a sus propios reinos de la imaginación». Frank M. Constantino, ASAI, SI, JARA, cofundador de la American Society of Architectural Illustrators. «Este libro, a la vez enciclopédico y lleno de anécdotas, debería estar en la mesilla de todo pintor narrativo. Es una guía exhaustiva sobre la disciplina de la pintura y la narración visual, además del entretenido testimonio visual de la vida de un artista comprometido con su profesión, una vida vivida plena y apasionada. Se lo recomiendo a todos mis estudiantes de todo corazón». Charles S. Pyle, director, ilustrador, Academy of Art University, San Francisco.
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Salvador Dal? convirti? el paisaje ampurdan?s en un s?mbolo del surrealismo. La obra del pintor catal?n resulta inseparable de su geograf?a natal. La mejor prueba la tenemos en los espacios del Teatre-Museu Dal?, de Figueres, la casa de Portlligat y el c
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Las conexiones inspiradoras entre los grandes artistas del mundo.'Conocer a un artista' es una colección de ochenta y cuatro retratos ilustrados que muestran las numerosas conexiones que se han establecido entre los artistas más valorados del mundo. Ya sea a través de la enseñanza, como Paul Klee y Anni Albers, de la existencia de una musa en común, como las flores de Georgia O'Keeffe y Takashi Murakami, o de una estimulante relación amorosa, como la de Lee Krasner y Jackson Pollock, estas conexiones vinculan a varios pioneros del arte de un modo que resulta fascinante e inesperado.A través del relato de sus vidas y de sus logros creativos -cada uno de ellos extraordinario y a menudo innovador-, Susie Hodge nos presenta la tupida red de conexiones que han dado como fruto algunas de las mejores obras maestras del mundo del arte. Muchas de estas relaciones son muy conocidas, mientras que otras van más allá del límite del tiempo y el espacio.Ilustrado con un colorido tributo al estilo único de cada artista, 'Conocer a un artista' es un relato festivo y esclarecedor de algunos de los visionarios más atractivos del mundo del arte.
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Cortadas en pequeños trozos y dibujadas, las emociones son mucho más fáciles de digerir.
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Renacimiento anacronista revela una red de caminos transitados por obras y artistas, un paisaje oscurecido por la obsesión disciplinaria con que la historia del arte fija todos sus datos en un momento concreto. Los edificios, las pinturas, los dibujos, las estampas, las esculturas y las medallas que este libro estudia no eran ajenos a la preocupación por la autenticidad, la referencia a precedentes y orígenes prestigiosos, y las implicaciones de la transposición de un medio artístico a otro. Los iconos bizantinos tomados por antigüedades cristianas, las imágenes aquiropoéticas o ejecutadas milagrosamente, el uso de spolia o fragmentos procedentes de construcciones antiguas y el empleo de citas, los diferentes acercamientos a la restauración, las leyendas sobre edificios móviles, las falsificaciones y los pastiches resultan ser estructuras conceptuales básicas del arte renacentista. Los autores muestran que las temporalidades complejas y estratificadas de las imágenes ofrecían un contrapunto a las cronologías lineales que fueron estructurando el comercio, la política, los viajes y la vida cotidiana en los siglos xiv y xv. Las obras de arte, además de dar testimonio del momento de su realización, presentan una inestabilidad temporal a la que debemos prestar atención: cómo señala a un punto lejano en el tiempo, cómo remite a unos remotos orígenes ancestrales, a una imagen o a una obra del pasado, e incluso a un origen divino situado fuera del tiempo. Los autores concluyen su estudio con el análisis de una serie de proyectos y episodios acontecidos en Roma en torno al año 1500 que culminaron en la Stanza della Segnatura de Rafael.
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