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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Aquest llibre està pensat per a tots aquells que vulguin prendre un primer contacte amb l'art musical i la seva història. Amb gran voluntat sintètica, ens presenta l'evolució de la música des de la Grècia clàssica i la Roma imperial fins als nostres dies, i, a més, defineix i explica l'origen de tots els termes musicals que hi van apareixent. El resultat és una primera aproximació didàctica al fet musical i el seu desenvolupament al llarg del temps.
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Johnny Cash es todo un icono de la música, cuya singular carrera abarca desde los orígenes del rock and roll junto a Elvis y Jerry Lee Lewis en Sun Records hasta sus últimos discos producidos por Rick Rubin, pasando por una fructífera etapa a mediados de los años sesenta y primeros setenta, cuando convertido en primera figura del country pasó a ser el artista más vendido de Estados Unidos sin dejar de ser uno de los más relevantes y comprometidos. Pero, hasta ahora, nadie había revelado toda su historia, separando los incontables mitos de la verdad.Partiendo de numerosas experiencias personales vividas junto a Cash, así como de una verdadera plétora de entrevistas y materiales inéditos (cartas, fotos, letras de canciones...) aportados por la familia y amigos del cantante, Robert Hilburn ha creado un retrato sumamente absorbente, complejo y humano de un hombre con una vida personal muchísimo más turbulenta y un talento artístico muchísimo más profundo de lo que incluso sus fans más devotos habían llegado a imaginar.
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El flamenco es herencia y memoria de la civilización más antigua del occidente europeo, himno de rebeldía y desesperación de un pueblo que clama por la identidad que le fue arrebatada. Andalucía es resultado de la fusión de todas y cada una de las culturas que ha acogido en su seno. Su alma integra la riqueza de la diversidad, sin perder la esencia de lo andaluz. Estas páginas nos muestran la inmensa riqueza inmaterial de una tierra dolorida cuyo canto es un grito ahogado que reivindica el alma de un pueblo silente. Un ambicioso estudio del flamenco desde un punto de vista histórico, lingüístico, social, formal y evolutivo, muy en línea con la obra de autores como Blas Infante, Antonio Manuel Rodríguez, Emilio González Ferrín y otros muchos que explican el fenómeno de lo jondo desde una mirada íntimamente ligada al propio acervo autóctono. Silva nos invita a viajar hasta las raíces del arte jondo —ocultas en la neblina del tiempo y en el sustrato sentimental de una cultura olvidada— con el fin de devolver a Andalucía lo que en Andalucía nació.
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Por qué Beethoven tiró el estofado es un apasionante recorrido por lavida y la obra de seis compositores geniales, Johann Sebastian Bach,Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Robert Schumann, JohannesBrahms e Igor Stravinsky, por los cuales el gran violonchelista sienteuna especial admiración.Con un tono humorístico y en apariencia despreocupado, Isserlis nosintroduce en el mundo mágico y fascinante de estos autores que, cada unoen su época, dieron un giro a la historia de la música clásica y lahicieron llegar a millones de personas.
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Ibai Llanos: «Un libro fascinante. Es como vivir los orígenes del freestyle en primera persona. Bruno, eres el mejor». Mientras el fenómeno del freestyle (o rap improvisado) se expandía a una velocidad trepidante por todos los parques del país, Bruno Pol Feliu García (más conocido como Kapo 013) era un chico raro, regordete y cargado de inseguridades que pronto encontró en el universo raperil de las batallas callejeras un primer espacio de confort en el que sentirse parte de un movimiento. Hoy ese movimiento es una potente industria, la pasión de millones de hispanohablantes en todo el mundo que, más allá de las guerras dialécticas que se libran sobre el escenario, ha logrado erigirse como un arte cargado de amor. Un amor que a ojos de Bruno —,que, a sus 30 años, puede considerarse uno de los testigos y narradores más excepcionales de la escena—, poco tiene que ver con el afecto o el contacto físico, sino con compartir tiempo y lugar en explosiones de apasionada energía junto con otras personas. Y es que, aunque pueda parecer lo contrario, el freestyle va de eso, de servir como vehículo del amor, por mucho que también fabrique miedo, este lleve al odio y, por ende, al dolor. Porque, si algo queda claro después de leer este emotivo testimonio sobre la revolución del rap de estilo libre, es que amor y dolor riman siempre. «Lo contrario del miedo no es la valentía, es el amor. Y de eso voy sobrado, en parte, gracias al freestyle y a todo lo que me ha dado», Kapo 013.
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Un clásico de la literatura musical que nos muestra con humor y sin filtros la vida de estos dos genios del pop. Además de las peripecias acaecidas durante la gira, Heath nos revela la singular personalidad -a veces altiva, a veces prosaica- de Tennant/Lo
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Las melodías grabadas a fuego en nuestra memoria¿Qué sorprendente vínculo existe entre determinadas historias y algunas canciones y artistas muy populares como «Losing my Religion» de R.E.M. y el Nobel Gabriel García Márquez? ¿Y entre «A Hard Rain’s A-Gonna Fall» de Bob Dylan y la crisis de los misiles de Cuba en 1962 o entre el tema «Lover, Lover, Lover» de Leonard Cohen y la guerra del Yom Kippur? Este libro podría considerarse casi un diario generacional que atraviesa los grandes cambios de todo tipo acontecidos en los últimos tiempos. La autora da voz y nos guía para acceder a estas controversias y pulsiones que la mayoría de nosotros hemos sentido, sufrido y gozado en nuestras vidas.
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Mitad libro de historia, mitad crítica musical inspiradísima y libérrima. Julian Cope nos presenta, en unestilo que rezuma erudición, humor y pasión, un universo hasta ahora ignoto de bandas de iconoclastas detodo pelaje que produjeron algunos de los sonidos másalucinantes del rock de todos los tiempos. Una obramayúscula sobre un terreno tan inexplorado como fascinantecomo es la música underground del Japón.
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Colorea sus rostros, sus expresiones ante un micrófono, sus movimientos en el escenario? y descubre al mismo tiempo aspectos de su vida y su trabajo que quizá desconocías.» «Un reto en forma de pregunta acompaña cada ilustración para que conozcas la historia de algunas de las mejores bandas de todos los tiempos.»
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Entremos en el túnel del tiempo del rock &, roll y conozcamos al diablo de las seis cuerdas, ese amor que fue más allá de la muerte, el triángulo amoroso más famoso, un flechazo de ascensor, el bebé que hizo historia, cómo los tiempos cambiaron en Woodstock, segregación racial y rock, el humo que cegó a Frank Zappa y sus Madres, los enigmas tras el último álbum de The Beatles.
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La familia Young, formada por los padres William y Margaret y sus siete hijos, Steven, Margaret, John, William, George, Malcolm y Angus, se ve obligada a emigrar desde Escocia a Australia por problemas económicos, aprovechando el programa de ayuda a la emigración de 1947. Angus tiene entonces 8 años, es el más pequeño, y le sigue Malcolm con 10 años. Ambos crearán AC/DC, que con el tiempo se convertirá en uno de los grupos de rock más longevos del panorama musical. Esta novela gráfica es un homenaje a los más de cuarenta años en activo de esta banda de hard rock que ha logrado vender 200 millones de copias de sus álbumes, hazaña por la que están incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll. David Braña nacido en Barcelona, es un apasionado de los cómics desde niño. Ha escrito cómics cortos en diversas revistas y fan zines, y obras de mayor extensión como Los ocultos, Mil Lobos y Vivar, Madeja, Lady Enigma y Córtex, Monte Arruit, Pax Anza y La Batalla de Rande, Lady Enigma, Tamia et les mémoires du dragon, Dugan o Good Bastard. Jesús C. Gan (Barcelona, 1974) es tatuador y dibujante freelance, ha trabajado para Ominiky ediciones, Carmona en viñetas, Editorial Karras, Leviathan Labs, Diabolo Editorial, Orange Cone Productions, Advent Comics y Redbook Ediciones, entre otros trabajos como diseñador de portadas de discos y animación. Es el creador del sello editorial independiente Cat Skull Project, donde ha trabajado como editor, diseñador e ilustrador en varios títulos de la editorial.
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Paco de Lucía no nació siendo una estrella. Vivió de joven a veces en las giras, una vida de aventurero. Aprovechó una reyerta en un restaurante en México para echar mano a dos helados con un amigo e irse sin pagar el almuerzo. Pisó muchos camerinos cutres con espejos rotos y olor a humedad, pero lo recordaba como una época de juventud y libertad. Desde ahí, en un abrir y cerrar de ojos, su nombre en la marquesina de un teatro de ópera en cualquier ciudad del mundo era garantía de colgar el ''no hay billetes'' dos meses antes de la actuación. Alonso Escacena explora la personalidad del guitarrista a través de cientos de anécdotas, al mismo tiempo que analiza las habilidades tanto humanas como técnicas que hicieron posible su ascenso a la categoría de figura mundial destacada. “Paco atrae enormemente a las mujeres. Atrae a la gente, se mete en su piel. Esa expresión seria, los ojos cerrados, ese aire de misterio lo hace atractivo para los jóvenes. Tiene una inteligencia superlativa. Ha conocido la fama, pero lo irrita. La necesita, pero le ha robado la paz y la soledad. Puede tocar durante horas. Pero nunca dice: ¡Hoy he tocado bien! Disfruta de las pequeñas cosas. Busca la compañía de gente sencilla, de Bartolo, un perro sin raza ni pedigrí. De su papagayo brasileño que le canta flamenco, por canasteras” (Casilda Varela, primera esposa de Paco de Lucía, en una entrevista en 1978). “Me parece magnífica, pero magnífica, la sensibilidad con la que están reflejados los matices. Creo que has intuido muy bien los rasgos de Paco. Difícil en un hombre con tantos matices” (Casilda Varela, al autor).''
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La biografía de Peter Doherty es la última de las grandes historias del rock and roll: líder de The Libertines y los Babyshambles, compositor excepcional, blanco de la prensa amarilla, siempre metido en líos, arrastrando problemas con las drogas, antisocial y encantador al mismo tiempo. Para sus devotos seguidores, Doherty es un héroe de culto, para sus detractores, un chaval prometedor que terminó malogrado.Una vez superados sus años más salvajes, y con la sensación de haber sobrevivido de manera milagrosa, Peter Doherty expone con franqueza, de manera sobria y a veces muy emotiva, los momentos más importantes y oscuros de su vida y de su carrera musical, mostrando las claves de su creatividad, repasando la historia de The Libertines y los Babyshambles, bandas que han definido los últimos veinte años de indie rock con su sonido, sus canciones y su estilo provocador. Con ingenio y desenvoltura, Doherty detalla sus influencias musicales (The Smiths, The Clash, The Stooges, Sex Pistols...), su infancia errante y las travesuras juveniles en Londres antes de alcanzar la fama, las fiestas decadentes con drogas duras y groupies, sus relaciones con Kate Moss y Amy Winehouse, los pequeños conciertos y los espectáculos en grandes estadios, los escándalos con gánsteres, las condenas en diversas cárceles británicas, la ruptura de sus bandas a causa de las drogas, su relación con Carl Barât, su tendencia a la autodestrucción...Peter Doherty. Un chaval prometedor es la versión del propio músico de toda aquella historia, una autobiografía sorprendente que, con humor y lucidez, muestra a la persona y al músico que hay detrás de la fama y la infamia y que a más de uno le hará preguntarse: «¿Cómo es posible que todavía siga vivo?».
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El Classicisme vienès és, sens dubte, un moment estel·lar de la humanitat. La música de Mozart, Haydn, Beethoven i Schubert en són la prova perenne. Escoltarne la música ens permet constatar-ho a cada nova audició. Però conèixer el context històric, estètic i de pensament que van fer possible aquesta constel·lació artística ens ajuda a gaudir encara més de l’audició d’aquesta música. Miquel Desclot ens ofereix en aquesta monografia una exposició global d’aquest moment històric (no precisament simple) i d’aquest corrent estètic. I ho fa des del coneixement profund de la música de l’època, però també des de la sensibilitat de l’escriptor bregat en la traducció de textos d’aquesta època i de l’humanista coneixedor dels esdeveniments i context històric.
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El festival d'Eurovisió és l'espectacle d'entreteniment més gran del món. Al nostre país, més de la meitat de les persones que miraven la televisió aquell dia van seguir la final d'un certamen que no deixa de guanyar adeptes, també a Catalunya. De fet, la població amb més eurofans per metre quadrat de l'estat és catalana i són molts els catalans que hi han participat d'alguna manera. Qui són? Com ho han viscut? L'expert en el concurs de RAC1 repassa les experiències de tots ells, des de Víctor Balaguer (1962) fins a Chanel (2022), però també ens introdueix en el món eurovisiu: la història del certamen, les representacions espanyoles, el cas del «La, la, la», les relacions del concurs amb la política o amb el col·lectiu LGTBI, sense oblidar els seus seguidors, el sistema de puntuacions o el perquè de la participació d'Austràlia. Per primera vegada, Eurovisió, el llibre definitiu sobre un espectacle únic.
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Segunda entrega de la antología de nuestro ''long seller'' -y secuela de- REACCIONES PSICÓTICAS Y MIERDA DE CARBURADOR (con artículos inéditos)Desde su inefable irrupción a finales de los sesenta hasta su temprana muerte en 1982, Lester Bangs fue uno de los críticos más prolíficos ?de rock, jazz, pop y demás hibridaciones y sucedáneos? en los Estados Unidos (lisérgicos). En ese breve lapso, al tiempo que revoluciona el oficio al más puro estilo gonzo, y da forma y un nuevo sentido al cometido del crítico musical, se batiría el cobre prestando sus servicios a Creem, The Village Voice, Rolling Stone y otras cabeceras del submundo conocido, sin dejar de escribir, por su propia cuenta y riesgo, y para su propio deleite, espoleado por ínfulas literarias para las que no hallaría consuelo ni editor.De entre los miles de páginas alumbradas por tan ilustre grafómano?y que siguen enmoheciendo entre legajos, borradores,manuscritos e indescifrables apuntes celosamente custodiadospor familiares y demás afectos a la causa? en esta segundaincursión John Morthland traza una nueva de hoja de ruta que,a diferencia de la cartografiada por Greil Marcus, acierta aincluir también algunas de esas perlas inacabadas llamadas aformar parte de esa otra faceta literaria ?que no pudo cultivarcomo hubiera sido su deseo? y que, de parecido modo a comohiciera Marco Cassini en Italia, agrupamos, a modo de apéndice,en el capítulo ...y otros delirios impublicables.Segundo volumen de prosas reunidas, en suma, que complementala labor emprendida con Reacciones psicóticas y mierdade carburador, la primera y ya clásica antología de la obra deBangs. Se incluyen en este, además, extractos de una obraautobiográfica que escribiera en su más turbia adolescencia,así como crónicas de sus viajes y, por supuesto, semblanzas,reseñas, críticas y toda suerte de ensayos breves que abarcandesde los desvaríos de consagrados tunantes como Miles Davis,Lou Reed y los Rolling Stones hasta individuos algo más esotéricoscomo Brian Eno, David Byrne y Captain Beefheart. Sea comofuere, de imprescindible lectura para cualquier persona moderaday/o irremediablemente interesada en la historia del rock.
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La primera antología de los ensayos sobre música de Félix de Azúa. Una mirada lúcida a la tradición musical de Occidente y una invitación a pensar algunos de los compositores más relevantes de la música clásica. «Las músicas simples y populares, de los divertimentos de Mozart a los de Satie, de las Bagatelas de Beethoven a los caprichos de Paganini y los valses de Strauss, todas tienen su valor y su gracia, como las bailarinas de Degas, pero en la profundidad sonora nadan los grandes cetáceos abisales de la pregunta».FÉLIX DE AZÚA Aunque Félix de Azúa lleva escribiendo y disertando sobre música toda su vida, esta es la primera vez que recopila una selección de todos sus escritos sobre la materia, una antología de conferencias, ensayos, prólogos y artículos que cubren más de cuarenta años de experiencia como «oyente lego», aficionado a una de las artes más fascinantes, enigmáticas y universales. El arte del futuro es una invitación a pensar algunos de los compositores más relevantes de la llamada música clásica, desde Monteverdi y Bach hasta Bruckner, Richard Strauss o Alban Berg. En una época saturada de visualidad, el oído es uno de los últimos refugios donde encontrarse con las grandes preguntas y la trascendencia, el ámbito en el que aún es posible comunicarse con los muertos y tomar conciencia del legado artístico de Occidente. Con su habitual lucidez, su inconfundible sentido del humor, su vocación polémica y el vigor de una de las mejores prosas del ámbito hispánico, Azúa completa con este libro su indagación en torno al problema de las artes en la modernidad. La crítica ha dicho:«Después de la muerte de Octavio Paz, no creo que haya en nuestra lengua un ensayista más personal, cosmopolita e ilustrado que Félix de Azúa».Mario Vargas Llosa «Félix de Azúa es la moderación, el equilibrio, la liberalidad, la independencia de juicio, el pensamiento profundo».Luis María Anson
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El libro aborda la historia del blues como movimiento sociocultural, como género musical y como industria, a través de las vidas de Elmore James y Robert Johnson. Dos de las figuras más icónicas del género, conocidos como “El Rey del Slide Guitar” y “El Rey de los Cantantes de Blues del Delta”. No solo se profundiza en sus vidas, también en la misteriosa conexión entre ambos establecida por “I Believe I’ll Dust My Broom”. A fin de ser exhaustivo, el manuscrito empieza introduciendo a los lectores y lectoras en la realidad política, social, cultural y económica que subyace al nacimiento de la música negra. Sentadas esas bases, aprovecha la biografía de dos músicos ilustres para tocar todos los aspectos que convierten al blues en el lenguaje común de todas las figuras que jugaron un papel importante en el desarrollo de la música popular de occidente.
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Un recorrido divertido y nostálgico por aquellos temazos que mantienen viva nuestra memoria futbolera.Música y fútbol son dos de las patas fundamentales de nuestra cultura pop.Muchos recordamos momentos puntuales de nuestra vida por el partido que se estuviese jugando esa semana, o por la canción que sonaba ese año. Este libro nace de una amalgama de todo ello: fútbol y música, cultura pop y nostalgia. De una cultura pop y una nostalgia muy patria y castiza, entre lo cañí y lo pretenciosamente moderno. Pero lo que más tiene este libro son “temazos”. Temazos generacionales, otros poco conocidos y algunos realmente bizarros. Todo a cargo de Álvaro “Paquetes” Velasco, que sabe poco, lo justo, de todo lo que habla, pero lo cuenta como nadie con su gran sentido del humor.
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Con la música me rebelo contra una sociedad que no me gusta.El libro que tenemos delante pretende demostrar la influencia de la música en la formación de una identidad progresista y de izquierda además de cuestionarse la infrautilización que los partidos políticos están haciendo de esta parte de la cultura. Los partidos políticos parecen ignorar uno de los elementos más aglutinadores y que más ayudan a conformar un sentimiento de unión. Para ello, no sólo acudiremos a la literatura existente, sino que presentaremos testimonios de experiencias vitales, relatos personales, donde la música ha sido nodular para la configuración de su pensamiento.
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Este es el relato de un tiempo y un lugar: el momento en el que el rock 'n' roll cobró vida y los caminos de leyendas como Buddy Holly y Bo Diddley se entrecruzaban en clubs y moteles desde Texas a Toronto, la época en la que los Beatles, Hendrix, los Stones y Warhol se movían por las mismas calles y las mismas habitaciones de hotel. Es la crónica de los emocionantes cambios que se produjeron a finales de los sesenta y principios de los setenta, cuando una generación cimentada en la música, el amor y la libertad alcanzó la mayoría de edad. Pero sobre todo, es la historia de la profunda amistad entre cinco jóvenes que, juntos, crearon un nuevo tipo de música.
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Cofundador de los Beach Boys, Wilson compuso buena parte de la atemporal banda sonora del pop más lisérgico ?y no solo apto para surferos? de los años sesenta. Con especial cuidado en la armonización de sus canciones y exquisito paladar para la instrumentación, sus letras nos transportan desde el indolente vitalismo playero y asilvestrado jipismo a las oscuras simas de este genio torturado. Sus temas, hoy míticos, dan fe del alcance de la revolución que llegaría de la mano de este sofisticado talento natural. Con el coraje y la iluminación de quien tiene el ego convenientemente hecho trizas, Wilson nos invita a sumergirnos en el vertedero de sus recuerdos. Por fin, las memorias de uno de los más grandes protagonistas de aquella década prodigiosa?
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A quienes la escuchamos, una canción nos evoca laépoca en que la descubrimos. A aquella persona con quien la compartimos. El sentimiento que nos provocó.Para quien la crea, el proceso es similar: transitarpor ella es reencontrarse en otro espacio y tiempo. Tras veinte años de carrera, en este libro, Rayden toma prestadas las letras de toda su discografíapara viajar al pasado y a esos múltiples yo que fue.Son esas canciones que le sirven de excusa para descubrir la intimidad que se encuentra tras ellas, los motivos vitales que le llevaron a escribirlas. Es así como todas esas canciones, testimonio de una carrera musical ascendente, pero también de un crecimiento y desarrollo tanto artístico como personal, dan pie a reflexiones muy íntimas y poemas inéditos sobre la identidad, el amor, la libertad y el sentido de la vida.
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En aquest llibre formidable, Haruki Murakami es reuneix amb el gran director d'orquestra Seiji Ozawa per a un seguit de converses entorn de la seva passió compartida, la música. Amb entusiasme absorbent i contagiós, Murakami i Ozawa parlen de tot: comenten obres de Beethoven, Mahler o Brahms, entre d'altres, evoquen l'art de directors com Leonard Bernstein o Herbert von Karajan i gaudeixen de la singularitat radical de solistes com Glenn Gould mentre escolten i disseccionen enregistraments de les seves interpretacions preferides. Col·leccionisme de discos, clubs de jazz, òpera i música de cambra, auditoris, partitures, bandes sonores i molt més s'encalcen en aquesta meravellosa conversa que viatja de la música a l'escriptura i, en darrer terme, ens porta a l'essència mateixa de la creació artística.
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Esta guía revisa la obra de los mejores artistas delrock que han cantado en español, desde las primeras bandas hasta los más actuales, todos ellos con el mismo patrón de una lengua común y con la misma intenciónrenovadora. Un espacio musicalmente fascinante que nos ha dejado obras de enorme solidez que han trascendido todas las épocas y todos los estilos. El rock iberoamericano no quiso imitar ni emular a nadie, sino que le imprimió sabores domésticos y locales. Tradujoel impulso liberador, significó una apropiación del lenguaje y creó sus propias formas. Logró un sonido único, una identidad propia. Fundamentalmente, no temiómezclarse con músicas, estilos, ritmos y géneros anteriores a su presencia como el blues, el jazz, el góspel ni tampoco el tango, el candombe o el folclore. Cruzando el Atlántico: desde Héroes del Silencio y Mano Negra hasta Soda Stereo y Café Tacvba... De Océanoa Océano: desde El Cuarteto de Nos y Os paralamas hasta Libido y Aterciopelados... Del Norte, Centro y Sur: desde The Champs, Los Rabanes y La Ley... Este libro comprime la estampa de los músicos qua popularizaron el movimiento, los antecedentes y cimientos, la resistencia política, los años de destape, las corrientes culturales, la mixtura con el pop, la avanzada latina en el mundo y la presencia luminosa de los artistas que cambiaron el rumbo de la música en español.
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Sumérgete en la apasionante historia del fandango flamenco con “Fandango”, el nuevo libro del experto en flamenco Miguel Ángel Fernández Borrero. Este relato histórico y sociológico recorre el medio siglo que va de 1880 a 1930, época en la que el fandango nuevo experimentó un impulso espectacular gracias al Concurso de Cante Jondo de Huelva de 1923, que lo reconoció oficialmente como cante flamenco. Descubre cómo el fandango pasó de ser considerado un mero canto folclórico a convertirse en la bandera popular del flamenco, gracias a factores como la expansión del disco, la aparición de la radio, la afluencia de los públicos de masas a los grandes espectáculos y la coincidencia en el tiempo de una extraordinaria generación de cantaores fandangueros. Pero “Fandango” no solo nos cuenta la historia del fandango flamenco, también nos adentra en aspectos extra flamencos que fueron determinantes en su evolución, como los cambios sociales y políticos del momento, la primera Guerra Mundial o el desarrollo del maquinismo y las comunicaciones. A través de las páginas de este libro, conocerás figuras estelares del mundo del flamenco como Antonio Chacón, la Niña de los Peines o Manolo de Huelva, y descubrirás cómo surgieron los cafés cantantes, la discografía y sus máquinas reproductoras, el antiflamenquismo, y la polémica entre si era cante grande, cante chico o simplemente folclore.
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Un reto en forma de pregunta acompaña cada ilustración para que conozcas la historia de algunas de las mejores bandas de todos los tiempos.
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Este es un libro atípico. Sus textos abordan diferentes investigaciones que han aportado nuevo conocimiento musical y nuevas obras a partir de otras disciplinas más relacionadas con la ciencia experimental.
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Un manual para ser libres y felices. Y para hacer el amor con quien quieras tú.Raffaella cantaba, bailaba, brillaba. Peleaba, reía, conmovía. Se arriesgaba, cometía errores. Y todos, sin excepción, llegamos a amarla. Es el mayor legado de una artista que, creyendo firmemente en sí misma, nos dio confianza y nos liberó.Este libro es un viaje por su vida y enseñanzas, abordado también a través de los recuerdos de quienes trabajaron con ella y la admiraron. Con un objetivo ambicioso: tomar algo de su independencia y ligereza, y hacerlas nuestras. Porque la grandeza de Raffaella Carrà iba mucho más allá de su inmenso talento. Ella era la obra de arte, lo que lograba transmitir con su forma de estar en el mundo.
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Este libro no es un simple manual, ni un tratado de violín al uso, Yuri Yanelévitch compartió en sus escritos una buena parte de su enorme y valioso conocimiento empírico sobre la formación violinística y musical. Aborda numerosas e importantes cuestiones técnicas, pero sin olvidar jamás su finalidad última: la de hacer música. Es por ello que se trata de un libro de gran interés para cualquier tipo de instrumentista y especialmente para los docentes que forman a los músicos del mañana.Un libro ampliamente conocido desde hace varias décadas en todo el mundo y que ha sido citado en numerosos trabajos y estudios.
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Los grandes artistas musicales como nunca antes los habías visto.De música, por supuesto -de sus inicios, sus referencias y maestros, sus trabajos-, pero también de otros asuntos más personales -sus miedos y anhelos- y universales -el amor, las drogas, la política, la religión, la muerte- es de lo que el autor de este libro, reconocido periodista cultural y autor de varias biografías de grandes figuras de la canción española, ha conversado a lo largo de tres décadas con los 40 músicos que protagonizan este libro. Los cantautores -Serrat, Sabina, Aute...-, los roqueros -Extremoduro, Calamaro, Bunbury, Loquillo, Miguel Ríos...-, las figuras del pop y el pop/rock -Antonio Vega, Pau Donés, Dani Martín, Bosé, Luz Casal, Christina Rosenvinge, Amaral, Estopa, Alaska...-, los flamencos -Paco de Lucía, Diego el Cigala, José Mercé, Tomatito...- y algunos otros artistas de difícil clasificación -Raphael, María Jiménez, Kiko Veneno...- ofrecen en estas páginas su visión del arte y de la vida, y componen un relato que ayuda a entender mejor cómo ha ido evolucionando la música en la España de los últimos treinta años. Como declararon los Sex Pistols: «Si aceptas las formas convencionales te conviertes en uno de tantos». Todos los nombres que le dan forma a este volumen huyeron precisamente de eso, de ser uno más, uno de tantos, y crearon mundos propios de gran riqueza artística que han crecido con nosotros y nos han hecho más grata la existencia.
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Una de las más importantes artistas de la música norteamericana de las últimas décadas habla por primera vez abiertamente de su vida.El ascenso a la fama de Lucinda Williams ⸺tres veces ganadora del Grammy⸺ no fue fácil. Criada en una familia de clase trabajadora, en el profundo sur de los Estados Unidos, ella y sus hermanos tuvieron que mudar de pueblo en pueblo hasta vez que su padre ⸺el poeta Miller Williams⸺ consiguió, por fin, un trabajo fijo como profesor en la universidad de Arkansas, totalizando más de una docena de diferentes lugares durante toda su infancia y adolescencia entre los que se encuentran Louisiana, Mississippi, Georgia, Utah, Nueva Orleans, Chile o México. Sobre el papel, una educación ideal para la artista en la que se convirtió: una música nómada itinerante cuyas canciones se inspiran en profundas raíces sureñas, utilizando imágenes prácticas para conjurar emociones tempestuosas.En No le cuentes a nadie los secretos que te conté, Williams nos cuenta abiertamente las circunstancias que dieron forma a su música, desde el salón familiar hasta agotar entradas en el Radio City Music Hall. Revelando cuales fueron las inspiraciones de sus inolvidables letras, incluidos los amores condenados al fracaso. Pasó años trabajando como dependienta en tiendas de discos durante el día para poder tocar su música por la noche, y se enfrentó a compañías discográficas, que no se tomaban en serio su rol de mujer en el mundo de la música. ''demasiado country para el rock y demasiado rock''. Pero su espíritu de lucha perseveró, y la llevó a un éxito ganado con esfuerzo que abarca diecisiete nominaciones al Grammy y un legado como una de las compositoras más grandes e influyentes de nuestro tiempo.
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Este libro analiza un fenómeno musical sin precedentes en nuestro país: Mecano sigue siendo, más de dos décadas después de su separación, la formación española con más discos vendidos en el mundo. La obra nos sumerge en sus letras para señalar su dimensión poética y mostrar las influencias literarias, pictóricas y cinematográficas de sus autores, En el terreno musical, se detiene en la evolución del sonido del grupo, desde el tecnopop hasta una propuesta de raíces españolas, De este modo, el estudio de las letras y la música de Mecano permiten valorar en su justa medida la notabilísima aportación del grupo a nuestro cancionero popular contemporáneo, Sus autores se preguntan también si Mecano nació para ser una banda políticamente correcta, cuyas letras exhibieran algunos asuntos de calado sociológico sin hacer mover los pilares del statu quo establecido, El estudio de los motivos líricos y musicales de sus canciones invita a concluir que el grupo fue rupturista en todos los sentidos, también en el plano social y cultural,
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Partituras para aficionados al piano.
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Un exhaustivo informe de lo que fue aquella década, tras su diáspora, para los dos miembros principales del conjunto. Relata, basado en una apabullante documentación y con profusión de detalles, la vinculación personal de ambos, tan prolija en altibajos, interrumpida abruptamente por el asesinato de Lennon, el 8 de diciembre de 1980 frente al célebre Dakota Building. ¿Estaban en serio preparados para iniciar carreras solistas sin el grupo que los había encumbrado? ¿La crítica y el público estarían de su parte o no les perdonarían haber disuelto la banda? ¿Se podía sobrevivir a Los Beatles? Desde una óptica objetiva, se aborda la vida y la obra de John y Paul, con George y Ringo como espectadores omnipresentes, tratando de explicar cómo su vínculo fraternal degeneró en otro no exento de conflictos y acusaciones mutuas y que supuso un ultraje al optimismo y felicidad que transmitieran Los Beatles con sus canciones.
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Little Richard abrió el camino para generaciones de músicos: los Beatles, James Brown, los Everly Brothers, Jimi Hendrix, los Rolling Stones, Elton John, Prince...La lista es interminable. Él era «el Origen», «el Innovador» y el autoproclamado «Rey y Reina del rock and roll». Cuando falleció el 9 de mayo de 2020, La gran vida de Little Richard, que estaba casi terminado, se actualizó inmediatamente para cubrir la respuesta internacional a su muerte. Esta es pues la gran biografía de Richard Wayne Penniman de Macon (Georgia, Estados Unidos), quien fue, hasta su fallecimiento, el último dios vivo del rock, el gran Little Richard. Mark Ribowsky, aclamado biógrafo de íconos musicales, explora la maestría musical de Little Richard, su vida familiar, su lucha contra el racismo, sus relaciones con otros personajes famosos de la época y con los medios de comunicación, y su eterno conflicto interior entre su religión y su sexualidad.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
