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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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William Monk es un artista nacido en Gran Bretaña y radicado en Nueva York, conocido por sus pinturas enigmáticas y vibrantes que a menudo investigan el mismo motivo o tema en diferentes permutaciones. Profundamente interesado en la idea de crear imágenes que no sean una transcripción directa del mundo real sino un producto de su mente, Monk crea composiciones claramente divisorias con intensidades irregulares de detalle, línea, primer plano y fondo, impulsando su trabajo y los elementos fundamentales. de la pintura hasta el punto de que modelo y sujeto se convierten en dos entidades separadas.
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El Departament de Cultura i Patrimoni del Consell de Mallorca ha duit a terme una tasca continuada i regular de promoció i difusió de les arts visuals, entre les quals es troba la fotografia. La finalitat del Premi Mallorca de Fotografia Contemporània és contribuir a consolidar els objectius de promoció de la fotografia, donar suport a aquesta disciplina com a creació artística i cultural, impulsar la creació fotogràfica contemporània i, alhora, reconèixer la tasca dels fotògrafs com a autors. D'un total de 56 projectes rebuts, «Veñen corvos voando baixo», de Tono Arias, fou el guanyador del Premi de Fotografia Contemporània 2023. El jurat valora la seva reflexió i representació d'un episodi global com va ser el confinament per la COVID. El fotògraf durant aquells temps va realitzar fotografies reflectint la fragilitat de la condició humana i la relació amb el seu entorn més pròxim, en què recrea un univers personal des d una òptica poètica mitjançant formes, significats, colors i emocions.
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Una meravellosa introducció a la història del Renaixement Peter Burke, historiador especialista en el Renaixement, ens ofereix en aquest breu assaig, amb erudició i un to accessible, una deliciosa introducció al fenomen del Renaixement a Europa, i del procés pel qual les noves formes culturals i les noves idees sobre art i filosofia van arribar a transformar no només els usos literaris sinó també la vida quotidiana, difonent nous conceptes de comportament, elegància, estils de redacció o, fins i tot, costums culinaris a l'Europa occidental. Burke descriu i interpreta els canvis que van marcar la cultura occidental de l'època, passant per l'arquitectura, la pintura i l'escultura, i també per la literatura i la transmissió de coneixements.
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A lo largo de su carrera artística, Wassily Kandinsky (1866-1944) no solo transformó su propio estilo, sino que además cambió el curso de la historia del arte. Desde su primera pintura figurativa y paisajista, avanzó hasta convertirse en un pionero del uso espiritual, emotivo y rítmico del color y la línea, y hoy se le acredita la creación de la primera obra de arte puramente abstracta. Tanto cuando ejercía como maestro y teórico como en su práctica artística, los intereses de Kandinsky en la música, el teatro, la poesía, la filosofía, la etnología, la mitología y lo oculto fueron aspectos esenciales de sus pinturas y grabados. Perteneció a los influyentes grupos Blaue Reiter y Bauhaus, y no solo dejó un legado de obras visuales asombrosas, sino también influyentes tratados como Sobre lo espiritual en el arte. Entre sus principios básicos figuraban las conexiones entre la pintura, la música y la experiencia mística, y la purificación del arte al alejarse del realismo material y acercarse a una expresión emocional condensada, en concreto, en el color. Este libro expone las obras clave de Kandinsky y presenta su repertorio de vivos colores, formas y emociones. Este recorrido por la radical evolución estilística del artista muestra cómo la progresión de un pintor allanó el camino para las futuras generaciones de expresionistas abstractos.
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‘Masereel. Visiones de un infierno moderno’ es una nueva primicia de La linterna sorda. La faceta del famosoartista como innovador periodista gráfico y cofundador de las publicaciones refractarias más importantes de suépoca es muy desconocida. Sus aportaciones en ‘Demain’, ‘Les Tablettes’, ‘La Feuille’, ‘Monde’ o ‘Clarté’ nuncase han recopilado ni investigado hasta ahora, en particular sus dramáticos dibujos sobre la España antifascistaen lucha, cuando estuvo en Madrid y Barcelona en 1937.Este libro de Frans Masereel (1889-1972), con unas imágenes en blanco y negro que incitan y aúllan contrala barbarie de las guerras por el reparto del mundo, consta de 110 dibujos y xilografías recopiladas y reproducidasde los periódicos originales. Sus ilustraciones para la prensa destacan por su lenguaje expresivo, dinámico, muyvivo. Del caos capitalista emerge su obra, ardiente, emocionante, insumisa, rebosante de humanismo.“Mi obra está dedicada a las personas oprimidas, va dirigida contra los opresores en todos los ámbitos de lavida social e intelectual. Es por la fraternidad entre todos los pueblos”. Frans Masereel, 1961
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Lisa Yuskavage es una de las pintoras vivas más aclamadas. Conocida por su original enfoque de la pintura figurativa, Yuskavage desafía las interpretaciones convencionales del género. A veces juguetonas y a veces tristes, sus personajes audaces, excéntricos, exhibicionistas e introspectivos habitan composiciones fantásticas y vívidas, asumiendo el doble papel de sujeto y objeto.Aunque inspirada en la cultura popular, la técnica de la artista está profundamente arraigada en la historia de la pintura, estableciendo una tensión subyacente entre polos opuestos como lo alto y lo bajo, lo sagrado y lo profano, la armonía y la disonancia.La primera monografía propiamente dicha de Yuskavage presenta más de 150 imágenes a color, incluyendo fotografías inéditas de su estudio, junto con perspicaces contribuciones textuales de Barry Schwabsky, Lena Dunham y Ariel Levy.
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Este libro dibuja la trayectoria vital y artística del cineasta entrelazando, como un caleidoscopio siempre mudable, hechos verídicos y personas reales con elementos ficticios y personajes de sus películas. En 1962 nace Quentin Tarantino y así arranca esta narración cronológica, tan vivaz como fascinante, de su infancia y las dinámicas familiares que la marcaron, las primeras amistades, el temprano amor por el cine y las influencias que moldearon su futura carrera. Los primeros tanteos en la interpretación y la escritura de guiones configuran una senda que lo llevará a entrar en Hollywood por la puerta grande: su rompedor debut, Reservoir Dogs, anuncia a uno de los cineastas más originales e influyentes de la Ciudad de las Estrellas. ¿Qué inspira a Tarantino? ¿Cómo es su proceso creativo? Desde Pulp Fiction, Palma de Oro en Cannes, hasta su más reciente obra, la oscarizada Érase una vez en... Hollywood, esta enérgica novela gráfica ofrece las claves de sus celebrados filmes y descubre al hombre que los concibió. Una lectura indispensable para los aficionados al cine y al arte de la narración.
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La mayor dificultad de la pintura, indistintamente del procedimiento que se utilice (acuarela, acrílico u óleo), radica en la mezcla de los colores y su aplicación. La manipulación correcta del color sobre la paleta es un paso previo esencial para conseguir un dominio de los matices, amplitud cromática y una buena armonización sobre el soporte, requiere un conocimiento técnico de la fusión de los colores y horas de práctica hasta manejar la pintura de manera intuitiva e impulsiva.Este libro es una guía imprescindible para aprender a relacionar los colores de la paleta con los del modelo y resolver con éxito las distintas armonizaciones y gamas cromáticas que pueden plantearse.
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En septiembre de 2022, el artista camerunés Barthélémy Toguo intervino durante una semana en las salas del Museu Picasso, pintando una serie de lienzos y también un amplio mural de diez metros de longitud. Este fascinante diálogo culmina en torno a la serie de Las Meninas: Toguo sigue el camino que el propio Picasso trazó en 1956 cuando reinterpretó la obra de Velázquez. En el museo, mientras desarrollaba sus obras en las salas del museo. El presente catálogo es la culminación de todo este proceso.
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Guía para retratar semblantes característicos • Referencias de anatomía y morfología • Procedimientos • Ejemplos de procedimientos: lápiz, acuarela, témpera • Repertorio iconográfico: adultos, niños, ancianos Giovanni Guglielmo Civardi nació en Milán el 22 de julio de 1947. Licenciado en Economía, estudió posteriormente en la Facultad de Medicina y en la Scuola del Nudo de la Accademia di Brera, y se dedicó al retrato y a la escultura. Durante más de una década realizó ilustraciones para diarios, revistas y cubiertas de libros. Organizó muestras personales de escultura y amplió sus estudios anatómicos durante frecuentes estancias en Francia y en Dinamarca. Desde hace muchos años dirige cursos de anatomía y de dibujo de la figura humana, y ha condensado su experiencia didáctica en numerosos libros, reeditados con frecuencia. La mayoría de ellos han sido traducidos a varias lenguas (inglés, francés, español, ruso, alemán, japonés, etc.). De 2011 data el Cuaderno de Lourdes, el más reciente de sus apuntes de viaje. Actualmente vive y trabaja en Milán, Casteggio y Niza.
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¿Sabías que un príncipe egipcio se instaló con su harén en La Pedrera? ¿O que Gaudí diseñó un sillón para la reina María Cristina, proyectó un edificio monumental para Tánger y construyó un refugio para ingenieros de minas que aún resiste en los Pirineos? Aunque es mundialmente venerado por su obra cumbre, la inacabada Sagrada Familia, lo que conocemos de Antoni Gaudí representa solo una fracción de su verdadero universo creativo. Su vasta y prolífica imaginación rebasó con creces el alcance de sus obras más populares. Este fascinante ensayo ilustrado rescata sus proyectos desconocidos más fabulosos y curiosas anécdotas relacionadas con su vida y obra. En sus páginas descubrirás diseños que jamás trascendieron el papel, monumentos que fueron destruidos y tesoros arquitectónicos olvidados que aún siguen en pie, testigos tangibles de un talento eterno que sigue desafiando al tiempo. Gaudí fue un genio que sublimó la arquitectura dotando a sus obras de alma propia. Este libro muestra su inagotable inventiva a través de proyectos ajenos al gran público: desde iglesias monumentales a estandartes, embarcaderos, piezas de delicado mobiliario y hasta un obelisco dedicado a su amigo, el obispo Josep Torras y Bages. Adéntrate en su inmenso imaginario y sigue el rastro de los dibujos, maquetas y audaces decisiones técnicas que dieron forma a algunas de sus creaciones ignotas más extraordinarias. Un viaje narrativo y visual imprescindible, de la mano del escritor y arquitecto Jorge Ibáñez, para redescubrir al artista más allá del mito. «Gaudí fue el arquitecto total, un visionario que desbordó los límites del modernismo. Este libro rescata las piezas olvidadas que completan la figura del gran maestro»
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l libro que reúne la obra de esta artista con más de 25 años de carrera y en plenitud creativa, con motivo de su exposición retrospectiva en Madrid.
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El skate es duro y duele. No podríamos decirte exactamente quién lo inventó, pero ha inspirado a generaciones de niños aventureros a salir a la calle. Acompáñanos a recorrer la peculiar historia del skate y a repasar nuestros mejores (y peores) recuerdos. No somos expertos, pero sabemos lo mucho que este juguete de madera significa para las comunidades que lo han adoptado y lo han hecho suyo.
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¿Es Picasso un genio o un mito? Adéntrate en este libro para desentrañar el legado de su arte revolucionario. ¿Es Picasso realmente el genio que todos dicen? ¿Qué secretos esconde su obra que aún no hemos descubierto? ¿Cómo es posible que esos cuadros tan ''raros'' se convirtiesen en la piedra angular de la historia del arte moderno? La obra de Picasso es una paradoja fascinante: todos los expertos lo veneran como el indiscutible dios del arte del siglo XX y uno de los grandes artistas de la historia..., pero cuando te enfrentas a sus cuadros, algo no encaja. Muchas de sus piezas parecen extrañas, incluso feas, algunas, casi infantiles. Y cuando intentas entenderlas escuchando a los especialistas, terminas perdido en un laberinto de palabras rebuscadas, conceptos confusos y términos tan técnicos que, en lugar de aclararte, te desconciertan aún más. ¿Qué está pasando aquí? José S. Mateos (@GodPikasso) ha creado un método innovador y muy didáctico para entender el legado del artista malagueño: una experiencia divertida, clara y lúdica que transforma su obra en un videojuego multiaventura. Solo necesitas un buen tutorial para empezar a jugar... y lo tienes en tus manos. Imagina un juego con reglas propias, personajes inolvidables y escenarios llenos de misterio, donde descubrirás cómo Picasso creó sus obras más sorprendentes, sus experimentos más audaces y sus trucos de magia visual. Este libro contiene la llave maestra para entrar en el universo del artista más revolucionario, atrevido y apasionado que ha dado la historia del arte. Olvida el mito del genio y sumérgete en la esencia del auténtico creador. ''No se me ocurre a un acompañante mejor que José Mateos para visitar el mundo de Picasso con un disfrute especial con cada guiño, cada broma y cada puzle que el pintor ha dejado en su obra. Picasso necesitaba un libro como el que tienes ahora mismo en las manos''. Miguel Ángel Cajigal Vera (@elbarroquista)
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A pesar del éxito del que disfrutó en vida y que ha llegado intacto hasta nuestro días, Claude Lorrain (Claudio de Lorena) no fue un genio. Fue más bien un trabajador modesto que se empleó con dedicación a pintar el esplendor de la naturaleza, consiguiendo reflejarlo con los mejores efectos atmosféricos y luminosos en sus cuadros, en los cuales el paisaje va a ser el gran protagonista. Por imposición de los comitentes, casi todos los cuadros pintados por Laude Lorrain representan algún tema pastoril, histórico o heroico, pero aquellos clientes no estuvieron interesados por las figuras que aparecen en esas obras sino por los amaneceres y las puestas de sol que tiñen de un color dorado y homogéneo idílicas campiñas y ensenadas, ya que en el segundo tercio del siglo SVII en Roma se estaba desarrollando un gusto por la contemplación de imágenes bellas, sin que en las pinturas fuera necesaria la aparición de alambicados discursos morales. La belleza ideal que desprende su obra no responde a un canon métrico, como lo puede hacer una escultura de Policleto, sino que emana de la serenidad y la perfección de una naturaleza esplendorosa que se muestra bajo la suave luz de un sol que ilumina un mundo acogedor y placentero.
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Todo lo que necesitas saber para dibujar anime y manga Esta es la guía definitiva, que combina cientos de apasionantes imágenes con instrucciones paso a paso fáciles de seguir. Con este libro podrás crear enseguida tus propios personajes inolvidables. Se cubren todos los aspectos del anime: cómo dibujar caras con expresiones atractivas, atuendos elegantes, poses divertidas y mucho más. También aprenderás técnicas básicas de dibujo de figuras y composición, que te ayudarán a crear personajes dinámicos y escenas de anime y manga memorables. Desde cómo dibujar los tipos de personajes más populares del anime hasta los secretos de la narración visual, todo está aquí. ¡Anímate!
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Monografía en torno a la obra de la artista Marta Palau (Albesa, Lérida, 1934–Ciudad de México, 2022). In- cluye dibujos, pinturas y algunas de sus grandes instalaciones textiles, en diálogo con objetos y con elementos provenientes de su archivo personal, así como una investigación sobre su obra y su contexto político y social. El volumen se convertirá en un libro de referencia sobre sus prácticas.
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El Tarot del Romantasy es una guía ilustrada que reinterpreta los Arcanos Mayores del tarot desde el prisma del género Romantasy. El libro recoge los veintidós Arcanos Mayores, cada uno asociado a un personaje literario que encarna su arquetipo emocional y espiritual. Inspirado en grandes sagas de fantasía romántica contemporánea como Una Corte de Rosas y Espinas, De sangre y Cenizas, Trono de Cristal, Caraval o Alas de Sangre, este libro propone un tarot accesible, intuitivo y profundamente emocional. Deja que la magia de los arcanos trace tu camino.
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Al abrir este volumen, nos encontramos con nuestro indómito héroe a sus 46 años, sumergido en plena crisis de la mediana edad. Pero en realidad Crumb ha vivido toda su vida marcado por episodios de ansiedad introspectivos y autoflagelantes, y estos años de madurez le sirven para depurar su agitada existencia y perfeccionar su talento artístico. El autor acompaña ahora los dibujos con textos más largos que dan muestra de su aguda capacidad de observación, como lo demuestra un extenso párrafo dedicado a un encuentro con los amigos veganos de su hermano Maxon y otro con un himno poético dedicado a la angustia vital y el envejecimiento. La mudanza de su familia en 1991 a Sauve, al sur de Francia, se refleja en algunos cambios en su obra: los retratos de muchachas estadounidenses de mejillas sonrosadas esperando a ser servidas en cafés de California dan paso a chicas en cafés franceses, también aparecen imágenes pastoriles ambientadas en la campiña gala e inquietantes escenas de mendigos en el metro.El nuevo personaje más destacado en este cuaderno de bocetos es un santón con turbante al que la joven Sophie Crumb llama Roman Dodo. Parece inspirarse ligeramente en el hermano de Robert, Maxon. Además de novias del presente y del pasado, también hace su debut Patricia Pig, una alegre híbrida humano-porcino.A medida que el artista se acerca a los 50 años, las fantasías de vuelta a la dependencia infantil de figuras femeninas fuertes e incluso de una buena muerte, llevado a lomos de un ángel joven y fornido, nos hablan no tanto de la angustia como de la aceptación del proceso de envejecimiento. Nuestro querido cascarrabias encuentra una forma de paz, una especie de aceptación de los crueles caprichos del destino. Hasta las páginas finales, cuando se llama a sí mismo, sin saberse muy bien por qué, «pedazo de MARICA».En resumidas cuentas, otro volumen arrollador.
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« Mlle Marie Laurencin, a su exprimer, dans l'art majeur de la peinture, une esthétique entièrement féminine. Dès ses premières peintures, ses premiers dessins, ses premières eaux fortes, bien que ces essais ne se signalassent que par une certaine simplicité naturelle, on pouvait deviner que l'artiste qui allait bientôt se révéler exprimerait un jour la grâce et le charme du monde. » Peintre au talent puissant, Marie Laurencin (Paris 1883‐1956), à ses débuts, exposa au Salon des Indépendants en 1907, fréquenta les cercles fauves de Matisse et les cubistes de Picasso, et fut la compagne et la muse de Guillaume Apollinaire. Après la Première Guerre mondiale, elle trouvera son style personnel ‐ élégant, délicat et intemporel ‐ qui lui ouvrira les portes du succès, devenant la portraitiste de la haute société parisienne, ainsi qu'une référence de la mode française
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* Guía de bolsillo sobre los movimientos, las obras, los temas y las técnicas fundamentales. * Una nueva e innovadora introducción al arte creado desde finales de la década de 1960 hasta nuestros días. * 49 obras esenciales del arte contemporáneo, piezas que van desde el land art y el performance art hasta óleos y NFT, que se relacionan con los movimientos, conceptos y metodologías más significativos. Accesible, conciso y profusamente ilustrado con imágenes de obras emblemáticas de creadores de todo el mundo, este libro explora cómo y por qué se desarrolló este arte y se ponen de manifiesto las cruciales innovaciones de diversos artistas. Esta desmitificadora introducción al tema permite conocer con profundidad y disfrutar en toda su extensión el arte más revolucionario creado en las últimas décadas.
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Esta publicación contiene y cataloga una de las series más sugestivas y metalingüísticas del artista José Luis Serzo, en la que construye una ficción visual donde James Ensor y José Gutiérrez Solana son convocados a compartir una mesa suspendida en un equilibrio imposible, separados por una montaña de máscaras que actúa simultáneamente como banquete, barrera y metáfora. El proyecto se articula alrededor de una pregunta irresoluble: qué conversación habrían mantenido estos dos artistas si hubieran compartido mesa. Serzo establece un diálogo a tres bandas donde su propia figura se incorpora a la conversación. Desde una estética neobarroca, el artista prolonga las preocupaciones de sus referentes -la identidad, la muerte, la representación y la condición humana- para trasladarlas al presente. El resultado es un universo escénico donde lo fantástico y lo simbólico conviven en una dramaturgia que invita al espectador a atravesar los límites entre realidad y ficción.
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Después de un parón de 1 año debido a las consecuencias de la pandemia, Sextories vuelve con su esperado quinto número a seguir rompiendo estereotipos, hablando de la sexualidad como mejor sabe hacer: de una manera abierta y siempre inclusiva. En esta número contamos con las historias de Marta Masana, Rubo Saez, Alejandro Merino, Sara Soler, Moy R., Luc Cerveron, Paula Boffo, Chemi Baralust, Soturisi, Alberto Ramos, Marcel Massegú, Kaoxita, Aroha Trave, Rosa Codina y Rafa Barragán.Sextories es una antología de cómics autoconclusivos, de carácter erótico, explicito, irreverente, divertido y liberador. Hablamos de sexo, de la sexualidad y del género sin pelos en la lengua y desde perspectivas totalmente diferentes. Así que, como diría La Veneno: «¡Entra y disfruta, peazo puta!».
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Este libro recorre de forma exhaustiva la trayectoria de Jasper Johns, uno de los artistas fundamentales del arte de posguerra. A lo largo de siete décadas de producción, su obra transita desde las icónicas banderas, dianas, números y mapas de los años cincuenta, que marcaron una ruptura decisiva con el Expresionismo Abstracto, hasta las investigaciones formales y conceptuales de sus últimas series. Su trabajo, de carácter analítico y autorreflexivo, fue clave en el desarrollo del Arte Pop, el Minimalismo y el Arte Conceptual, e influyó de manera decisiva en generaciones posteriores. El resultado es una obra amplia, compleja y profundamente influyente que queda recogida en este volumen. Incluye textos de Enrique Juncosa, ColmToibim, Roberta Bernstein y Terry Winters. Publicado con motivo de la exposición homónima en el Museo Guggenheim, del 29 de mayo al 12 de octubre 2026.
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Marisol: Cuando todo está por comenzar. Dibujos de 1949 a 2015 es la primera retrospectiva dedicada íntegramente al dibujo en la obra de la artista norteamericana de origen venezolano Marisol. A través de más de cien trabajos realizados a lo largo de seis décadas, junto con esculturas, materiales de archivo y stillsde las películas de Andy Warhol que protagonizó, este libro revela el dibujo como el hilo continuo de una práctica en constante transformación. En sus obras, la artista entrelaza inquietudes personales, reflexiones sociales y ficciones imaginativas, haciendo del dibujo un espacio de exploración y repliegue. El título, tomado de una frase de Leo Castelli, evoca tanto el momento de su temprana proyección internacional como las retiradas decisivas que marcaron su trayectoria, tras las cuales su obra reaparece siempre renovada.
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Adéntrese con el reconocido zoólogo y surrealista Desmond Morris en los parajes artísticos habitados por criaturas que merodean, vuelan y reptan. Las hienas de Leonora Carrington, las quimeras de Salvador Dalí, los gatos de Leonor Fini, los moluscos de Felix Labisse…: muchos surrealistas se dejaron fascinar por bestezuelas de toda condición y las convirtieron en motivos recurrentes con los que explorar las nuevas ideas sobre la psicología, la transformación y la fantasía. Criatura tras criatura, Morris lidera una insólita y apasionante expedición al reino animal, tal y como lo reinterpretaron Max Ernst, René Magritte, Dorothea Tanning o Remedios Varo. Su enfoque es inigualable: el del surrealista con experta mirada científica que descifra, como nunca antes se ha hecho, el simbolismo de algunas de las obras más extravagantes engendradas por el arte moderno. Mucho más que un bestiario insólito: este libro es una celebración emocionante y perspicaz de uno de los movimientos más revolucionarios del siglo xx y una lectura imprescindible para todo amante del surrealismo, la zoología y la historia natural. Autor Desmond Morris, reputado zoólogo, es también el último superviviente del movimiento surrealista. El ánimo divulgador también lo llevó a la televisión, donde presentó más de quinientos programas para Granada Television y el Departamento de Historia Natural de la BBC. Su ensayo El mono desnudo es uno de los cien libros más vendidos de todos los tiempos. También es el autor de La vida de los surrealistas (Blume, 2018), Posturas: El lenguaje corporal en el arte (Blume, 2020) y 101 Surrealists (Thames & Hudson, 2024).
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“Debe el gran Paolo Calliari Veronese llamarse ‘El tesorero de la pintura’, porque de ella provienen todas las joyas de su precioso erario, así como el poder de esparcirlas a su antojo, de modo que todo el mundo se vea embellecido por su pincel.” (Marco Boschini, 1674) Se recogen aquí cinco escritos sobre el pintor veneciano Paolo Veronese (1528-1588), publicados entre 1648 y 1699 y hasta ahora inéditos en español, además de un artículo de José Moreno Villa y un epílogo del responsable de la edición, Humberto Huergo Cardoso, catedrático del Carleton College (EE.UU.).
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Ya desde los primeros siglos del cristianismo, los fieles creían de forma algo confusa en la posibilidad de redimir ciertos pecados después de la muerte. Pero en el sistema dualista del más allá, entre el Infierno y el Paraíso, no había lugar para el cumplimiento de esas penas intermedias. Hubo que esperar hasta finales del siglo XII para que apareciera la palabra «purgatorio» y para que el Purgatorio se convirtiera en un «tercer lugar» del más allá, en una nueva geografía del otro mundo. El Purgatorio se inscribe en una revolución mental y social que sustituye los sistemas dualistas por sistemas que introducen la noción de intermediación y que contabilizan la vida espiritual, es, también, el triunfo del juicio individual en las nuevas relaciones entre los vivos y los muertos.Obra clásica e indispensable del medievalismo, y de la historia cultural y religiosa, esta brillante investigación sigue los avatares del nacimiento del Purgatorio desde la Antigüedad hasta la Divina Comedia de Dante, analizando uno de los grandes episodios de la historia espiritual y social de Occidente.
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Tras muchos años de búsqueda, el artista James Gurney descubrió en una librería de segunda mano el diario inédito del explorador del siglo XIX Arthur Denison. Los anteriores relatos de viaje de Denison, publicados como Dinotopía: Una tierra aparte del tiempo y Dinotopía: El mundo subterráneo, presentaban una isla perdida donde los dinosaurios y los humanos convivían en pacífica interdependencia.En esta ocasión, el profesor Denison y su compañero saurio, Bix, emprenden un peligroso viaje al imperio prohibido de Chandara. Cuando la invitación personal del emperador se pierde, se ven obligados a cruzar la frontera disfrazados y sin un céntimo. A lo largo del camino, Denison documenta con exquisito detalle las criaturas, los personajes y la arquitectura que encuentra: un pueblo compuesto por tres barcos apoyados en un extremo, un braquiosaurio de quince metros de altura equipado para combatir incendios, el modo en que un alosaurio cuida a sus crías, jóvenes pilotos que compiten en combates aéreos sobre pterosaurios gigantes, y mucho más.La tierra de Dinotopía se evoca mediante una narración breve pero vívida y una seductora variedad de imágenes, que incluyen mapas, vistas en corte y diagramas mecánicos. En este mundo, las vidas de los humanos se entrelazan con las de los dinosaurios y los mamíferos antiguos, especies reales representadas según las últimas investigaciones científicas. Por momentos caprichoso, dramático y filosófico, el diario irradia una visión optimista de la vida y una nueva luz sobre las maravillas ignoradas de nuestro propio mundo.
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Mirando y dejando reúne los principales textos sobre arte fechados por Edmundo Desnoes entre 1960 y 2010, y que fueron viendo la luz en publicaciones como Lunes de Revolución, Casa de las Américas, Cuba, Bohemia o La Gaceta de Cuba. Además de sendas panorámicas de la historia del arte en la isla, figuran en este volumen estudios sobre Wifredo Lam, René Portocarrero, Mariano Rodríguez, Antonia Eririz o Tania Bruguera, así como tres piezas dedicadas a artistas no cubanos: Picasso y los chilenos Roberto Matta y Enrique Zañartu. Desnoes no fue, naturalmente, el único crítico de arte de la Cuba de los 60 y 70. Pero pocos abarcaron un espectro tan amplio de géneros, estilos y tendencias, en consonancia con la concepción revolucionaria de un arte no elitista, sino hecho «entre y para todos». Ello explica que nuestro autor no solo se ocupara de los grandes nombres de la pintura de su tiempo, sino que también analizara de un modo muy exigente manifestaciones consideradas menores, como el afiche, la viñeta humorística y la caricatura, la pintura mural y hasta la creación infantil. Y en todo está el sello personal del autor de ese clásico contemporáneo que es Memorias del subdesarrollo.La lección magistral sobre cómo mirar la pintura a cargo de un nombre fundamental de las letras cubanas del siglo XX.
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El Museo MEAM presenta este otoño una de las citas más esperadas del calendario artístico internacional: Figurativas 2025, la exposición resultante del prestigioso concurso internacional de pintura y escultura figurativa organizado por la Fundació Privada de les Arts i els Artistes. Figurativas 2025 es mucho más que un concurso: es un escaparate de tendencias, un punto de encuentro entre generaciones y culturas distintas, y un mapa vivo del estado actual de la figuración. La muestra reúne a artistas consolidados y a nuevas voces emergentes que, con su mirada personal, contribuyen a escribir la historia del arte figurativo del siglo XXI. Con esta exposición, el Museo MEAM reafirma su compromiso con la defensa de un lenguaje artístico que, lejos de desaparecer, continúa renovándose y conectando con el público de una manera directa y emocionante.
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Este libro es una invitación a intentarlo (de nuevo)a traves de pasos sencillos, comprensibles y comprobados, que ofrecen resultados patentes desde el principio.
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Tras su célebre monografía Blue Violet (Monacelli, 2021), la fotógrafa Cig Harvey continúa su estudio personal de la experiencia sensorial, centrándose en la naturaleza efímera de la luz, los pigmentos y la visión.Sus últimas fotografías son cuadros exuberantes de sus temas característicos (flora, pasteles, interiores domésticos y la figura humana en el paisaje) acompañados de viñetas en prosa sobre la ciencia y el arte del color, escritas en su estilo vibrante e íntimo.Con un epílogo del galardonado novelista y poeta Ocean Vuong, Emerald Drifters es un catálogo de placeres y desamores, y ''un llamado urgente a vivir''.Cig Harvey es una artista nacida en Gran Bretaña y residente en Maine que utiliza imágenes y lenguaje para celebrar la belleza de lo cotidiano. Su trabajo ha aparecido en The New York Times, Vogue y The Wall Street Journal. Esta es su quinta monografía.
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Forma y figura: introducción al dibujo del cuerpo humano
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Ese encuentro fue el inicio de una de las relaciones más complejas de la historia del arte del siglo xx. Si se la puede calificar de amistad, ésta no estuvo exenta de rivalidad, mezcla de admiración y celos. Con el tiempo, la fascinación del joven Dalí por el arte del «maestro» se fue transformando casi en una obsesión, mientras que la aparente indiferencia de Picasso ocultaba un interés evidente por la carrera meteórica del ambicioso Dalí. Finalmente la difícil mezcla de admiración y envidia acabó distanciándolos y sus divergentes posturas respecto a la Guerra Civil truncaron definitivamente la posibilidad de un acercamiento. No es poco lo que se ha escrito sobre los encuentros entre los dos gigantes de la pintura, casi todo marcado por los tópicos y por la leyenda que se fue creando en torno a uno y otro, y que ambos, a su manera, contribuyeron a alimentar. Picasso y yo, título que procede de la más sonada de las conferencias que Dalí pronunció acerca del arte de Picasso, es un intento de glosar la relación que existió entre ellos, partiendo tanto del epistolario completo -con una única postal firmada por Picasso a Dalí- como de los textos que Dalí le dedicó al pintor malagueño. Las cartas, los escritos del propio Dalí y las declaraciones -hasta la fecha inéditas-, de testigos de primera mano, recogidas en el estudio preliminar de Víctor Fernández, son el material más vivaz y fidedigno del que disponemos para construir el relato de su amistad.
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'Todo es de color'', uno de los himnos de Lole y Manuel, bien podría aplicarse a la obra de Elena Blasco, una de las artistas más singulares y versátiles del arte contemporáneo español, que gusta de explorar los límites entre la pintura, la escultura, la instalación y el objeto artístico. Desplegando la misma miradairónica, crítica y profundamente personal que aplica a su obra, en esta ocasión se adentra en el mundo de la escritura con una serie de textos que se leen de un tirón, en los que vuelca una visión de la vida tan luminosa como surrealista, tan naíf como por momentos descacharrante. Su creatividad le lleva a inventarse palabras como las que dan título al volumen y a esbozar situaciones que parten de sucesos reales para elevarse hacia lo fantástico, por medio de un lenguaje visual cargado de humor, provocación y referencias a la cultura popular.
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