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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Este catálogo ilustra la exposición URBES, realizada en el MEAM de Barcelona, que explora cómo los artistas actuales representan la realidad de su entorno urbano, estableciendo un diálogo entre la construcción y la destrucción, entre el individuo y la colectividad. Las obras nos invitan a reflexionar sobre los cambios constantes de la vida urbana, impulsados por el progreso y por los constantes desafíos ambientales, políticos y culturales. Esta muestra, fusiona lo artístico y lo existencial. Una misma ciudad es tantas ciudades como ciudadanos tiene, pues cada uno la siente y percibe de un modo único. Las proyecciones subjetivas de los artistas cobran vida sobre el lienzo y nos transportan a las múltiples facetas de la vida urbana. Los espacios están connotados, nos explican historias. Calles, plazas y edificios son los escenarios en los que se desarrollan nuestras vidas.
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Con penetrante lucidez y una aguda capacidad de observación y exégesis, Strand viaja al origen del hipnótico misterio que late en las telas del pintor. Pocos pintores hay en la historia del arte del siglo tan icónicos, reconocibles y comentados como Edward Hopper. Su obra refleja la extrañeza de nuestro entorno cotidiano y urbano. A pesar de que sus pinturas constituyen ya un tópico visual, hay en su callada belleza mucho silencio que pugna por ser verbalizado. Y ahí es donde Mark Strand ensaya sus variaciones en torno a la obra del maestro norteamericano. Strand, uno de los grandes poetas de nuestro tiempo, nos invita a mirar con él esas escenas desoladas, esos relatos esbozados, esos interiores despojados de nuestra humanidad. Sus comentarios -organizados en torno a una amplia selección de pinturas- se convierten en verdaderas traducciones del universo plástico de Hopper. Si bien no estamos ante un libro de poemas, es indudable que el trabajo de Strand debe mucho a la poesía y a la forma de mirar que nutre el ejercicio poético. Y a esa labor se le añade en esta edición -ilustrada con las pinturas que originan los textos- la espléndida traducción de Juan Antonio Montiel, capaz de preservar en castellano la minuciosa riqueza de matices y acentos del original inglés.Críticas:«De las muchas obras escritas sobre Hopper ninguna es más serena y misteriosamente cercana que el brillante librito de Mark Strand.»John Updike
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La vida extraordinaria del ícono internacional Yayoi Kusama, magistralmente interpretada e ilustrada por Elisa Macellari. La autora narra la salida de una joven y valiente Yayoi del Japón rural, su inmersión en la vibrante escena artística de Nueva York en la década de los años sesenta y su regreso a casa hasta su consagración internacional. Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, el minimalismo y el arte feminista. «La hermosa propuesta de Macellari está, por supuesto, plagada de estampados moteados y destellos de color rojo. Una biografía en forma de novela gráfica para celebrar el ejemplo de Yayoi Kusama tanto en lo artístico como en su propia vida. Un homenaje de una belleza a la altura de la historia de la mujer que se abrió camino un mundo de arte colapsado de hombres blancos en la segunda mitad del siglo pasado». Alba Correa, VOGUE ESPAÑA «Kusama: obsesiones, amores y arte es una novela gráfica ambiciosa y de una factura bellísima e impecable para acercar a los y las adolescentes (y a cualquier persona entre los 13 y los 100 años) la figura de una artista única y rompedora, marcada por una infancia que explica en gran medida su obra y, también, su siempre frágil salud mental.» Adrían Cordellat, EL PAÍS «Escritora, poeta, diseñadora de moda, pintora, escultora, «sacerdotisa del amor y del pacifismo» y, por encima de todo, artista inimitable. Un icono viviente del arte conceptual que sondeó con originalidad y valentía distintas parcelas en el campo de la creatividad y la experimentación, siempre introduciendo consignas ligadas al feminismo, minimalismo, surrealismo, arte pop y expresionismo abstracto.» CANAL LECTOR «Recorremos los momentos clave de su vida, desde su nacimiento en un Japón de costumbres medievales pasando por su apoteosis neoyorquina en los años 60 hasta su redescubrimiento actual. Y lo hacemos sin perder de vista la influencia de sus relaciones con otros artistas (O'Kefee, Warhol). Entonces su condición mental aflora y permite atisbar detalles de su personalidad obsesiva para entrever el efecto terapéutico que tiene el acto artístico como alternativa para enfrentarse a los miedos.» Héctor Olarte, EL CULTURAL
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MiróMatisse. Més enllà de les imatges, catàleg de lexposició homònima concebuda per la Fundació Joan Miró de Barcelona i el MuséeMatisse de Niça, explora les relacions entre les obres dHenri Matisse i Joan Miró, uns vincles que restaven encara rela
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Catàleg oficial de l'exposició homònima celebrada al KBr Fundació MAPFRE (Barcelona) del 17 de juny al 6 de setembre de 2026.Joaquín Tusquets de Cabirol. La forma eloqüent acompanya la mostra del fotògraf barceloní i suposa la recuperació d'un arxiu fotogràfic excepcional que va romandre inèdit durant dècades. El volum reuneix una acurada selecció d'imatges realitzades entre els anys quaranta i seixanta, que permeten redescobrir una mirada singular sobre la Barcelona de postguerra i el seu entorn, així com sobre el paisatge, la vida quotidiana i els espais urbans i rurals.Al llarg del catàleg, l'obra de Tusquets de Cabirol es presenta organitzada en grans nuclis temàtics —el litoral, la ciutat, les excursions fotogràfiques i l'exploració formal— que posen de relleu la seva evolució des del pictorialisme cap a un llenguatge modern, atent a l'estructura, el ritme i l'abstracció.Completen la publicació rigorosos assaigs d'especialistes que contextualitzen el seu treball en el marc de la fotografia amateur i de les corrents renovadores del medi a Catalunya, convertint aquest llibre en una referència imprescindible per a l'estudi de la fotografia espanyola del segle XX.
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La comida y el surrealismo son amantes perfectos: sexo y langostas, collage y canibalismo, el encuentro de un cisne y un cepillo de dientes en una pastelería. Las cenas opulentas que organizaban Salvador Dalí (1904-1989) y Gala (1894-1982), su mujer y musa, fueron legendarias. Afortunadamente para nosotros, Dalí publicó un libro de cocina en 1973, Les dîners de Gala, que desvela algunos de aquellos ingredientes sensuales, imaginativos y exóticos que confluían en tan célebres encuentros.Esta reedición abreviada agrupa 78 de sus recetas en 12 capítulos, ilustrados especialmente por Dalí y organizados en función de los distintos platos, así como una sección dedicada a los afrodisíacos. Las ilustraciones y las recetas se acompañan de las extravagantes reflexiones de Dalí cual asuntos tratados en las conversaciones durante las cenas: ''La mandíbula es nuestra mejor herramienta para aferrarnos al conocimiento filosófico''.Todas las valiosas recetas del libro pueden prepararse en casa, aunque en algunos casos se requiera buena mano en la cocina y una despensa bien surtida. Son platos de la vieja escuela, con especialidades de los mejores chefs franceses de restaurantes de París condecorados con estrellas Michelin. El buen gusto, por voluptuoso que sea, nunca pasa de moda. Y dando a conocer al gran público este libro excepcionalmente raro, TASCHEN aporta una obra de arte, un recetario práctico y una experiencia multisensorial a la cocina actual.
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La escena mundial emergente del street art: su estilo y el mensaje de una generación unida por un sentido de la responsabilidad social y a la que le mueve la necesidad de proteger el medio ambiente y a las minorías. Veinte estrellas en ascenso cuyas obras imaginativas y técnicamente brillantes las llevan a la vanguardia del género. Entrevistas y análisis meticulosos que le familiarizarán con un ámbito artístico que se halla en un estado de desarrollo continuo e intenso. Estos artistas abordan su trabajo con alegría: son creadores que llenan de energía positiva y felicidad las paredes de las ciudades, y creen en el hecho indiscutible de que el arte puede cambiar el mundo. Entre los artistas destacados figuran el londinense Ben Slow, cuyas tintas negras y rostros profundamente expresivos adornan varios edificios de la capital del Reino Unido, el parisino Ardif, cuyas criaturas híbridas fusionan máquinas con la naturaleza, Inti, cuya obra ha proyectado el imaginario latinoamericano en todo el mundo, y el estadounidense Vince Ballentine, cuya técnica combina elementos de rap y hiphop.
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“Barroc català” ha estat, durant molts anys i de manera injusta, sinònim de decadència i, en el millor dels casos, d’un món desconegut. En canvi, què hi diríeu si, realment, “barroc català” fos sinònim de masies, grans esglésies, retaules, esgrafiats, fonts monumentals, palaus, arquitectura rural, festes tradicionals i que tot això ho tenim aquí, a Catalunya?Aquest llibre es un petit viatge de descoberta per un país més “barroc” del que imaginàvem, i que és el nostre. Una visió panoràmica on s’hi dibuixen campanars esvelts conformant un perfil urbà, unes construccions i infraestructures que en molts casos ens han arribat fins avui, i un llenguatge plàstic i persuasiu com a mitjà de comunicació d’un sistema d’idees i creences, que no està tan allunyat del nostre món d’avui i la importància que hi té la imatge. Des del fulgor del pa d’or dels retaules a una barraca de vinya: la construcció d’un paisatge barroc.
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Una mirada nunca antes vista a los sorprendentes paralelos temáticos entre KAWS y Andy Warhol, dos de los artistas más emblemáticos de nuestro tiempo.Como artistas célebres que se basan en la cultura popular, KAWS y Andy Warhol son conocidos por crear arte accesible más allá de los límites del mundo del arte tradicional. Si bien a primera vista, las obras de ambos artistas a menudo parecen festivas y alegres, comparten una serie de oscuros hilos comunes debajo de la superficie: la tragedia como espectáculo y las meditaciones sobre la muerte y el morir. Cuando se yuxtaponen estos dos audaces trabajos, esa conexión se vuelve explícita y poderosa.Este libro destaca la intersección artística de KAWS y Warhol, presentando sus interpretaciones de la muerte y el desastre, la publicidad, la nostalgia, la abstracción, las calaveras y el autorretrato.La publicación coincide con una importante exposición en el Museo Andy Warhol que viajará internacionalmente y que presenta algunas de las obras más destacadas y análogas de dos de los artistas más populares de todos los tiempos.
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'Independientemente de la etapa de su carrera en quese encuentren, los artistas deben mirar al futuro deseosos de aprender y ser mejores cada día', afirma eneste libro Marcos Mateu-Mestre, también autor del superventas 'Tinta', publicado por Anaya Multimedia. En'Técnicas de dibujo', cuarto volumen de una instructiva y prestigiosa serie, este narrador visual explicacon reflexivos y sutiles detalles cuatro caminos para dibujar: con el bolígrafo, el lápiz de grafito, elmodo digital y la escala de grises, así como los respectivos beneficios y desafíos de cada uno, además desugerir técnicas específicas de edición digital aplicables a todos los medios. Junto a las importantes enseñanzas técnicas -desde cómo representar la luz reflejada en el cabello de un personaje hasta cómo agregarlluvia para dramatizar una escena-, se halla la impresionante obra creativa de Mateu-Mestre, que por sí misma constituye una fuente de educación y motivación,capaz de descubrirnos cuántas historias se pueden contar con apenas un bolígrafo, un lápiz, o una tabletadigital. Excelente libro para narradores visuales, artistas gráfi
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Asociado a la eclosión de los Nuevos Expresionismos en los años ochenta, Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) ha sido después uno de los artistas españoles con más proyección internacional. Su obra, en último término singular, abierta a la experimentación constante, y ya lejos del contexto de sus inicios, se ha expuesto luego en grandes museos de todo el mundo, de Montreal a Tokio, de Ciudad de México a Londres, de Sâo Paulo a París, y de Buenos Aires a Venecia, haciéndolo siempre con un gran reconocimiento, tanto por parte de la crítica especializada como del público. El poeta y escritor Enrique Juncosa (Palma, 1961), amigo de juventud del artista y gran conocedor de su obra, es, por su parte, un destacado comisario de arte con una trayectoria también internacional. Ambos han colaborado a menudo juntos, durante un periodo de tres décadas, en exposiciones y libros. Escritos sobre Miquel Barceló recoge una muy completa selección de los ensayos escritos por Juncosa sobre el artista, publicados desde 1994 hasta hoy, y revisados ahora con motivo de su nueva edición. Los ensayos hablan de pinturas, dibujos, cerámicas, libros ilustrados y grandes proyectos públicos, además de aspectos temáticos específicos, como retratos y autorretratos, o el uso del color blanco. Juncosa, que ha tenido la oportunidad de conocer todos los estudios del artista y ver gran número de sus exposiciones a lo largo de todos estos años, escribe con gran claridad, explorando los temas y la iconografía dominante en la obra de Barceló, y facilitando al hacerlo numerosas claves para su interpretación y disfrute.
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En 2016 el Museo Picasso de Barcelona adquirió el fondo fotográfico de Lucien Clergue relativo a Picasso: cerca de seiscientas fotografías en blanco y negro a las sales de plata, todas ellas copias de época. Este libro presenta, en forma de crónica, una selección de este conjunto: la narración en imágenes que Clergue hizo de Picasso a lo largo de numerosos encuentros que tuvieron lugar en el sur de Francia, donde ambos vivían.Picasso-Clergue es a su vez un álbum de familia y el diario de una amistad.Edición en francés.
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La esencia del arte de dibujar es el arte de observar, y para observar es imprescindible la luz. Nada puede ser observado sin luz, es decir, todo lo que vemos, está sometido a una iluminación determinada. Para aprender a dibujar primero es preciso aprender a utilizar la luz. Ésta ayuda a describir los modelos, pues define la volumetría de los objetos, modela sus superficies y los sitúa en los diferentes planos de la distancia. En el dibujo, la luz no existe sin la presencia de la sombra, lo claro no existe sin lo oscuro es la lucha de estos contrarios y su disposición en el modelo lo que define los diferentes planos y ubica la fuente de luz que ilumina el modelo. El control técnico de la distribución de las luces y las sombras constituye un factor esencial y definitivo que es necesario aprender si queremos dar mayor verosimilitud a la representación. Las sombras sirven para matizar la luz, crear efectos dramáticos e imprimir un determinado ambiente emocional a la obra, son la clave emotiva del dibujo y permiten darle un mayor tratamiento pictórico.
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Aprende a dominar el mejor lenguaje para conectar contigo mismo: el dibujo.Cómo dibujar un cocodrilo es el libro perfecto para descubrir que el arte del dibujo se puede practicar a lo largo de toda la vida. En el fondo, nadie nace sabiendo dibujar, pero solo los que se dedican a ello conocen esta verdad. Con este práctico método, David Peña Toribio (alias Puño) nos devuelve la ilusión por una de las primeras formas de expresión que aprendemos cuando somos pequeños (como escribir, tocar un instrumento o hablar), pero que, por diversas razones, en seguida olvidamos. A lo largo de estas páginas, no solo nos pondremos manos a la obra con lápiz y papel, sino que también vamos a adquirir las herramientas necesarias para pensar, observar y crear. Aunando teoría y ejercicios muy entretenidos, este libro será útil para lectores de todas las edades. Eso sí, con un objetivo en común: dejar los prejuicios sobre nuestras capacidades creativas atrás y disfrutar de nuestras ideas sobre el papel.
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Las obras de Christo y Jeanne-Claude son monumentos de la transitoriedad. Realizados a escala gigantesca, siempre son temporales, concebidos para existir durante un tiempo limitado y provocar impresiones únicas e irrepetibles. “,Desde el más pequeño de los Packages hechos en París a principios de la década de 1960, hasta el delicado patrón formado por cientos de ramas cubiertas con un velo translúcido de tela... en las obras de Christo y Jeanne-Claude no hay nada abstracto, nada imaginado, todo está allí: corpóreo y tangible.”, (Lorenza Giovanelli) A medio camino entre la biografía, el análisis crítico y el catálogo, esta edición actualizada recupera la exitosa Edición de Coleccionista de TASCHEN. El volumen abarca la obra completa de Christo y Jeanne-Claude, desde sus primeros dibujos y fotos de familia hasta sus planes para futuros proyectos. Cientos de fotografías y dibujos repasan la obra de los dos artistas a lo largo de los últimos diez años, entre ellos The Floating Piers y La mastaba de Londres, y trabajos todavía en curso como La mastaba de Abu Dhabi y L’,Arc de Triomphe Wrapped en París. Junto a la exhaustiva documentación fotográfica de Wolfgang Volz, este libro es un homenaje a la obra de dos artistas cuya imaginación ha influido en el paisaje de todos los continentes.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Quilts con aplicaciones inspiradas en diseños clásicos Una manera muy especial de empezar un quilt es rodearse de amigos y seguir los nuevos modelos de dos grandes diseñadoras. Kim Diehl y Jo Morton se unieron por primera vez en el libro Quilts con diseñosespectaculares, publicado en esta misma editorial con gran éxito de ventas, ahora vuelven para compartirmás quilts que reflejan el estilo personal de cada una de ellas. Este libro muestra una nueva colección de 14 quilts con aplicaciones inspiradas en diseños clásicos. Cada bloque se une a otro para lograrunos quilts magníficos, las técnicas de aplicación se explican con detalladas instrucciones paso a paso,con ayuda de fotografías, imágenes y prácticos consejos que facilitan la realización de un perfecto acabado en cada uno de los proyectos. Resultará fácil crearbloques en solitario o en grupo, tanto de los quiltscomo de los Sampler quilts espectaculares tan característicos de las obras de estas reconocidas quilters.
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Cómo plasmas la atmósfera de un cuadro concentrándose en el tipo y dirección de la luz: desde escenas intensamente iluminadas hasta edificios al anochecer. El estudio de la forma y el tono, y el planteamiento de la composición, explicados por medio de la realización paso a paso de tres obras.
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Fernando Botero es un artista con estilo propio. Durante más de seis décadas, la técnica del boterismo colombiano ha fascinado a coleccionistas, instituciones y espacios públicos de todo el mundo por su visión exagerada, rolliza y singular del cuerpo humano. A través de sus corpulentas creaciones, Botero se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos de Latinoamérica, y sus obras se han expuesto en algunos de los lugares más emblemáticos de todo el mundo, como la Park Avenue de Nueva York y los Campos Elíseos de París. Esta edición de la serie Basic Art de TASCHEN ofrece una introducción esencial a esta destacada figura del arte contemporáneo. El libro, que recorre la obra de Botero desde sus primeras caricaturas de animales hasta las últimas esculturas en bronce a gran escala, analiza las diversas influencias del artista, de Paolo Uccello al expresionismo abstracto, y rinde homenaje al ingenio, la ironía, la perspicacia y la agudeza crítica que se ocultan tras las proporciones absurdas de sus composiciones.
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Cortadas en pequeños trozos y dibujadas, las emociones son mucho más fáciles de digerir.
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«En el río revuelto de sus muchos papeles, un buen día me topé en nuestra casa de El Boalo con este cuaderno de collages, que me hizo ver Nueva York de un modo totalmente suyo, personal e intransferible. Me encantó el hallazgo, pero no me sorprendió. Desde niña, ilustraba sus cuadernos escolares y siempre en sus manuscritos se han mezclado las letras, los dibujos y el rompecabezas de sus collages. El mundo de la fantasía que tanto formó parte de su vida cotidiana y literaria se unía en original amalgama en todo lo que creaba. Este es un ejemplo claro de ese cóctel creativo».De la nota preliminar de ANA MARÍA MARTÍN GAITE Visión de Nueva York, publicado por Siruela por primera vez en 2005, fue elaborado, pues, como una colección de collages durante la estancia de Carmen Martín Gaite en la Gran Manzana entre septiembre de 1980 y comienzos de 1981. Es un recorrido de la autora (por medio de imágenes y pequeños comentarios) por su día a día neoyorquino, y a través de sus contactos con la sociedad estadounidense de la época. Una obra original, y una original narración, con una visión íntima y sensible de una escritora cuya faceta de contar a través de collages es poco conocida.
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La mayoría de los manuales de dibujo nos enseñan cómo dibujar o pintar lo que vemos: bodegones, paisajes, retratos... ¿Qué sucede, en cambio, cuando queremos crear una imagen realista de algo que solo existe en nuestra imaginación? Este libro muestra los métodos más eficaces utilizados por los artistas, desde el Renacimiento hasta nuestros días. Convirtamos nuestras ensoñaciones en reales obra de arte. «Realismo imaginativo de Gurney es una mina de oro para artistas que quieren crear imágenes evocadoras, impactantes, que deleiten al espectador con ricos elementos visuales de otro mundo». -Erik Tiemens, artista conceptual, La guerra de las galaxias: Episodio II y III. «Gurney ha recopilado distintos métodos de enseñanza y prácticas de pintura sacados tanto de su propia experiencia como de la historia del arte, en particular de finales del siglo XIX, y ha puesto estos valiosos conocimientos a nuestro alcance». -Dennis Nolan, profesor de ilustración, Hartford Art School. «Realismo imaginativo es una obra de referencia indispensable y perfecta que ayudará a los creadores visuales de cualquier disciplina a dar vida a sus propios reinos de la imaginación». Frank M. Constantino, ASAI, SI, JARA, cofundador de la American Society of Architectural Illustrators. «Este libro, a la vez enciclopédico y lleno de anécdotas, debería estar en la mesilla de todo pintor narrativo. Es una guía exhaustiva sobre la disciplina de la pintura y la narración visual, además del entretenido testimonio visual de la vida de un artista comprometido con su profesión, una vida vivida plena y apasionada. Se lo recomiendo a todos mis estudiantes de todo corazón». Charles S. Pyle, director, ilustrador, Academy of Art University, San Francisco.
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Salvador Dal? convirti? el paisaje ampurdan?s en un s?mbolo del surrealismo. La obra del pintor catal?n resulta inseparable de su geograf?a natal. La mejor prueba la tenemos en los espacios del Teatre-Museu Dal?, de Figueres, la casa de Portlligat y el c
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Las conexiones inspiradoras entre los grandes artistas del mundo.'Conocer a un artista' es una colección de ochenta y cuatro retratos ilustrados que muestran las numerosas conexiones que se han establecido entre los artistas más valorados del mundo. Ya sea a través de la enseñanza, como Paul Klee y Anni Albers, de la existencia de una musa en común, como las flores de Georgia O'Keeffe y Takashi Murakami, o de una estimulante relación amorosa, como la de Lee Krasner y Jackson Pollock, estas conexiones vinculan a varios pioneros del arte de un modo que resulta fascinante e inesperado.A través del relato de sus vidas y de sus logros creativos -cada uno de ellos extraordinario y a menudo innovador-, Susie Hodge nos presenta la tupida red de conexiones que han dado como fruto algunas de las mejores obras maestras del mundo del arte. Muchas de estas relaciones son muy conocidas, mientras que otras van más allá del límite del tiempo y el espacio.Ilustrado con un colorido tributo al estilo único de cada artista, 'Conocer a un artista' es un relato festivo y esclarecedor de algunos de los visionarios más atractivos del mundo del arte.
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Renacimiento anacronista revela una red de caminos transitados por obras y artistas, un paisaje oscurecido por la obsesión disciplinaria con que la historia del arte fija todos sus datos en un momento concreto. Los edificios, las pinturas, los dibujos, las estampas, las esculturas y las medallas que este libro estudia no eran ajenos a la preocupación por la autenticidad, la referencia a precedentes y orígenes prestigiosos, y las implicaciones de la transposición de un medio artístico a otro. Los iconos bizantinos tomados por antigüedades cristianas, las imágenes aquiropoéticas o ejecutadas milagrosamente, el uso de spolia o fragmentos procedentes de construcciones antiguas y el empleo de citas, los diferentes acercamientos a la restauración, las leyendas sobre edificios móviles, las falsificaciones y los pastiches resultan ser estructuras conceptuales básicas del arte renacentista. Los autores muestran que las temporalidades complejas y estratificadas de las imágenes ofrecían un contrapunto a las cronologías lineales que fueron estructurando el comercio, la política, los viajes y la vida cotidiana en los siglos xiv y xv. Las obras de arte, además de dar testimonio del momento de su realización, presentan una inestabilidad temporal a la que debemos prestar atención: cómo señala a un punto lejano en el tiempo, cómo remite a unos remotos orígenes ancestrales, a una imagen o a una obra del pasado, e incluso a un origen divino situado fuera del tiempo. Los autores concluyen su estudio con el análisis de una serie de proyectos y episodios acontecidos en Roma en torno al año 1500 que culminaron en la Stanza della Segnatura de Rafael.
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Tres días en la montaña, tres días para conocer lo secretos de la naturaleza y, también, descubrirse a uno mismo. El viaje iniciático de Bruno y su enigmático tío. El narrador es un joven de diez años, que considera a Bruce como una especie de tío envuelto en misterios. Tras tres años de silencio, el hombre ha venido a cumplir la promesa que le hizo al niño: tres días en la montaña, tres días para descubrir el mundo de las montañas. Pero este viaje también será una oportunidad para descubrirse a uno mismo y, por qué no, aprender a trazar su propio camino.
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* Una historia que cautivará a cualquiera que desee levantar el velo de nuestra fascinación por lo espeluznante, lo mórbido y lo sobrenatural. * A través de un viaje en el tiempo, recorriendo sus distintas formas de expresión, este libro traza los caminos entrecruzados del gótico, desde las sombras de la historia hasta el corazón mismo de la cultura popular contemporánea. * Ruinas, demonios inmortales, pasajes oscuros y bosques repletos de terrores expuestos y escondidos: los bucles del gótico se han arrastrado por la arquitectura de iglesias, mezquitas y casas señoriales, irrumpiendo incluso en los grandes almacenes de las zonas periféricas y en ciudades superpobladas. La palabra gótico evoca asociaciones con lo oscuro y lo melancólico, lo extraño y lo temido, así como lugares y personas embrujados. Este libro es una mirada sin precedentes a las formas en las que este extraño estilo se ha manifestado a través de la arquitectura, la literatura, el cine, el arte, los videojuegos y más. Desde las obras de Victor Hugo y E. T. A. Hoffmann hasta el gótico del sur, el folclore antiguo y las películas de terror clásicas, se explora cómo una estética que comenzó en los márgenes se ha reinventado a lo largo de los siglos para convertirse en parte de la cultura global dominante. El libro empieza hablando de la arquitectura y la forma góticas, incluidos elementos como el arco, la casa y las ruinas. Analiza la representación del gótico en entornos rurales y urbanos, así como en el desierto y las zonas fronterizas. A continuación, se adentra en las tradiciones y escenarios góticos de todo el mundo, desde los sublimes Alpes y el interior de Australia hasta el páramo ártico, del oscuro reino folclórico del bosque hasta los paisajes postindustriales de hospitales y asilos abandonados, y luego más allá de los límites del planeta, al incognoscible horror cósmico. El autor investiga los monstruos que nos reflejan a nosotros mismos y a la sociedad, y demuestra que a medida que el gótico ha viajado por todo el mundo y a través del tiempo se ha transformado de acuerdo con la forma de nuestros miedos y ansiedades.
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Marina Abramovic es una artista de fama mundial que utiliza su cuerpo para actuar de maneras inesperadas e inusuales que hacen pensar al público.Una vez se sentó espalda con espalda con su pareja y tuvieron el pelo atado durante más de 17 horas. En otra ocasión, los visitantes del museo la ven frotar 1.500 huesos de vaca durante seis horas al día. Este innovador libro cuenta una historia inspiradora sobre la artista pionera del performance que también es la primera artista femenina en realizar una importante exposición individual en la Royal Academy of Arts de Londres.Esta celebración especial para jóvenes lectores de una de las artistas contemporáneas más importantes de nuestro tiempo presenta llamativas ilustraciones en blanco y negro y rojo impresas en Pantones, junto con una reproducción de la obra de la artista y una breve biografía en la parte posterior del libro.En este volumen innovador, Marina Abramovic y su trabajo de vanguardia cobran vida como nunca antes para los lectores jóvenes.
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Una aproximació a Dalí i a la seva pintura més icònica i enigmàtica, El Crist, amb motiu de la primera exposició dedicada a l'obra. Amb motiu de l'exposició monogràfica de l'obra El Crist de Dalí, que acollirà el Museu Dalí de Figueres del novembre del 2023 a l'abril del 2024, Planeta publica un apassionant assaig que ens descobreix una de les obres més enigmàtiques del pintor. Mitjançant una ficció en forma de correspondència epistolar amb el pintor, Javier Sierra ens submergeix en l'essència d'aquesta obra i el seu procés de creació a través d'un pertorbador interrogant: Per què, Dalí? A continuació, Antonio López, en diàleg amb Montse Aguer, aprofundeix sobre la figura de Salvador Dalí i ens convida a endinsar-nos en la ment, el cervell i el procés de creació d'un dels artistes més complexos dels últims temps. La part més tècnica va a càrrec de diversos membres del centre de documentació de la Fundació Gala-Salvador Dalí.
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The once rarefied world of antiques is bursting open thanks to a new generation of collectors. The New Antiquarians features twenty-two young connoisseurs whose spirited interiors exemplify unorthodox approaches to living with history. Hailing from across the United States and Britain, they brazenly blend the old with the new, embrace anachronism and pastiche, employ serious knowledge with humor and wit, and consider vintage and historical objects through the lens of contemporary values. The New Antiquarians is an exuberant entry point into the world of antiques, highlighting one-of-a-kind collections and the single-minded collectors whose stories suggest compelling new ways of living with the past.
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La familia del gato · La familia del oso · La familia del caballo · El elefante · La familia del perro El camello · La jirafa · El hipopótamo y el rinoceronte · La familia del ciervo · El bisonte · La vaca El cerdo · La familia del mono · El canguro y el conejo · El canguro · Animales raros e inusuales Animales pequeños variados · Interpretación y abstracción de animales Introducción al dibujo de animales El galgo en cuatro simples pasos · El animal simplificado · Las tres partes básicas del cuerpo · El abecé de la estructura de un animal · Aplicar el abecé · Principios esenciales de las patas de los animales · El esqueleto simplificado · Ubicación de la articulación de la ''rodilla'' delantera · Comparación de patas delanteras · Comparación de patas traseras · Comparación de musculaturas de animales · Estructura musculoesquelética del galgo · Anatomía superficial del galgo, vistas estructurales frontal y traseras · Datos sobre patas y garras · Comparación de huesos de las patas y semejanzas entre cabezas de animales · La ''nariz'' de los animales · El ojo y la oreja de los animales · El animal a la carrera · Más datos generales sobre la ''carrera''
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Durant deu estius consecutius, Antoni Llena, un dels artistes catalans contemporanis més importants, va visitar el seu mestre i amic Antoni Tàpies al seu estudi de Campins. En tornar, en recollia les seves impressions i reflexions en un quadern que va esdevenir, així, un testimoni del procés creatiu d'un gran artista vist per un altre que se'n reconeix alhora, com a deixeble i crític.
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Cómo dibujar letras a mano es una guía creativa para dibujar y pintar alfabetos. Muestra cómo una variedad de instrumentos, técnicas y medios pueden utilizarse para crear letras que prácticamente saltan de la página. Cómo dibujar letras a mano te enseña a dibujar letras que van desde diseños históricamente inspirados hasta extravagantes garabatos de forma libre. Crea alfabetos para mejorar diarios, tarjetas de presentación, álbumes de recortes y tarjetas de felicitación. Copia, adapta, crea y diseña letras. Instrucciones fáciles de seguir paso a paso AUTOR Es un apasionado del diseño gráfico desde muy joven y trabaja como autor, ilustrador y diseñador independiente de guías de arte para lectores de 8 a 80 años. Se inspira en fuentes históricas y contemporáneas, incluidos los grafitis, y siempre lleva un cuaderno de bocetos encima para guardar sus ideas. Vive en Brighton, en la costa sur de Inglaterra, y es un entusiasta de la fotografía.
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Descubra todo un mundo de expresión y creatividad con la herramienta de dibujo más asequible que existe. Numerosas técnicas e ideas que van desde el sombreado y el difuminado a las monoimpresiones de grafito y el collage, que le permitirán explorar la enorme diversidad que ofrece el dibujo a lápiz. Gracias a las sencillas instrucciones y a la inclusión de las obras de algunos de los mejores dibujantes a lápiz del momento, podrá hallar la inspiración que necesita para mejorar su técnica de dibujo. El humilde lápiz. Uno de los primeros utensilios para escribir que conocemos durante la infancia y, seguramente, aquel que nos resulta más familiar. Sin embargo, no debemos subestimar a esta bestia de carga del mundo de la creatividad: si se utiliza de manera adecuada, es capaz de producir una enorme diversidad de líneas, tonos, texturas, colores y expresiones. Existen lápices blandos que se deslizan por el papel y otros que presentan un mayor agarre y producen un trazo granulado y desigual, o que ofrecen una gratificante resistencia cérea. Además, un lápiz se puede elegir no solo por el trazo que produzca, sino también por el placer de utilizarlo sobre el papel, y no son pocos los artistas que tienen un lápiz favorito cuyas cualidades se adaptan a su manera de dibujar.
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La 1ª monografía de los cientos de vallas publicitarias de la coalición liderada por artistas For Freedoms, la colaboración creativa pública más grande en su historia.Fundada en 2016 por Hank Willis Thomas, Eric Gottesman, Wyatt Gallery y Michelle Woo, For Freedoms es una organización dirigida por artistas que utiliza el arte como catalizador para el compromiso cívico creativo, el discurso y la acción directa.Con el objetivo de infundir una perspectiva antipartidista basada en las artes en el panorama político, For Freedoms ha colaborado con miles de artistas, activistas y académicos para crear más de 500 vallas publicitarias que utilizan el arte como vehículo para profundizar los debates públicos sobre cuestiones cívicas y valores fundamentales.Este volumen completo incluye vallas publicitarias creadas entre 2016 y 2023 por más de 400 artistas como Derrick Adams, Gina Belafonte, Sanford Biggers, Paula Crown, Shepard Fairey, Theaster Gates, Guerrilla Girls, Jenny Holzer, Rashid Johnson, JR, Christine Sun Kim, Marilyn Minter, Sofía Gallisá Muriente, Gordon Parks, Kameelah Janan Rasheed, Maggie Rogers, Hank Willis Thomas, Carrie Mae Weems y Ai Weiwei, entre muchos más.Este nuevo libro celebra cómo For Freedoms ha transformado el espacio comercial público en espacio de exhibición y ha lanzado una colaboración creativa de proporciones épicas.Escrito por Hank Willis Thomas, Eric Gottesman, Michelle Woo, Wyatt Gallery, y Taylor Brock
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Andy Warhol (1928-1987) está considerado en la actualidad el máximo exponente del arte pop. Como observador creativo y crítico de la sociedad estadounidense, exploró temas claves como el consumismo, el materialismo, los medios de comunicación y la fama
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