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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Los protagonistas de los escenarios apocalípticos del Bosco son el mundo, el cuerpo y el deseo, con todos sus desórdenes, pero presentados como un gran carnaval demoníaco. A diferencia de la fantasía medieval, la imaginación del pintor brabanzón se hibrida perfectamente con el mundo de la experiencia sensible. El medio del que se sirve nuestro artista para injertar lo fantástico en el corazón de lo real es ese particular estado de ánimo que es la melancolía, sazonada siempre con el humor. En un momento crítico de la historia europea en el que aún no se han redefinido los nuevos modelos científicos y religiosos, el Bosco introduce como parte integrante de la realidad los miedos, las tentaciones y las pesadillas de un hombre que se ha quedado sin Dios.
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Luis Antonio de Villena nos ofrece un fiel retrato del artista Aubrey Beardsley: refinado, decadente, exquisito, preciosista, amanerado, y, sobre todo, un gran apasionado por la muerte. Sus extraordinarias ilustraciones para las revistas The Yellow Book y The Savoy, Salomé de Oscar Wilde, Lisístrata de Aristófanes, Rape of the Lock de Alexander Pope, el ciclo artúrico de Roger Lancelyn Green, o su inacabado Venus y Tannhäuser, sólo son una muestra de su colosal obra, a la par poética y apasionante, fruto de una energía inagotable.
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Atravesar la resistencia reúne los escritos esenciales del artista Gordon Matta-Clark, desde su correspondencia de juventud —un material inédito en cualquier idioma hasta esta publicación—, donde vislumbramos sus motivaciones y conocemos los detalles de su formación temprana, hasta sus manifiestos, anotaciones y correspondencia posterior, además de seis entrevistas de la década de los setenta.Los textos de Matta-Clark —arquitecto de formación— son fundamentales para comprender su inclasificable práctica artística y dan cuenta de un entramado de ideas e intereses que pone en relación la entropía con lo construido, la cultura con la inmersión en lo social, las prácticas colaborativas con el anonimato. En una edición al cuidado de la historiadora del arte y comisaria Gloria Moure, esta obra imprescindible «posibilita el encuentro efectivo del pensamiento y de la materia. Además, demuestra que la política y la crítica son inseparables del arte incluso en una modernidad redefinida. Redefinición que implica valorar la arquitectura, la ciudad y el urbanismo como experiencias estéticas compartidas y flexibles, pero en ningún caso dirigidas».
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Winterreise és un cicle de lieder que evoca el viatge emocional d'una ànima turmentada per la melangia i la desesperació. En diàleg amb l'obra mestra de Schubert, Joan Fontcuberta trasmuda aquests sentiments en imatges que il·lustren una memòria fràgil com el glaç que es fon. Perdre els records és també endinsar-se en l'hivern fosc de l'esperit. Què som sense la llum de la memòria? Aquí, fotografies que s'esvaeixen, tràgicament amnèsiques però d'una bellesa que trasbalsa, emprenen el seu propi viatge d'hivern, tot resseguint el rastre intens dels versos i la música del Winterreise.
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The Line ha transformado el paisaje urbano del este de Londres en un dinámico corredor cultural. Con casi 8 kilómetros de extensión, esta ruta de arte público al aire libre cuenta con esculturas monumentales, instalaciones íntimas y una programación en constante evolución, ofreciendo una experiencia de arte contemporáneo de primer nivel, gratuita y diaria.Para celebrar el décimo aniversario de The Line, The Line: Public Art in East London recrea la experiencia única de explorar su innovador programa de arte público. A lo largo de más de 200 páginas, los lectores recorrerán los emblemáticos barrios del Parque Olímpico Reina Isabel, el O2 Arena y los canales que conectan tres distritos londinenses.Este libro, bellamente ilustrado, presenta la obra de 35 artistas internacionales, entre ellos Antony Gormley, Tracey Emin, Thomas J Price, Rasheed Araeen, Rana Begum y Helen Cammock. Más de 150 fotografías en color –desde imágenes a la altura de los ojos de las instalaciones hasta espectaculares tomas aéreas con drones– contextualizan el entorno natural e industrial de The Line, creando un homenaje inmersivo a este inspirador recorrido de arte público. Incluye textos de Gus Casely-Hayford, Jes Fernie, Andrew Jones y Emma Dabiri.
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En 1810, durante la guerra de la Independencia (1808-1814), Francisco de Goya comenzó a trabajar en las 82 estampas que constituyen los Desastres de la guerra, donde elaboró artísticamente la experiencia del drama bélico y plasmó de forma descarnada su impacto en la vida de las gentes. Apoyándose en libros de emblemas y fuentes literarias, sublimó y abstrajo aspectos y acontecimientos concretos de la guerra, entre ellos la tortura, la devastación, el hambre o el horror de la violencia sexual como arma, que fue el primero en representar, pese a que en su época no existía debate social sobre su uso como medio o consecuencia de los conflictos armados. Aunque no se publicó hasta 1863, pasados 35 años de la muerte del pintor, la serie se encuentra entre las obras más conocidas de Goya, y su influencia en multitud de artistas posteriores es innegable.
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El títol de l'exposició i de la publicació, Aurèlia Muñoz. Ens, fa referència a un dels conceptes fonamentals en l'obra d'aquesta artista: la descripció que ella mateixa feia d'aquestes entitats ambigües i quimèriques. Són éssers que se situen entre l'humà, l'animal i el vegetal, i que representa amb una inesgotable profusió de personatges plurals i sense gènere, cossos tèxtils animats, vestits autoportants, arquitectures vegetals, anemones i estels que habiten el seu sorprenent imaginari.
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En las últimas dos décadas, Nicole Wittenberg ha desarrollado un expresivo conjunto de obras que incluye pinturas de paisajes, retratos y erotismo. Wittenberg, más conocida por sus vibrantes pinceladas, crea imágenes aparentemente espontáneas a partir de estudios y dibujos (a menudo del natural) que sintetiza en pinturas sobre lienzo de mayor tamaño.Entretejiendo gestos pictóricos de distintos temas (algunos publicados aquí por primera vez), esta primera monografía incluye ensayos de la historiadora de arte Suzanne Hudson, el comisario Devon Zimmerman y el pintor contemporáneo David Salle, así como una extensa conversación entre la artista y el escritor Jarrett Earnest. Estos textos crean un retrato profundo de Wittenberg como artista.Presentado en un hermoso estuche de tela que muestra detalles de una de sus composiciones florales, este libro explora toda la gama de la visión artística de Wittenberg y representa la publicación más importante de su obra hasta la fecha. La publicación del libro coincide con dos exposiciones individuales de la obra del artista, en el Museo de Arte Americano de Ogunquit y en el Centro de Arte Contemporáneo de Maine.
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Savor a curious world where fruit and flowers become faces. Arcimboldo's pictures were meant to amuse and also contained a deeper philosophical or political message. This comprehensive collection peels back their layers with wit and insight and illuminates the past. It's a cornucopia for art lovers.
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Publicación que dibuja una constelación de artistas de diferentes generaciones inspirada por el universo fílmico de Bruce Baillie.Cineasta esencial de los años 60, uno de los más influyentes de la vanguardia cinematográfica norteamericana y gran promotor del llamado cine experimental.Publicado con motivo de la exposición homónima en Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao y comisariada por Garbiñe Ortega, curadora de cine.
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Las listas no solo describen los signos del zodiaco, sino que también los comparan a partir de una gran variedad de temas, tanto terrenales como profundos. Cada lista proporciona una mirada sincera y sagaz que relaciona los signos entre sí y perfila diferentes personalidades basándose en los atributos de cada uno. Tanto si deseas analizar tus propios rasgos como comprender mejor a personas de tu entorno, este libro bellamente ilustrado te ofrece todas las respuestas que buscas. ¿Qué mueve a tu jefe? ¿Qué puedes hacer para tener una cita fantástica con un libra? ¿Qué no deberías decir nunca a un escorpio? ¡Adéntrate en el mundo interconectado del zodiaco para descubrirlo!
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Cet ouvrage est le premier guide de haute vulgarisation jamais publié sur les églises romanes de la Vall de Boí, ensemble monumental médiéval comptant parmi les plus importants d'Europe, inscrit en 2000 sur la liste du patrimoine mondial de l'Unesco. Il aspire à faire de la visite de ces églises une expérience culturelle aussi agréable qu'enrichissante. Il est à jour des connaissances issues des recherches les plus récentes. Le lecteur y trouvera aussi tout ce qui a trait aux peintures et aux sculptures qui se trouvaient dans ces églises et sont aujourd'hui conservées au Musée national d'Art de Catalogne. Il aura ainsi une vision on ne peut plus complète de ce fabuleux patrimoine artistique.
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LA BIOGRAFÍA DEFINITIVA DE LEONARDO DA VINCI, POR EL AUTOR DE CATERINA, NÚMERO 1 EN ITALIA Y MAYOR EXPERTO MUNDIAL EN SU FIGURA Comparado con Maggie O'Farrell, Carlo Vecce es un «gran narrador y erudito» (Corriere Fiorentino) que ha reescrito la vida de Da Vinci tras descubrir quién fue su madre. Un «Leonardo secreto, [...] frágil» (Il Mattino), «un genio rebelde» (Libero) «Una investigación con ritmo de relato apasionante de la vida del artista. [...] Un viaje al corazón del genio polifacético que soñó y vio el futuro». Libero En la inmensa bibliografía mundial sobre Leonardo, faltaba una biografía definitiva sobre el genio de Da Vinci. Carlo Vecce colma esta laguna ofreciendo al lector el retrato más completo a través de descubrimientos inéditos, de nuevas perspectivas sobre su obra y de la voz de aquellos que le conocieron. Sus contemporáneos tienen aquí vida y sangre, y sus recuerdos trazan a través de los siglos el retrato más polifacético y más íntimo jamás escrito sobre la vida de Leonardo, marcada por la borrascosa relación con su padre, por sus amores secretos y sus dificultades para acceder a un mundo del arte al que le costó adaptarse. A todo ello, Vecce añade la voz del propio Leonardo, hecha de palabras e imágenes que fluyen en la escritura diaria de páginas en cuadernos, libretas y hojas sueltas en las que se relata a sí mismo, dando vida al mayor de sus inventos: una forma de comunicación global, entre la oralidad y la escritura, la palabra y la imagen, extraordinaria por su modernidad y a través de la que pretendía captar y representar la variedad y la transitoriedad de una naturaleza en perpetuo devenir. Una obra inmensa, proyección de una mente prodigiosa que, libre de todo esquema y prejuicio, deja abiertas todas las posibilidades y que hace de su biografía un auténtico canto a la libertad. «Un relato biográfico documentado y riguroso hasta el más mínimo detalle. [...] plagado de acontecimientos íntimos [...]. Un libro escrito con el corazón.»Il Corriere della SeraLa crítica ha dicho: «Leonardo da Vinci fue un genio rebelde. Tras Caterina, Vecce nos regala ahora una extraordinaria biografía del genio, la única completamente actualizada a la luz de todos los documentos aparecidos en los últimos veinte años».Libero «Un Leonardo da Vinci secreto».Ugo Cundari, Il Mattino«Logra transmitir de la mejor manera posible la ansiedad subyacente de un hombre que utilizó la imaginación para examinar el vuelo y que odiaba la guerra».Corriere della sera Sobre Caterina se ha dicho: «Caterina ofrece muchos de los placeres de los libros recientes de Maggie O'Farrell, solo que con un aire apenas un poco más cercano. [...] La novela no solo funciona como una explicación literaria de la obra y la vida de Leonardo da Vinci. También es una refutación de la imagen del Renacimiento como un periodo de ligereza y alegría en la historia de la humanidad».Luis Alemany, El Mundo «La historia de Caterina, uno de los últimos espacios en blanco que todavía quedaban por rellenar dentro de la vida del artista».La Razón «Revolucionatodo lo que se conoce sobre el artista porque propone una nueva visión del mismo».Rubén Fernández-Costa, El Español «El lector descubrirá que el Renacimiento no era aquella utopía de cultura, arte y riqueza que nos habían vendido».La Sexta
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Una de las batallas más sofisticadas del franquismo se libró en un territorio tan íntimo como público: nuestras retinas. No solo propaganda es una inmersión en las estrategias que desplegó la dictadura para relacionarse con la población por medio del arte y la visualidad. Estas se desarrollaron desde el inicio de la contienda bélica hasta la llegada de la democracia. Emplearon imágenes, experiencias y eventos que ambicionaron (y, a menudo, lograron) llegar a los «grandes públicos», demostrando hasta qué punto el régimen era consciente de que la implantación social requiere de una compleja y constante ingeniería visual del imaginario colectivo. El libro revela cómo la maquinaria estatal trucó fotografías icónicas para criminalizar a los derrotados, al tiempo que utilizó la radio, la prensa y la televisión para trasladar una falsa imagen de modernidad, progreso y paz. También rastrea la presencia del poder en lugares tan aparentemente dispares como la biopolítica de las cárceles de la posguerra, donde la gimnasia y la fotografía domesticaban los cuerpos, o en las páginas de papel cuché de revistas femeninas como Telva o Dunia, en las que miles de mujeres descubrieron que el arte podía ser una herramienta a caballo entre el conservadurismo y la emancipación. Noemí de Haro García y Lola Visglerio Gómez reúnen en este volumen a destacados especialistas en el arte, la cultura visual y las políticas del franquismo para ofrecer una mirada poliédrica sobre aspectos poco explorados de la dictadura. Detrás de lo que ha sido tildado de mera propaganda se esconden diálogos y tensiones, sutileza y tosquedad, violencia y seducción. Reconocer esta inmensa paleta de grises invita a mirar el pasado y el presente con ojos más abiertos y vigilantes.
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El período de la «Edad Media» es sin duda uno de los más complejos y heterogéneos de nuestro pasado. En aproximadamente un milenio, Europa y el mundo mediterráneo ha vivido numerosos procesos y transformaciones. En la presente obra se analizan las expresiones artísticas de dicho período, entendidas como documentos históricos que nos dicen mucho sobre las personas que las ejecutaron o las patrocinaron, y sobre las sociedades para las que fueron creadas. Esta «Historia del arte medieval», complementada con los recursos didácticos que el lector encontrará en una página web, pretende ser una herramienta para ayudar a la mejor comprensión de una época con evidente e injusta mala fama, pero que fue capaz de crear obras excelsas del patrimonio mundial, desde las catacumbas de Roma a la catedral de Burgos, pasando por Santa Sofía de Constantinopla o la Alhambra de Granada.
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Los cuchillos japoneses son venerados en todo el mundo, y con razón: su elaboración está impregnada de historia y tradición, y el respeto y reconocimiento otorgados a los maestros artesanos garantizan que habilidades transmitidas durante generaciones sigan utilizándose en la actualidad. Anatomía del cuchillo japonés lo abarca todo: desde detalles sobre la extensa historia de la cuchillería en Japón y perfiles de las forjas más prestigiosas del país, hasta explicaciones minuciosas sobre los distintos aceros empleados y el proceso de forjado. Esta obra te guía por cada faceta de una industria que destaca por su excepcionalidad. Con información sobre el uso adecuado de cada tipo de cuchillo, así como instrucciones para afilarlos y mantenerlos correctamente -acompañadas de impresionantes fotografías tomadas en las propias forjas- Anatomía del cuchillo japonés se erige como el homenaje definitivo a los mejores artesanos cuchilleros del mundo.
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Aquesta publicació acompanya l’exposició En el centenari de Vicent Gómez García (1926-2026). Diàlegs amb Salvador Victoria, Josep-Marí Gómez Lozano i Joan GómezEsta publicación acompaña la exposición En el centenario de Vicente Gómez García (1926-2026). Diálogos con Salvador Victoria, Josep-Marí Gómez Lozano y Joan Gómez Alemany, celebrada en el Octubre Centre de Cultura Contemporània (València) del 17 de abril al 30 de mayo de 2026. El proyecto reúne principalmente la obra de Vicente Gómez y Salvador Victoria, a la que se suman el hijo y el nieto del primero, Josep-Marí Gómez Lozano y Joan Gómez Alemany (coordinadores del catálogo. Un “cuarteto” de miradas en diálogo desde la pintura y otras disciplinas, que entrelazan el arte y la memoria. El libro incluye textos de los comisarios de la exposición: Javier Moral Martín y Joan Gómez Alemany, y de diversos autores invitados como Joan Ramon Escrivà, Emili Payà, Ricardo García Prats, Paco Yáñez, Josep-Marí Gómez Lozano i Marie-Claire Decay, así como un amplio catálogo de imágenes de las obras expuestas y su instalación en sala
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Friedrich Hölderlin es probablemente el poeta favorito de André Butzer, se encuentra, junto con Walt Disney y Henri Matisse, entre sus ''personajes favoritos''. Su identificación con el poeta va todavía más lejos, ya que el día de la muerte de Hölderlin coincide con el cumpleaños del propio Butzer.Cuando Butzer se mudó a Los Ángeles, la tierra de sus sueños de juventud, por primera vez en 2001, sintió nostalgia del hogar. El hogar que anhelaba no estaba ni en el viejo mundo ni en el nuevo. En California, leyó Hyperion de Hölderlin y quedó conmocionado: ''Mientras leía, sentía que comprendía cada palabra. Pensé que esas palabras salían de mí''.Butzer se reconoce en el fatídico protagonista de Hölderlin e inventa la figura del vagabundo Errante. Su hogar está en la pintura, así que inicia su camino por la ''Hyperion Avenue'', la calle donde se inauguró The Walt Disney Studio en 1926. En palabras de Butzer: ''Hölderlin, al igual que Disney, expresa anhelos. Y estos pueden llevarse a la práctica''.Para Hölderlin, la poesía es el lugar que hace posible la existencia humana en la tierra. Para Butzer, ese lugar es la pintura. En la poesía, encuentra el sostén para resolver y reconciliar las contradicciones extremas del mundo a través de su pintura.En este libro de artista, Butzer ha reunido 47 poemas escritos por Hölderlin entre 1793 y 1843 sobre las cuatro estaciones. Estos poemas vinculan el ciclo de las estaciones con el curso de la vida humana como una parábola: la culminación otoñal de la maduración veraniega, el florecimiento de la vida en primavera y la experimentada aridez del invierno.Los poemas pueden parecer sencillos, pero en ellos Hölderlin da forma a la resistencia humana en condiciones aparentemente críticas: esperanza, duda, asombro, anhelo, amor. Asuntos del corazón, sencillos, lúcidos y vulnerables. Basta con pensar en Diotima, la musa de Hölderlin. En Sin título (Diotima), ella contempla un lugar oculto a nuestra vista. ¿Está mirando hacia su yo más íntimo o hacia la distancia inaccesible? Al verla ver, nos reconocemos en su mirada.Para acompañar los poemas, Butzer ha creado 40 acuarelas. Sus personajes icónicos —el Errante, la Mujer, la Paz-Siemens— aparecen y reaparecen cíclicamente entre los delicados colores. Cada figura, cada objeto, cada trazo, cada mancha y cada matiz de color posee su propia esencia. Y, sin embargo, una y otra vez, una frágil armonía emerge de su vínculo contradictorio.El libro no sigue el tiempo cronológico cotidiano ni la sucesión ''factual'' de las estaciones. En lugar de eso, Butzer dispone los poemas y las acuarelas intuitivamente, formando constelaciones abiertas. Esto se corresponde con la fantástica y caprichosa datación de Hölderlin, en la que un poema de 1843, por ejemplo, puede atribuirse a 1758, 1648 o 1940. En el persistente tiempo poético, pasado y futuro se integran en un todo completo.Al unísono, palabras e imágenes reflexionan sobre la vida del hombre en la tierra de la forma más humilde y poética.
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Un nuevo volumen ricamente ilustrado dedicado a las obras más importantes de Édouard Manet (1832-1883), figura clave en el nacimiento del impresionismo y considerado por muchos el primer artista moderno. Con cerca de un centenar de obras fundamentales, incluyendo óleos, dibujos, pasteles y grabados, este libro rinde homenaje al artista que allanó el camino para el movimiento impresionista y el surgimiento de la modernidad. Combinando una técnica radical con temas contemporáneos, las innovadoras obras de Manet se adentran en el París moderno para mostrar sus nuevos bulevares y sus elegantes parques y cafés, así como una amplia variedad de tipos urbanos, desde traperos y prostitutas hasta camareras y sofisticadas parisinas. El volumen incluye las emblemáticas escenas de la vida moderna que pintó el artista, como El almuerzo sobre la hierba, con su sorprendente yuxtaposición de un desnudo femenino con dos hombres completamente vestidos, y Olimpia, una reinterpretación moderna de la Venus de Urbino -la obra maestra renacentista de Tiziano- con la que Manet escandalizó al París de la década de 1860 y se consolidó como líder de la vanguardia. El libro explora también su legado artístico en la obra de generaciones posteriores de artistas, desde Paul Cézanne y Pablo Picasso hasta creadores contemporáneos como Nicole Eisenman.
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Este libro presenta y estudia el legado artístico e intelectual de Laura Ramírez Palacio (Medellín, 1988 - Madrid, 2022). Los trece textos aquí reunidos —escritos por autores e investigadores de reconocida trayectoria que conocieron a la artista y han estudiado su producción con rigor— ofrecen una panorámica poliédrica de una obra que nace del dolor, de la memoria de la violencia y del examen implacable de las estructuras patriarcales que sostienen su repetición.
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El mundo de los samuráis en el arte japonés. Una colección de 22 postales, pequeñas piezas de arte para enviar, enmarcar o guardar como un tesoro.Presentamos 22 retratos de samuráis pertenecientes a la serie Taiheiki Eiyūden (o Héroes de la Gran Pacificación), de 1867. Estos 22 hombres representados con maestría por Yoshiiku son algunos de los guerreros más célebres de la historia japonesa, y ejemplifican como pocos la figura del samurái. Dignos de admiración tanto en la victoria como en la derrota, todos ellos se erigieron en principales protagonistas del periodo Sengoku (finales del s.XV - finales del s.XVI), un agitado periodo de guerras civiles, sangrientas batallas y presencia constante de la muerte. Utagawa Yoshiiku fue uno de los últimos grandes nombres de la última época del grabado japonés clásico. Sus numerosas series de estampas de samuráis, de impecable factura técnica, le procuraron muy pronto la fama y el éxito.
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Salvador Dalí convirtió el paisaje ampurdanés en un símbolo del surrealismo. La obra del pintor catalán resulta inseparable de su geografía natal. La mejor prueba la tenemos en los espacios del Teatro-Museo Dalí, de Fiueres, la casa de Portlligat y el castillo de Púbol. Tres vértices del triángulo en el que transcurrió buena parte de la vida cotidiana del genial artista.
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Senko: Luz que aparece de pronto e ilumina las ideas.Destello, rayo de inspiración. Descubre Japón con nuestro Quaterni Senko, un libro diferente, original,para aprender, para relajarte, para pensar e inspirarte, y en el que reflejar tus ideas. Pero también, unlibro para divertirte mientras descubres un montón decuriosidades sobre Japón, un país tan lejano y exótico como bello y atractivo. Un viaje al País del Sol Naciente sin salir de casa.
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« L’impression première que produit une toile d’Édouard Manet est un peu dure. On n’est pas habitué à voir des traductions aussi simples et aussi sincères de la réalité. Il y a là quelques raideurs élégantes qui surprennent. L’œil n’aperçoit d’abord que des teintes plaquées largement. Mais bientôt les objets se dessinent et se mettent à leur place , au bout de quelques secondes, l’ensemble apparaît, vigoureux, et l’on goûte un véritable charme à contempler cette peinture claire et grave, qui rend la nature avec une brutalité douce, si je puis m’exprimer ainsi. [...] Cet audacieux, dont on s’est moqué, a des procédés fort sages, et si ses œuvres ont un aspect particulier, elles ne le doivent qu’à la façon toute personnelle dont il aperçoit et traduit les objets. »
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Nicolas Gzeley es fotógrafo, autor, periodista y grafitero. Colabora con diversas revistas y libros especializados.Nicolas Laugero-Lasserre es director de la escuela icart, presidente fundador de la asociación Artistik Rezo y coleccionista de arte urbano.Stéphanie Lemoine, periodista y crítica de arte, enseña historia del arte urbano en la Universidad Panthéon-Sorbonne.Sophie Pujas es periodista en Le Point y escritora. Autora de tres obras sobre arte callejero.
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¡El siguiente capítulo en la historia de Break Protocols ya esta disponible! La historia de Orion, Tyra, Kiur y los demás personajes que pueblan la ciudad de Keon se ven envueltos en una trama política mientras las cosas se ponen al rojo vivo entre bambalinas.
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El claroscuro de un genio maldito. «Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer.» Daily Mail Michelangelo Merisi da Caravaggio vivió la más oscura y peligrosa vida de entre los grandes maestros de la pintura. Los ambientes de Milán, Roma y Nápoles en los que Caravaggio se movió, y que Andrew Graham-Dixon describe magníficamente en este libro, son los de los cardenales y las prostitutas, los de la oración y la violencia. En las calles que circundaban iglesias y palacios, las peleas y los duelos eran moneda común. En una de estas disputas, el impetuoso Caravaggio mató a otro hombre y tuvo que huir a Nápoles y luego a Malta, donde escapó de prisión tras verse envuelto en otro episodio violento. Él mismo fue víctima de un intento de asesinato en Nápoles tiempo después. Murió mientras regresaba a Roma en busca del perdón papal para sus crímenes. Tenía 38 años. Andrew Graham-Dixon pasó una década reuniendo las evidencias conservadas sobre la vida de Caravaggio para responder en este libro a muchas de las cuestiones que durante años desconcertaron a los investigadores. Revela las identidades de la gente corriente -a menudo prostitutas y mendigos- que el pintor usó como modelos para sus representaciones de escenas religiosas clásicas describe lo que pasó realmente durante ese fatídico duelo y ofrece el más convincente relato publicado hasta la fecha de las extraordinarias circunstancias de su muerte. Y en el centro de este relato se sitúa la reveladora interpretación que Graham-Dixon hace de los cuadros de Caravaggio para mostrar cómo éste creaba su drama, inmediatez y humanidad, y cómo rompió drásticamente con las convenciones de la época. La crítica ha dicho...«Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer. Impresionantemente erudita y bien escrita, ésta es una extraordinaria historia de un hombre que nunca nos habla más que a través de su pintura.»Daily Mail «La vida de Caravaggio fue en cada detalle tan sangrienta, excitante y atractiva como sus propias pinturas. Entre informes policiales y exuberantes lienzos, Graham-Dixon ha moldeado una vida y la historia de una sociedad.»The Times «Raramente se ha podido contemplar a Caravaggio con tanta profundidad y relieve como en esta maravillosa biografía. El hombre y su obra emergen enriquecidos y revitalizados.»Neil MacGregor, director del British Museum «Tras años en los que los historiadores del arte se han concentrado en los detalles del estilo artístico, es refrescante leer una biografía de Caravaggio que combina la sangre y las vísceras de los callejones de Roma con una verdadera comprensión de la calidad y el carácter de su pintura.»Charles Saumarez Smith, director de la Royal Academy of Art «El que a Graham-Dixon le llevara una década investigar y escribir este lúcido y fascinante libro es una muestra de la profundidad de sus indagaciones, la destreza de su análisis histórico y artístico y la hábil fluidez con la que está expresado. Se trata de una proeza poco común.»Publishers Weekly
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Descubre la historia del arte contemporáneo como nunca antes te la habían contado. ¿Cómo se convirtió en arte una lata de sopa de tomate? ¿Y una tienda de campaña? ¿Y una cama deshecha o un tiburón en formol? ¿Cómo se desafía a uno de los gobiernos más poderosos del mundo rompiendo un jarrón antiguo? ¡BOOOM! La explosión del arte contemporáneo es una novela gráfica que recorre un siglo del arte más revolucionario. Desde el escandaloso urinario que Marcel Duchamp intervino en 1917 hasta el provocador plátano pegado a la pared por Maurizio Cattelan en 2019, este libro explica cómo el arte contemporáneo ha roto continuamente con las normas establecidas. A partir de un contexto de transición entre guerras mundiales, reflejando los cambios sociales y afrontando retos como el de la globalización, estas páginas repasan las vidas de los artistas clave y sus obras más impactantes o emblemáticas, y ponen de manifiesto su legado e influencia cultural. Una guía visual y accesible que te sorprenderá y te hará reflexionar.
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¿Qué vemos en el rostro de una persona? Ojos, boca, nariz... Pero ¿se puede trazar su geografía? ¿Se pueden conocer sus accidentes? ¿Visitar sus capitales, circular por las principales vías, explorar los lugares apartados? ¿Qué domina el rostro y qué nos fascina de él? En este ensayo, Charo Crego transita por la cara humana a través de la historia y su plasmación en el arte, mostrándonos que no siempre se ha mirado el rostro de la misma manera. En el arte medieval, la boca dominó como órgano engullidor, orificio de acceso, pero en los siglos posteriores esa misma boca se convirtió en abertura de salida: emisora del grito y del malestar psicológico. En el Renacimiento los ojos se afianzaron con la mirada segura y confiada del hombre, pero pronto terminaron velándose, primero tras los párpados, después tras las gafas y por último tras las máscaras. Finalmente, en el arte del siglo XX, la faz ha perdido todos sus rasgos: ya no hay ojos ni nariz ni boca en muchos de los rostros de Dalí, Bacon, Magritte, Dix o Borremans. A veces, ni siquiera perviven sus perfiles...
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Los grandes maestros de la pintura y los movimientos artísticos más importantes de la Historia del arte, reunidos en una colección imprescindible. Los nombres que revolucionaron el panorama artístico de su tiempo, las principales corrientes estéticas a lo largo de los siglos, las huellas de las grandes civilizaciones. Estos lujosos volúmenes explican todo esto y mucho más, ilustrados con 300 fotografías de gran calidad y tres niveles de lectura. Con códigos de color que permiten personalizar el recorrido de la obra, los libros también contienen un índice de lugares y nombres, así como una lista de los principales museos, con el fn de facilitar la localización de las obras.Tal vez ningún otro, en la historia del hombre, ha encarnado como Leonardo el verdadero ''genio''. En el corazón del Renacimiento, entre la Florencia de los Médicis y el Milan de los Sforza, Leonardo explora en solitario los más diversos campos del arte y de la ciencia, ampliando de modo decisivo los conocimientos precedentes. Siempre dispuesto a profundizar experimentalmente nuevos horizontes científicos, Leonardo proyecta toda su actividad en el dibujo y la pintura, dejando algunas de las grandes obras más célebres e imitadas de todos los tiempos, sin disipar completamente el misterio de una vida y un pensamiento incomparables.
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Pablo Picasso fue publicado por primera vez en español en 1946. Su núcleo originario, sin embargo, hay que buscarlo en la edición francesa de 1930, en la que Ors y Picasso trabajaron en estrecha colaboración, el primero preparando un texto que había de ser la realización efectiva, en el Picasso de esta época, de sus ideales estéticos? Ors quiso estudiar, en especial, lo que de clásico, italiano y anti impresionista había en sus cuadros?, el segundo, seleccionando y preparando las ilustraciones que habían de alumbrar las palabras del escritor. La obra que hoy presentamos, y en la que reunimos significativamente el texto de la edición española con 37 ilustraciones de la edición francesa, más que un análisis crítico de la obra picassiana, es el testimonio de la culminación de una amistad y, a la vez, un estudio imprescindible para todo aquel que pretenda acercarse al pensamiento artístico de dos de las figuras más representativas del siglo XX.
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Este libro reúne una selección de veintiuna entrevistas con el artista Santiago Sierra (Madrid, 1966) realizadas por críticos, periodistas, comisarios e investigadores entre 2002 y 2015. En estas conversaciones se discuten muchos de los proyectos más representativos de su amplísima producción, por lo que el volumen ofrece una visión panorámica de la obra de uno de los artistas más clarividentes y mordaces de las dos últimas décadas.
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Una herramienta fundamental para pensar e imaginar el presente y el futuro de un mundo en emergencia.En el presente libro, la tradicional separación entre naturaleza y cultura, construida en connivencia con la Historia del arte, se ve interpelada por la invocación de un mundo posnatural. Los imaginarios del fin del mundo y del apocalipsis se resignifican en las primeras décadas del siglo XXI, al ritmo de las múltiples crisis planetarias, la producción de residuos o el avance de la IA, así como de las nuevas teorías que promueven formas alternativas de relación con el planeta, desde las ecologías queer al pensamiento poshumano.En este paisaje de profundas mutaciones, el arte se convierte en una herramienta fundamental para pensar e imaginar el presente y el futuro de la vida en la Tierra. A través de genealogías que reescriben la historia del paisaje, el retrato y la naturaleza muerta, se exploran prácticas artísticas que desafían la norma, desmontan el mito de lo natural y ensayan estéticas contrapocalípticas para un mundo en emergencia.Para ello, se recurre también a las nuevas ontoepistemologías que, procedentes de ámbitos científicos como la biología, la botánica, la micología o la física cuántica, están transformando los modos de pensar el mundo y las formas de habitar en él. Un libro, en definitiva, para comprender la naturaleza estética de la crisis planetaria y el papel del arte desde una formulación naturocultural de la Historia del arte.
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Este libro ofrece una revisión crítica de la figura de Bartolomé Esteban Murillo alejada de los tópicos historiográficos tradicionales. José Riello y Fernando Marías cuestionan la imagen del artista sevillano como pictor doctus para presentarlo como un ''pintor práctico'': un profesional competente en su oficio, pero con una formación intelectual limitada. A través del análisis de documentos sobre la canonización de san Fernando, el examen de sus autorretratos, el estudio de las inscripciones en sus obras, sus libros, su participación en la academia sevillana y la revisión de su cultura visual y literaria, los autores revelan a un Murillo más preocupado por los aspectos técnicos y comerciales de su arte que por unas más que silentes disquisiciones teóricas. La investigación aporta nuevas perspectivas sobre uno de los pintores más célebres y exitosos del siglo xvii sevillano y su lugar en la cultura artística de su tiempo.
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Somos raíces, el catálogo de la exposición homónima que se inaugura en el Círculo de Bellas Artes el 12 de junio de 2025, propone un encuentro con el universo de Santiago Yahuarcani, pintor y escultor autodidacta del clan de la Garza Blanca de la nación uitoto, y su compañera Nereyda López, escultora autodidacta de ascendencia tikuna y cocama.La exposición invita a emprender un viaje por cosmogonías indígenas basadas en la oralidad, el canto, la visión y la resistencia comunitaria. A través de sus obras, Santiago y Nereyda reinterpretan los mitos y el mundo espiritual de sus antepasados, a la vez que relatan siglos de extractivismo y violencia que siguen afectando profundamente a los pueblos originarios de la región amazónica, marcada por el genocidio cauchero.
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COLORING IS THE NEW BLACK.¡Deja volar la imaginación para poner color a tus mascotas favoritas! Ya sea que estés relajándote en casa o buscando el regalo perfecto, este libro para colorear ofrece la combinación ideal de relax y diversión. Alimenta tu creatividad mientras tu imaginación pone color a las trastadas de tus traviesos compañeros de vida: gatos, perros, periquitos, un cerdo vietnamita, ¡y muchos más! Una experiencia de coloring inolvidable: Ideal para relajarte. Sumérgete en momentos de paz mientras coloreas a estos animales adorables en sus aventuras. Páginas impresas por un solo lado. Colorea sin preocupaciones, sin traspasos (consejo: coloca una hoja debajo si usas rotuladores). Un regalo pensado con cariño. Celebra los momentos especiales de la vida y comparte alegría con amigos, familiares o contigo mismo. Viaja por el mundo desde casa. Siente la emoción de explorar mientras te acurrucas en tu rincón favorito. RELÁJATE Y EXPRESA TU CREATIVIDAD CON ESTA COLECCIÓN DE LIBROS PARA COLOREAR.
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