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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Leone Magiera nos ofrece en este libro de recuerdos una visión completamente nueva de Herbert von Karajan.Amigo y colaborador del Maestro durante muchos años,además de analizar en profundidad su técnica de dirección, Magiera nos cuenta en sus encuentros con Karajan detalles curiosos y sugerentes de la personalidadmás escondida y secreta del gran director salzburgués.
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El mundo sonoro del siglo XX plantea un paseo por las obras clásicas más populares del pasado siglo con un carácter informal y divulgativo, accesible para cualquier lector y dejando aparte consideraciones estrictamente técnicas. Su perdurabilidad a lo largo del tiempo convierte dichas obras en referentes, más allá de criterios técnicos y formales, hasta ser modelo para aficionados y compositores de nuestro tiempo. Si no lo son ya. Aquí tenemos un ensayo de selección, año a año y escogidas desde múltiples puntos de vista. El objetivo es divulgar, entretener y, ante todo, aprender que la música clásica es un concepto tan indefinido como cambiante, en el que cada pieza tiene siempre un relato detrás de sí, sujeta a las circunstancias de cada compositor y cada oyente. Así se dibuja en su conjunto un recorrido poco convencional del arte musical durante el siglo pasado, a través de una selección muy personal. Tal vez, en un futuro y con mayor perspectiva, las obras aquí descritas permanecerán como fondo sonoro de nuestra memoria colectiva y alcanzarán el privilegio de pertenecer al género clásico.
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Cuando una devastadora tragedia personal aplastó sus sueños de adolescente, Kid Congo Powers encontró consuelo a través del fandom, como fundador del club de fans de los Ramones de la costa oeste. Un encuentro casual con otro inadaptado punk chicano que dirigía el de Blondie, Jeffrey Lee Pierce, en la fila del Whiskey-A-Go-Go para entrar a un concierto de Pere Ubu, cambió el curso de su vida. Pierce le propuso formar una banda. Nació así The Gun Club, y comenzó la que parecía una improbable transición de admirador hasta artista. En Pierce encontró hermandad, una voz creativa y una causa común por la autodestrucción que se alargaría durante años. Extravagante, graciosa y conmovedora, con una evocación perfecta del tiempo y el lugar, el libro es una memoria de transformación personal, adicción y recuperación, amistad y pertenencia, en contraste con la implacable creatividad y el exceso de las escenas musicales underground de los las décadas de 1970 y 1980.
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¡El miedo acecha al territorio! reúne los escritos del músico Thom Yorke y el artista visual Stanley Donwood entre los años 1999 y 2000, un período marcado por el proceso creativo que dio lugar a dos de los discos más experimentales y aclamados de Radiohead, Kid A y Amnesiac.Faxes, notas, letras de canciones, dibujos, listas, garabatos, todo un collage que documenta el trabajo de dos artistas en plena ebullición. El resultado es una fascinante inmersión en dos álbumes que son ya dos clásicos de la música contemporánea, reflejo de los miedos, augurios y fantasías que el mundo provocaba con la llegada del nuevo milenio.«Los temas que el libro explora -el calentamiento global, la vigilancia gubernamental, el poder corrosivo de internet- siguen siendo sorprendentemente vigentes».The Scotsmanrix de Flore y el Prix Maison Rouge, esta divertid¡sima y afilada sátira llena de matices sobre la cultura de la cancelación y el choque generacional ha confirmado a su autor como una de las voces más interesantes del actual panorama literario francés.uando la atracción femenina entra en conflicto con una cultura masculina en crisis.el Manzano Martos, protagonista, junto con Chueca, del rescate del Arco de la Latina y su subsiguiente reconstrucción en la Ciudad Universitaria.
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¿Por qué se unió Tragabuche a los bandoleros llamados Siete niños de Écija? ¿Murió dos veces el Beni de Cádiz? ¿De quién se dijo que el que no fuera a escucharlo cantar es que no tenía vergüenza? ¿Qué relación tenían las Camelias con Valle-Inclán o los hermanos Romero de Torres?, ¿Por qué se organizó realmente el Concurso flamenco de Granada? ¿Qué se escondía en los cafés-cantantes? ¿Qué mágica relación existe entre el toro y el cante? ¿Quién era la bailaora de la que decían que mareaba mirarla? El flamenco es un tesoro inabarcable en sus formas y en sus tiempos. Desde que el flamenco no era flamenco hasta que fue declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco ha estado presente en todo el mundo, desde el cabo de Trafalgar al Paralelo de Barcelona, desde el Levante hasta los fandangos de Huelva. E incluso, cómo no, traspasando las fronteras, no en vano la primera cátedra de guitarra flamenca se creó en Róterdam. Pero como todo gran tesoro esconde grandes secretos. Eduardo J. Pastor Rodríguez desentraña en esta apasionante y deliciosa obra muchos de los interrogantes que rodean al mundo del flamenco dotándole de ese embrujo que lo hace eterno. «Eduardo Pastor, conocido por sus numerosas publicaciones sobre flamenco, se expresa en un lenguaje sabroso, espontáneo y elegante». Jacques Issorel, Catedrático honorario de la Universidad de Perpignan (Francia)
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Este es un libro sobre música pop. Todo aquel que no sea fan de ésta entra aquí por su cuenta y riesgo Este libro va de: discos, miedo, 1995, Mose Allison, vida-entre-tíos, música-para-tíos, skinheads, Rachmaninov, Kiko Amat, la familia y los amigos de Kiko Amat, Robert Forster, hurra por el blues de todos, 1993, mod revival, The Chords, masculinidad, debilidad, pena, The Dictators, subcultura, Top Secret, Una Gran Noción, Alison Statton, Weekend, Radio80 Serie Oro, Catalunya Música, 1930's dance band music, Dennis Potter, De La Soul + Teenage Fanclub, gangsta rap, el cringe, la música triste de Jimmy Webb, el deep soul y la curación por la canción, Bill Withers como modelo a seguir, el Rarities de los Who, la música de mil chaquetas de tweed, Billy Childish, sombreros, defender el atasco y el anacronismo y la tradición y la experiencia, ''I don't like cynicism'', una de las Mejores 20 Fiestas de mi Vida, Kwik Safe, Cricklewood, robar en Virgin Records, David Papiol, britpop, Blur, ''Wonderwall'', Mega City Four, Hurrah!, ser fan en contra de Morrissey, la nostàlgia que hay que explicar, a la mierda el canon, The Fleshtones y 10 canciones odioses.
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Cuando Harry Styles hizo el primer cásting para The X Factor en 2010, soñaba con convertirse en cabeza de cartel como solista. Ahora, tras haber liderado la boy band más popular del siglo -One Direction- y tener una carrera como solista y como actor, Harry se ha hecho con un estatus de culto en el panorama internacional. Vida y música de Harry Styles explora el fenómeno en que se ha convertido, resiguiendo su vida y su carrera hasta el más mínimo detalle. Del chico descarado y fresco de su primera aparición en pantalla al artista polifacético y seguro de sí mismo, esta es la historia de cómo nace un icono del siglo XXI. Músico ganador de un Grammy, aclamado actor y creador de tendencias, Styles rompe fronteras continuamente, desde su aparición en la portada de Vogue con un vestido hasta su apoyo a organizaciones benéficas y a la comunidad LGBTQ+. Y a pesar de todo, nunca ha perdido su encanto, su optimismo y su lema, TGCA: Trata a la Gente Con Amabilidad.
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Un honesto relato en primera persona sobre los límites del éxito y el fracaso, del amor y el odio a uno mismo.Una historia de amor, música, ansiedad, sueños y locura. Volvió otra vez la primavera y yo volví a sacar del bolso un cuaderno. Pero no era el cuaderno de las canciones. Era este cuaderno que tienes entre las manos. Al principio estaba asustada, no te voy a engañar, pero esta vez me sentía más tranquila. Sonreía con los ojos llenos de polvo de estrellas... Espera, espera... ¿te has perdido? No te preocupes, te explico rápido: en 2002 entré en Operación Triunfo, pero me expulsaron la primera. Me convertí en la perdedora más famosa de España. Tres años después, formé el grupo Nena Daconte. No era la primera vez que tenía un grupo, pero en esta ocasión dimos en la diana. Nos fichó Universal y llegó el éxito arrollador. En qué estrella estará sonaba grande y con derecho propio. Premios, giras, todas las puertas abiertas... Pero en aquella época fumaba porros y empecé a abusar del alcohol. Comenzó una etapa de autodestrucción que terminó en mi primer brote psicótico. Un año después, con la canción Tenía tanto que darte el éxito fue imparable, demoledor. Continuaron las paranoias, la ansiedad y el miedo. Difícil combinación. Todo era malo en mi cabeza. El triunfo me sentaba fatal, la culpa me comía por dentro y destruía todo lo que viniera de mí. Hicimos más de doscientos conciertos en un año. Mi salud mental empeoró. Desde entonces, tuve varios diagnósticos psiquiátricos diferentes: depresión psicótica, trastorno bipolar de la personalidad, ansiedad... Un médico me dijo una vez que con los años se iría agravando. Y así fue. De todas las relaciones tóxicas que tenía, la peor de todas era con la música, así que lo dejé. Abandoné. Desaparecí. Hui. Al menos hasta hoy, cuando volví a sacar del bolso este cuaderno... He hecho un largo viaje hasta llegar aquí. ¿Quieres saber cómo fue? María Isabel Meneses nació en Madrid en el seno de una familia numerosa que, por motivos laborales, se mudaba a menudo de ciudad. Desde niña se interesó por la música, influenciada por sus hermanos mayores. Y siendo ya una adolescente formó su primer grupo, con el que hacía conciertos en pequeñas salas. En 2002 entró en Operación Triunfo. Tras su fugaz paso por el programa musical, formó junto a su entonces pareja, el músico Kim Fanlo, el grupo Nena Daconte, nombre tomado del personaje de una novela de Gabriel García Márquez. En 2006 publicaron su primer álbum, He perdido los zapatos, que logró el Disco de Oro y por el que Nena Daconte recibió el Premio Ondas como Artista Revelación. El segundo sencillo de ese álbum, En qué estrella estará, fue escogido como la canción oficial de La Vuelta Ciclista a España 2006 y se convirtió en el primer número 1 de Nena Daconte en Los 40 Principales. En 2008 publicaron su segundo trabajo, Retales de Carnaval, que alcanzó ese mismo año el Disco de Platino. Tenía tanto que darte fue el primer sencillo de este álbum y estuvo varias semanas en el número 1 de la lista de Los 40 Principales. El videoclip de la canción ha tenido más de doce millones de visualizaciones en YouTube. En 2010 el dúo Nena Daconte se separó y Mai continuó su carrera en solitario. Publicó tres discos, Una mosca en el cristal, Solo muerdo por ti y Suerte# Este año sacará su nuevo álbum con la discográfica Subterfuge.
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Cumplidos los 250 años de su nacimiento, ¿por qué sigue Beethoven estando tan vivo y tan de actualidad? En palabras del propio Beethoven El Arte exige que no nos quedemos quietos, motivo por el que seguimos celebrando su inconmensurable genio -cercanos a conmemorarse los 200 años del estreno en directo de la Novena Sinfonía- con la edición en castellano de la novela gráfica Beethoven. La sinfonía final.
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En otoño de 1965, la cantante de blues Willie Mae «Big Mama» Thornton hace una gira por Europa con el American Folk Blues Festival. En cinco semanas recorre ciudades como Berlín, Copenhague, Estocolmo, Bruselas, Amsterdam, Dublín, Londres, París y Barcelona. La acompañan, entre otros, los músicos John Lee Hooker, Buddy Guy, Walter «Shakey» Horton y JB Lenoir. Una chica sin suerte sigue a la salvaje Big Mama Thornton en esta gira en la que se descubre el pulso cambiante de los contradictorios años sesenta. De fondo, la lucha de los afroamericanos por los derechos civiles, la guerra en Vietnam, los movimientos contraculturales y las drogas. Todo a ritmo de blues, una música nacida de la pobreza y de la resistencia. «Soy gorda. Y negra. Pero valgo más que todos vosotros, bastardos. Nunca nadie me enseñó nada. Nunca fui a la escuela de música ni nada parecido. Si escucho un blues que me gusta, intento cantarlo a mi manera. Siempre es mejor hacer las cosas a tu manera. Mi forma de cantar viene de la experiencia. De mi propia experiencia. De mis propios sentimientos. No canto como nadie excepto como yo misma».
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Los múltiples y variados proyectos artísticos realizados por Niño de Elche durante los últimos años desbordan las categorías tradicionalmente asociadas a ''lo musical'' y se sustentan en un conjunto de reflexiones que, a su vez, se extienden más allá del terreno estrictamente artístico, para alcanzar otros ámbitos como el del pensamiento político o la teología. Sobre todo ello se dialoga en este libro, en el que esa subjetividad escindida entre Francisco Contreras / Niño de Elche conversa con Miguel Álvarez-Fernández, con quien ha colaborado en diversas iniciativas artísticas, y que hace emerger en estas páginas el pensamiento singular, indócil y provocador de Niño de Elche. Todo ello configura un texto que aspira a ensanchar la noción de ''música'' mucho más allá de lo que ciertos críticos, académicos, programadores, instituciones y melómanos parecen dispuestos a admitir. Se trata, en fin, de una invitación a ejercitar una escucha más dilatada y generosa, que quizá pueda servir para ampliar nuestras perspectivas sobre el arte (e incluso la vida, si es que se trata de algo diferente).
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¿Está la música de nueva creación ante la encrucijada de salirse de tono, no ya del bello tono de los instrumentos, sino del medio exclusivamente sonoro como tal?La música de nueva creación (aquélla que aún no hemos creado y, por tanto, sólo está si acaso en nuestras mentes) se halla ante una bonita encrucijada, fruto de una situación más patente que latente: ya hemos escuchado todos los sonidos. Y no solamente los hemos escuchado, sino que, hoy en día, si bien quizá es un poco arriesgado afirmar que hemos escuchado todas las combinaciones posibles de sonidos, no lo es tanto decir que rara vez encontramos alguna combinación que nos sorprenda.Y aquí surge la primera pregunta ante la encrucijada: ¿es importante la sorpresa? Quizá no, y podemos simplemente colgar el cartel de Fin de la Historia y seguir componiendo sin más, utilizando todas esas técnicas ya históricas que hoy en día tenemos tan bien estudiadas y enseñadas. Pero quizá sí. O quizá echamos de menos aquello que, entre otras cosas, también nos aportan la sorpresa y lo nuevo: el no saber (lo que es, lo que viene, lo que suena), el cuestionarse, el que nos saquen de nuestro tono.Quizá hemos perdido la fascinación por lo meramente sonoro, es decir, por el medio tradicional de la música como tal. Quizá el medio de la música ya no es sólo lo musical (como lo aportado por los instrumentos musicales históricos), sino también el sonido cotidiano (de la calle, de la gente, de las diversas máquinas de nuestra sociedad), o quizá ya ni siquiera es sólo el sonido, y no podemos contener el desbordamiento del medio hacia otros medios más o menos sonoros como lo performativo, lo visual, lo socio-político.
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Por fin tienes entre manos el primer volumen antológico de las más destacadas delicias del periodismo musical español.Escogida y compilada por el periodista Bruno Galindo, esta exquisita selección recoge 51 míticos artículos escritos a lo largo de los últimos 60 años por leyendas del periodismo como:José María Íñigo, Joaquín Luqui, Tina Blanco, Carlos Tena, Diego A. Manrique, Ángel Casas, Constantino Romero, Pepe Ribas, Jesús Ordovás, Magda Bonet, Jordi Sierra i Fabra, Nativel Preciado, Rafa Cervera, Fernando Navarro, Mercedes Arancibia, Ruth Baza, Íñigo Munster, Ignacio Juliá, Santi Carrillo, Grace Morales, Tina Blanco, Claudi Montañá, Jerry Corral, Aïda Camprubí, ... KOKOTXAS está cronológicamente dividida en seis capítulos: ‘Todo esto era campo’ (1965-1972), ‘Underground’ (1973-1979), ‘Modernidad’ (1980-1989), ‘Revistas y suplementos’ (1994-2005) y ‘Presente y el futuro’ (2010-2022)
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La carrera de Adolfo Rodríguez está marcada por su pertenencia a dos bandas puntales de la historia de la música popular española, Los Íberos y Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Transitando por el camino púrpura, la música ha marcado el ritmo de su apasionante vida desde que con dieciséis años se echó la guitarra al hombro, Ajeno al mito, Adolfo se considera un trabajador de la música, Adolfo. Por el camino púrpura recorre su infancia en el madrileño barrio de la Ventilla durante la posguerra, sus comienzos musicales en el Madrid pop de los sesenta y en el legendario Torremolinos de la época, la grabación en Londres con Los Íberos de algunas de las mejores canciones del pop español de todos los tiempos y el tortuoso y brillante camino recorrido con Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Asistimos a su participación en la versión española de The Rocky Horror Show en los estertores del franquismo, su trabajo en una orquesta o su colaboración en decenas de anuncios y discos de diferentes artistas, así como su presencia en dos de las mejores películas del pop español Un, dos, tres… al escondite inglés y Topical Spanish, Acontecimientos que hacen de Adolfo una figura incontestable del pop español y dan forma a una larga carrera en la que la pasión por la vida ha primado por encima de cualquier otra circunstancia,
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¿Sabía que Frank Sinatra sostenía que ''Something'', compuesta por George Harrison, era la mejor canción de amor jamás escrita? ¿Que los Beatles fueron la primera formación en avanzadilla en la conquista del mundo por parte de la música británica? ¿Que Quino, el creador de Mafalda, era un beatlemaníaco absoluto y dedicó algunas de sus mejores tiras cómicas a los cuatro de Liverpool? ¿Que el inconfundible sonido y la habilidad del grupo para ganarse al público no se forjaron en los bares y clubs de su ciudad natal, sino durante los duros años que pasaron en Hamburgo? Este libro arroja luz sobre los aspectos menos conocidos del grupo más conocido de todos los tiempos: su gestación, su música, sus logros, sus fracasos, pero también su época, sus influencias, las gentes que les rodearon, los lugares relevantes, los actores secundarios que fueron cruciales para que todo sucediese como finalmente sucedió.Hay muchos libros sobre los Beatles, pero ninguno es como este.
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El inicio y el auge de la popularidad de la cantante Estrellita Castro, entre 1921 y 1936, a través del prisma de los acontecimientos sociales y políticos de la época.La trayectoria de Estrellita abarca desde que actuó con 11 años ante la reina Victoria Eugenia hasta que logra salir del Madrid republicano de la guerra, gracias al ministro socialista Indalecio Prieto, sin olvidar la dictadura de Primo de Rivera, la proclamación de la II República, la Revolución de Asturias, el terrorismo y el inicio de la Guerra Civil. Fruto de tales hechos, la artista pasa de ser apolítica a considerarse públicamente republicana de Lerroux y a simpatizar con el sindicalismo de Pestaña, años en los que, entre las violencia social, se dedicó a crear la canción andaluza, como génesis de la copla española. La novela, que toma como hilo conductor de las convulsiones sociales la vida de Estrellita Castro, hace un homenaje a los espectáculos de variedades, a olvidados y recordados artistas y compositores y a los teatros que daban vida tanto a los pueblos de la España de los años 20 y 30 como a los concurridos music-hall barceloneses y los teatros madrileños. Junto con esto, se muestra la realidad de los movimientos obreros, principalmente el anarquismo, y las perspectivas de la educación reglada. El ansia de libertad motiva y cambia la vida de los personajes. La novela contiene información desconocida o novedosa sobre Estrellita Castro hallada en la prensa de la época.
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«En este fascinante y pionero ensayo, Fred Vermorel nos descubre la cultura del fan para desvelar ?y de paso regocijarse en? el delirio literalmente idólatra que la impregna. Lejos de ser los ingenuos seres manipulados por una industria musical cínica, los fans serevelan como auténticos fanáticos subversivos que utilizan el objeto de su veneración como una manera de acceder a la felicidad y la gloria que brillan por suausencia en sus vidas y relaciones sociales. Un clásico de la literatura de la cultura popular, tejido casi exclusivamente a partir de los testimonios y confesiones de los propios fans, ''Starlust'' es, ante todo, una celebración del poder de la imaginación humana.» Simon Reynolds, autor de ''Energy Flash'' y ''Retromanía'' «El periodismo musical americano no ha producido nada remotamente parecido a ''Starlust''. En estecrisol de notas enloquecidas, súplicas pusilánimes conviven con fantasías de empoderamiento. Los fans noscuentan sus anhelos con una certeza sin fisuras quees toda una lección de humildad para todos aquellos que se dedican al análisis estético, y supongo que para los intrépidos artistas que se adentren en sus páginas, debe de ser aterrador. Hay algunos pasajes que harían que Mick Jagger se retirara a las Shetlands.» Robert Christgau, Village Voice «Lo leí de cabo a rabode un tirón? En el 65, yo era un arrogante y un capullo sin ningún tipo de empatía para con mis semejantes (ni siquiera abría la correspondencia que me enviaban los fans). Después de todo, vivía solo y me masturbaba mucho más de lo que disfrutaba con el sexo real.Creo que no he leído nada más pertinente y reveladorsobe el star-system. ''Starlust'' ha sido toda una revelación: nunca sentí que los fans fueran tan reales, tan tangibles, tan parecidos a mí mismo?» Carta dePete Townshend a Fred Vermorel «Cualquiera que haya sido un verdadero fan de cualquier figura del pop se reconocerá aquí, no sin sentir náuseas. El libro nuncapierde su tinte maníaco. Cuando has leído cien páginas puedes pensar que campas a tus anchas en los dominios del deseo reprimido y del anhelo imposible que amas de casa le profesan a Barry Manilow, pero, de pronto, un deseo tan espantoso, tan horrendo en su disociación con respecto a la realidad, te hace salir cagando leches. Puede ser una determinada fantasía pornográfica, o quizás un simple intercambio semanal de cartas entre treintañeras fans de Barry Manilow, pero larespuesta es siempre la misma: ?¡me ahogo! ¡Necesitoalgo de aire!?. El estado de fanatismo en el que caenadolescentes y veintañeros empieza a parecer tanto una enfermedad como un mercado de la histeria urdido por razones comerciales: una enfermedad promovida comercialmente.» Greil Marcus, Art Forum «Una aguda combinación de meticuloso periodismo de investigación y crónica de cultura popular, y una extraordinaria revelación de las fuerzas ocultas del fanatismo. Compuestoa partir de diarios y confesiones, cartas y entrevistas, el libro presenta las fantasías bañadas en lágrimas de fans, casi todas escritas en el extraño lenguaje del delirio, mitad pornográfico, mitad místico.» Melody Maker «Había partes que me parecieron tan enfermizas que tuve que leerlas tres veces.» Toronto Star «Extraordinario? Estas voces obsesivas y devotas nos proporcionan el cabo suelto en la relación entre el rock y la sexualidad: el punto de vista del consumidor.» Simon Frith, New Statesman «Este libro cambiará lamanera de pensar de mucha gente acerca de cómo funciona la relación entre los fans y el star-system.» BBCRadio One
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A finales de los 80, cuando los héroes de la Movida madrileña estaban de capa caída o habían sucumbido a la tentación del mainstream y las multinacionales, surge una nueva generación que, fuertemente influida por el pop-rock independiente británico y norteamericano y por la proclama del punk del «hazlo tú mismo», empieza a gestar un nuevo universo sónico que bascula entre el noise, el rock de garaje y el pop más naíf y etéreo. Al mismo tiempo, de los lugares más insospechados del territorio español, algunos jóvenes deciden montar su sello discográfico, a veces incluso en su casa, sin más medios que un fax, un teléfono y una estantería. También aparecen numerosos fanzines que, a base de corta y pega y fotocopias, se hacen eco de la nueva escena musical, la mayoría de veces para ensalzarla, pero también para parodiarla y denigrarla. Nace así el indie en España. El periodista musical Nando Cruz, tras un año y medio de trabajo y después de entrevistar a más de cien personas, compone por primera vez el apasionante retrato de una generación que, amplificada por una prensa especializada que acogió sus propuestas con un entusiasmo inusitado, se presentó como la alternativa musical de los 90. «Pequeño circo» es un recorrido por aquella década construido a través de las anécdotas, confesiones, epopeyas, ambiciones, errores, trapicheos, éxitos y fracasos de sus protagonistas. Pero entre los recuerdos y reflexiones de los entrevistados, también se cuela una mirada reflexiva y crítica, fruto del análisis y la distancia que proporcionan los más de veinte años transcurridos desde que empezó a cobrar forma aquella escena.
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La historia del flamenco plantea tantas dudas que cualquier hipótesis puede ser una aventura. Los orígenes del flamenco. Amanecer en Jerez y los Puertos, incide en una de sus innegables cunas y reconstruye el camino que recorre para dejar de ser entretenimiento y expresión del dolor de colectivos marginales y desfavorecidos históricamente como los gitanos, los moriscos y los esclavos, para convertirse en Patrimonio de la Humanidad. En ese proceso de investigación se determinan las razones que sitúan sus orígenes en la bahía de Cádiz, y el porqué de su consolidación entre algunas familias de las gitanerías jerezanas de Santiago y San Miguel, en las que se da el determinante salto de la profesionalización de sus intérpretes y se marcan los caminos del arte desde la memoria de los cantaores más señeros y significados. Un recorrido que se inicia en el enigmático Tío Luis el de la Juliana, que insiste en la leyenda de Manuel Torre, o recupera las figuras de Rita la Cantaora o Mercedes la Serneta, hasta desembocar en las lindes de la modernidad con la Paquera o José Mercé, entre otros tantos que han escrito la historia del flamenco. Se dedica un capítulo a la relación de Federico García Lorca con los gitanos de Jerez. Y una atención muy especial al Romance de la Guardia Civil española, que se interpreta a la luz de los que se conocieron como los sucesos de la Mano Negra, con cuya espeluznante historia se relaciona el poema. Recorre el camino del flamenco desde sus orígenes en Jerez y los Puertos como expresión del dolor de los desfavorecidos hasta convertirse en Patrimonio de la Humanidad. Manuel Bernal Romero es natural del pueblo sevillano de Los Palacios y Villafranca, profesor, investigador y escritor. Ha publicado los ensayos Federico García Lorca o la concepción moderna del flamenco, El flamenco y la generación del 27 (Renacimiento), La invención de la generación del 27, El nacimiento de la generación del 27, La falsa influencia de Góngora en la generación del 27, Superstición, magia y esoterismo en la narrativa de Caballero Bonald, Palabras contra la amargura: las cartas de la generación del 27 para Caballero Bonald, Las novias de Bécquer y Leer en el siglo XXI, entre otros. En poesía destacan sus poemarios Las canciones del paraíso, El exilio de las alas y Cedaceros, los poemas de la calle. En narrativa, además de obras juveniles e infantiles, ha dado a la imprenta las novelas Felicidad: el cuento del mercado, El amo del mundo y El hombre que escribió Platero. Y también los libros de cuentos y relatos Mártires de la tiza y Navidad, dulce Navidad: los cuentos de la crisis. Además son suyas las antologías Mi amigo Juan Ramón Jiménez, El caballero de Argónida, Bonald para jóvenes, Bécquer, rimas y leyendas y Antonio Machado: los versos del caminante.
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Pocos compositores han gozado de la aceptación crítica o la longevidad de Jean Sibelius, que murió en 1957, a los 91 años, después de haber puesto a Finlandia en el mapa de la cultura europea, por mucho que su figura superase con creces los límites nacionales para llegar a ser uno de los pilares centrales de la música clásica contemporánea.A través de un fascinante recorrido que no explora únicamente su vida y su obra, sino también su relación con las artes visuales, la literatura, la arquitectura o la política de su tiempo, Daniel M. Grimley ofrece tanto una introducción accesible y provechosa para el público general como una novedosa y provocadora interpretación de las múltiples facetas de este creador excepcional para aquellos ya familiarizados con su música.
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Vuelven Los Chikos del Maíz con su cuarto álbum de estudio, un disco/libro de más de 90 páginas donde, en torno a la idea y concepto de FUTURO y cuidando el apartado gráfico, se dan cita los pensadores más críticos y las escritoras más relevantes de su generación: César Rendueles, Miquel Ramos, Layla Martínez o Arantxa Tirado, conforman un elenco de auténtico lujo que nos recuerda el mundo que está por venir. La educación, la cultura, el cambio climático, los derechos LGTBI o la amenaza fascista, son diseccionados a lo largo de las páginas con precisión y rigor. El futuro es nuestro. En el apartado musical, Yes Future' es el disco más arriesgado de los valencianos: surfean los tracks a ritmo de electrónica, beats ochenteros o funk destinado a reventar las pistas de baile de tu centro social preferido. Además de los ritmos acelerados, se han rodeado de un equipo de instrumentistas de primera calidad y se suceden las guitarras, los teclados Hammond y las trompetas y trombones, dando forma al que quizá sea su álbum más 'pop' y hedonista. Pese a ello, siempre hay hueco para algún himno político que remueva las conciencias y coloque la igualdad y los derechos en el centro de su discurso, porque como nos recordaron recientemente: ¿quién querría ser Coldplay pudiendo ser Fugazi? El álbum está formado por 11 tracks en donde se mira al futuro con cierto optimismo, se apuesta por soluciones colectivas frente al individualismo rampante y las voces femeninas tienen un protagonismo mucho mayor que en trabajos anteriores. En definitiva, el álbum que abre una etapa nueva que se inició tras llenar el Wizink center en enero de 2022.
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Este libro se ocupa de la música escrita por los compositores rusos más significativos del área rusa desde los últimos años del zarismo hasta la compuesta después de la caída de la Unión Soviética, haciendo especial hincapié en los maestros que, de una manera u otra, desde dentro y desde fuera, trabajaron durante los años de la dictadura de Stalin. Un repaso desde Glinka a Chaikovski, desde Rimski-Kórsakov a Músorgski, desde Rajmáninov a Stravinski, Prokófiev, Shostakóvich y sus herederos. Defiende la tesis de que los que trabajaron en los años de acero fueron el resultado de un poliédrico proceso que arranca con un coloreado y potente movimiento nacionalista hasta alcanzar una vanguardia que solo a veces es capaz de expresarse con autonomía, debido a la permanente mediatización de su asfixiante dependencia política. Indirectamente, pues, habla de las relaciones entre el espíritu de lo ruso y su inagotable y magnífica inventiva. El autor pone su empeño en clarificar ese escenario, tratando de separar la paja, que es mucha, de un trigo que pudo crecer gracias al enorme talento de unos cuantos compositores que desarrollan su arte inmersos en la inmensa mediocridad oficialista. E igualmente expone los datos necesarios para encontrar explicaciones a la posterior deriva que conduce a la sequía musical producida en la Federación Rusa desde el momento mismo de la caída del imperio soviético. El punto sin retorno de esta funesta evolución es un estado actual de la sociopolítica en el que es difícil detenerse, pero que queda encarnado en una cruenta y letal mezcla entre (in) cultura, violencia, irracionalidad religiosa e impenitente imperialismo. Como ya sucediera en sus libros anteriores para Almuzara, en este vuelve a hacer un repaso exhaustivo de los contenidos, bajo una perspectiva dominada por la sencillez y un esforzado intento de descender hasta el alma de la música. Un alma que, en este caso, tiene que ser arrancada a los pentagramas bajo el signo de la autodestrucción, ese rasgo tan grandioso, y a la vez doloroso, de la gran creación rusa. «Pedro González Mira domina en sus libros el arte, casi imposible, de escribir sobre música, porque sabe expresarse con claridad, sin enredarse en zarandajas técnicas ni perderse en vaguedades o jergas indescifrables. Comparte sus ideas muy personales, que son muchas, y sabe ponerlas al alcance de todos». Luis Gago, crítico musical de El País.
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El pensamiento político de uno de los icónicos rebeldes del rock and roll. Líder y letrista de ''The Clash'' ejerció un gran papel en la politización de toda una generación.Como líder y principal letrista de The Clash, Joe Strummer convirtió muchas de sus canciones —«White Riot», «English Civil War», «London Calling»— en algunas de las proclamas más poderosas de su época. Este ensayo repasa sus convicciones sobre toda una serie de temas como el socialismo, la alienación, la explotación, el multiculturalismo o el humanismo, analizando su influencia e impacto, y preguntándose de dónde procede y cómo han evolucionado con el tiempo. Basándose en las propias letras, en varias entrevistas y en grabaciones pirata, así como en testimonios de las personas a las que inspiró, “La política punk rock de Joe Strummer” invita al lector a un viaje a través de las influencias y motivaciones políticas que definieron a uno de los mayores iconos del punk del Reino Unido.
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Seis músicos esenciales en el desarrollo de la historia del rock, con notables cualidades artísticas tan diferenciadas que podrían completar el arcoíris musical: Freddie Mercury, George Harrison, Warrren Zevon, Johnny Cash, David Bowie y Leonard Cohen, sin embargo, tuvieron en común, entre otros elementos fundamentales en su canon creativo, el conocimiento riguroso de la proximidad de su muerte, tras ser diagnosticados con una enfermedad terminal. De modo que, en un último esfuerzo por trascender la vida, y con la conciencia articulada a la muerte, escribieron las canciones de un último disco póstumo dispuesto como legado para sus oyentes. Seis discos que albergan lo mejor que cualquier persona mordida por la muerte anhela abrazar en sus últimos días de vida para ser compartido y disfrutado, con sus autores ya instalados en una vida mejor. Alberto Manzano es un gran historiador de la música rock y un reconocido periodista musical que ha publicado para El País, El Mundo, La Vanguardia, ABC, El Periódico de Catalunya, Rockdelux y Ajoblanco. Desde 1980 ha traducido a los grandes poetas del rock en más de cien libros publicados. Es autor de ensayos biográficos sobre Bob Dylan, Lou Reed, Neil Young, Jackson Browne, Kevin Ayers, Jim Morrison y Leonard Cohen.
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A las puertas del centenario, la biografía definitiva de B.B. King, considerado -y por muchos llamado- Rey (de reyes) del Blues.He aquí la más vibrante y completa semblanza del que fuera gran pionero y el último en partir de toda una generación de profetas del blues. Riley Blues Boy King (1925-2015), más conocido como B.B. King, nació en la más absoluta pobreza en el corazón del Misisipi afroamericano subyugado por la América de Jim Crow. Su temprana fascinación por la música litúrgica y, en concreto, por la guitarra de la que se acompañaban algunos predicadores se convertiría en la vía de emancipación para dejar atrás el trabajo de aparcero a fin de batirse el cobre con y consagrar el resto de sus días a la música. Animado y fascinado por los discos de Blind Lemon Jefferson y T-Bone Walker, B.B. enseñó a su guitarra a cantar en el singular estilo solista que se convirtió en el sello más distintivo y reconocible de su arte. A lo largo de su dilatada carrera, recorrió las carreteras de medio mundo sin apenas descanso más de quince mil conciertos en noventa países a lo largo de sesenta años y varias de sus actuaciones, incluido el mítico concierto de Chicago (ofrecido en la cárcel del condado de Cook), perduran entre las grandes gestas de los anales del blues.Daniel de Visé entrevistó a casi todos los supervivientes del círculo íntimo de B.B. King. Sus voces y recuerdos pueblan estas páginas y reflejan la vida de este titán del blues del Misisipi en el que se inspiraron generaciones de artistas, desde Jimi Hendrix y Eric Clapton a Carlos Santana y The Edge.«De Visé profundiza meticulosamente en por qué y cómo el joven Riley, que llegó a este planeta desde un mundo de complicidades extremas, fue capaz, gracias a su talento, su incesante empuje y su humildad, de alzarse con el merecido título de Rey del Blues. Desempolven sus discos y disfruten de la lectura. Yo lo hice». Robert Cray, cinco veces ganador de un Grammy, guitarrista y cantautor de blues.
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Teplitz, julio de 1812. Dos de las figuras mayores de la cultura alemana, Johann Wolfgang von Goethe y Ludwig van Beethoven, se encuentran en la que es por entonces una de las ciudades-balneario más frecuentadas por la aristocracia centroeuropea de la época. El 9 de agosto, sin embargo, Beethoven escribe a Bernhard Christoph Breitkopf, editor de sus partituras: «A Goethe le agrada el aire de la corte. Más de lo que conviene a un poeta». Apenas un mes más tarde, es Goethe quien desliza sus impresiones sobre el compositor en una carta dirigida a Carl Friedrich Zelter: «He conocido a Beethoven en Teplitz. Su talento me ha llenado de asombro, sólo que, por desgracia, es una personalidad completamente desenfrenada». Siguiendo la espiral de los acontecimientos a través de la correspondencia de sus protagonistas y de los testimonios (en ocasiones, de lo más subjetivo) de Bettina Brentano, quien despertase en ambos un interés recíproco con el afán de unirlos en una suerte de amistad estelar, el premio Nobel francés Romain Rolland incluye en Goethe y Beethoven un compendio de ensayos narrativos en los que reconstruye con tanto aliento como sutileza aquella ocasión perdida y aborda magistralmente el retrato conjunto de dos genios cuya sombra creadora se extiende hasta nuestros días.
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Las memorias del cantante de AC/DC, que, tras un periplo vital alucinante y accidentado, sustituyó al trágicamente desaparecido Bon Scott al frente de uno de los grupos clave del rock duro para firmar ''Back in Black'': un hito del rock y el segundo disco más vendido de todos los tiempos. Brian Johnson nació en 1947 en Dunston, en la región de Newcastle, al nordeste de Inglaterra. Su padre fue militar y combatió en el norte de África durante la Segunda Guerra Mundial y su madre creció en el seno de una opulenta familia italiana. De muy joven, Brian se quedó prendado del rock cuando vio a Little Richard en televisión tocar «Tutti Frutti». Dotado de un potente chorro de voz, pronto empezó a destacar entre el coro de los boy scouts y no tardó en montar los primeros grupos de versiones. Mientras trabaja como delineante en una gran empresa de turbinas de vapor y pasa una temporada como paracaidista del Ejército, se pone al frente de Geordie, con los que consigue colocar un single en el Top 10, salir en el Top of the Pops y hacer giras por Europa y Australia... Sin embargo, la suerte del grupo se estancó y, tras una serie de álbumes fallidos, Brian Johnson se encontró en la ruina, separado, con dos hijas pequeñas y una amenaza de embargo. Pese a todo, superada la treintena y cuando parecía que el sueño del rock se esfumaba, fue convocado para un casting de AC/DC, que tras la trágica muerte de su cantante, Bon Scott, estaban en un impasse. Brian sorprendió a los hermanos Young con su potencia vocal y pericia con las letras, y lo enrolaron para grabar el que sería a la postre el mayor éxito del grupo: ''Back in Black'', grabado en las Bahamas y que incluye himnos como ''Hells Bells'' o ''You Shook Me All Night Long'', y que acabaría siendo el segundo disco más vendido de todos los tiempos. Narrado con humor y con una sensibilidad poco común entre la fraternidad del rock, ''Las vidas de Brian'' es un excepcional y emocionante testimonio de una de las grandes voces del rock.
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Cuando, a comienzos de 1991, el mánager musical Danny Goldberg aceptó hacerse cargo de Nirvana, la banda era solo una de muchas en la agitada escena underground de Seattle, y su líder, Kurt Cobain, estaba lejos de ser el icono de la cultura popular a la altura de John Lennon o Elvis Presley en el que terminaría convirtiéndose. Goldberg trabajó con Kurt Cobain hasta 1994 y fue testigo del éxito estratosférico de Nevermind que consagró a Nirvana, asistió a su boda con Courtney Love y al nacimiento de su hija y, finalmente, fue testigo de su lucha contra la adicción a la heroína que lo llevó al suicidio.Goldberg resucita recuerdos no publicados hasta la fecha, indaga en sus archivos personales y recupera entrevistas a familiares, amigos y compañeros de banda para explorar la inmensa creatividad y brillantez que Kurt Cobain proyectó sobre su música, la increíble mezcla de compasión, rebeldía, feminismo y ambición que reunía, y el legado que forjó con su particular visión del punk-rock.
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Cuando su madre se estaba muriendo, Philip Kennicott empezó a escuchar de manera obsesiva la música de Johann Sebastian Bach. Era lo único que no le resultaba trivial e irrelevante en un trance tan delicado. También tras el fallecimiento, en medio del duelo, Kennicott encontró en las composiciones de Bach una mezcla única de alegría y dolor, una pulsión dual de celebración de la vida y experiencia de su propia muerte. A partir de este momento, tomó una decisión: adoptaría a Bach como guía para su crecimiento personal y volvería a tocar el piano ...un instrumento que aprendió de niño, y que odió en la adolescencia... para estudiar una de las mejores obras maestras del teclado del compositor alemán: las Variaciones Goldberg. Con una brillante carrera como crítico de música y de arte a sus espaldas, Philip Kennicott quiso dejar constancia, a través de estas páginas, de sus esfuerzos para estar a la altura de este desafío autoimpuesto. Como en la técnica musical del contrapunto ...de la cual Bach es considerado el maestro absoluto..., en este libro se combinan dos melodías para formar un conjunto armonioso, bello y conmovedor: por un lado, la historia personal de Kennicott, un joven atenazado por la dominante figura de su madre, a la que amó y odió tanto como al piano que ella le forzó a tocar, y por el otro, la historia de Johann Sebastian Bach y sus Variaciones Goldberg, una obra misteriosa, con muchas lagunas de información, que gracias a intérpretes como Glenn Gould se ha convertido en una de las composiciones más escuchadas y queridas de la historia de la música. Un libro sobre la pérdida y la falta de afecto que se transforma, con el paso de las páginas, en una bella historia de amor por la música y por la vida.
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Este libro nace al preguntar qué nos pueden decir y aportar hoy el pensamiento y la obra de Luigi Nono. Y parte del convencimiento de que cualquier acercamiento a su figura obliga irremediablemente a pensar cómo entendemos las relaciones entre música (o arte) y política, una cuestión a la vez difícil y vital, ya que va implícita la pregunta acerca de las relaciones entre arte y vida.Nono no dejó de preguntarse acerca de los vínculos entre arte, música y política. El lenguaje o las técnicas utilizados, las relaciones que se establecen entre los diferentes agentes implicados, qué papel desempeñan las nuevas tecnologías, cómo situarse ante y comprometerse con las situaciones de injusticia o violencia que se dan en el mundo en el que vivimos, y cómo contribuir al cambio o, incluso, a la revolución, desde la propia práctica artística son algunas de las cuestiones que le acuciaron y a las que trató responder desde su obra y su vida sin hallar respuestas cerradas.En el momento en el que nos encontramos, sumidos en una gravísima situación medioambiental, política y económica, el compromiso vital y artístico de Nono puede ayudar a preguntarnos hoy, con toda su complejidad, cómo queremos hacer y vivir el arte, la música, en este mundo en el que vivimos.
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* ¡Cante con todas sus fuerzas! Es una certeza: cantar es bueno para nosotros. Entre otros beneficios, reduce la presión sanguínea y mejora la autoestima y la postura. * Este libro ofrece una guía experta y ejercicios prácticos para ayudarle a añadir ritmo a su vida. * De la mano de Rosie Dow, profesora de canto con una extensa carrera y experiencia, descubra cómo controlar la voz, disfrutar de los beneficios físicos y emocionales del canto, y conectar con sus necesidades y sus puntos fuertes. Tener voz significa ser humano. Su voz es solo suya, un sonido que surge de lo más hondo de su espíritu, creado con su cuerpo y dotado de su historia personal. Cuando utilizamos la voz al cantar, compartimos experiencias y emociones. Conectamos con los demás y con el mundo que nos rodea de un modo único. Para cantar con confianza es preciso que el cuerpo esté preparado y que el corazón y la mente estén abiertos. Con algunos conocimientos y práctica, todo el mundo puede encontrar su voz de cantante y, de ese modo, dar rienda suelta a la convicción y la inspiración para compartir su historia y mejorar su vida. Ha llegado el momento de que el mundo escuche su voz.
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El fenomen de la Cançó Catalana -de Raimon a Gato Pérez- narrat per un testimoni excepcional.Serrat, Raimon, Llach, Maria del Mar Bonet, Sisa, La Trinca, Pau Riba, Gato Pérez i tants altres cantants van constituir el moviment artístic de la Nova Cançó, que va canviar la fesomia del país i que forma part per sempre més del patrimoni cultural dels Països Catalans. Antoni Batista, que va exercir de crític musical durant els anys d'auge de la Cançó, explica les claus d'aquest fenomen: la història, els cantants, les cançons i l'impacte popular tant a casa nostra com en escenaris de tot el món. Només des de les entranyes i des de l'amistat amb els protagonistes es pot escriure un llibre tan amè, ric i ple d'humanitat com aquest.
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Homenaje a la mítica banda británica y a la icónica película que marcó a toda una generaciónLa gran celebración de Quadrophenia con motivo de su 45 aniversario, el legendario filme basado en el doble álbum homónimo de The Who, un homenaje con palabras e imágenes a toda una época anclada en las raíces de la cultura mod de la banda ''en aquellos años ya unas estrellas del rock en la cima de la fama'' y su influencia e impacto tanto en la primera ola de bandas como en posteriores y actuales. En esta obra, el reputado crítico musical Martin Popoff profundiza en el legendario álbum de 1973, la segunda gran ópera rock de The Who tras Tommy, y explora minuciosamente la trayectoria y la discografía completa del grupo, junto con los temas sobre los que giran sus composiciones, revive la época de publicación del disco, analiza las letras canción a canción, el contexto histórico y los instrumentos usados en él por sus integrantes, así como el tour y, por supuesto, la película de 1979, eje central de este libro. Descubrirás así esta gran obra de arte distinguida y considerada de culto, así como los perfiles de cada uno de los integrantes del grupo, los genios Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle y Keith Moon (y también de sus exasperantes primeros mánagers, Chris Stamp y Kit Lambert), cuyas diferentes y dispares personalidades se sumaron para dar lugar a una configuración extraña, en absoluto similar a la esperada y habitual en la mayoría de las bandas de rock, que unieron sus talentos para formar un grupo inigualable. El resultado de todo ello es este libro, un alucinante tributo a esta obra de arte del rock.
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La inspiración suele entenderse como la presencia de un influjo extraordinario en la creación artística, como un elemento misterioso directamente vinculado al carácter perdurable de la obra tocada por este hálito trascendente. Además, la capacidad de la música de ahondar en este ámbito elevado, asociado a la divinidad, impulsa la obra artística a la categoría de revelación: ya era esta la intención última de los aedos de la antigüedad, y quizás también la ha sido para grandes compositores que, como Bach, Beethoven o Brahms, escribían conscientes de tocar con su arte los resortes de la intimidad humana y vigorizarlos. Como decía George Steiner, la música es la teología de los que no tienen ningún credo formal. En este ensayo, el musicólogo y cantante Josep Maria Gregori reflexiona sobre la relación íntima de la música con la inspiración, la sacralidad y el pensamiento simbólico. Y lo hace sumergiéndose en la experiencia trascendente de la creación de algunos grandes compositores, transmisores del vínculo que une el mundo humano y el arquetipal. Estudia el relato platónico de la armonía de las esferas y analiza su aplicación a los mitos de las sirenas y las musas. Por último, se adentra en la figura de Orfeo y en la obra que Striggio y Monteverdi le dedicaron, y propone un análisis afinado de este hito musical que conjuga sonido, número y palabra como expresiones de un único verbo.
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El baix d'òpera Miquel Riera (Manacor, 1859-1939) va cantar al Teatre Alla Scala de Milà, al de Sant Petersburg, a Odessa, al Teatro Colón de Bons Aires, a l'Albisú de l'Havana, al Teatro Real de Madrid, a Mèxic, Puerto Rico, l'Uruguai i molts altres indrets. La seva carrera fou, sens dubte, de dimensió internacional, però la seva figura no és coneguda. Aquesta obra presenta un treball coordinat per Bàrbara Duran sobre dos estudis previs: els records, les anècdotes i els articles reunits per Ramon Codina Bonet, i la recerca realitzada per la mateixa Duran a partir d'una biografia elaborada pel net del cantant Riera, l'arquitecte Antoni Riera Jaume. El pròleg de Maria del Mar Trias Magraner enquadra els dos treballs, i també la riquesa del món mallorquí de la música escènica al final del xix i al començament del xx, que arribava a més de cent cinquanta representacions per temporada.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
