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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Catálogo de la gran exposición sobre Matisse y su legado en CaixaForum, con obras maestras del Centre Pompidou.Chez Matisse propone un recorrido sensorial e intelectual por la obra de uno de los mayores coloristas del siglo XX, a través de un centenar de piezas suyas y de otros artistas cercanos en estilo, como Picasso, Le Corbusier o Lipchitz, en un fructífero diálogo que revela las relaciones e influencias mutuas. Una mirada renovada a su legado en la historia del arte moderno y contemporáneo.
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Aquest és el primer llibre editat a Catalunya on s'ofereix un recull del treball de 12 primeres dones joieres que van treballar a Catalunya, des de 1960 fins al 1990.Aquest llibre no pretén mostrar una histoòria exhaustiva dels inicis de la joieria contempo- rània a Catalunya, sinó fer palès que, en les transformacions profundes experimentades pel món de la joieria a casa nostra durant la segona meitat del segle XX, hi varen prendre part decisiva una sèrie de dones, les primeres que es van obrir pas en un ofici fins aleshores vetat a elles.
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Los protagonistas de los escenarios apocalípticos del Bosco son el mundo, el cuerpo y el deseo, con todos sus desórdenes, pero presentados como un gran carnaval demoníaco. A diferencia de la fantasía medieval, la imaginación del pintor brabanzón se hibrida perfectamente con el mundo de la experiencia sensible. El medio del que se sirve nuestro artista para injertar lo fantástico en el corazón de lo real es ese particular estado de ánimo que es la melancolía, sazonada siempre con el humor. En un momento crítico de la historia europea en el que aún no se han redefinido los nuevos modelos científicos y religiosos, el Bosco introduce como parte integrante de la realidad los miedos, las tentaciones y las pesadillas de un hombre que se ha quedado sin Dios.
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Catálogo de la exposición que se puede visitar en el Museu d'Art de Girona, del 23 de noviembre de 2024 al 30 de marzo de 2025, que se convierte en una muestra de agradecimiento por la generosidad con la que Chile ofreció espacios de formación y estudio a los artistas para que pudieran desarrollarse y crecer en libertad cuando en España no era posible. La obra de Roser Bru está profundamente marcada por la vida entre dos tierras. Nacida en Barcelona en 1923 y exiliada en Chile a los dieciséis años, su producción artística es un reflejo de cómo el lenguaje del arte puede tejer puentes entre dos culturas, ser de distintos lugares a la vez y traspasar las fronteras y el tiempo. La artista encarna una historia común entre Catalunya y Chile, aquella en que las tierras americanas se convirtieron en territorio de acogida para nuestros exiliados, entre ellos jóvenes promesas del arte y la cultura, como lo fue Roser Bru.
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La fisonomia de Barcelona és diversa, com també ho és la seva gent. Els esgrafiats -tècnica decorativa aplicada als revestiments murals des del segle xvii fins a l'actualitat- són una característica específicament barcelonina que embelleix les construccions urbanes i atorga una personalitat única a cada edifici. Barcelona esgrafiada ens convida a fer una passejada per descobrir la pell de l'arquitectura i gaudir d'aquest ric patrimoni d'orles, figures, motius florals, garlandes, sanefes i, fins i tot, anuncis publicitaris que, tatuat a les façanes, evoca la singularitat i l'elegància de tots els edificis de la ciutat. El llibre inclou codis QR per localitzar els edificis esgrafiats.
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Crea auténticas piezas cotidianas con la ayuda de este precioso manual de cerámica La ceramista Lilly Maetzig te introduce en este maravilloso arte con su característico estilo contemporáneo. Hecho a mano es una guía fácil tanto para quienes se inician en la cerámica como para los que quieran actualizarse. No es necesario torno e incluye fotografías inspiradoras y sencillas instrucciones paso a paso. Elabora tus propias piezas utilizando diferentes técnicas, como pellizco, rollo o plancha. Partiendo de lo esencial, como el moldeado, las texturas y el esmaltado, aprenderás a elaborar desde sencillas tazas hasta proyectos más complejos, como un jarrón de terracota o una cafetera. Pon a prueba tus habilidades a medida que avanzas en los 22 proyectos de este libro. Descubre cómo hacer tu propio juego de café, una tetera, platos llanos, candeleros y mucho más. Repleto de buenos consejos para inspirarte y disfrutar de tus propias creaciones, Hecho a mano ofrece una mirada actual a este antiguo oficio.
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Con los volúmenes de esta colección se pretende elaborar un pequeño compendio de todos los conocimientos básicos -- técnicos, teóricos y prácticos -- que necesita toda persona que quiera empezar a pintar. Cada libro, cuya maqueta y diagramación han sido pensadas a manera de magazine, está dedicado a una técnica concreta (acuarela, óleo, pastel, etc.) o a un tema determinado (mezcla de colores, figura, . . . ) y constituye una pequeña guía, una introducción básica, donde el lector encontrará las explicaciones necesarias para conocer lo más elemental y así poder, sin miedo, empezar a practicar, debidamente aconsejado sobre lo más fundamental, prevenido de los errores y problemas más frecuentes que se va a encontrar y con la solución adecuada para resolverlos. Un libro práctico, de comprensión fácil y exposición clara para entrar sin dificultades en la práctica de la pintura.
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«Silly Fool Comics» ocupa la última página de este volumen final con una diabólica criatura que le dice a un Crumb angustiado: «YOU Will Soon Be DEAD!». Solo tenía 67 años pero, a su particular a manera, estaba totalmente obsesionado con la muerte, cuando no estaba haciendo retratos íntimos y cariñosos de su esposa Aline y de todas las mujeres que atormentaron su libido desde la infancia. Lo más llamativo de este libro son sus cuadros históricos, algunos a una sola página y otros en tiras de varias páginas, entre los que se encuentran Piers the Ploughman, de la Inglaterra del siglo XIV, My Secret Life, de «Walter», y Rough Women of the Dark Ages y The Apache Dance, de una postal parisina de la década de 1930. Su trazo de Rapidograph es soberbio como siempre y nos obsequia con largas diatribas que exhiben su ilimitada brillantez para analizar la condición humana de una forma morbosa y sin embargo divertida.Se podría decir que no hay sorpresas en el contenido, puesto que Crumb ha producido una obra coherente durante los últimos cuarenta, si no cincuenta, años, pero al mismo tiempo cada página es distinta a la anterior debido a su personal yuxtaposición de imágenes. Abarca tantas cosas que uno puede pasarse una hora y descubrir que solo ha recorrido una cuarta parte del camino, con Crumb lamentándose de su mortalidad, cada pocas páginas, sin dejar de prosperar. Un magnífico volumen independiente y un final imprescindible para completar la serie.
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Friedrich Hölderlin es probablemente el poeta favorito de André Butzer, se encuentra, junto con Walt Disney y Henri Matisse, entre sus ''personajes favoritos''. Su identificación con el poeta va todavía más lejos, ya que el día de la muerte de Hölderlin coincide con el cumpleaños del propio Butzer.Cuando Butzer se mudó a Los Ángeles, la tierra de sus sueños de juventud, por primera vez en 2001, sintió nostalgia del hogar. El hogar que anhelaba no estaba ni en el viejo mundo ni en el nuevo. En California, leyó Hyperion de Hölderlin y quedó conmocionado: ''Mientras leía, sentía que comprendía cada palabra. Pensé que esas palabras salían de mí''.Butzer se reconoce en el fatídico protagonista de Hölderlin e inventa la figura del vagabundo Errante. Su hogar está en la pintura, así que inicia su camino por la ''Hyperion Avenue'', la calle donde se inauguró The Walt Disney Studio en 1926. En palabras de Butzer: ''Hölderlin, al igual que Disney, expresa anhelos. Y estos pueden llevarse a la práctica''.Para Hölderlin, la poesía es el lugar que hace posible la existencia humana en la tierra. Para Butzer, ese lugar es la pintura. En la poesía, encuentra el sostén para resolver y reconciliar las contradicciones extremas del mundo a través de su pintura.En este libro de artista, Butzer ha reunido 47 poemas escritos por Hölderlin entre 1793 y 1843 sobre las cuatro estaciones. Estos poemas vinculan el ciclo de las estaciones con el curso de la vida humana como una parábola: la culminación otoñal de la maduración veraniega, el florecimiento de la vida en primavera y la experimentada aridez del invierno.Los poemas pueden parecer sencillos, pero en ellos Hölderlin da forma a la resistencia humana en condiciones aparentemente críticas: esperanza, duda, asombro, anhelo, amor. Asuntos del corazón, sencillos, lúcidos y vulnerables. Basta con pensar en Diotima, la musa de Hölderlin. En Sin título (Diotima), ella contempla un lugar oculto a nuestra vista. ¿Está mirando hacia su yo más íntimo o hacia la distancia inaccesible? Al verla ver, nos reconocemos en su mirada.Para acompañar los poemas, Butzer ha creado 40 acuarelas. Sus personajes icónicos —el Errante, la Mujer, la Paz-Siemens— aparecen y reaparecen cíclicamente entre los delicados colores. Cada figura, cada objeto, cada trazo, cada mancha y cada matiz de color posee su propia esencia. Y, sin embargo, una y otra vez, una frágil armonía emerge de su vínculo contradictorio.El libro no sigue el tiempo cronológico cotidiano ni la sucesión ''factual'' de las estaciones. En lugar de eso, Butzer dispone los poemas y las acuarelas intuitivamente, formando constelaciones abiertas. Esto se corresponde con la fantástica y caprichosa datación de Hölderlin, en la que un poema de 1843, por ejemplo, puede atribuirse a 1758, 1648 o 1940. En el persistente tiempo poético, pasado y futuro se integran en un todo completo.Al unísono, palabras e imágenes reflexionan sobre la vida del hombre en la tierra de la forma más humilde y poética.
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Un nuevo volumen ricamente ilustrado dedicado a las obras más importantes de Édouard Manet (1832-1883), figura clave en el nacimiento del impresionismo y considerado por muchos el primer artista moderno. Con cerca de un centenar de obras fundamentales, incluyendo óleos, dibujos, pasteles y grabados, este libro rinde homenaje al artista que allanó el camino para el movimiento impresionista y el surgimiento de la modernidad. Combinando una técnica radical con temas contemporáneos, las innovadoras obras de Manet se adentran en el París moderno para mostrar sus nuevos bulevares y sus elegantes parques y cafés, así como una amplia variedad de tipos urbanos, desde traperos y prostitutas hasta camareras y sofisticadas parisinas. El volumen incluye las emblemáticas escenas de la vida moderna que pintó el artista, como El almuerzo sobre la hierba, con su sorprendente yuxtaposición de un desnudo femenino con dos hombres completamente vestidos, y Olimpia, una reinterpretación moderna de la Venus de Urbino -la obra maestra renacentista de Tiziano- con la que Manet escandalizó al París de la década de 1860 y se consolidó como líder de la vanguardia. El libro explora también su legado artístico en la obra de generaciones posteriores de artistas, desde Paul Cézanne y Pablo Picasso hasta creadores contemporáneos como Nicole Eisenman.
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Este libro presenta y estudia el legado artístico e intelectual de Laura Ramírez Palacio (Medellín, 1988 - Madrid, 2022). Los trece textos aquí reunidos —escritos por autores e investigadores de reconocida trayectoria que conocieron a la artista y han estudiado su producción con rigor— ofrecen una panorámica poliédrica de una obra que nace del dolor, de la memoria de la violencia y del examen implacable de las estructuras patriarcales que sostienen su repetición.
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El mundo de los samuráis en el arte japonés. Una colección de 22 postales, pequeñas piezas de arte para enviar, enmarcar o guardar como un tesoro.Presentamos 22 retratos de samuráis pertenecientes a la serie Taiheiki Eiyūden (o Héroes de la Gran Pacificación), de 1867. Estos 22 hombres representados con maestría por Yoshiiku son algunos de los guerreros más célebres de la historia japonesa, y ejemplifican como pocos la figura del samurái. Dignos de admiración tanto en la victoria como en la derrota, todos ellos se erigieron en principales protagonistas del periodo Sengoku (finales del s.XV - finales del s.XVI), un agitado periodo de guerras civiles, sangrientas batallas y presencia constante de la muerte. Utagawa Yoshiiku fue uno de los últimos grandes nombres de la última época del grabado japonés clásico. Sus numerosas series de estampas de samuráis, de impecable factura técnica, le procuraron muy pronto la fama y el éxito.
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Junto con J.M.W. Turner, ningún artista se esforzó más que Claude Monet (1840-1926) en capturar en el lienzo la luz. De todos los impresionistas, fue el hombre del que Cézanne decía solo un ojo, pero ¡Dios mío, qué ojo!, el hombre que se mantuvo completamente leal al principio de la fidelidad absoluta a la sensación visual, pintando directamente a partir del objeto.Se podría decir que Monet reinventó las posibilidades del color y que, ya fuera por su temprano interés en los grabados japoneses, su período como recluta bajo la resplandeciente luz de Argelia o su relación personal con los pintores más importantes de fines del siglo XIX, lo que creó Monet durante su larga vida cambió para siempre el modo en que percibimos tanto el mundo como sus fenómenos asociados. El punto culminante de sus exploraciones fue la serie tardía de nenúfares pintada en su propio jardín de Giverny, la cual, en su giro hacia la ausencia casi total de forma, es realmente el origen del arte abstracto.Esta biografía hace del todo justicia a este artista tan excepcional y profundamente influyente, y ofrece numerosas reproducciones y fotos de archivo junto con comentarios detallados y precisos.
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Atravesar la resistencia reúne los escritos esenciales del artista Gordon Matta-Clark, desde su correspondencia de juventud —un material inédito en cualquier idioma hasta esta publicación—, donde vislumbramos sus motivaciones y conocemos los detalles de su formación temprana, hasta sus manifiestos, anotaciones y correspondencia posterior, además de seis entrevistas de la década de los setenta.Los textos de Matta-Clark —arquitecto de formación— son fundamentales para comprender su inclasificable práctica artística y dan cuenta de un entramado de ideas e intereses que pone en relación la entropía con lo construido, la cultura con la inmersión en lo social, las prácticas colaborativas con el anonimato. En una edición al cuidado de la historiadora del arte y comisaria Gloria Moure, esta obra imprescindible «posibilita el encuentro efectivo del pensamiento y de la materia. Además, demuestra que la política y la crítica son inseparables del arte incluso en una modernidad redefinida. Redefinición que implica valorar la arquitectura, la ciudad y el urbanismo como experiencias estéticas compartidas y flexibles, pero en ningún caso dirigidas».
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Lora Bat. Nora Aurrekoetxea Etxebarría' es la monografía que ofrece una visión amplia de la trayectoria de la artista, articulando los ejes centrales de su práctica. El libro se aproxima a una obra que parte de una forma escultórica de construir instalaciones como espacios relacionales, sistemas en los que se producen diálogos imprevistos de interdependencia entre objetos, espacio y cuerpos, creando capas de significado. Su trabajo explora las tensiones entre lenguaje, emoción y acción, y utiliza la inestabilidad de las narrativas como estructura. La publicación incluye una conversación y correspondencia con Sonia Fernández Pan (Carta a Nora Aurrekoetxea), así como notas de la propia artista. Completan la edición los ensayos Textura continua de Leire Vergara y Porque no quiero molestar de Susana González, que ofrecen distintas aproximaciones críticas y poéticas a su práctica.
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Winterreise és un cicle de lieder que evoca el viatge emocional d'una ànima turmentada per la melangia i la desesperació. En diàleg amb l'obra mestra de Schubert, Joan Fontcuberta trasmuda aquests sentiments en imatges que il·lustren una memòria fràgil com el glaç que es fon. Perdre els records és també endinsar-se en l'hivern fosc de l'esperit. Què som sense la llum de la memòria? Aquí, fotografies que s'esvaeixen, tràgicament amnèsiques però d'una bellesa que trasbalsa, emprenen el seu propi viatge d'hivern, tot resseguint el rastre intens dels versos i la música del Winterreise.
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Kawaii es un estilo artístico japonés que podrás usar para hacer adorables dibujos de diferentes personajes. Esta guía contiene: - Una introducción sobre diversos materiales y técnicas - Proyectos de diversos personajes kawaii con instrucciones paso a paso - Láminas de dibujo para que crees tus propias obras de arte
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The Line ha transformado el paisaje urbano del este de Londres en un dinámico corredor cultural. Con casi 8 kilómetros de extensión, esta ruta de arte público al aire libre cuenta con esculturas monumentales, instalaciones íntimas y una programación en constante evolución, ofreciendo una experiencia de arte contemporáneo de primer nivel, gratuita y diaria.Para celebrar el décimo aniversario de The Line, The Line: Public Art in East London recrea la experiencia única de explorar su innovador programa de arte público. A lo largo de más de 200 páginas, los lectores recorrerán los emblemáticos barrios del Parque Olímpico Reina Isabel, el O2 Arena y los canales que conectan tres distritos londinenses.Este libro, bellamente ilustrado, presenta la obra de 35 artistas internacionales, entre ellos Antony Gormley, Tracey Emin, Thomas J Price, Rasheed Araeen, Rana Begum y Helen Cammock. Más de 150 fotografías en color –desde imágenes a la altura de los ojos de las instalaciones hasta espectaculares tomas aéreas con drones– contextualizan el entorno natural e industrial de The Line, creando un homenaje inmersivo a este inspirador recorrido de arte público. Incluye textos de Gus Casely-Hayford, Jes Fernie, Andrew Jones y Emma Dabiri.
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COLORING IS THE NEW BLACK.¡Prepara las maletas y embárcate en un viaje inolvidable lleno de color mientras exploras los lugares más icónicos e increíbles del mundo! Ya sea que estés relajándote en casa o buscando el regalo perfecto, este libro para colorear ofrece la combinación ideal de relax y aventura. Viaja por el mundo sin salir de casa con este libro para colorear: 40 adorables ilustraciones de destinos icónicos como la Sagrada Familia o la Gran Muralla China. Relájate, desestrésate y deja volar tu creatividad con esta experiencia ideal para niños y adultos. ¡Tu pasaporte al color y la aventura! Una experiencia de coloring inolvidable: Ideal para relajarte. Sumérgete en momentos de paz mientras coloreas a estos animales adorables en sus aventuras. Páginas impresas por un solo lado. Colorea sin preocupaciones, sin traspasos (consejo: coloca una hoja debajo si usas rotuladores). Un regalo pensado con cariño. Celebra los momentos especiales de la vida y comparte alegría con amigos, familiares o contigo mismo. Viaja por el mundo desde casa. Siente la emoción de explorar mientras te acurrucas en tu rincón favorito. RELÁJATE Y EXPRESA TU CREATIVIDAD CON ESTA COLECCIÓN DE LIBROS PARA COLOREAR.
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Roma, tal como la conocemos -la espléndida ciudad de palacios y plazas dominados por la cúpula de San Pedro-, fue una creación del papado, remodelada y erigida de nuevo a finales de la Edad Media tras un largo periodo de abandono. Encarnaba una nueva estética: los ideales clásicos de simetría, axialidad, centro, jerarquía y unidad concretados y aprovechados para los requerimientos del poder eclesiástico y la responsabilidad cívica. Roma era simultáneamente producto y cuna del Alto Renacimiento. En manos de Bramante, Antonio da Sangallo, Vignola y della Porta, los palacios, desarrollados a partir de la austera tradición romana y florentina del Quattrocento, se convirtieron en edificios de imponente nobleza. Se erigieron iglesias a docenas. diseñadas tras la fachada del templo a partir de los principios de armonía espacial y cósmica, desplegaron una interminable versatilidad estilística en cuanto a la solución de problemas formales y teológicos. El San Pedro de Bramante y Miguel Ángel, y El Gesú de Vignola y della Porta, que se comentan aquí en detalle, representan quizá la apoteosis de la arquitectura eclesiástica del Renacimiento, al igual que el Palacio Farnese de Sangallo y Miguel Ángel destaca como la culminación de la arquitectura civil. Partridge analiza también la decoración escultórica y pictórica de Roma en los altares, las capillas y las salas de estado, incluyendo las obras maestras de la Capilla Sixtina y las Estancias del Vaticano. Masolino y Fra Angelico, Perugino y Pinturicchio, Miguel Ángel y Rafael se contaron entre los llamados a glorificar a la Iglesia y legitimar su autoridad, y sus logros perviven para el disfrute y la formación de las siguientes generaciones.
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En enero y febrero de 1938, en la célebre ExposiciónInternacional del Surrealismo el gramófono ''Jamais''de Óscar Domínguez causó tanta sensación como el ''Taxi pluvieux'' de Salvador. Aunque estaban convencidos de que el objeto surrealista ''Jamais'' había desaparecido, se ha descubierto que el pintor canario se lo regaló a su amigo Pablo Picasso hacia 1945.
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• Tarsila do Amaral es una artista injustamente olvidada en nuestras latitudes, a pesar de que permaneció en la capital francesa diversos (e influyentes) periodos de su vida y participó activamente en los ambientes artísticos de la ciudad europea.• Tarsila sigue siendo una figura incontestable, unánimemente reconocida como una de las protagonistas de la modernidad artística de Brasil y creadora de un lenguaje pictórico icónico.• Se la considera como la introductora del artemoderno en América Latina, y desarrolló un estilo único para su país.• Exposición en el Museo Guggenheim de Bilbao en febrero de 2025.
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Es la historia de siempre. Cuando TASCHEN lanzó la primera edición limitada de R. Crumb Sketchbooks: 1982—2011, los fans se quedaron fascinados con el magnífico estuche de seis volúmenes, la cuidada edición del artista, la introducción escrita a mano, los cantos jaspeados y la lámina en color firmada por Crumb. Sin embargo, no todos podían permitirse su elevado precio. Así que se lamentaron, y el clamor aumentó cuando al año siguiente se publicó el segundo estuche (1964-1982).¡Se acabó el lamentarse! R. Crumb Sketchbook, Volume 2: Sept. 1968 — Jan. 1975 combina dos volúmenes de la segunda colección. Editado directamente a partir de las obras originales, que ahora pertenecen a un ferviente coleccionista francés, este libro es un festín de Crumb de 444 páginas a un precio irresistible. Contiene cientos de bocetos del maestro del cómic underground, incluyendo borradores para las portadas de Zap, Motor City y Despair, la presentación de Aline, las primeras mujeres yeti, Flakey Foont y Mr. Natural, Honeybunch Kaminski, la cultura de las drogas de San Francisco y enormes y exuberantes traseros.
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Catálogo de la exposición temporal 'En fugida' (Museu d'Història de Catalunya, hasta el 25 de mayo de 2025) que quiere acercarse a la cuestión de los refugiados a partir del relato del equipo del profesor Javier Rodrigo, que parte de los testimonios y la investigación realizada en el marco del proyecto europeo SO-CLOSE. La cuestión de los refugiados, personas que se ven obligadas a abandonar su país de origen a causa de conflictos armados, persecuciones, violaciones de derechos humanos o desastres naturales, es hoy en día, una de las crisis humanitarias más urgentes y complejas con las que se enfrenta el mundo. La exposición cuenta con la colaboración de ACNUR/UNCHR -Agencia de la ONU para los Refugiados y de la ONG Open Arms, que han aportado materiales y experiencias directas de su labor de salvamento y acogida llevada a cabo en lugares especialmente sensibles.
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Este volumen de cuentos supuso un antes y un después en la narrativa deConcha Alós, se convirtió en un reto de superación estética paraella,deudor del proceso de renovación formal iniciado por LuisMartín-Santosen Tiempo de silencio, de la narrativa de Kafka, y también, por quéno,del emergente realismo mágico. Concha Alós podría haber sido miembrodepleno derecho de la denominada generación del medio siglo, acompañandoaautoras como Carmen Laforet, Ana María Matute o Carmen Martín Gaite,pero tejió su camino al margen de generaciones, corrientes, de ilustresexiliados en una Barcelona cosmopolita que no era la suya. Marcó sustiempos y eligió, sin influencia de modas ni cánones, cuándo habíallegado el momento de hacer hablar a sus protagonistas, de dar paso a lafantasía, eje central de Rey de gatos.En estos relatos, con una fuerte carga psicoanalítica y una prosaenvolvente, casi psicodélica, conviven «fantasmas y diablos ocultos dela subconsciencia», y se proporciona una perspectiva nueva e inquietantede la realidad de la mujer, vista desde dentro, no desde fuera. Graciasa la experimentación, el mensaje se potencia. Se recrudece la críticaalpatriarcado, el erotismo se multiplica, se contrasta el pasado con unfuturo que no llega. Alós logra que dialoguen las dos personalidadespresentes en sus protagonistas, la «bestia» y la sumisa. Deseaba quecada mujer pudiera ver más allá de su pequeña isla y decidir, por sísola, si se aventuraba a salir de ella.El olvido de esta autora en el mundo editorial español es flagrante,másaún si tenemos en cuenta que autoras que en la actualidad gozanmerecidamente del favor del público y la crítica como MarianaEnríquez oAngela Carter, se mueven en similares coordenadas estilísticas ytemáticas que la propia Concha Alós, quien sufrió el desdén de lacrítica y la purga de la censura, pues se atrevió a dar voz a quienespor entonces estaban silenciados.
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En Cómo dibujar y pintar caras expresivas, la artista y popular profesora en línea Amarilys Henderson comparte su original y sencilla técnica para crear personas y retratos, guiándonos paso a paso por todo el proceso. No se deje intimidar por el desafio de dibujar y pintar caras. Mejores sus habilidades con este fantástico libro.
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¡Da rienda suelta al artista felino que llevas dentro!¿Te apasionan los gatos? Pues prepárate para perfeccionar tus habilidades de dibujo con Aprende a dibujar tiernos gatitos, un libro repleto de lecciones divertidas y fáciles de seguir impartidas por Vera Kay, la excelente artista conocida como @veekachoo en las redes sociales.Tanto si eres principiante como un artista en ciernes, aprenderás a dibujar gatos en todas las poses más achuchables que te puedas imaginar: sentados y holgazaneando, acurrucados mientras se echan una siesta y muestran sus barriguitas, e incluso celebrando su fiesta de cumpleaños. Tendrás todo lo que necesitas para empezar a realizar tus creaciones, desde explicaciones detalladas para dibujar digitalmente o en papel hasta información de los diferentes niveles de pelaje de los gatos y de los colores de cada raza, como los siameses y los bengalíes, además de consejos para reproducir sus peculiares personalidades.En cada capítulo dispondrás de muchas oportunidades para experimentar y de una página para colorear, así que muy pronto habrás llenado de adorables peluditos tu propio cuaderno de dibujo. Saca tus lápices, tus rotuladores o la tableta, y diviértete dibujando preciosos gatitos.
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Icono del Nueva York de la década de 1980, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) se hizo inicialmente un nombre firmando grafitis con el nombre de ''SAMO'', antes de establecer su estudio y alcanzar rápidamente la fama con tan sólo 20 años. Aunque su carrera apenas duró una década, sigue considerándose una figura de culto del arte comprometido socialmente y un pionero en la mediación entre el grafiti y el arte de galería.En su obra, Basquiat hizo uso de fuentes y medios diversos para crear un vocabulario artístico original y urgente, que supuso, además, una crítica mordaz contra las estructuras de poder y el racismo. En su práctica fusionó la abstracción y la figuración, la poesía y la pintura, mientras que sus influencias englobaban desde el arte griego, romano y africano hasta la poesía francesa, los ritmos del jazz y la obra de artistas contemporáneos como Andy Warhol y Cy Twombly. Los resultados son mezclas vívidas y viscerales de palabras, emblemas africanos, figuras de dibujos animados y manchas de colores vivos, entre multitud de otros detalles.Este libro presenta la carrera breve pero prolífica de Basquiat, su estilo único y su profunda implicación con temas tan relevantes como la integración y la segregación, la pobreza y la riqueza.Sobre la serieCada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural,una concisa biografía,aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.
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Edición en inglés.El volumen y el color han marchado unidos a lo largo de milenios. Gracias a la policromía la escultura ganó en verosimilitud y vivacidad, convirtiéndose en un eficaz instrumento de persuasión desde los momentos más tempranos de la historia. La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corpórea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia más cercana y real. Escultores y pintores trabajaron al unísono para crear unas obras en las que ambas labores se fundían con perfección. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirtió en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores escénicos, ya fuera al formar parte de una procesión o al ser representada en un lienzo.Este catálogo y la exposición a la que acompaña ilustran la incansable búsqueda de realismo en el arte español del Renacimiento y el Barroco en todo aquello que afectaba a la envoltura de la figura, y muestran a partir de un centenar de obras, pinturas, estampas y esculturas la integración natural de la pintura en la escultura y su triunfo en el mundo hispánico, destacando el valor de lo tridimensional en la transmisión del mensaje sagrado.
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Este libro reúne una selección de veintiuna entrevistas con el artista Santiago Sierra (Madrid, 1966) realizadas por críticos, periodistas, comisarios e investigadores entre 2002 y 2015. En estas conversaciones se discuten muchos de los proyectos más representativos de su amplísima producción, por lo que el volumen ofrece una visión panorámica de la obra de uno de los artistas más clarividentes y mordaces de las dos últimas décadas.
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Una herramienta fundamental para pensar e imaginar el presente y el futuro de un mundo en emergencia.En el presente libro, la tradicional separación entre naturaleza y cultura, construida en connivencia con la Historia del arte, se ve interpelada por la invocación de un mundo posnatural. Los imaginarios del fin del mundo y del apocalipsis se resignifican en las primeras décadas del siglo XXI, al ritmo de las múltiples crisis planetarias, la producción de residuos o el avance de la IA, así como de las nuevas teorías que promueven formas alternativas de relación con el planeta, desde las ecologías queer al pensamiento poshumano.En este paisaje de profundas mutaciones, el arte se convierte en una herramienta fundamental para pensar e imaginar el presente y el futuro de la vida en la Tierra. A través de genealogías que reescriben la historia del paisaje, el retrato y la naturaleza muerta, se exploran prácticas artísticas que desafían la norma, desmontan el mito de lo natural y ensayan estéticas contrapocalípticas para un mundo en emergencia.Para ello, se recurre también a las nuevas ontoepistemologías que, procedentes de ámbitos científicos como la biología, la botánica, la micología o la física cuántica, están transformando los modos de pensar el mundo y las formas de habitar en él. Un libro, en definitiva, para comprender la naturaleza estética de la crisis planetaria y el papel del arte desde una formulación naturocultural de la Historia del arte.
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Antonio Salcedo Miliani (Jajó, Trujillo, Veneçuela, 1951) És historiador, crític d'art i professor jubilat d'Història de l'Art de la Universitat Rovira i Virgili (URV), autor de monografies d'artistes, comissari d'exposicions i articulista. S'ha especialitzat en art modern i contemporani. Ha rebut diversos guardons, entre els quals el Premi Espais a la Crítica d'Art 2003, el Premi ACCA (Associació Catalana de Crítics d'Art) 2013 i el Premi GAC (Galeries d'Art de Catalunya) 2014. En aquesta mateixa col·lecció ha publicat monografies sobre Jacint Salvador, Joan Curieses i Maties Palau Ferré.
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Somos raíces, el catálogo de la exposición homónima que se inaugura en el Círculo de Bellas Artes el 12 de junio de 2025, propone un encuentro con el universo de Santiago Yahuarcani, pintor y escultor autodidacta del clan de la Garza Blanca de la nación uitoto, y su compañera Nereyda López, escultora autodidacta de ascendencia tikuna y cocama.La exposición invita a emprender un viaje por cosmogonías indígenas basadas en la oralidad, el canto, la visión y la resistencia comunitaria. A través de sus obras, Santiago y Nereyda reinterpretan los mitos y el mundo espiritual de sus antepasados, a la vez que relatan siglos de extractivismo y violencia que siguen afectando profundamente a los pueblos originarios de la región amazónica, marcada por el genocidio cauchero.
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Francisco Bayeu (1734-1795) fue el pintor más influyente de la corte española en el último cuarto del siglo XVIII. Pintor de Carlos III y Carlos IV, y director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, quizá es más recordado por sus vínculos familiares con Francisco de Goya que por su indiscutible calidad como artista. El óleo de la Spanish Gallery, Estudio de un perro por el natural (1783-1784) es una obra maestra, un tipo de retrato animal excepcional en la historia de la pintura española, comparable a las obras naturalistas de otros maestros europeos incluidos Jacopo Bassano, Guercino, Paulus Potter, Jean-Baptiste Oudry y George Stubbs.
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