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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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¿Es Picasso un genio o un mito? Adéntrate en este libro para desentrañar el legado de su arte revolucionario. ¿Es Picasso realmente el genio que todos dicen? ¿Qué secretos esconde su obra que aún no hemos descubierto? ¿Cómo es posible que esos cuadros tan ''raros'' se convirtiesen en la piedra angular de la historia del arte moderno? La obra de Picasso es una paradoja fascinante: todos los expertos lo veneran como el indiscutible dios del arte del siglo XX y uno de los grandes artistas de la historia..., pero cuando te enfrentas a sus cuadros, algo no encaja. Muchas de sus piezas parecen extrañas, incluso feas, algunas, casi infantiles. Y cuando intentas entenderlas escuchando a los especialistas, terminas perdido en un laberinto de palabras rebuscadas, conceptos confusos y términos tan técnicos que, en lugar de aclararte, te desconciertan aún más. ¿Qué está pasando aquí? José S. Mateos (@GodPikasso) ha creado un método innovador y muy didáctico para entender el legado del artista malagueño: una experiencia divertida, clara y lúdica que transforma su obra en un videojuego multiaventura. Solo necesitas un buen tutorial para empezar a jugar... y lo tienes en tus manos. Imagina un juego con reglas propias, personajes inolvidables y escenarios llenos de misterio, donde descubrirás cómo Picasso creó sus obras más sorprendentes, sus experimentos más audaces y sus trucos de magia visual. Este libro contiene la llave maestra para entrar en el universo del artista más revolucionario, atrevido y apasionado que ha dado la historia del arte. Olvida el mito del genio y sumérgete en la esencia del auténtico creador. ''No se me ocurre a un acompañante mejor que José Mateos para visitar el mundo de Picasso con un disfrute especial con cada guiño, cada broma y cada puzle que el pintor ha dejado en su obra. Picasso necesitaba un libro como el que tienes ahora mismo en las manos''. Miguel Ángel Cajigal Vera (@elbarroquista)
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Un viaje fascinante al universo de Edvard Munch, donde arte y psicología se entrelazan para desvelar la intensidad emocional y la complejidad vital de uno de los grandes genios del expresionismo.
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1937, Belo Horizonte, Brasil. Tras tres meses sin jornal, pequeñas huelgas estallan aquí y allá en las minas del patriarca Oswaldo Wallace, quien ha amasado su fortuna dirigiendo el negocio con mano de hierro. Para liquidar las insurgencias, Wallace recurrirá a los camisas verdes, organización paramilitar fascista que pugna por limpiar la nación de la hipotética amenaza roja. “¿No me diréis que os da reparo apalizar a un sucio comunista?”. Este ambiente marcará la vida de Severino y Ramires, hijos de Wallace, de manera antagónica: el uno, comprometido con la izquierda, ejercerá de periodista, el segundo mutará en ferviente partidario de la dictadura militar brasileña durante los Años de Plomo (“o chumbo” en portugués). En casa aguardan la esposa de Oswaldo, Maria-Augusta, y sus hijas Adélia, Úrsula y Berenice, víctimas a su vez de sus propias aspiraciones. Inspirada en su propia historia familiar, Matthias Lehmann relata el declive de la familia Wallace en una conmovedora saga mitad documental mitad fi cción, donde los destinos de los personajes se entrelazan con los devenires de la dictadura brasileña. Sesenta años de historia de un país tan impetuoso como convulso, narrados a través de la encrucijada del diseño gráfi co y la publicidad brasileños, el naturalismo de Zola y un trazo inspirado en autores como Robert Crumb, Flavio Colin o Art Spiegelman. Dibujante, ilustrador y pintor ocasional de raíces francobrasileñas, Matthias Lehmann nació en la región de París en 1978 y ya en la adolescencia empezó a foguearse en la historieta breve y el mundo de la autoedición. Ha colaborado de manera regular en revistas y periódicos como Fluide Glacial, Le Monde o Libération. Especialista en la técnica del linograbado, tiene en su haber cerca de diez álbumes entre los que destaca La favorita (2015), que mereció el reconocimiento de diversos festivales internacionales y forma parte del catálogo de Ediciones La Cúpula. Con Chumbo, monumental trabajo que ha ido desarrollando con la ayuda de residencias como la Maison des Auteurs de Angulema, la Villa Médicis de Roma y la Drawing Factory de París, se alza defi nitivamente como uno de los nombres fundamentales del tebeo actual.
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A pesar del éxito del que disfrutó en vida y que ha llegado intacto hasta nuestro días, Claude Lorrain (Claudio de Lorena) no fue un genio. Fue más bien un trabajador modesto que se empleó con dedicación a pintar el esplendor de la naturaleza, consiguiendo reflejarlo con los mejores efectos atmosféricos y luminosos en sus cuadros, en los cuales el paisaje va a ser el gran protagonista. Por imposición de los comitentes, casi todos los cuadros pintados por Laude Lorrain representan algún tema pastoril, histórico o heroico, pero aquellos clientes no estuvieron interesados por las figuras que aparecen en esas obras sino por los amaneceres y las puestas de sol que tiñen de un color dorado y homogéneo idílicas campiñas y ensenadas, ya que en el segundo tercio del siglo SVII en Roma se estaba desarrollando un gusto por la contemplación de imágenes bellas, sin que en las pinturas fuera necesaria la aparición de alambicados discursos morales. La belleza ideal que desprende su obra no responde a un canon métrico, como lo puede hacer una escultura de Policleto, sino que emana de la serenidad y la perfección de una naturaleza esplendorosa que se muestra bajo la suave luz de un sol que ilumina un mundo acogedor y placentero.
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Monografía en torno a la obra de la artista Marta Palau (Albesa, Lérida, 1934–Ciudad de México, 2022). In- cluye dibujos, pinturas y algunas de sus grandes instalaciones textiles, en diálogo con objetos y con elementos provenientes de su archivo personal, así como una investigación sobre su obra y su contexto político y social. El volumen se convertirá en un libro de referencia sobre sus prácticas.
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Las colecciones particulares de algunos de los artistas más destacados de las últimas década, nos ofrecen, con estas piezas, información sobre las actitudes y referentes del pasado o de otras culturas que les han servido de inspiración y estímulo creativo. Artistas como Rosa Amorós, Miquel Barceló, Georg Baselitz, Luis Feito, Joan Hernández Pijuan, Manolo Millares, Joan Miró, Susana Solano, Hiroshi Sugimoto o Antoni Tàpies han buscado en el arte popular, en las tradiciones orientales, africanas y americanas, el sentido de lo que es sagrado.
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Al abrir este volumen, nos encontramos con nuestro indómito héroe a sus 46 años, sumergido en plena crisis de la mediana edad. Pero en realidad Crumb ha vivido toda su vida marcado por episodios de ansiedad introspectivos y autoflagelantes, y estos años de madurez le sirven para depurar su agitada existencia y perfeccionar su talento artístico. El autor acompaña ahora los dibujos con textos más largos que dan muestra de su aguda capacidad de observación, como lo demuestra un extenso párrafo dedicado a un encuentro con los amigos veganos de su hermano Maxon y otro con un himno poético dedicado a la angustia vital y el envejecimiento. La mudanza de su familia en 1991 a Sauve, al sur de Francia, se refleja en algunos cambios en su obra: los retratos de muchachas estadounidenses de mejillas sonrosadas esperando a ser servidas en cafés de California dan paso a chicas en cafés franceses, también aparecen imágenes pastoriles ambientadas en la campiña gala e inquietantes escenas de mendigos en el metro.El nuevo personaje más destacado en este cuaderno de bocetos es un santón con turbante al que la joven Sophie Crumb llama Roman Dodo. Parece inspirarse ligeramente en el hermano de Robert, Maxon. Además de novias del presente y del pasado, también hace su debut Patricia Pig, una alegre híbrida humano-porcino.A medida que el artista se acerca a los 50 años, las fantasías de vuelta a la dependencia infantil de figuras femeninas fuertes e incluso de una buena muerte, llevado a lomos de un ángel joven y fornido, nos hablan no tanto de la angustia como de la aceptación del proceso de envejecimiento. Nuestro querido cascarrabias encuentra una forma de paz, una especie de aceptación de los crueles caprichos del destino. Hasta las páginas finales, cuando se llama a sí mismo, sin saberse muy bien por qué, «pedazo de MARICA».En resumidas cuentas, otro volumen arrollador.
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Durante los acontecimientos que tenían lugar en París en los famosos días de Mayo del 68, Carlos León se encontraba prestando el llamado servicio militar obligatorio. Tenía veinte años y acababa de tomar la primera decisión importante de su vida: abandonar los estudios de Medicina, que había comenzado a cursar en la Universidad de Valladolid, para entregarse a su recién descubierta vocación de pintor. En otoño de 1972 el joven artista marchó a París. El día de su llegada a la capital francesa, la visita a la exposición de Barnett Newman que tenía lugar entonces en el Grand Palais, constituyó para él un auténtico hapax llamado a orientar su incipiente trayectoria de modo determinante. Desde entonces no ha dejado nunca de pintar ni, a veces, de escribir.
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* Guía de bolsillo sobre los movimientos, las obras, los temas y las técnicas fundamentales. * Una nueva e innovadora introducción al arte creado desde finales de la década de 1960 hasta nuestros días. * 49 obras esenciales del arte contemporáneo, piezas que van desde el land art y el performance art hasta óleos y NFT, que se relacionan con los movimientos, conceptos y metodologías más significativos. Accesible, conciso y profusamente ilustrado con imágenes de obras emblemáticas de creadores de todo el mundo, este libro explora cómo y por qué se desarrolló este arte y se ponen de manifiesto las cruciales innovaciones de diversos artistas. Esta desmitificadora introducción al tema permite conocer con profundidad y disfrutar en toda su extensión el arte más revolucionario creado en las últimas décadas.
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Acompaña a 21 perros en un paseo por la historia del arte. Desde los bustos del antiguo Egipto hasta las serigrafías de los años sesenta, el retrato es una forma de arte muy querida por pintores, escultores y fotógrafos. Esta guía divertida y atractiva presenta 21 de las obras maestras más importantes y reconocibles de la historia, reimaginadas con elegantes temas caninos. Con una perspectiva única y creativa, este homenaje canino es perfecto para los amantes de los perros y del arte.
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Dins la col·lecció de cartells que poseeix el Museu d'Art de Catalunya són representats alguns dels noms més il·lustres de la història del cartell europeu i americà.També el repertori il·lustra un episodi molt notable d'avantguardisme gràfic, resultat de l'esforç col·leccionista dut a terme per Plandiura i Riquer.A cada plana trobareu una reproducció d'un cartell de gran bellesa artística i la fitxa tècnica. Un recorregut brillant per l'art publicitari de finals del segle XIX i principis del segle XX.
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Kawaii es un estilo artístico japonés que podrás usar para hacer adorables dibujos de diferentes especies animales. Esta guía contiene: - Una introducción sobre diversos materiales y técnicas - Proyectos de animales kawaii con instrucciones paso a paso - Láminas de dibujo para que crees tus propias obras de arte
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'Lo que no queremos, aquello que simboliza la frustración, el bloqueo, lo incómodo. Aquello que en el fondo sabemos que es necesario para avanzar en lo que buscamos. [...] Un desecho útil para quien piense y sienta antes de actuar.'' En esta nueva edición, Guridi revisita el proceso creativo y ahonda en el papel del error con nuevas reflexiones y narraciones visuales. A caballo entre un manual de creatividad y un cuaderno de artista, el libro que tienes entre las manos es una invitación a pasear por los entresijos de la creación y las dobleces de la subjetividad para entender el arte en base a la autenticidad y la conexión.
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Esta publicación contiene y cataloga una de las series más sugestivas y metalingüísticas del artista José Luis Serzo, en la que construye una ficción visual donde James Ensor y José Gutiérrez Solana son convocados a compartir una mesa suspendida en un equilibrio imposible, separados por una montaña de máscaras que actúa simultáneamente como banquete, barrera y metáfora. El proyecto se articula alrededor de una pregunta irresoluble: qué conversación habrían mantenido estos dos artistas si hubieran compartido mesa. Serzo establece un diálogo a tres bandas donde su propia figura se incorpora a la conversación. Desde una estética neobarroca, el artista prolonga las preocupaciones de sus referentes -la identidad, la muerte, la representación y la condición humana- para trasladarlas al presente. El resultado es un universo escénico donde lo fantástico y lo simbólico conviven en una dramaturgia que invita al espectador a atravesar los límites entre realidad y ficción.
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Adéntrate en un mundo donde el diseño se fusiona con el arte de las maneras más audaces, subversivas y cautivadoras. Hermanos Haas: Uncanny Valley es la esperadísima primera monografía sobre el arte audaz, irreverente y fantástico de Niki y Simon Haas.Conocidos por su práctica creativa innovadora, el dúo trabaja en los campos del arte, la artesanía, el diseño y la tecnología con un enfoque a la vez conceptual y formal, e intelectual y lúdico.El libro acompaña la primera gran retrospectiva itinerante de mitad de carrera dedicada a los hermanos Haas en el Museo de Arte Cranbrook de Michigan en otoño de 2025, y destaca más de 100 de sus obras más icónicas, desde muebles casi ridículos que dan que hablar hasta atrevidas esculturas de tamaño natural.Textos enriquecidos, que incluyen relatos personales de primera mano de los hermanos y una entrevista con las artistas vanguardistas madre-hija Lita e Isabelle Albuquerque, complementan las vívidas imágenes del libro.
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Este libro recorre de forma exhaustiva la trayectoria de Jasper Johns, uno de los artistas fundamentales del arte de posguerra. A lo largo de siete décadas de producción, su obra transita desde las icónicas banderas, dianas, números y mapas de los años cincuenta, que marcaron una ruptura decisiva con el Expresionismo Abstracto, hasta las investigaciones formales y conceptuales de sus últimas series. Su trabajo, de carácter analítico y autorreflexivo, fue clave en el desarrollo del Arte Pop, el Minimalismo y el Arte Conceptual, e influyó de manera decisiva en generaciones posteriores. El resultado es una obra amplia, compleja y profundamente influyente que queda recogida en este volumen. Incluye textos de Enrique Juncosa, ColmToibim, Roberta Bernstein y Terry Winters. Publicado con motivo de la exposición homónima en el Museo Guggenheim, del 29 de mayo al 12 de octubre 2026.
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![Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw6eda647f/images/large/1531941.16.jpg?sh=240 "Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]")
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Eclecticisme, acumulació, superposició, relació, celebració… aquestes són algunes de les paraules que serveixen per descriure la publicació de Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus fa un recorregut per l’univers artístic i vital de l’artista mitjançant una seixantena d’obres que van des de finals dels anys vuitanta fins a l’actualitat i que es materialitzen en forma d’escultures, collages, fotografies, instal·lacions, vídeo i accions en viu.El llibre inclou una selecció de textos d’Elvira Dyangani Ose, Martí Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares i Núria Gómez Gabriel, que ajuden a posar el focus en diversos aspectes de la seva pràctica, així com una àmplia documentació gràfica de la seva obra. La intenció final és aconseguir dinamitar l’ordre cronològic de la narrativa i establir una contaminació de relats que ajuden a entendre el seu univers.La publicació consta de tres edicions separades en castellà, català i anglès.
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¿Cómo construyeron los egipcios las pirámides? ¿Por qué se momificaban a los muertos? ¿Qué hacían los egipcios en su tiempo libre? ¿Cómo se leen los jeroglíficos? ¿Por qué los dioses egipcios tenían cabezas de animales? ¿Cómo llegó Cleopatra a ser reina? ¿Quién fue víctima de la maldición de los faraones? A través de su mitología, historia y cultura, descubre los misterios del Egipto de los faraones con esta enciclopedia ilustrada con imágenes antiguas y absolutamente hermosas.
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Marisol: Cuando todo está por comenzar. Dibujos de 1949 a 2015 es la primera retrospectiva dedicada íntegramente al dibujo en la obra de la artista norteamericana de origen venezolano Marisol. A través de más de cien trabajos realizados a lo largo de seis décadas, junto con esculturas, materiales de archivo y stillsde las películas de Andy Warhol que protagonizó, este libro revela el dibujo como el hilo continuo de una práctica en constante transformación. En sus obras, la artista entrelaza inquietudes personales, reflexiones sociales y ficciones imaginativas, haciendo del dibujo un espacio de exploración y repliegue. El título, tomado de una frase de Leo Castelli, evoca tanto el momento de su temprana proyección internacional como las retiradas decisivas que marcaron su trayectoria, tras las cuales su obra reaparece siempre renovada.
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El pintor de las pulsiones ocultas y los miedos atávicos del Siglo de las LucesPintor, poeta, crítico, académico y outsider irredento, Henry Fuseli (Zürich, 1741 - Londres, 1825) es un verso suelto en la historia del arte. Autor de algunas de las imágenes más ferozmente imaginativas de la pintura británica, siempre estuvo a caballo entre dos aguas, suscitando fascinación y rechazo a partes iguales. Enterrado en el siglo XIX y resucitado por las vanguardias, este libro se acerca a su figura desde los claros sombríos que marcan la esencia de uno de los grandes genios dieciochescos. Un artista que, como Blake, Goya, Piranesi o Sade, habría de resultar pieza clave en la gestación de las más tenebrosas modernidades.
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“Debe el gran Paolo Calliari Veronese llamarse ‘El tesorero de la pintura’, porque de ella provienen todas las joyas de su precioso erario, así como el poder de esparcirlas a su antojo, de modo que todo el mundo se vea embellecido por su pincel.” (Marco Boschini, 1674) Se recogen aquí cinco escritos sobre el pintor veneciano Paolo Veronese (1528-1588), publicados entre 1648 y 1699 y hasta ahora inéditos en español, además de un artículo de José Moreno Villa y un epílogo del responsable de la edición, Humberto Huergo Cardoso, catedrático del Carleton College (EE.UU.).
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Una biografía del color más misterioso, evocador y singular de todo el espectro cromático.«El azul siempre ha sido mi color preferido». A partir de esta simple premisa, Daniel Entrialgo explora cómo este color pasó de ser una rareza ignorada a convertirse en la tonalidad favorita de la sociedad moderna (más de un 40 por ciento de la población lo elige como su favorito), y se sirve para ello del mundo del cine, la historia, la literatura o el arte. Y es que el azul, el color que conquista a Occidente, tiene una historia tan curiosa como inesperada: aunque hoy lo asociamos con elegancia y serenidad, no siempre fue así. Los antiguos griegos, por ejemplo, ni siquiera lo reconocían como un color propio.
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![Frida Kahlo: The frame [El marco]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw0f887c2a/images/large/1573946.99.jpg?sh=240 "Frida Kahlo: The frame [El marco]")
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El arte en juego es una colección de libros para que los más pequeños descubran el arte de los siglos XX y XXI. Página tras página, mediante imágenes, preguntas, sorpresas gráficas o juegos, se da a conocer una obra del Centre Pompidou. Es una invitación para acercarse de forma lúdica al arte actual. En The Frame [El marco], las flores de México de vivos colores se abren y reúnen en un jubiloso corro. En medio de un intenso fondo azul, Frida Kahlo nos mira. Artista y modelo a la vez, transmite un mensaje de vida.
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Tras muchos años de búsqueda, el artista James Gurney descubrió en una librería de segunda mano el diario inédito del explorador del siglo XIX Arthur Denison. Los anteriores relatos de viaje de Denison, publicados como Dinotopía: Una tierra aparte del tiempo y Dinotopía: El mundo subterráneo, presentaban una isla perdida donde los dinosaurios y los humanos convivían en pacífica interdependencia.En esta ocasión, el profesor Denison y su compañero saurio, Bix, emprenden un peligroso viaje al imperio prohibido de Chandara. Cuando la invitación personal del emperador se pierde, se ven obligados a cruzar la frontera disfrazados y sin un céntimo. A lo largo del camino, Denison documenta con exquisito detalle las criaturas, los personajes y la arquitectura que encuentra: un pueblo compuesto por tres barcos apoyados en un extremo, un braquiosaurio de quince metros de altura equipado para combatir incendios, el modo en que un alosaurio cuida a sus crías, jóvenes pilotos que compiten en combates aéreos sobre pterosaurios gigantes, y mucho más.La tierra de Dinotopía se evoca mediante una narración breve pero vívida y una seductora variedad de imágenes, que incluyen mapas, vistas en corte y diagramas mecánicos. En este mundo, las vidas de los humanos se entrelazan con las de los dinosaurios y los mamíferos antiguos, especies reales representadas según las últimas investigaciones científicas. Por momentos caprichoso, dramático y filosófico, el diario irradia una visión optimista de la vida y una nueva luz sobre las maravillas ignoradas de nuestro propio mundo.
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Prospect New Orleans, que ahora celebra su sexta edición, es la innovadora trienal de arte contemporáneo que atrae a miles de personas a la ciudad de Nueva Orleans, Luisiana, durante un período de 4 meses. Prospect.6, que abarca más de veinte lugares en toda la ciudad desde el 2 de noviembre de 2024 hasta el 2 de febrero de 2025, ofrece un importante punto de partida para examinar el cambio climático, los legados del colonialismo y las definiciones de pertenencia y hogar a través del arte. Esta publicación adjunta presenta más de cuarenta obras recientemente encargadas para la trienal, con énfasis en instalaciones a gran escala en espacios institucionales, no convencionales y públicos. El libro también incluye tres ensayos originales, una conversación con un artista y contribuciones de escritores de ficción y poetas.La amplia exposición está fuertemente influenciada por más de cincuenta artistas vivos y por aquellos que residen en o provienen de regiones de todo el mundo conectadas con Luisiana, incluidos Hannah Chalew, Christian Việt Ðinh, Abdi Farah, L. Kasimu Harris, Blas Isasi, Joan Jonas, Brian Jungen, Tuấn Andrew Nguyễn y Amanda Williams.
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La cultura, las artes en todas sus expresiones, se han convertido en un argumento clave para la gestión y revitalización de áreas urbanas. Instituciones culturales, empresas e industrias creativas se vinculan cada vez más a proyectos de regeneración de áreas degradadas, incentivados por las administraciones públicas desde perspectivas no sólo culturales sino sobre todo generadoras de recursos sociales y económicos. El debate y los modelos de regeneración sigue abierto, pero el espacio de trabajo se ha ido desplazando desde el centro de las urbes tradicionales hacia las diferentes coronas metropolitanas, llegando incluso a territorios poco urbanizados. Un desplazamiento que ha provocado cambios en la gestión y planificación urbana, implicando en esa trama reticular a agentes públicos y privados, y donde las actividades culturales, las prácticas artísticas, el arte urbano, la intervención y uso del espacio público y los nuevos espacios de creación contemporánea, tanto de carácter institucional como de iniciativa privada o mediante modelos de autogestión, están jugando un papel determinante. Se presentan aquí los últimos resultados del proyecto de investigación en el que viene trabajando un amplio equipo de profesionales, desde la conceptualización del espacio público, clave para la reflexión sobre los usos culturales y turísticos de las ciudades, convertido en lugar de sociabilidad, disfrute y apropiación por parte de la ciudadanía, y el papel de la arquitectura como generadora de esos espacios culturales, hasta la profundización en relevantes casos de estudio que de nuevo permiten comparar modelos internacionales (París, Leicester) y nacionales (Valencia, Málaga, Bilbao o Zaragoza entre otros).
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Tus amigos favoritos del fenómeno viral del Tiktok te esperan en las páginas de este hermoso libro. Prepara tus lápices de colores favoritos. Relájate y colorea las divertidas y simpáticas imágenes de cada escena.
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El Museo MEAM presenta este otoño una de las citas más esperadas del calendario artístico internacional: Figurativas 2025, la exposición resultante del prestigioso concurso internacional de pintura y escultura figurativa organizado por la Fundació Privada de les Arts i els Artistes. Figurativas 2025 es mucho más que un concurso: es un escaparate de tendencias, un punto de encuentro entre generaciones y culturas distintas, y un mapa vivo del estado actual de la figuración. La muestra reúne a artistas consolidados y a nuevas voces emergentes que, con su mirada personal, contribuyen a escribir la historia del arte figurativo del siglo XXI. Con esta exposición, el Museo MEAM reafirma su compromiso con la defensa de un lenguaje artístico que, lejos de desaparecer, continúa renovándose y conectando con el público de una manera directa y emocionante.
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Por primera vez se ofrece en este libro un balance de la vida y la obra de Pedro de Villafranca y Malagón (h. 1615-1684), cuya inigualable maestría en el manejo del buril fue reconocida con su nombramiento en 1654 como grabador del rey, cargo que nadie más que él ocupó en tiempos de Felipe IV. Sus retratos guardan una estrecha relación con los de Velázquez, pues muestran la misma habilidad por parte del artista para captar el carácter de sus modelos. Al margen de las efigies del monarca y su familia, Villafranca realizó más de trescientos grabados -sobre todo ilustraciones para libros-, pero trabajó además como pintor, restaurador de obras de arte, tasador y responsable de programas decorativos.
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Paul Cadmus entró en la escena del arte en la década de 1930 con pinturas de semi-mundos urbanos de ensueño: cuadros turbulentos de beatniks, marineros y prostitutas. La base de su trabajo siempre ha sido la maestría en dibujo del artista, que se ve en cientos de dibujos de modelos masculinos desnudos, entre ellos su amante y musa de toda la vida, Jon Anderson. Paul Cadmus: 49 Drawings recopila estos dibujos nunca antes vistos por primera vez, presentando un cuerpo de trabajo singular que ejemplifica el dominio clásico de Cadmus, canalizado hacia un énfasis obsesivo en las zonas eróticas de su modelo.Presentada en un sobre estampado, esta es una colección histórica de arte queer de un maestro del siglo XX, cuyas imágenes se complementan con una introducción de Graham Steele que detalla la importancia de Paul Cadmus en su carrera en el mundo del arte, además de un ensayo de Richard Meyer, destacado estudioso del arte queer, así como un debate trascendental con los pintores Nash Glynn, Doron Langdon y Oscar yi Hou, moderado por el curador y crítico Jarrett Earnest.Una rara exposición de un importante conjunto de obras desconocidas de un importante artista del siglo XX y una contribución sustancial a el estudio y legado del arte queer.
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Aquesta publicació és un estudi aprofundit del carregament que transportava el derelicte Illa Pedrosa en el moment del seu enfonsament a les aigües del Massís del Montgrí. La descoberta feta pel submarinista del CRIS, Federico Foerster, l'any 1959 va provocar el començament d'un treball que es perllongà fins a l'any 1970 i que ha donat lloc a diferents publicacions i estudis.
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Este libro es una invitación a intentarlo (de nuevo)a traves de pasos sencillos, comprensibles y comprobados, que ofrecen resultados patentes desde el principio.
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En el reino de Yerkh hay de todo: aventureros, gladiadoras, cazarrecompensas, caballeros errantes, guardaespaldas, recaudadores, artistas, hechiceros... ¡incluso críticos gastronómicos! Pero todos quieren lo mismo: vivir un día más para poder contarlo. No es fácil conseguirlo cuando te gobierna un rey obsesionado con el dinero, que no piensa en el bienestar de sus súbditos... ¡Así que ten mucho cuidado cuando nos visites, o tú también podrías convertirte en un PROK!
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Tras su célebre monografía Blue Violet (Monacelli, 2021), la fotógrafa Cig Harvey continúa su estudio personal de la experiencia sensorial, centrándose en la naturaleza efímera de la luz, los pigmentos y la visión.Sus últimas fotografías son cuadros exuberantes de sus temas característicos (flora, pasteles, interiores domésticos y la figura humana en el paisaje) acompañados de viñetas en prosa sobre la ciencia y el arte del color, escritas en su estilo vibrante e íntimo.Con un epílogo del galardonado novelista y poeta Ocean Vuong, Emerald Drifters es un catálogo de placeres y desamores, y ''un llamado urgente a vivir''.Cig Harvey es una artista nacida en Gran Bretaña y residente en Maine que utiliza imágenes y lenguaje para celebrar la belleza de lo cotidiano. Su trabajo ha aparecido en The New York Times, Vogue y The Wall Street Journal. Esta es su quinta monografía.
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A timely exploration of artists’ enduring preoccupation with what it means to be human in the face of sweeping technological change.New Humans traces a diagonal history of the twentieth and twenty-first centuries through the work of more than 150 artists, writers, scientists, architects, and filmmakers, highlighting key moments when dramatic technological and social changes spurred new conceptions of humanity and new visions for its possible futures.The book – and its accompanying exhibition that will inaugurate the New Museum’s expanded building designed by OMA/Rem Koolhaas and Shohei Shigematsu – connects the age of automatons to the burgeoning era of generative AI and brings together a cavalcade of humans becoming machines and machines becoming human.
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L'année du centenaire de la mort de Lluís Domènech i Montaner, Triangle Books a réuni dans un seul livre les meilleurs spécialistes de Domènech en général et de ses bâtiments en particulier pour comprendre la personnalité aux multiples facettes et interpréter le travail d'un architecte clé dans l'histoire de l'art européen. L'ouvrage débute par quelques articles introductifs qui présentent l'architecte dans le contexte de l'Art Nouveau européen et expliquent ses différentes facettes: civique, politique, académique... et se poursuit par les monographies de ses bâtiments, de la maison d'édition Montaner i Simon (1979- 1881 ) à la Casa Fuster (1908- 1911) en passant, bien sûr, par le Palau de la Música ou l'Hôpital de Sant Pau, tous les deux classés au patrimoine mondial.
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