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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Love's got everything to do with it. Tina Turner esla reina del Rock n' Roll, un icono musical que celebra sesenta años en laindustria musical. En esta dramáticaautobiografía cuenta la historia de toda una vida tras los focos. Desde sus inicios
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Curtis Mayfield fue uno de los intérpretes y compositores más influyentes de la historia de la música popular estadounidense. Sus letras reivindicativas tuvieron sobre el soul y el rhythm & blues un efecto liberador, pero fue aún más importante su papel como referente social y el peso que su música tuvo sobre el Movimiento por los Derechos Civiles.
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En este extraordinario libro, Ramón Andrés conversa con los autores del pasado y traza de manera novedosaen nuestra lengua una historia de la filosofía de lamúsica. Siguiendo la senda de Boecio, que habló del «consuelo de la filosofía», el autor nos habla del «consuelo de la música» y nos ofrece un texto sabio y cercano.
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Biografía artística, cultural y política de quien para muchos fue el mayor innovador de la música populardel siglo XX. Obra que supone el primer relato completo y cronológico en español de la vida y la obra delmítico músico norteamericano del que en 2023 se cumplirán treinta años de su fallecimiento. Ampliamente ilustrado, cuenta con un anexo discográfico y cinematográfico, además de una completa bibliografía actualizada y una playlist introductoria.
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«¡Pobre Puccini! ¡Qué mal te quieren los técnicos circunstanciales que padecemos y cuánto te aplaude el mundo entero! ¡Qué malo eres y cuánto ganas! ¡Los críticos te censuran y el público te ensalza!». Las palabras expresadas por el colaborador del diario El Correo, en enero de 1910, pueden servir como reflejo de cómo España recibió a uno de los grandes compositores de la historia de la ópera: Giacomo Puccini. El presente libro estudia las interrelaciones culturales entre España e Italia en el ámbito de la ópera, partiendo de la recepción española de la figura y obra del maestro italiano. Esta publicación cubre la necesidad de ofrecer un conocimiento exhaustivo de la recepción de Giacomo Puccini y sus óperas en España, dado que la bibliografía existente sobre el tema se ha limitado a unos pocos artículos de carácter divulgativo y referencias en estudios generales. La recepción del maestro italiano en España es la historia de un compositor novel que rápidamente experimentó una importante transformación, pasando del más profundo desconocimiento a alcanzar una popularidad notable. Puccini se convirtió vertiginosamente en uno los compositores de ópera italiana imprescindibles en la cartelera teatral del país. Mientras el público y las empresas teatrales vieron en Puccini a su nuevo compositor predilecto, un determinado grupo de críticos nacionales tuvieron motivos estéticos y comerciales para atacarlo. A pesar de enfrentarse a los negativos juicios de los partidarios de la ópera nacional y seguidores del músico alemán Richard Wagner, la influencia de Puccini en la cultura y sociedad española fue innegable.
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La denuncia de Bob Dylan. La nostalgia de Rocío Jurado. La soledad según los Beatles. Los hechos reales que inspiraron a Nirvana y The Cranberries y las leyendas inventadas sobre Silvio Rodríguez y Luis Eduardo Aute. Las disputas de Oasis. Leonard Cohen y Enrique Morente unidos por García Lorca. Una historia de amor de Joan Baez, otra de Joaquín Sabina. La malinterpretación de Bruce Springsteen. Las coplas de Carlos Cano, Concha Piquer y Joan Manuel Serrat. El suicidio de Alfonsina Storni en la voz de Mercedes Sosa. Y mucho más.Hasta donde le alcanza la memoria, Jorge Decarlini siempre quiso escribir palabras para ser cantadas, pero tuvo que conformarse con escribirlas para ser leídas: el músico frustrado devino en escritor. De ese deseo incumplido surge esta declaración de amor y curiosidad hacia el delicado arte de ponerle palabras a una melodía. Decarlini desmiga veinte canciones emblemáticas, les aporta contexto, identifica referencias, deshace mitos y malentendidos, descubre secretos, valora prosodias, les aplica la ciencia de la métrica de la poesía, escarba en entrevistas y hemerotecas, y de cada letra construye una pieza precisa de arqueología social y mitomanía melómana. Un libro para escuchar en el sofá, mientras lees canciones. «Igual que cada persona tiene una historia que contar, cada canción tiene la suya. Gracias a este libro divertido y sorprendente podemos conocer íntimamente 20 canciones, su biografía y su árbol genealógico», Leonor Watling
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¡DÉJATE ARROLLAR POR LA APISONADORA DEL FUNK-ROCK! A principios de los años ochenta, cuatro adolescentes del Fairfax High School de Los Ángeles se subían a un escenario para un único concierto. Dos de aquellos chicos -Anthony Kiedis y Michael Balzary ``Flea``- formaron el núcleo germinal de los Red Hot Chili Peppers, una de las bandas más salvajes e irreverentes de la historia de la música. Alineados en lo que se ha llamado funk-rock, por el grupo han pasado numerosos músicos, algunos de los cuales han dejado su particular huella, elevando su trayectoria a lo más alto hasta el punto de llenar estadios por todo el mundo y convertirse en una leyenda viviente. Esta es su historia contada por uno de los periodistas musicales que mejor conoce a la fabulosa banda angelina. Hillel Slovak, un corazón que se detiene por una sobredosis. ``Californication``, una obra maestra escrita por Anthony Kiedis. Dave Navarro, el hombre que cambió el sonido de los Chili Peppers. John Frusciante, el músico que regresó de entre los muertos. 10 canciones imprescindibles (y la historia que hay detrás). Discografía y filmografía básicas.
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El ensayo se titula Una cierta mirada al cine español no solo porque es un homenaje a François Truffaut, de quien he aprendido tanto leyendo libros suyos como Las películas de mi vida o El cine según Alfred Hitchcock, sino tambiénporque quería, ante todo, que mi mirada fuera desprejuiciada e inocente. Utilizo «cierta» no en el sentido 1.º del DRAE (versión digital 2020), «conocido como verdadero, seguro, indubitable», sino más bien apoyándome en las acepciones 2.ª («precediendo inmediatamente al sustantivo en sentido indeterminado») y 3.ª («poco, en pequeña cantidad o intensidad»). En definitiva, esta manera mía de proceder no deja de ser una forma de hacer memoria del cine español. La producción del cine franquista está condicionada por la historia, pero, asimismo, el tiempo histórico ha quedado reflejado en las imágenes de muchas películas, al estudioso del cine le corresponde buscar las huellas de ese tiempo oscuro.
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EMI fue el motor de la carrera de bandas y solistas tan míticas como Beatles, Pink Floyd, Kate Bush, Blur, Radiohead, Spice Girls y otros muchos. Pero en 2007, a merced de la revolución digital, experimentó una crisis sin precedentes, desde su fundación en 1931, que la dejó al borde de la extinción. Para entonces, la más veterana de las multinacionales discográficas y una de las cuatro grandes discográficas globales, EMI, necesitaba desesperadamente ventilación asistida, y Terra Firma se la dio: el fondo de buitre adquirió la discográfica por 3.600 millones de euros.Sin embargo, la empresa no pudo hacer frente a los numerosos créditos de los acreedores, y tuvo que desaparecer tres años más tarde.
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¿Quién no revive momentos solo con escuchar el principio de una canción? Sostener la nota reúne los ensayos del director de The New Yorker sobre el ocaso profesional de los grandes de la música. Desde el debut de Leonard Cohen, cuando su miedo escénico le impedía terminar «Suzanne», hasta la icónica caída del abrigo de visón de ArethaFranklin en el Kennedy Center mientras Barack y Michelle Obama aplaudían efusivamente. En Sostener la nota, el legendario director de la revista The New Yorker, David Remnick, reúne sus escritos sobre algunos de los músicos, compositores e intérpretes más famosos del mundo con vocación de entender cómo han pervivido en el tempo y en el tiempo las mayores y más populares voces del último siglo en Estados Unidos.Ganador de un premio Pulitzer por La tumba de Lenin, Remnick toma como hilo conductor las fulgurantes y longevas carreras de los mayores iconos musicales del planeta (Patti Smith, Mavis Staples, Paul McCartney, Bruce Springsteen, Buddy Guy...) para entregar una reflexión magistral sobre el éxito, el fracaso, el estrellato, el relevo generacional y el ocaso profesional. Este bestseller, que recoge con gracia los grandes momentos de la música de los últimos cincuenta años, atrapará tanto a melómanos empedernidos como amantes del periodismo gracias a los minuciosos e íntimos retratos que ofrece.«Siempre cercano y personal, siempre tenaz y bien informado por profundas investigaciones, y siempre vívido y veraz». The Times «Esta colección de artículos de David Remnick puede considerarse pura literatura. Trata al lector como a un igual, bien informado e inteligente». The New York Times «Una recopilación de perfiles excepcionalmente vívidos y melódicos de músicos al final de su vida. Escritos a lo largo de las tres últimas décadas, son encuentros agudamente observados, profundamente sentidos y juiciosamente detallados de una auténtica comunión que mezcla entrevistas, biografía y análisis, todo ello a través de una lírica y alegre composición». Donna Seaman, Booklist «Aquí hay chicha y mucha observación astuta. Un placer para los sentidos de los melómanos cultos». Kirkus Reviews«Una excepcional colección de artículos. Los minuciosos detalles que Remnick observa añaden textura, pero lo más destacable es su habilidad para reconocer al mismo tiempo el legado musical de los artistas y sus falibilidades humanas. Los aficionados a la música se deleitarán con esta mirada tras el telón». Publishers Weekly«Remnick tiene un estilo fuerte y musculado, pero sin pretensiones, y una curiosidad inquieta que le permite escribir tan bien sobre literatura y política como sobre boxeo». New Statesman
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Decenas de grandes artistas, periodistas, escritores músicos ydibujantes de cómics escriben sobre el fascinante universo de la bandaque «acuñó el término tecno pop para demoler la civilizaciónoccidental tal y como la conocíamos echando mano de nuestra herramientafavorita: ¡sintetizadores, cajas de ritmos y secuenciadores KORG!»(Julián Hernández). Siguiendo a Devo, The Residents o Kraftwerk, crearontemas que se convirtieron en himnos y odas a un futuro donde lasmáquinas colaborarían con los humanos o se sucederían encuentros concíborgs y androides. A veces, entre alguna gran polémica, como la delclásico «Nuclear sí». Fueron un fenómeno insólito en nuestro país,mezclando el futurismo con la tecnoviolencia libertaria. La HistoriaSecreta del pop ¿Aviador Dro? ¡Sí, por supuesto!
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Puccini ha sido, es y seguirá siendo una de las figuras más populares en el mundo de la ópera. Y el autorde este libro, Julian Budden, ha sido uno de los másdestacados investigadores de la ópera italiana. La unión de ambos nombres dio como fruto la que muchos consideran la gran biografía sobre el compositor de Lucca. Con una hábil mezcla de análisis musical y relatocolorista, en sus distintos capítulos se ofrece una esclarecedora visión de algunas de los títulos más populares del repertorio operístico de todo los tiempos,como Manon Lescaut, La boheme, Tosca, Madama Butterfly o Turandot. Budden aborda con agudeza el proceso de elaboración de una ópera, en la figura de quien sepuede considerar que pone el punto final a la ópera italiana del siglo XIX. Así, en sus páginas el lectorasiste a la pugna por encontrar a los intérpretes adecuados para el estreno de La boheme, la angustia de Puccini por terminar Turandot o su animosidad hacia algunos coetáneos como Leoncavallo (a quien llamaba irónicamente Leonasino o «león-asno»). Asimismo, proporciona un informado análisis de las propias óperas, examinando la música acto a acto. Destaca, entre otras cuestiones, la influencia de Wagner en Puccini, el único entre sus ontemporáneos italianos en seguir el ejemplo del alemán a la hora de otorgar protagonismo almotivo musical, lo que algunas veces le permite dar voz a pensamientos no expresados por los cantantes, yotras emitir al público una señal de la que el personaje no es consciente. Y, por supuesto, también nos deja un fascinante e interesantísimo retrato del hombrePuccini: con talento pero modesto, una persona con amistades de toda clase y condición social: tenderos,sacerdotes, terratenientes acomodados, colegas artistas. Afable, cortés, dotado de un gran sentido del humor, rara vez dejó de encandilar a todos los que se encontraban con él.
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Canciones en las que laten los problemas internos del grupo y, también, los dilemas morales de cualquier artista que defiende a muerte su obra mientras ansía conquistar al gran público. Una semana en el motor de un autobús fue la consagración de Los Planetas. Pero, ¿cuántos obstáculos tuvieron que superar para grabarlo?, ¿qué obtuvieron a cambio? y, más importante, ¿a cuánto tuvieron que renunciar? Las tensiones y dudas del grupo son la materia prima sobre la que se construirá el disco más épico y amargo de la escena alternativa española de los años 90. Y todo está minuciosamente detallado en este libro, testamento y reflexión sobre el primer disco de madurez de aquella acomodada generación indie.
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Un testamento poéticoTornar-hi sempre.Reemprenc el fild'allò més importanti del més subtil.Tall de nou.Ingredients en receptari.Servit i entrant amb compromís i traç incisiu,amanit amb un pròlegque no és ni inici ni fi.Uns pedaços psicotècnics,un cruixent atestat policiali aromes de novel·les de vida viscuda.Si de poemes sou culpable,feu-ne llibresi feu el favor de reincidir-hi sempre.Gràcies per llegir.Vull posar de manifesti agraïr a tots i cadascun dels principis,i tothoraa tu per comprar el llibre(o robar-lo)i el subterfugi de llegir-lo«Lluís Riera no amaga el seu compromíssocial».- Gustau Nerín, El Nacional
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Del ganador del Grammy y legendario bajista Victor L. Wooten, La lección de música es la historia de un joven músico en apuros que quería que la música fuera su vida, y que quería que su vida fuera grandiosa. Entonces, de la nada, apareció un maestro. E
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Si en 'Mañanas negras como el carbón' Brett Anderson daba cuenta de su infancia y juventud en Haywards Heath y de los inciertos inicios de Suede, en la segunda entrega de sus memorias, el cantante se sumerge en la etapa más intensa y convulsa del grupo: la del éxito del primer LP de la banda, la de los incendiarios artículos y portadas de los semanarios musicales británicos, la de la tensa concepción del extraordinario 'Dog Man Star' y la ruptura con el guitarrista, compositor y amigo Bernard Butler, y la de la reinvención del grupo con 'Coming Up', con un jovencísimo Richard Oakes a la guitarra y la consagración popular gracias a temas como 'Trash', 'Beautiful Ones', 'Filmstar' o 'Saturday Night', en los que Anderson describió con ironía la época de desconcierto y excesos de la juventud británica de los noventa. Sin embargo, tras el éxito fulgurante y unas giras internacionales extenuantes, llegarían las adicciones a las drogas duras y el anquilosamiento creativo, que desembocarían en el progresivo desmoronamiento de la banda.'Tardes de persianas bajadas' es el relato lírico, apasionado y no exento de autocrítica del 'esfuerzo, éxito, exceso y desintegración' de uno de los grupos fundamentales del pop británico.
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Wolfgang Sandner nos brinda, por fin, el esperado salvoconducto a las celosamente custodiadas entrañas del artista, de cuya vida poco sabíase hasta la fecha. Su tiempo le llevó hacerse acreedor a la confianza del pianista, pero pudo regalarse largas conversaciones en los cuarteles de invierno de Jarrett y congeniar, además, con los que forman parte de la constelación artística y personal del genio. Desde su irrupción en escena cual niño prodigio,contando apenas siete años, a su posterior adiestramiento con Art Blakey y a su ulterior reclutamiento por algunos de los más grandes del jazz contemporáneo (Charles Lloyd, Miles Davis), Sandner nos conduce por el camino de su deslumbrante consagración hasta la plácida madurez que sonríe al artista, próximo ya a su septuagésimo quinto aniversario.
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Julio Iglesias es un icono kitsch, un personaje de la prensa rosa, un galán machista y un baladista para la tercera edad. Pero Iglesias es también el cantante vivo que más discos ha vendido en la historia de la música junto a Madonna y Elton John, y fue el primer artista no anglosajón que consiguió triunfar a lo grande en los Estados Unidos. Durante varias décadas, fue además un sex symbol para millones de mujeres en todo el planeta. Julio, pues, se merecía un análisis que explicara su relevancia social más allá del meme en que ha acabado convertido. El eje central de este ensayo, profusamente documentado e ilustrado, es el exitoso plan de Iglesias para conquistar el mercado estadounidense a mediados de los años ochenta. Además de detallar los mecanismos que propiciaron esta gesta, el relato aborda otros temas como su estatus de celebridad, su encarnación del mito del latin lover, su particular estilo vocal o la construcción de su marca personal, que se anticipó a las estrategias de las estrellas globales del pop en la era de internet. Por último, el libro se ocupa de los claroscuros de su figura y de los costes personales que hay que pagar por alcanzar la fama.
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LA GUÍA DE LOS FESTIVALES MUSICALES DE ESPAÑA QUE ESTABAS ESPERANDO España es uno de los países con más cantidad y variedad de festivales musicales del mundo, desde los más renombrados internacionalmente hasta los más especializados e insospechados. Festivales de España cataloga sesenta eventos repartidos por toda nuestra geografía. No se centra solamente en aquellos que congregan a más cantidad de público, sino que también reivindica los pequeños festivales que poseen su valor dentro de escenas más subterráneas. David Saavedra, tras casi treinta años pateando festivales, nos introduce en los orígenes de cada uno de ellos, nos cuenta anécdotas y curiosidades y nos proporciona interesantes consejos e información para disfrutar al máximo de su música y de su entorno. Además, incluye entrevistas con algunos de los artistas más significativos que han pasado por sus escenarios. Pasad, leed y soñad con cuál os gustaría que fuese vuestro próximo festival.
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Uno de los grupos de rock más espectaculares y récord de ventas del mundo. Su álbum recopilatorio Greatest Hits (1981) es el más vendido en Reino Unido de todos los tiempos y ocho veces álbum de platino en Estados Unidos. Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 2001 y recibieron un premio Grammy por su trayectoria en 2018.
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Jim Sullivan escribió un disco sobre extraterrestres y desapareció en el desierto de Nuevo México sin dejar rastro, Ernie K-Doe se coronó Emperador del Universo y los parroquianos de su bar lo veneraban y las hermanas Wiggin vivieron encerradas durante una década obligadas por su padre a grabar el peor disco de la historia. Sus vidas fueron perras y en sus historias hay dolor, pero de algún modo extraño también hay redención.Vidas Perras, el primer libro del periodista Alfonso Cardenal, director de Sofá Sonoro, es una colección de cuentos musicales alrededor de artistas marginales y olvidados: vagabundos, trotamundos y mentirosos. Personajes terribles que, sin embargo, transmiten una absurda ternura. En estas páginas hay pioneros de los derechos LGTBI, abuelas que grabaron discos a los noventa años mientras hacían ganchillo y asesinos patosos.Todos tienen dos cosas en común: fueron habitantes de un submundo musical cada vez más lejano y fueron personajes reales. Aunque parezca imposible y surrealista las historias que se cuentan en este libro son reales porque la realidad siempre es la mejor ficción.
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Como producto del romanticismo europeo, el flamenco andaluz ha sido entendido durante mucho tiempo como una misteriosa expresión de la poesía y la música de los gitanos andaluces, transfigurada y utilizada comercialmente. Desde una perspectiva crítica y científica, el presente estudio desmitifica el flamenco como fenómeno del romanticismo gitano, iniciado hacia finales del siglo XVIII en el teatro menor, y lo analiza en el contexto del folclore urbano agitanado y popularizado que hacia 1850 se perfiló como género artístico propio de la modernidad emergente. Así, las bases del surgimiento del flamenco se describen a partir de la dialéctica entre tradición y modernización en la transición de la cultura popular rural-agraria a la cultura popular urbana de la sociedad burguesa que imperaba en España en el siglo XIX. Partiendo de los datos existentes, Steingress analiza esta manifestación cultural andaluza como expresión de un arte gitano imaginario y artificial, donde la tradición, la inquietud artística y la autoconciencia del pueblo gitano se afirmaron y desarrollaron hasta convertirse en un elemento clave de la cultura andaluza. Al igual que en los casos del blues, el rebético, el tango, el fado, la samba o el raï, el flamenco se comprende entonces como una música del pueblo español étnicamente polifacética y surgida de una serie de hibridaciones transculturales que han contribuido a la consolidación de Andalucía y sus regiones colindantes como espacio culturalmente autónomo, capaz de aportar su singularidad al desarrollo de la música y el arte a escala mundial. Libro revolucionario desde su primera edición a principios de los años noventa, Sociología del cante flamenco marcó el inicio de una profunda reconsideración en la hasta entonces dominante flamencología tradicional.
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Bob Dylan, cantautor de cantautores, recientemente galardonado con el Premio Nobel de Literatura -del que sólo hizo acuse de recibopor unas horas en su web-, presenta la edición integral de su cancionero completo, en edición bilingüe.Esta edición ofrece, porfin, la posibilidad de explorar el vastísimo -casi inconmensurable- universo poético del bardo de Minnesota, desde sus primeros tientos profesionales como cantautor contestatario e ídolo de su generación, hasta el día de la revelación en el que se obró el milagro-sacrilegio para muchos- que le llevó a abrazar las armas del rocanrol y electrificar su imaginario musical, despojándolo de las esencias folk que hasta entonces lo habían caracterizado. Con esa transformación también llegaría un nuevo lenguaje poético y su inclusión definitiva en el olimpo de los grandes del rock. De sus fugaces conversiones religiosas a otros credos y otros tantos desvaríostambién da noticia el propio cancionero, una obra que deviene en hoja de ruta lírica de la singladura vital de Bob Dylan.Con este volumen Malpaso inicia la publicación de sus obras completas. Le seguirán Crónicas I, Tarántula y Fotorretórica de Hollywood.«Mucho antes del Nobel, Bob Dylan ya figuraba entre lo más perdurable del siglo XX, al lado de Picasso o Buñuel.»Luis Alegre, El PaísBob Dylan (Duluth, Minnesota, Estados Unidos, 1941) es el cantautor más relevante de todos los tiempos. Sus canciones han ejercido una influencia global desde que en 1962 se publicara su primer disco. Su estilo, que inicialmente bebía de las fuentes del folk de los Estados Unidos, se electrificó en 1965 con el disco Highway 61 Revisited -considerado como uno de los mejores de la historia de rock- y desde entonces ha desarrollado una trayectoria fundamental. Cuando el 13 de octubre de 2016 la Academia Suecale otorgó el Premio Nobel de Literatura estaba reconociéndolo como una de las voces más influyentes de la cultura de los últimos cincuenta años.
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Afinar un instrumento, nos recuerda Ramón Andrés, es en cierto modo un intento de fijar en un instante de perfección el eterno vaivén del mundo que nos rodea, un empeño no sólo del músico, sino también de tantísimos pintores de todas las épocas. Es por ello que esta particular pinacoteca del oído propone al lector un espléndido paseo por la historia de la pintura de los siglos xv-xviii con la música como armónico hilo conductor: más de cincuenta obras pictóricas en las que los músicos y sus instrumentos cobran especial relieve, y que a su vez sirven al autor para trazar una personalísima historia de la música, el arte y el pensamiento del Renacimiento y el Barroco con gran sensibilidad y erudición. Un ensayo imprescindible para todo aquel que busca consuelo tanto en la belleza de la música como en la silenciosa contemplación de un cuadro.¿A quién va dirigido el libro Despacio el mundo?Se dirige a un público amplio interesado en la historia del arte, la música y el pensamiento, especialmente del Renacimiento y el Barroco. Es ideal para lectores que aprecian la belleza tanto de la música como de la pintura, y que buscan una lectura reflexiva y erudita que les permita conectar ambas disciplinas. La obra se presenta como un ensayo accesible, aunque con una profundidad que la hace atractiva para lectores con un conocimiento previo de estas áreas, así como para aquellos que deseen profundizar en ellas. Su estilo narrativo y la riqueza de detalles la hacen apta para lectores que buscan una experiencia de lectura enriquecedora y contemplativa.Temas que trata el libro Despacio el mundoEl libro explora la interconexión entre la música y la pintura de los siglos XV al XVIII, utilizando como hilo conductor el acto de afinar un instrumento. Se centra en más de cincuenta obras pictóricas donde los músicos y sus instrumentos tienen un papel destacado. A través de estas obras, el autor traza una historia personal de la música, el arte y el pensamiento del Renacimiento y el Barroco. Algunos temas específicos que se abordan incluyen:La historia de la música: El libro analiza la evolución de la música, particularmente la música renacentista y barroca, centrándose en aspectos técnicos y estéticos. Se presta especial atención a la importancia de la afinación y su relación con la búsqueda de la perfección.La historia de la pintura: Se realiza un recorrido por la pintura de los siglos XV al XVIII, analizando obras maestras de artistas renombrados y menos conocidos. La selección de las obras se basa en la presencia de instrumentos musicales, que sirven como punto de partida para las reflexiones del autor.La relación entre música y pintura: El libro explora las conexiones entre ambas disciplinas artísticas, mostrando cómo se influyen y complementan mutuamente. Se analiza cómo la música se representa visualmente en la pintura y cómo la pintura puede evocar sensaciones musicales.El pensamiento renacentista y barroco: El autor integra reflexiones filosóficas y culturales propias de estas épocas históricas, mostrando cómo la música y la pintura reflejan las ideas y valores de su tiempo. Se abordan temas como la búsqueda de la armonía, la perfección y la relación entre el arte y la espiritualidad.La contemplación y la introspección: El libro invita al lector a la contemplación y a la introspección, proponiendo una lectura pausada y reflexiva que permita apreciar la belleza y la profundidad de las obras analizadas. La obra se presenta como una invitación a la calma en un mundo acelerado.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Despacio el mundoSe ha encontrado una opinión de un usuario que describe la lectura como "un encuentro con el conocimiento que brinda Ramón Andrés y la manera en que lo hace es pura fantasía cerebral". Otros comentarios destacan la erudición y sensibilidad del autor, así como la capacidad del libro para inducir a la introspección y la contemplación. La obra es descrita como un ensayo ambicioso que explora la historia de la pintura y la música, y la esencia espiritual que late en estas disciplinas. Se elogia su estructura, que permite apreciar la conexión entre ambas artes, sumergiendo al lector en el contexto cultural, técnico y simbólico de cada pieza. Se destaca la capacidad del libro para inducir a la introspección y la pausa en un mundo marcado por la velocidad y la fugacidad.
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Reino Unido se tambalea y está al borde del colapso. La herencia de Thatcher se ha traducido en una ofensiva de cuarenta años de duración no solo contra el sistema público, sino, sobre todo, contra cualquier muestra de solidaridad y cualquier atisbo de comunidad. Con la desigualdad y la pobreza en cotas históricas, el Brexit se presentó como una salida ante a esa espiral autodestructiva, pero no era más que otra trampa: la fractura social ha seguido creciendo. Sin embargo, en esa fractura se ha fraguado una nueva escena musical que expresa toda la rabia y todo el descontento que ahogan a la mayor parte de la sociedad. Hijos del Brexit es un recorrido por esa nueva escena pero también por el contexto social y político que la ha hecho posible. Bandas que recuperan lo mejor del punk y el pospunk, festivales en los que se cuelgan efigies de Thatcher y conciertos con pogos multitudinarios en los que la desolación cotidiana se diluye. La pista de baile siempre será nuestra.
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Con Never mind the bollocks, su primer y único disco, los Sex Pistols revolucionaron la escena del rock a mediados de los años setenta, pasando a la Historia con una de esas obras completamente imprescindibles que cualquier buen aficionado debe atesorar. Un icono del inconformismo y la contracultura, y la primera piedra del advenimiento del punk.Fernando Ballesteros se adentra en la apasionante historia de Never mind the bollocks desde los inicios del grupo, detallando las polémicas, tan unidas irremediablemente a su carrera, con un dinamismo y una prosa que convierten estas páginas en un thriller musical vertiginoso en el que cada nueva anécdota importa y va configurando el fresco que convirtió en incomparable a una banda rodeada de violencia, desplantes y mala prensa, en contraposición a sus enormes canciones. Por supuesto, la polémica figura de Malcom McLaren pivota a lo largo de la historia, erigido en mánager manipulador, moviendo hilos y repartiendo dinamita tanto en el interior como alrededor del cuarteto.Desde la formación original, la sustitución del imprescindible Glen Matlock por Sid Vicious, los ensayos, la composición de las canciones, las giras, los fichajes y despidos fulminantes por diferentes discográficas, la portada y la producción compartida, Never mind the bollocks. El testamento punk de los Sex Pistols no pasa por alto ningún detalle. Y arroja luz y humanidad en los perfiles de unos veinteañeros que tuvieron que lidiar con el éxito y con casi todo un país en contra.Never mind the bollocks. El testamento punk de los Sex Pistols es la mejor manera de entender lo que supuso este disco fundamental y de acercarnos a cada uno de quienes lo hicieron posible. Ofreciendo al lector con naturalidad y una cuidada documentación un texto que hará las delicias tanto de los seguidores como de quienes quieran aproximarse a uno de los capítulos básicos y más apasionantes de la Historia del Rock.
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Absorbido por la cultura del entretenimiento y desligado del sustrato vital que lo vio nacer, el flamenco pelea por seguir revelando un conocimiento que aún alimenta los rescoldos del pueblo andalusí. Por eso este libro propone una introducción sentimental al cante, un mapa con indicaciones llanas para todos los que quieren acercarse al flamenco, sean cuales sean sus orígenes, alforjas y motivos. Mezcla de manual didáctico, poemario flamenco y diario personal, en el libro abundan detalles sobre los diferentes palos, apuntes históricos y sociológicos, personajes insignes, audiciones recomendadas, rutas bibliográficas, rivalidades, leyendas, buques mercantes, pueblos migrantes, tabernas.
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Mozart, Haydn, Carlos Gardel o Louis Armstrong eran masones. Satie compuso música en su juventud para la Orden Rosacruz. Leonardo da Vinci escribió un tratado sobre música que se encuentra perdido y diseñó extravagantes instrumentos musicales. Hitler concibió su plan de invadir Europa después de escuchar una ópera de Wagner. Schumann frecuentaba sesiones espiritistas al tiempo que Chopin tuvo visiones de espectros en su retiro de Valldemosa.Estas y muchas otras curiosidades se reúnen en Historia oculta déla música, un libro divulgativo que analiza de forma amena la relación déla música y los músicos con fenómenos como el ocultismo, la magia o las sociedades secretas, entre otros.
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¿Por qué una interpretación musical puede emocionar hasta las lágrimas y otra impulsar a bailar o a dar palmas? ¿Es posible que un niño reconozca una canción que oyó en el útero materno? ¿Por qué composiciones que utilizan determinados ritmos motivan a hacer ejercicio en el gimnasio? La larga tradición que vincula el hecho musical con la mente humana, intensificada en las últimas décadas, ha dado lugar a lo que se conoce como psicología de la música, que presta atención en igual medida a la composición, la ejecución, la escucha o la apreciación de esta última. En esta breve introducción, E. H. Margulis (figura sumamente prestigiosa en este campo) conecta esta ciencia con otras áreas más amplias relacionadas con la música suscitando reflexiones y examinando cuestiones que sin duda han de interesar no sólo a músicos, intérpretes, musicoterapeutas o musicólogos, sino también al público general.
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La historia del rock nos ha regalado momentos prodigiosos, canciones inolvidables y conciertos memorables.También a personajes singulares que gravitan sobre este circo yque son,en ocasiones,tristes protagonistas de historias que no han acabado bien.
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La biografía oficial y definitiva de Loquillo, basada en materiales de archivo y entrevistas inéditas a su protagonista. Figura polémica y esquiva, Loquillo alcanzó el éxito en compañía de Intocables y Trogloditas pero, incómodo ante un personaje que había dejado de ser el suyo, no dudó en abandonarlo. Fue el inicio de una larga travesía en la que muchas veces estuvo cerca de perder el pie y de la que solo consiguió salir tras reinventarse como artista en solitario. Casi medio siglo después de su debut en un cabaret de las Ramblas, el Loco afronta una de las etapas más plenas de su carrera convertido en un referente para la cultura español y rehuyendo cualquier asomo de conformismo. Un recorrido largo y sinuoso analizado minuciosamente en este volumen, primera biografía del cantante. Escrita con gran ritmo por el reconocido periodista musical Felipe Cabrerizo, que ha entrevistado al protagonista y su círculo, la historia acaba capturando no solo una figura, sino toda una época de nuestra cultura. Sobre la biografía y el biografiado:«Loquillo nunca está dónde se le busca. Es Batman en la baticueva, Dino con los amigos, un tipo listo en los negocios y una estrella en el escenario, en el cancionero y en el imaginario de este país. Y Cabrerizo ha tenido la osadía de tomarle las hechuras con pasión y rigor a nuestro roquero de guardia, superviviente de todas las batallas».Carlos Zanón «El Loco es un tipo excéntrico que no hace concesiones. Desenfunda las palabras y las dispara con una lucidez que a veces da hasta miedo. Es un personaje de western. Se lo puede permitir. Porque él no es un cantante. Es un artista. Una estrella del Rock and Roll con cicatrices, historias que contar y un enorme talento para hacerlo a su manera. Un grande dentro y fuera del escenario, capaz de todo: incluso de romperse con un verso».Marta Robles «El Loco es un animal salvaje en peligro de extinción. Este libro es lo más cerca que va a estar de reproducirse encima de un escenario».Manuel Jabois «De Loquillo conocemos su épica. Sus hombros firmes, su mandíbula apretada. Sus frases de epitafio. Pero en este libro se adentra en terra incognita. Desvela el espíritu aún intacto del hijo único que leía a Dickens después de meterse en peleas de barrio. Del adolescente que sigue contando emocionado, como el que lanza una canasta perfecta, su paseo en un Bentley con Johnny Hallyday por los Campos Eliseos. Loquillo es todos esos. Valiente, leal, arrogante y libre. Loquillo es el gran romántico, en el sentido más alemán y menos manido del término».Silvia Grijalba «Loquillo es un Jack London de la aventura musical, un caballero andante del rock, un paladín del honor y de la amistad».Luis Alberto de Cuenca
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La inverosímil noticia sobre el hallazgo de un fragmento de la Ofrenda musical en los anillos de Saturno le sirve al crítico y musicólogo Stefano Russomanno como punto de partida de un atípico recorrido por épocas y compositores diferentes para trata
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Lou Reed, Noel Gallagher, Lenny Kravitz, Sabina, Calamaro, Fito,Vetusta Morla... Todos han pasado por lamirada de Alberto Cuetodurante los últimos diez añospara contarnos los secretos del rockand roll. Más deveinticinco profesionales nos explican de formapedagógica cómo componen, a qué tienen miedo o qué hacenantes de un concierto. Como periodista, Cueto pone de relieveel género que arrasó en la segunda mitad del siglo XX, sus iconos y sus momentos históricos: Los Beatles, Los Stones, Dylan, NeilYoung, Springsteen, Woodstock, Altamont... Como músico, el autordescribe cómose vive en una banda de rock desde dentro,con su experiencia en el Bilbao gris de los años noventa.
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La disputa entre puristas y renovadores es frecuenteen todas las disciplinas científicas o artísticas, pero en pocas ocasiones alcanza tanta intensidad como en el mundo del flamenco. José Luis Ortiz Nuevo, con un título que no deja lugar a dudas sobre su posición,explora la naturaleza mestiza de un género que estávivo precisamente por resistirse a vestir la camisa de fuerza que imponen los puristas. Sin negar a los maestros, Ortiz Nuevo defiende entender el flamenco como un género que se reinventa constantemente, que se nutre de varias fuentes, que está vivo precisamente porque se va matando poco a poco para ofrecer algo nuevo cada vez. Se trata de una visión provocadora y luminosa que augura larga vida a nuestro estilo musical más exportado.
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«La música es el lenguaje universal de la humanidad.»Henry Wadsworth Longfellow En una fascinante historia, Música: La historia visual definitiva presenta las apasionantes biografías de los compositores e intérpretes que conformaron estos sonidos y, con llamativas ilustraciones y fotografías, nos descubre los numerosos y maravillosos instrumentos que percutimos, frotamos, punteamos o soplamos. A lo largo de la historia, la música ha evocado todo el espectro de las emociones humanas, independientemente del país o la cultura. Este libro de historia de la música analiza esa experiencia universal desde una perspectiva cronológica y global: desde los primeros instrumentos musicales, elaborados con huesos y caracolas, hasta la sofisticación de las guitarras eléctricas y los sintetizadores. Dado que cada tema musical se presenta en una concisa y atractiva doble página, es fácil viajar entre mundos musicales separados por continentes y siglos de distancia en un recorrido de unos pocos capítulos. Y no son solo las notas y los sonidos lo que se examina, sino también las absorbentes historias que tienen detrás. A menudo se ha dicho que la música es un lenguaje universal, y esto queda reflejado en el ámbito internacional de este libro. Sin limitarse a los grandes logros de la música occidental, Música viaja por el mundo para descubrir la antigua música de China, el frenético pop de Japón, la música tribal de las llanuras africanas y los apasionados ritmos de las salas de baile sudamericanas.En la antigua Grecia, Platón escribió que la música «da alma al universo, alas a la mente, vuelo a la imaginación y vida a todas las cosas». Siglos después, el gran compositor y director de orquesta Duke Ellington añadió: «La música es la entidad más antigua. El ámbito de la música esinmenso e infinito. ¿Qué es la música para usted? ¿Cómo sería usted sin la música?». Música: La historia visual definitiva responderá estas preguntas. La música a lo largo de los años. Un viaje repleto de sensaciones La narración histórica estudia las raíces de todos los géneros musicales, desde los cantos medievales hasta los ritmos modernos del blues, el jazz, el hip-hop y el pop, pasando por la grandeza del período de la música clásica. Espectaculares galerías de imágenes muestran familias de instrumentos musicales de todo el mundo, así como la evolución de instrumentos clave como el piano y el violín, y páginas especiales retratan a figuras icónicas como Mozart, George Gershwin, Elvis Presley y David Bowie. Espléndida, absorbente y sumamente visual, esta es la historia definitiva de cómo la música ha dado forma al mundo.Música. La historia visual definitiva está formado por ocho bloques que nos sumergen en la evolución de la música a lo largo de siglos. - Los inicios. 60 000 A.C.-500 A.C - La música Medieval. 500-1400 - Renacimiento y Reforma. 1400-1600- El espíritu Barroco. 1600-1750 - El periodo Clásico. 1750-1820 - Nacionalismo y Romanticismo. 1820-1910 - La múscia moderna. 1910-1945 - Música Global. 1945-presente Música. La historia visual definitiva pertenece a nuestra sección de libros de historia de gran formato. Esta sección está diseñada para deleitar a toda la familia y al público adulto y en ella encontrarás grandes libros de referencia que convierten esta colección en una de las más variadas y extensas de nuestro catálogo.
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Recurriendo a un análisis imaginativo pero sin perder un ápice de rigor, el presente libro reconstruye el repertorio de la música medieval recurriendo a un amplio abanico de fuentes, que suple, en muchos casos, la carencia de fuentes primarias. Además de destacar las funciones ceremoniales y dramatúrgicas de la música medieval tanto en las esferas sacra y profana, la autora pone especial atención en el intercambio de idea musicales, el desarrollo de la notación musical y otros medios de fijación y transmisión, y el papel de las mujeres en la cultura musical de la época.Del mundo escandinavo a la península Ibérica, del canto gregoriano a los trovadores, el lector descubrirá un panorama rico y lleno de matices, muy alejado de la imagen plana y gris que, por desconocimiento, se suele tener de la Edad Media. El volumen incluye al final un manual básico de música medieval, en la que se incluyen fuentes y conceptos clave para su estudio y práctica interpretativa.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
