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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Lou Reed, Noel Gallagher, Lenny Kravitz, Sabina, Calamaro, Fito,Vetusta Morla... Todos han pasado por lamirada de Alberto Cuetodurante los últimos diez añospara contarnos los secretos del rockand roll. Más deveinticinco profesionales nos explican de formapedagógica cómo componen, a qué tienen miedo o qué hacenantes de un concierto. Como periodista, Cueto pone de relieveel género que arrasó en la segunda mitad del siglo XX, sus iconos y sus momentos históricos: Los Beatles, Los Stones, Dylan, NeilYoung, Springsteen, Woodstock, Altamont... Como músico, el autordescribe cómose vive en una banda de rock desde dentro,con su experiencia en el Bilbao gris de los años noventa.
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La guitarra es el instrumento en el corazón de la música popular. Desde Delta blues en acústica hasta rock &, roll eléctrico, y todo lo que vino después, la guitarra ha demostrado ser el conducto más versátil y emotivo para la expresión y experimentación musical. A lo largo de más de 300 años, los maestros guitarreros se han esforzado continuamente por alcanzar nuevos picos escultóricos y sonoros, pero la inmediatez y la intimidad de la guitarra perduran, por muy alto que se suban los controles de volumen de los amplificadores. Con 100 de los mejores y más innovadores modelos de guitarra desde el siglo XVII hasta la actualidad junto con los músicos que cambiaron la cara de la música popular, Guitar incluye historias fascinantes detrás de modelos icónicos de una mezcla ecléctica de marcas, incluidas Alden, D'Angelico , Fender, Gibson, Gretsch, Ibanez, Kay, Martin, Millimetric Instruments, Mosrite, Greg Smallman y Stauffer. El libro también incluye una gran cantidad de información fascinante y menos conocida sobre artistas como los Beatles, Woody Guthrie, Jimi Hendrix, Robert Johnson, Pat Metheny, Joni Mitchell, St Vincent, Sister Rosetta Tharpe, y Neil Young. Una delicia tanto para los entusiastas del diseño como para los aficionados a la música, el último libro de Guilfoyle traza el desarrollo de este pilar de la música popular y los carismáticos artistas que han utilizado la guitarra para transformar nuestras vidas.
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El astuto Pradera ha tramado en este libro un ardid diabólico (y muy propio de su ya inveterada perfidia): primero nos encandila con la añagaza de unos misterios sibilinos que algunos tacharían de capciosos: ¿sabéis cuáles eran las canciones favoritas de melómanos tan delicados como Sadam Huseín, Francisco Franco o Adolf Hitler, de sensibilidades tan exquisitas como Lauren Bacall, Audrey Hepburn o Isabel II (reina del Reino Unido)? Muñida esa intriga, el intrigante procede a saciar nuestros apetitos con una deliciosa (y, por cierto, divertidísima) catarata de anécdotas, calamidades y portentos que arrojan una luz nueva o hasta ahora inédita sobre varias decenas de piezas musicales (veinticuatro para ser exactos). ¿Sabíais, por ejemplo, que «As Time Goes By» debe su inmarcesible presencia en Casablanca al inoportuno corte de pelo que padeció la icónica Ingrid Bergman? (No hemos hallado adjetivos más vulgares.) Pues bien: ese incidente es apenas el principio de la fiesta. Después vienen cuantiosos despelotes. No obstante, debemos señalar que esta obra magna no se arredra frente a ciertas observaciones algo sesudas y muy musicológicas, pero su taimado autor las viste de tal modo que brillan por su claridad hasta en los oídos más obtusos. Milagros de la divulgación bien entendida.Aquí se nos ofrece un opíparo banquete musical (ya lo hemos dicho) cuyo rasgo más insólito es su riguroso catolicismo (eso no lo hemos dicho): imbuido de un admirable espíritu ecuménico, el padre Máximo acoge en su seno un tumulto de obras casi pecaminoso y desde luego insolente por su variedad: baja a las cabañas y sube a los palacios, transita desde lo cutre (e incluso lo chungo) hasta lo sublime sin mover una ceja displicente. Todo le interesa, nada humano le es ajeno. Así, de «Mambrú se fue a la guerra» pasamos a Lohengrin con pasión wagneriana, de Juanita Reina a Shostakóvich con folclórica alegría, de La marsellesa a «Like a Rolling Stone» con ardor guerrero y mala leche dylanita. Etcétera, etcétera. Los gustos que maneja el señor arzobispo (ya lo hemos ascendido) son severamente eclécticos porque las músicas del mundo son severamente heterogéneas: si la verdad puede brotar en cualquier sitio, la belleza brota en las melodías más dispares y el interés en los rincones más inesperados. Hasta ellos nos conduce el astuto Pradera. Que Dios se lo pague.
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Un ensayo original e inédito en español, que nos propone un recorrido por los principales hitos de la dirección orquestal: de los compositores-directores, de Richard Strauss a Leif Segerstam, los titanes, como Toscanini, Furtwängler, Walter, Kemplerer, los Kleiber o Celibidache, los artífices del Festival de Bayreuth, de Knappertsbusch a Janowski, los directores europeos emigrados a Estados Unidos, de Koussevitzky a Dorati, la edad de oro de la música grabada, con Karajan a la cabeza, las grandes batutas de Radio, de Jochum a Haitink, los directores italianos, los rusos, los «sires»... o los especializados en el Barroco. Están, sin duda, todos los grandes nombres, pero también unos cuantos más que lo merecen por su interés y, como apunta Martín Llade en su prólogo, «el juicio que sus autores nos proponen, podrá ser compartido o no, pero nunca dejará de ser justo, o de tratar de serlo». Un libro plagado con casi 1000 referencias onomásticas, 200 biografías de directores -no falta mención a las directoras de orquesta: las pioneras, las que ya han triunfado y las emergentes-, y un capítulo especial dedicado a las principales figuras de la dirección en España, que no renuncia a la concisión y que pone por encima de todo la honestidad. En efecto, los temas espinosos, que no escasean, no se eluden pero se enfocan siempre desde el respeto, «alejándose de esos chismes que tantas veces han llenado algunos libros con la pretensión de hacer historiografía a golpe de chascarrillo», apunta Llade. Un libro del que va a disfrutar cualquier amante de esa lengua universal que es la música clásica.
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Coneixem la música de Carles Santos, el pianista transgressor, l'artista integral. I ara, amb Ens morirem sense haver-los escabetxat a tots, podem llegir els textos que va escriure en ple procés de creació dels seus espectacles musicals. Així, recuperem amb les seves pròpies paraules la memòria d'Asdrúbila, La pantera imperial, Ricardo i Elena, L'adéu de Lucrècia Borja o La meua filla sóc jo. Són pàgines que s'inscriuen en la tradició de les escriptures fragmentàries, que esborren les fronteres genèriques, amb les quals Santos ens convida a sentir i a mirar amb una força poètica i subversiva. Com a «53 maneres de matar un capellà». Ens introduïm en la cuina de Carles Santos per valorar la meticulositat amb què preparava els seus muntatges escènics, i accedim a les invencions i els pensaments d'un artista indispensable. «És evident que quan una professió, en aquest cas la musical, és viscuda amb tota la intensitat possible, condiciona absolutament l'existència del ateix individu-músic». -Carles Santos
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¿Sabía que Frank Sinatra sostenía que ''Something'', compuesta por George Harrison, era la mejor canción de amor jamás escrita? ¿Que los Beatles fueron la primera formación en avanzadilla en la conquista del mundo por parte de la música británica? ¿Que Quino, el creador de Mafalda, era un beatlemaníaco absoluto y dedicó algunas de sus mejores tiras cómicas a los cuatro de Liverpool? ¿Que el inconfundible sonido y la habilidad del grupo para ganarse al público no se forjaron en los bares y clubs de su ciudad natal, sino durante los duros años que pasaron en Hamburgo? Este libro arroja luz sobre los aspectos menos conocidos del grupo más conocido de todos los tiempos: su gestación, su música, sus logros, sus fracasos, pero también su época, sus influencias, las gentes que les rodearon, los lugares relevantes, los “actores secundarios” que fueron cruciales para que todo sucediese como finalmente sucedió. Hay muchos libros sobre los Beatles, pero ninguno es como este. ''Cuantos más años tengo, más fan de los Beatles soy''. PAUL McCARTNEY ''Cuando regresamos de Hamburgo, todos en Liverpool pensaban que éramos alemanes''. JOHN LENNON ''A veces era duro ser un Beatle, pero cuando había problemas éramos cuatro amigos que se cuidaban los unos a los otros''. GEORGE HARRISON ''John y Paul hicieron algunas de las canciones más bonitas de la historia''. RINGO STARR
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* ''El vocalista de mayor talento del rock'n'roll detodos los tiempos. Era capaz de cantar cualquier cosa, en cualquier estilo. Era capaz de cambiar su estilode una frase a la siguiente y, ¡Dios!, eso es arte.Y él era brillante haciéndolo''. Roger Daltrey * Estelibro celebra una vida destacada, vivida al completo. Con un conocimiento experto, el autor traza la vidadel artista, desde su infancia en Zanzíbar e India hasta su prematuro fallecimiento, asimismo, registra sus extraordinarios logros que culminan con una actuación victoriosa a nivel mundial en Live Aid, en 1985.* Con reveladoras entrevistas realizadas a sus compañeros músicos, productores y colaboradores, fotografías poco conocidas y espectaculares, así como una detallada discografía y cronología, se trata de un tributoa un artista único e irremplazable que sacudió al mundo. Freddie Mercury fue la personalidad del rock'n'roll más deslumbrante: un artista legendario que, en1991, con tan solo cuarenta y cinco años de edad, seconvirtió en la primera estrella del pop en morir a causa del sida. La exorbitante voz de cuatro octavas de Freddie fue un elemento definitivo en el sonido único de Queen, presente en más de una docena de los álbumes del grupo, de los cuales se vendieron millones,desde la década de los setenta hasta principios de los noventa. Era, asimismo, un compositor soberbio, deenorme talento, y músico, autor de algunos de los grandes éxitos de Queen, entre los que se cuentan ''Killer Queen'' y ''We Are the Champions'', así como su triunfo más destacado, el épico himno ''Bohemian Rhapsody''. Como artista en solitario, lanzó dos aclamadosálbumes, Mr Bad Guy, en 1985, y el operístico Barcelona, con la soprano española Montserrat Caballé, en 1988 (posteriormente utilizado como himno para los Juegos Olímpicos de 1992, celebrados en Barcelona).
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Los Beatles y ellas es un libro sobre las mujeres queestuvieron alrededor de los cuatro músicos de Liverpool, aquellas que vivieron, se cruzaron e influyeronde alguna manera en John, Paul, George y Ringo, tantoa nivel individual como de grupo. También, las que les inspiraron canciones. Jane Asher, la eterna noviade Paul y Yoko Ono son las figuras más destacadas deuna galería de retratos femeninos en los que se incluyen novias, esposas, amantes, amigas, cantantes... ymadres. El libro, además de los veintiún retratos realizados por Marta Ponce, cuenta con abundantes ilustraciones de su historia y de su época, además de una discografía dibujada y comentada.
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El regalo perfecto para cualquier amante de la música.¿Alguna vez has tenido problemas al comprar entradas para el concierto de tu artista favorito? O peor, ¿te has dado cuenta de que no ibas suficientemente preparado cuando era demasiado tarde? En este diario descubrirás los mejores trucos y consejos para organizar y disfrutar de ese concierto que tanto llevas esperando. Además, se convertirá en el espacio donde guardar tus recuerdos más especiales y preparar tu año de eventos musicales. Con calendarios y fichas en detalle, podrás anotar a quién verás, cuándo, con quién, cómo irás, qué te vas a poner, qué canciones tocaron, los mejores momentos del espectáculo... Ah, y no te olvides de pegar tus entradas, pulseras, fotos o cualquier otra cosa que conmemore ese día tan especial.
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John Dowland (1563-1626) es uno de los compositores británicos más brillantes del Renacimiento, uno de los mejores creadores de canciones de todos los tiempos incluyendo a Henry Purcell, y uno de los artistas más destacados durante el reinado de Isabel I de Inglaterra. Entre su producción artística es inestimable su voluminoso corpus de canciones así como su excelsa colección de obras para laúd, de tal manera que brilla con luz propia entre sus coetáneos, entre los que se encuentran compositores y laudistas de la importancia de William Byrd, Josquin des Près, Jacob Obrecht, Adrian Willaert, Adrian Le Roy, Alfonso Ferrabosco el Joven, Thomas Campion o Luca Marenzio.
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Pasará mucho tiempo antes de que otra biografía coseche tan encendidos elogios como los obtenidos por esta obra definitiva (el adjetivo no es, por una vez, hiperbólico) sobre la fulgurante ascensión y la apoteósica decadencia de un cantante ya instalado en la mitología popular contemporánea. Basten dos muestras extraídas del New York Times: 'Un triunfo del arte biográfico [...] un libro profundo y conmovedor' (Stephen Wright) 'Hagamos un poco de ruido [à] Aparte de ser la mejor biografía jamás escrita sobre una estrella de rock, esta obra figura entre las más ambiciosas y cruciales aventuras biográficas consagradas a un icono de la cultura norteamericana de la segunda mitad del siglo XX' (Gerard Marzorati).Incluso el huraño Bob Dylan ha abandonado su guarida para unirse al coro de apologetas: '[Elvis] parece salir de estas páginas, notas cómo respira: este libro anula todos los demás.'Tras una meticulosa investigación, Peter Guralnick afronta las luces y las sombras de Elvis para devolvernos a la persona silenciada por su máscara y rescatar la realidad sepultada bajo el templo de la idolatría.
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Pablo Benegas, guitarrista y compositor de La Oreja de Van Gogh, sorprende con un conmovedor relato en primera persona sobre el impacto del miedo y de la violencia, pero también acerca del valor de la amistad y de la música. Nadie vuelve a ser el mismo después de pisar un escenario. No importa lo que suceda arriba. Para bien o para mal, nunca baja la misma persona que subió.Esta memoria, escrita con una sensibilidad especial, bucea en los recuerdos de dos décadas oscuras para contar una historia luminosa de amistad. Un viaje intenso y conmovedor que se levanta sobre los escenarios del dolor más crudo -el Donosti de los años de plomo en el que creció Pablo Benegas viendo el nombre de su padre en la diana de ETA-, nos hace vibrar al ritmo de la música que suena a lo largo de sus páginasy nos emociona al descubrir los orígenes de un grupo que es leyenda para varias generaciones: La Oreja de Van Gogh. Con una prosa cálida que envuelve como una de sus canciones, Pablo Benegas comparte su memoria personal de un tiempo que nos pertenece a todos y que no deberíamos dejar caer en el olvido.
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El 20 es un número con especial significado para estos cantantes gaditanos, amigos desde la infancia, que han crecido juntos tanto personal, como musicalmente. A sus 20 años, el dúo español emprendió su carrera musical y lanzó su disco debut en el año 2003, llamado Andy & Lucas. Ahora, 20 años después, los artistas recogen la magia de esos tiempos en 20 canciones creadas de la mano de 20 colaboradores muy especiales.Algunos de los temas más sonados durante estos años son ''Tanto la quería'' o ''Son de amores'', que actualmente cuentan con millones de reproducciones. Estos temas abrieron la puerta a nuevos éxitos y discos, siendo el último publicado Nueva vida, en el año 2018. Como refleja el nombre de este álbum de estudio, en él los artistas dieron un giro musical, pero siempre manteniendo su esencia.El formato físico es un doble CD libro de tamaño 23x23cm y mas de 50 páginas con ilustraciones, fotos inéditas, textos que hacen referencia a esos 20 años en más de 20 canciones.
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¿Nos hace la música mejores como personas y como sociedad? A lo largo de la historia, los filósofos han reflexionado sobre esta cuestión con una gran dosis deescepticismo. Gescinska está convencida de que la música puede desempeñar un papel muy importante en nuestro desarrollo personal y moral. Sin embargo, le prestamos muy poca atención: en la educación, la música apenas tiene relevancia.
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El presente libro aborda la producción y el consumo de música a lo largo del siglo xvii y principios del XVIII. El texto, que va más allá de una simple historia de los compositores, los estilos o los géneros musicales, explora asuntos relacionados con el mecenazgo, la educación, los rituales civiles y religiosos, el teatro y la cultura visual de la época. La autora se centra no sólo en la naturaleza de la música en el periodo barroco, sino también en los modos tan diferentes en que hombres y mujeres experimentaban la música en sus vidas cotidianas. Al tratar la música como expresión de identidad política y nacional, la examina en el contexto del arte y la literatura de la época, sin olvidarse de los conflictos políticos y religiosos, y de las cuestiones de clase y género.
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En este extraordinario ensayo publicado originalmenteen 1963, Donald Mitchell examina con gran perspicacia y sensibilidad los valores filosóficos y estéticosque determinaron el lenguaje de la música del siglo xx. Para ello se centra en las figuras de Schoenberg yStravinski, representantes de dos estilos genuinamente modernos y de una nueva sensibilidad. Mediante larigurosa aplicación de técnica y construcción formal,ambos compositores dotaron a la música de nuevos vocabularios y transformaron las convenciones de escuchay composición para siempre. Dado el carácter multidisciplinar de este ensayo, los años lo han elevado alestatus de clásico no sólo en el campo de la musicología, sino también de los estudios culturales.
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Un maravilloso relato en primera persona de los últimos veinte años en el mundo de la música en España. Javier Limón es probablemente el productor musical español más importante de los últimos veinte años. Ganador de ocho premios Grammy, ha producido casi cien discos de artistas como Diego el Cigala, Bebo Valdés, Paco de Lucía, Andrés Calamaro, Buika, Ana Belén, Antonio Orozco, Estopa, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, entre muchísimos otros. En estas fascinantes y divertidas memorias, repletas de anécdotas y de personajes conocidos, Limón nos cuenta como un chaval madrileño sin mucho talento musical se acabó convirtiendo en una leyenda de la música y en factor clave para el surgimiento de numerosos sonidos y movimientos en la escena musical española. «Disfrazado de profesional de la música, Javier Limón esconde en verdad a un profesional de la vida, alguien que ha hecho del disfrute un oficio».David Trueba «Javier Limón es un dínamo musical. En todo lo que hace se involucra con una energía y un entusiasmo que contagia. Tiene un amor por la música y por la vida, que unido a su experiencia y su talento sintético y minimalista, lo vuelven un compañero de trabajo creativo inigualable».Jorge Drexler «Me gustaría cantar para poder contar lo que Javier Limón aporta al arte y la cultura españoles, querría componer para poder compartir cómo Javier ha sabido hacerlo, con sus letras, sus notas, sus acordes, con su música, me encantaría saber recitar para trasladarle a todos los que se fijan, intuyen, escuchan, con la mente despejada, a corazón abierto, con los cinco sentidos, que sin Casalimón muchos artistas incipientes de enorme talento pero escasas oportunidades no habrían tenido ni tendrían un hogar... Javier, Eva... que ese aroma fresco que destiláis os acompañe, nos acompañe, siempre».Juan Cierco «Javi Limón no necesita el aplauso porque le sobra el talento. Es músico, productor y profesor. Atentos si abren estas páginas, este artista convierte la música en el mejor de los vicios».Mamen Mendizábal «Con Javier Limón aprendimos que en la radio, en la tele o allá dónde nos dejaran un hueco, todo por difícil que pueda parecer es posible, siempre y cuando encuentres a la persona capaz de transmitir su pasión, la música en el caso de Javier».Toni Garrido
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En ''Por qué Beethoven tiró el estofado'' el famoso violonchelista Steven Isserlis nos sorprendió a todos con un maravilloso regalo tal y como en su momento su profesor de chelo le hizo a él, la posibilidad de conocer a los grandes compositores como si fueran nuestros amigos y hablaran con nuestras propias palabras. En este nuevo libro nos dibuja con su atractivo lenguaje el mundo de otros seis compositores extraordinarios –Händel, Haydn, Schubert, Tchaikovsky, Dvorák y Fauré–, haciéndolos revivir en nuestra imaginación como si pudiéramos escucharles hoy en día. Amenizado con historias coloridas sobre estas increíbles personalidades y sus amigos, este libro es una lectura atractiva y accesible tanto para niños como para adultos.
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Metallica es la banda de metal más grande del planeta y son grandes por méritos propios: hace cuatro décadas reinventaraon la historia de la música y siguen en la brecha demostrando que su directo es inapelable. La banda nació en Los Ángeles en 1981, aunque ha desarrollado casi toda su carrera desde San Francisco. En sus más de cuatro décadas de historia, han grabado once discos de estudio y un sinfín de directos, singles, EPs, vídeos. La historia de Metallica está repleta de altibajos humanos y musicales, el fatal fallecimiento del genial Cliff Burton en 1986, uno de los mejores bajistas de la época, marcó un antes y un después en la evolución del grupo, que pasó de liderar el thrash metal para adentrarse en nuevos territorios musicales en una continua búsqueda de su identidad que, en ocasiones, le granjeó el desencuentro con sus seguidores. Metallica. Nos veremos en el infierno relata toda esta aventura en detalle, tanto las épocas gloriosas, cuando James, Kirk, Cliff y Lars sabían que estaban transformando la historia de la música con su talento único para dominar el ruido, como las jornadas más tristes, cuando sentían que estaban perdiendo el contacto con sus seguidores. Combinando de manera magistral la historia oral con el relato periodístico y el análisis musical, álbum a álbum, canción tras canción, y analizando aspectos como la composición, la grabación, la producción, y la recepción por parte del público, Jesús Casañas ofrece la única biografía actualizada y completa de Metallica, un verdadero manual de uso para seguidores de toda la vida y para aquellos recién llegados a la filas del metal. Ampliamente ilustrada, con imágenes inéditas, esta biografía cuenta con una selección de vídeos comentados y una playlist de Spotify también comentada.
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Running Up That Hill: 50 miradas de Kate Bush encapsula la trayectoria de Kate Bush para alimentar la curiosidad tanto de las mentes que la acaban de conocer como de quienes forman parte de su público desde hace décadas. A través de los testimonios de su círculo cercano y músicos como David Gilmour y John Lydon, se destapan sus múltiples facetas y su búsqueda por la independencia creativa.La figura Kate Bush, tan icónica como vanguardista, ha inspirado y transformado generaciones de jóvenes en busca de algo más allá.
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Largamente esperada, este trabajo nos trae el análisis textual y la transcripción musical de los villancicos que el maestro de capilla Francisco Juncá compusopara la catedral de Toledo entre 1781 y 1791. El libro incluye, en papel, el análisis y el estudio de lostextos, y en el CD ROM que le acompaña, la transcripción musical dispuesta para poder ser interpretada. Untesoro musical que merece la pena conocer y divulgar. LIbro con estudio y edición (389 p.) + CDROM (edición musical en pdf, 1814 p.)
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?Hacer una historia ?breve? de algo tan vasto yplagado de nombres como la historia de la música esun gran desafío del que Javier María López sale victorioso. Combinando rigor con un estilo ameno y cercano, esta guía por los tiempos y los acordes realiza unaimportante tarea de síntesis y presenta el materialde una forma accesible.? (Web Anika entre libros)?El autor nos propone un viaje apasionante a través de los siglos por los diferentes estilos musicales que se han creado a lo largo de la historia, enseñándonos cuales han sido sus principalescaracterísticas y sobre todo haciéndonos distinguir de manera amena cuales son y cómo influyen unas en otras.?(Blog Historia con minúsculas) La música es connatural al ser humano, por eso está presente, desde los albores de la humanidad hasta la actualidad, en los ritos y la vida diaria de toda la humanidad. La música, esuna manifestación artística presente en la totalidadde la historia, desde el nacimiento de las primeras sociedades tribales hasta la actualidad, ha acompañadoal hombre no sólo en los acontecimientos históricosmás relevantes, sino en la vida cotidiana de los seres humanos. Es por esto que un acercamiento a la historia de la música es necesario para cualquier hombre,pero muchas veces los conceptos musicales pueden sercomplejos o nuevos para el lector: Breve Historiade la Música supone un acercamiento completo al desarrollo de los procesos históricos más importantes,y además aclara los conceptos más difíciles y los presenta de un modo accesible para cualquier lector. Hará un esfuerzo Javier María López Rodríguez por presentarlos la música como una parte importante del patrimonio de la humanidad, que, pese a lo volátil que pueda parecer, se puede rastrear hasta susprehistóricos orígenes. Del análisis de la música enGrecia y Roma pasará a la Edad Media y los avances en el contrapunto y la polifonía vocal que alcanzan sumáximo esplendor en el Renacimiento. A partir del Barroco la melodía cobrará gran importancia, y será llevada a su grado máximo de perfección por gigantes dela talla de Mozart o de Haydn, Los siguientes siglosestarán caracterizados por la continua búsqueda de innovación melódica y, en el XX, a esta búsqueda de innovación se suma la revolución tecnológica que provocará una auténtica explosión de géneros y técnicas: impresionismo, atonalidad, dodecafonía,, serialismo integral, indeterminación, música electrónica, rock, jazz? Razones para comprar la obra: - La música es un fenómeno connatural al ser humano, ha existido desde el inicio de la humanidad hastala actualidad. - El autor integra en suanálisis la presentación de los hechos y procesos más relevantes de la historia de la música, con la descripción de las personalidades más relevantes, sus aportaciones y curiosidades sobre ellas. -El libro incluye ejemplos especialmente diseñados para comprender los contenidos que se explican, destacan también las imágenes cogidas de fuentes tan heterogéneas como el cine o el cómic. - El autor adopta una perspectiva que incluye las visiones más modernas del discurso de la historia de la música como la antropología o la etnomusicología. La música nos acompaña en nuestra vida diaria, y asíha sido desde el principio de los tiempos. Este importante texto nos presenta la historia universal de lamúsica de un modo que cualquier lector, profesional olego, pueda entender.
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Marlene Dietrich: un nombre que trae enseguida a la memoria el eco del mítico Berlín de los años veinte, un nombre en el que ciframos tanto la oscura historia del nazismo como la refulgente imagen del Hollywood glorioso, un nombre, también, de mujer libre y lúcida, ejemplo de muchas otras mujeres fuertes. Este libro es uno de los primeros y más conocidos retratos de Marlene Dietrich, escrito y publicado en 1931, cuando su fama mundial era todavía muy nueva, pero su carrera y su vida estaban embarcadas ya en el rumbo decisivo. En estas páginas, «la Dietrich», como comenzaba a conocérsela, estaba ligada aún a la imagen de aquel Berlín internacional de cabarets, canciones y conspiraciones políticas, una ciudad sin parangón que la actriz tendría que abandonar un par de años más tarde debido a su enérgico rechazo del régimen nazi. En este breve acercamiento a Marlene, Franz Hessel nos transmite la imagen de sus comienzos, con pinceladas exactas y datos reveladores, y es sorprendente comprobar en qué grado estas observaciones son válidas también para sus papeles e interpretaciones posteriores. Sobre el texto, y sobre las numerosas fotografías que lo acompañan, planea la magia del sueño, una magia placentera que no llega a convertirse aún en melancolía. Se trata, sin duda, de un momento estelar, aunque íntimo, muy lejos del aparente glamour de la estrella, y más allá de los abismos del tiempo y la desgracia. Quien ame Berlín, quien ame a Marlene Dietrich y quien ame a Franz Hessel amará también este libro de comienzos, certezas y sueños, escrito para el recuerdo de una época perdida pero también, como en toda obra de Hessel, para la esperanza.
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En 1971, John Lennon y Yoko Ono concibieron y grabaron el álbum Imagine, aclamado por la crítica, en su casa de campo georgiana, Tittenhurst Park, en Berkshire, Inglaterra, en su estudio de vanguardia, así como en Record Plant, Nueva York. La letra de la
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«Noia de porcelana», «Boomerang», «Lo tio Pep», «Papa, jo vull ser torero», «El cant dels ocells», «Jenifer», «Batiscafo Katiuskas», «Boig per tu», «Qualsevolnit pot sortir el sol»… Des de La Trinca i Serrat, passant per Lax’n’Busto i Sopa de Cabra, fins a Mishimai Manel. Cançons de tots els temps i de tots els gèneres, que parlen de nosaltres, de la nostra llengua,de la nostra música i del nostre país, i que ens evoquen milers de records amb cada estrofa i amb cada tornada. 501 cançons catalanes, 501 petits homenatges. Per saber-ho tot de les nostres cançons més emblemàtiques i dels nostres músics de capçalera, per conèixercom es van gestar les melodies i les lletres que hanmarcat les nostres vides, per descobrir les noves veus que destaquen al panorama català, per recórrer de la mà de la música la història del nostre paisatge emocional. Les cançons d’ahir i d’avui magníficament seleccionades i comentades amb tot luxe de detalls i anècdotes sorprenents pel periodista musical de referència, Jordi Bianciotto, i acompanyades de declaracionsinèdites dels mateixos artistes: què, com, quan i perquè! Un regal il·lustrat per a l’oïda, per recordar,descobrir i tornar a emocionar-nos amb la nostra música. LES 501 MILLORS CANÇONS CATALANES I GAIREBÉ CAPGRALLA!
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Las memorias de Billie Holiday, una de las voces femeninas del jazz más emblemáticas.Cuando Eleanora Holiday, más conocida por Billie, o Lady Day para los amigos, murió en un hospital de Nueva York en 1959, dejaba tras de sí una de las carreras más míticas y deslumbrantes de la historia del jazz. Desde los miserables inicios en Baltimore, los primeros trabajos como criada, el intento de violación a los diez años, la prostitución, la discriminación racial, la drogadicción, los múltiples pleitos y estancias en la cárcel, el engaño por parte de casi todos los hombres que la trataron, su vida aparece jalonada por una serie de episodios que fraguaron su leyenda. Billie Holiday nos cuenta con conmovedora sinceridad en estas memorias —escritas en colaboración con su amigo y pianista William Dufty—, en las que también se revive la más esplendorosa época del jazz en los clubes de Harlem, la radio y los estudios de grabación, las giras maratonianas y las jam-sessions al lado de músicos legendarios como, entre otros, Duke Ellington, Louis Amstrong, Benny Goodman, Count Basie, Lester Young o Artie Shaw.
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PARTITURAS PARA FICIONADOS AL PIANO · Arreglos fáciles para piano de 33 canciones de videojuegos famosos · ¿Quién no ha soñado alguna vez en tocar sus canciones favoritas al piano? Ahora esto es posible gracias a este libro en el que encontrarás una recopilación de arreglos de algunas de las mejores canciones de videojuegos adaptadas de forma sencilla para todo tipo de pianistas. Además aprenderás curiosidades sobre las canciones y sus compositores y algunos trucos de piano de la mano del autor. · ¡Incluye unas páginas de teoría musical básica para ser capaz de afrontar cualquier partitura del libro! · La lista de canciones se puede consultar en las imágenes. · Cada partitura incluye acordes cifrados y códigos QR que enlazan con la interpretación de la partitura en un vídeo interactivo donde verás cómo van cayendo las notas encima del teclado.
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Cuando en 1979 los Clash comenzaron a pergeñar London calling, no podían imaginar que ese álbum doble devendría una de las obras absolutamente capitales de la Historia del Rock. Lo que sí sabían era que los límites del punk les quedaban estrechos, y se lanzaron a dar forma a un sonido que bebía tanto del rock clásico como del reggae, el pop, el ska o el rockabilly. Todo tenía cabida en una mezcla a la que dotaron de su vehemente propia identidad, esa que en gran medida definiría el rock de la década de los años ochenta y sería influencia para cientos de bandas de todo el planeta.Desde la gestación, grabación, puesta en escena y desarrollo posterior, London calling. The Clash rompiendo con todo se adentra en una obra que llevó al grupo liderado por Joe Strummer y Mick Jones a la primera división del rock internacional. Lo que lograron sin renunciar al compromiso social en sus letras, muy al contrario: la crisis económica e industrial, el desempleo, las drogas o la lacra del racismo que asolaba la Inglaterra de Margaret Thatcher forjan un repertorio tan sólido que, impermeable a la erosión del tiempo, permanece vigente cinco décadas más tarde. Entre la poesía de combate y la soflama concienciada, los Clash describieron con intensa pulsión musical la realidad de su tiempo, pero que, atemporal, se ajusta a interpretar el presente.London callling fue prácticamente un fenómeno social en el cambio de década de los setenta a los ochenta, una obra cuya huella Fernando Ballesteros reconstruye paso a paso en The Clash rompiendo con todo, relatando cada detalle, anécdota, discusiones, técnicas de composición y, sobre todo, exponiendo el desafío de unos músicos comprometidos que le dieron un vuelco al rock reafirmándose en sus convicciones artísticas sin complejos. Y sin pagar peajes comerciales. La Historia, sin duda, ha estado de su parte.
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Por culpa de las azarosas andanzas que ensombrecían las vidas de algunos músicos de jazz —demonizados, incomprendidos y, a menudo, asediados por el impío azote de las «buenas costumbres» burguesitas— y de otros adláteres de la farándula, abunda la tendencia, entre quienes nos legan sus memorias, a no bajar la guardia frente a la sociedad iempensante, lacra esta que, en no pocos casos, hace que las autobiografías tiendan a ser poco sinceras cuando no pasto de la más atroz censura (como sucediera con las de Billie Holiday). El legendario pianista canadiense evita, con ejemplar solvencia, este efecto edulcorado en su introspectiva y, a menudo reveladora, prepóstuma auditoría interna. Jugando a su antojo con la cronología cual solista en pleno trance improvisatorio, recorre el largo camino hasta su consagración, pero con frecuencia desvía el discurso para trazar sentidas semblanzas de otros grandes del jazz y compañeros de armas, o reflexionar sobre la política, el racismo y su propia vida. La carrera de Oscar Peterson abarca más de cinco décadas, tiempo en el que grabó más de un centenar de álbumes, y fue galardonado con numerosas distinciones —como las concedidas en los Grammy, el Black Theatre Workshop, el Peabody Conservatory of Music o la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación— y con el ingreso en el Salón de la Fama del Jazz. Compartió escenario, camerino y las incomodidades propias de la carretera —así como el hostigamiento y las vejaciones de sus racistas convecinos— con grandes del género como Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Billie Holiday, Count Basie, Nat King Cole, Louis Armstrong o Duke Ellington. Tras un pormenorizado y agradecido repaso a sus primeros tientos estudiantiles, accede el lector a la crónica de las vivencias de una de las épocas acaso más fascinantes de la historia del jazz: la década de los cuarenta, cuando Peterson se batía el cobre con la Johnny Holmes Orchestra en Montreal y conoció a Norman Granz, el apoderado, productor, promotor, amigo y fiel consejero que lanzaría su carrera al estrellato. Por invitación de este, se uniría a la mítica JATP [Jazz at the Philharmonic], con la que viajaría por doquier, además de hacer lo propio con todos los tríos ue formaría a lo largo de su dilatada y triunfal carrera, con artistas de la talla de Ray Brown, Barney Kessel, Louis Hayes, Joe Pass, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Jeff Hamilton, Herb Ellis o Ed Thigpen. Se acompaña esta edición con el acceso, vía código QR (ver página 319), al repertorio de la compilación en CD que llevaba por título A Jazz Odyssey y que acompañaba en 2002 a la edición original de estas memorias.
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La música pop no empezó con los Beatles en 1963, ni con Elvis en 1956. Ni siquiera con los primeros sencillos de siete pulgadas en 1949. Hubo una prehistoria que se remonta a la primera música grabada, a principios del siglo XX...¿Quiénes fueron las primeras estrellas discográficas? ¿Eran, en algún sentido, «estrellas del pop»? ¿Para quiénes componían canciones figuras como George Gershwin? ¿Por qué el swing, el sonido que triunfó durante una década o más, se volvió casi invisible después de la Segunda Guerra Mundial?La precuela de «Yeah Yeah Yeah», Let’s do it, de Bob Stanley, es el primer libro que narra la historia definitiva del nacimiento del pop, desde la invención del disco de 78 rpm a finales del siglo XIX, pasando por la primer vez que se usó el término (un anuncio de 1901 en el Stage para una biblioteca de préstamo de partituras prometía ''toda la música pop más reciente''), hasta el auge del rock'n'roll, desde el music hall hasta Muddy Waters.Incluyendo a superestrellas como Louis Armstrong, Bessie Smith, Duke Ellington y Frank Sinatra, junto con los compositores y arreglistas desconocidos responsables de algunas de nuestras canciones más perdurables, Stanley pinta un retrato auditivo de los años de formación de la música pop con una claridad asombrosa, desvelando los hilos de plata y las agujas de oro que unen la forma.Admirablemente sencillo en su enfoque, Stanley hace uso de un lenguaje ingenioso y tiene un ojo fantástico para los hechos oscuros y llamativos, dotando a su narración de un entusiasmo contagioso que nos hace correr al servicio de streaming más accesible para descubrir a qué se debía tanto revuelo. La maestría de Let's do It para revivir el pasado reside en su capacidad para establecer paralelismos con el presente o, al menos, con la historia más contemporánea.
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Avalancha, el último disco de estudio de Héroes del Silencio, una de las bandas más legendarias de nuestro rock, representó su amarga despedida en la cumbre de su carrera. Un final que ni ellos mismos esperaban y que fue fraguándose a medida que la grabación de su álbum más maduro avanzaba. Producido por el histórico Bob Ezrin (Pink Floyd, Lou Reed, Alice Cooper ... ), Avalancha cristalizó la evolución artística y personal de Héroes del Silencio y dejó himnos como ''La chispa adecuadá: ''Iberia sumergidá' o 'J.valanchá'.Los demonios de la memoria de Héroes del Silencio transita desde la reclusión inicial del grupo en la soledad de las montañas de Benasque a la grabación definitiva en Los Ángeles, sin olvidar hacer parada en las canciones inéditas así como en la intensa gira posterior, con una producción y puesta en escena innovadoras. Relatando y analizando minuciosamente, con un estilo directo y ameno, los detalles, anécdotas y circunstancias que hicieron de Avalancha un disco tan fundamental como impactante, este volumen revela su creación.A modo de relato oral, Carlos H. Vázquez une a la perfección sus reflexiones con declaraciones de los principales protagonistas (Enrique Bunbury, Juan Valdivia, Joaquín Cardiel, Pedro Andreu y Alan Boguslavsky) y quienes pivotaron a su alrededor: productores, mánagers, técnicos e incluso algunos seguidores esenciales para entender la mítica que rodeó al grupo. Con las palabras de todos ellos -recogidas especialmente para este libro y otras recuperadas de la hemerotecaconforma un brillante puzle que reconstruye el recorrido de Avalancha, cuando todo estaba dicho y, al mismo tiempo, todo parecía a punto de estallar.
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Cinco años después de su muerte, la biografía definitiva de Luis Eduardo Aute, un artista cuyas canciones siguen coreándose con la misma emoción de siempre. Pintor, cineasta, compositor, poeta… la obra multifacética de Luis Eduardo Aute (Manila, 1943-Madrid, 2020) es un referente obligado en la cultura española de los últimos sesenta años. Canciones como Las cuatro y diez, Al alba -un icono de la Transición-, De alguna manera o Pasaba por aquí forman parte de la memoria colectiva de varias generaciones. Me va la vida en ello, la primera biografía que se publica coincidiendo con los 5 años de su muerte, nos acerca a la vida cotidiana y al proceso creativo de un artista que, frente a los cambios sociales y políticos que experimenta el mundo, supo mantener siempre una coherencia ética. ''A la única esclavitud que me someto es la de mis principios y valores'', repitió. Con los testimonios de quienes le conocieron y colaboraron más estrechamente, Miguel Fernández -autor de las biografías de Waldo de los Ríos, Amparo Muñoz o Mari Trini- relata la trayectoria y el compromiso del artista total que reivindicó ''el espejismo de intentar ser siempre uno mismo''.
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Hai moitos anos, as nosas avoas, bisavoas e tataravoas cantaban fermosas cancións mentres traballaban e celebraban festas. Para que esas melodías non se perdesen, unha señora de Suíza chamada Dorothé Schubarth, que quedou marabillada coa música e as paisaxes de Galicia, decidiu recollelas nun libro moi especial: o Cancioneiro Popular Galego. Para escribilo, contou coa axuda do lingüista galego Antón Santamarina.
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'ENGUANY FA SET ANYS DE TOT [DIETARI 2024] ''és el desè volum dels dietaris de Celdoni Fonoll. Prosa esquitxada de poesia. Sàtira i humor. Passió i contundència. Nova crònica personal i col·lectiva que comença amb aquests versos fonollians: ''Set anys que vàrem tocar'' ''la llum de la independència'' ''amb els dits i el cor i l'ànima!'' Sobre els dietaris de Celdoni Fonoll han dit: La intensitat dels temps que vivim fa que només puguem recordar alguns episodis. Però la lectura del Dietari permet assaborir, i també patir de nou, els fets quotidians viscuts. Gràcies, Celdoni Fonoll, per mantenir viva la memòria! Lectura intensament recomanada. Jaume Alonso-Cuevillas, advocat i economista, a Twitter L'univers Fonoll no deixa de ser una mica el món i el país on voldríem viure... Francesc de Dalmases, periodista i diputat al Parlament de Catalunya, a Instagram Hi ha els fets, hi ha els comentaris, hi ha els atacs, hi ha les agressions, hi ha les manipulacions, però també hi ha humor, perquè una de les característiques d'aquestes pàgines és que el seu autor, passi el que passi, no perd mai el sentit de l'humor ni la capacitat, per mitjà de la caricatura, de posar l'opressor al seu lloc. Llegiu-lo, amics, és un any de la nostra història. Víctor Alexandre, periodista i escriptor, a ''Racó Català''
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Artista, activista y compositora aguda y reflexiva con una voz imponente. Sus canciones autobiográficas son una llamada a la acción radicalmente política. Desde la publicación de su primer y decisivo álbum en solitario, Little Earthquakes, Tori Amos se ha consolidado como una de las artistas más ingeniosas y perdurables de la industria musical, y lo ha conseguido enlazando lo personal con lo político. Partiendo de sus recuerdos, Amos desentraña sus más de tres décadas de carrera musical y explica cómo consiguió crear una obra con resonancia y significado frente a las estructuras políticas, y cómo sus firmes declaraciones antibélicas, antirracistas y feministas, junto con su lucha por los marginados, han sido siempre su luz guía. Además, mediante su propio proceso creativo, la música nominada a varios Grammy ofrece valiosas herramientas de inspiración para artistas, así como profundas reflexiones sobre la industria musical y la comercialización del arte. Lleno de orientación compasiva y consejos prácticos -y utilizando algunas de las canciones más potentes y políticas del repertorio de Amos-, este libro muestra cómo la música puede ser un acto de resistencia en sí mismo.
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El libro de referencia sobre Alaska, una de las artistas más importantes de nuestro país, columna vertebral de la movida y la edad de oro del pop español. Alaska y otras historias de la movida se publicó por primera vez hace más de veinte años. Por aquel entonces, el fenómeno cultural y social denominado movida cumplía sus primeras dos décadas. Aún era una corriente por reivindicar y la historia de Alaska, una de sus máximas representantes, todavía no había sido contada. Tampoco lo hacía en su totalidad este libro, que inicia el relato vital de la artista a partir de su infancia en México, su llegada a España siendo una niña, sus precoces experiencias musicales con Kaka de Luxe, su irrupción definitiva en el nuevo panorama musical con Alaska y los Pegamoides, y concluye con su consolidación como estrella gracias al éxito de Deseo carnal, el segundo álbum de Dinarama, que coincide también con el fin de la movida, que pasa de ser una manifestación cultural espontánea a convertirse en una etiqueta que, con el paso del tiempo, va perdiendo parte de su significado real. Alaska y otras historias de la movida no es un libro sobre música. Es una narración que cuenta la historia de una serie de personajes, siempre con Alaska como principal protagonista, que durante unos años cruciales para España cambiaron su devenir cultural. Es un híbrido entre el ensayo y la biografía que se lee como una novela, también porque ya han pasado más de cuatro décadas desde que todo esto sucedió. Cuatro décadas en las que el mundo ha cambiado hasta unos límites inimaginables, para bien y para mal. Es por eso mismo que esta obra, descatalogada desde hace mucho y convertida en libro de culto, pedía una reedición. La esencia de lo que ocurrió entonces en Madrid y de lo que vivieron Alaska, Nacho Canut, Carlos Berlanga, Ana Curra, Eduardo Benavente, Paloma Chamorro, Pedro Almodóvar, Fabio de Miguel, Javier Furia, Luis Miguélez, Pablo Pérez Minguez, Blanca Sánchez y otras figuras imprescindibles de aquel momento queda reflejada en estas páginas. Un poderoso coro de voces que hace de este relato una experiencia adictiva. Respetando la versión original del libro, e incluyendo una introducción de la periodista Elena Cabrera, Alaska y otras historias de la movida vuelve a las librerías. El texto está acompañado por fotografías tomadas por el propio autor en sus años formativos como creador del fanzine Estricnina, una tarea que propició su primer contacto y sus primeras entrevistas con Alaska y demás protagonistas de esta historia. La misma vieja historia sigue sonando nueva porque de lo que habla en realidad es de pasiones, amistad, traiciones, celos, identidad y ambiciones. Existen otros libros sobre la movida, pero ninguno es como este.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.